L’heure du ‘Best Of’ a sonné pour les trublions punk hardcore de Tagada Jones. A l’heure de fêter leurs 30 ans et 10 albums au compteur, les Rennais ont choisi de nous offrir une compilation avec une particularité : celle d’une relecture musicale de leurs tubes emblématiques réenregistrés et réorchestrés, notamment en compagnie des Bidons de l’An Fer ou d’un quatuor à cordes, sans oublier un inédit (« Le Poignard »), qui démontre que les interprètes de « Mort Aux Cons » préparent déjà la suite !
« TRNT - Best of 1993-2023 » (trente ans déjà pour les non-initiés) nous propose 15 morceaux repensés... et un inédit, en un peu plus de 54 minutes, qui pètent le feu. Aux antipodes d’une simple compilation, cet opus concentre tout ce que représente Tagada Jones depuis ses débuts : rester fidèle à son indépendance et à des principes tels que l’absence de concessions, le politiquement incorrect et une véritable conscience sociale.
Piochant dans le punk, le hardcore voire le métal avec un certain sens de la mélodie, Tagada Jones est un phénomène inédit francophone partageant l’ADN des Béruriens Noirs, des Sheriff, de Parabellum et le goût fougueux de The Exploited ou de Bad Religion, tout en incarnant personnifiant la rage et la ténacité. Il s’est construit sur une base solide en explorant, au cours de sa carrière, différents paysages musicaux.
« Le Dernier Baril » est un des hits sauvages de la formation parmi les plus récents. Il a bénéficié d’un mixage qui fait rebondir les notes contre les parois en fer de bidons d'or noir.
Totalement dépoussiéré par un hardcore vif et clair (vif éclair en somme), « Zéro de Conduite » est l’occasion de remonter aux premiers tubes du combo, avant les trois derniers long playings qui ont achevé de propulser Tagada Jones parmi les bulldozers de la scène alternative française.
Si le très électro/rock « Manipulé » ne nous rajeunit pas, « Le Poignard » (la vidéo est à voir et écouter là) plante un inédit susceptible de nous faire patienter jusqu’au successeur de « A Feu Et A Sang ». Rapide, revanchard et jouissif, ce punk-rock puissant suggère un Bad Religion à la française et serait bien capable de nous fera sautiller tels des démons dans les futurs circles-pit. Dans la même veine, le réenregistrement du punk « Combien De Temps En Cordes » (le clip est disponible ici), arrangé au violoncelle, est surprenant. Cette intervention parvient à puiser le spleen qui est en nous. Du punk symphonique ? Fallait oser, et c’est réussi.
« Nation To Nation » émarge davantage au rock indus. Intéressant, le chant british affiche ce côté rugueux sur les angles(ais).
Beau bilan de carrière pour Tagada qui possède toujours la hargne et la fougue d’une jeunesse toujours d’actualité.
Après avoir écrit et joué dans différentes sections rythmiques pendant la plupart de ses années de formation, Hazlett a trouvé une maison créative en Suède. En effet, il a emballé ses affaires et réside maintenant à Stockholm. Il a fondé son projet solo là-bas avec l’aide d’un ami proche et producteur Freddy Alexander.
Après avoir gravé son premier elpee, « Bloom Mountain », suivi de l’Ep « Goodbye To The Valley Low », en 2023, Hazlett vient de sortir son nouveau single, « Bones Shake ». Un fond entêtant de guitares fragmentées et des paroles sincères sont à la base de cette chanson folk sur le passage à l'âge adulte, culminant dans un refrain turbulent mais aérien qui sonne comme un exutoire de sentiments refoulés.
Né en Australie, fleuri en Suède, ce nomade des temps modernes a tourné en Europe et en Australie. Aujourd’hui, il est un musicien en pleine ascension. Il prévoit également un nouvel album pour l’an prochain.
La vidéo de « Bones Shake » est à voir et écouter là
Pianiste de jazz, chanteur et compositeur franco-iranien, Arshid Azarine est l'un des grands représentants du jazz persan en France.
Son quatrième elpee, « Vorticity », est paru ce 12 avril 2024. Il est imprégné à la fois des événements qui viennent de se dérouler en Iran, de sa vie personnelle et de ses deux passions inséparables : la recherche en imagerie cardio-vasculaire et le jazz d'inspiration persane.
Cette dernière année a été surtout marqué par un engagement d'Arshid Azarine au sein du collectif Barayé, constitué en octobre 2022, en soutien au mouvement Femme, Vie, Liberté.
Après trois albums qui l'ont amené à se produire dans de nombreux concerts et festivals internationaux on le retrouve, pour ce long playing, avec ses deux partenaires de toujours : Habib Meftah aux percussions et au chant ainsi que Hervé de Ratuld à la basse.
En ce sens, cet LP composé de neufs titres, promet une expérience sensorielle, touchante et poignante. « Vorticity » n'est pas un album de musique ordinaire : c'est un phénomène en soit. Une œuvre de création totalement singulière dans son expression la plus pure.
Pour le titre maître, il a reçu le concours de Golshifteh Farahani. Le premier son de cette compo est une note de piano très grave. Cette note initiale, alarmante, se transforme ensuite en un motif captivant, beau, doux... mais aussi inquiétant, puisqu’il s'agit en réalité d'une pulsation, d’un bruit de scope, familier pour un médecin mais totalement inattendu ici, surtout lorsque la basse entre en jeu et que les percussions se font entendre en un 6/8 tragique, comme les danses transes funèbres en 6/8 de Bushehr, ville natale de Habib Meftah.
Le clip de « Vorticity » feat Golshifteh Farahani est à découvrir là
L’Itiberê Orquestra Família da França a sorti son elpee « Live In Paris », ce 19 avril 2024, un projet réunissant 23 musiciens, dont 18 Français de jazz et 4 Brésiliens parmi lesquels figurent dont Ajurinã et Mariana Zwarg, sous l’égide d’Itiberê Zwarg, très proche collaborateur d’Hermeto Pascoal. A l’initiative du saxophoniste Benoit Crauste, ce projet a vu le jour lors du Festival Sons d’Hiver en 2022.
Le collectif avait accordé deux concerts dont on retrouve l'essentiel sur le disque aujourd'hui.
Cet opus concrétise le rêve d’un échange culturel fort autour d’une musique instrumentale innovatrice, symbole de l’amitié entre la France et le Brésil. On peut également plonger dans les coulisses de l'enregistrement avec une vidéo signée du réalisateur Clément Crauste.
Bassiste historique, considéré comme l’un des grands artisans du renouveau de la musique instrumentale brésilienne et principal collaborateur de Hermeto Pascoal, Itiberê Zwarg affirme la dynamique d’un orchestre effusif, jouant sans cesse avec l’esprit de célébration rituelle de la musique, source de vivacité et d’extase, source agitée par la transmission orale et collaborative.
La vidéo de « Live In Paris » est disponible ici
Ce dimanche 14 avril, l’Ancienne Belgique est en configuration ‘Ballroom’ pour accueillir Hollow Coves, un groupe australien, issu de Brisbane, très exactement.
Fondée en 2013 par les auteurs, compositeurs et chanteurs, Ryan Henderson et Matt Carins, cette formation pratique un indie folk, caractérisé par de superbes harmonies vocales à deux voix.
A son actif, quatre Eps et deux elpees, dont le dernier, « Nothing To Lose », est paru en mars dernier. Le band avait fait salle comble à l’AB Box, il y a 2 ans.
Le supporting act est assuré par Garrett Kato, un Canadien émigré en Australie.
A ce jour, il a gravé trois long playings : « Small Town Ritual « (2022), « Hémisphères » (2020) et « That Lown Lomesone Sound (2018).
Il débarque sur les planches, coiffé d’une casquette de basketteur et armé d’une gratte semi-acoustique. En 35 minutes, il va nous réserver 6 morceaux et notamment une compo écrite en l’honneur de son chien. L’artiste raconte que son canidé aime les belles femmes, tout comme son propriétaire. Ce qui déclenche l’hilarité dans l’auditoire. Il empoigne ensuite un harmonica qu’il présente comme son collaborateur sur scène.
Il bavarde beaucoup entre ses chansons ; mais quoique agréable, son set s’avère monotone…
Place ensuite à Hollow Coves.
Le décor est simple : une tenture est tendue en arrière-plan. Elle changera de couleur en fonction des morceaux. Installé au plafond, le light show émane d’une armée de spots.
Deux estrades, l’une à gauche, l’autre à droite, légèrement de biais, sont destinées à accueillir, respectivement, le bassiste et le drummer.
Ryan Henderson s’installe derrière son clavier, mais au cours du set, il va surtout se servir d’une guitare semi-acoustique. Armé de sa sixcordes électrique, Matt Carins se plante au centre de la scène.
Le bassiste ne tient pas en place. Il déménage et pas seulement littéralement. Pendant « The Woods », il s’installe aux avant-postes et vole carrément la vedette aux deux leaders. Mais, la plupart du temps, il s’établit une véritable communion entre les artistes et les premiers rangs.
Avant « Evermore » les comparses divisent la salle en deux. La partie de gauche est invitée à reprendre le refrain en compagnie de Ryan, alors que Matt entraîne celle de droite. Et le résultat, guidé par les deux superbes voix du duo, est remarquable. Le hit « Photographs » est de la même trempe. A l’invitation des deux compères, les smartphones s’allument dans la salle pour créer un univers parsemé d’étoiles.
Pendant « Anew », Matt incite la foule à s’accroupir et puis à jumper. Toute la fosse obtempère. Tout au long de « The Open Road », Matt souffle dans son harmonica et l’auditoire est tellement enflammé par cette intervention, qu’il n’arrête pas d’applaudir. Cocasse, la formation embraie brièvement par « Les 4 saisons » de Vivaldi.
En rappel, le band nous réserve « Costaline », la compo qui lui a permis de se faire connaître à travers le monde. Et le show de s’achever par le magnifique « Milk & Honey ».
Une prestation convaincante aux morceaux bien construits et raffinés par des harmonies vocales surprenantes qui prennent aux tripes…
Lors des deux concerts, le son était clair, presque cristallin. Installé devant la table de mixage, votre serviteur a pu constater que le volume oscillait entre 85 et 92 db. Merci pour avoir pris soin de nos portugaises !
Setlist : « Nothing To Lose », « The Woods », « Letting Go », « Purple », « Moments », « Harder To Fake It », « Let’s Go », « Evermore », « See You Soon », « Photographs », « The Open Road », « Blessings », « Anew », « On The Way ».
Rappel : « Coastline », « Milk & Honey ».
Votre serviteur doit avoir assisté à une dizaine de concerts accordés par Joe Bel, une Lyonnaise aux cheveux roux et aux yeux noisette qui lui avait d’ailleurs accordé une interview en 2015.
« Family tree » constitue son second elpee. L’arbre familial est un arbre généalogique remontant jusqu’au XVIIIe siècle, mais surtout se réfère au grand-père paternel, Narcisso, né à Izmir en Turquie en 1916 et décédé en 1995, alors que Joe n’avait que 8 ans. Elle lui rend hommage en expliquant simplement son histoire dans « Ladino » (la langue des Juifs séfarades espagnols). Elle raconte qu’il parlait cet idiome avec les parents de l’artiste, mais pas avec elle. Et utilise le même langage tout au long de « Morenika », une chanson douce, touchante et surtout très belle comme elle seule est capable de la chanter, en s’accompagnant à la sèche. Elle pourrait chanter en allemand ou en japonais, en grec ou en turc (pour faire référence à ses origines) tellement sa voix traverse les frontières, les sons, les langues. Mais elle interprète les autres morceaux en anglais ou en français. A l’instar de « Your Own Hands » qui ouvre cet album, « The Secret », « Montréal » et « Two Weeks », autres plages à épingler au cours desquelles son folk empreint d’émotion, aux mélodies entêtantes et aux couleurs méditerranéennes touche délicatement les cœurs…
Après avoir gravé « Les Animals » et « îLeL », Wilfried Hildebrandt, aka Hildebrandt, nous propose son troisième elpee « Will », une œuvre au cours de laquelle il allie mélancolie, douceur et ironie.
Au début, depuis son petit studio sis près de sa ville natale, le Rochelais postait, sur les réseaux sociaux, de petites vidéos à voix nue sur instrument brut, des clips reflétant sa simplicité, sa clarté, sa sincérité et sa générosité.
Lescop l’a remarqué le premier et lui a indiqué qu’il pourrait, un jour, produire un de ses albums. Ils sont devenus amis et non seulement Lescop a mis en forme ce « Will », mais il a construit une véritable colonne vertébrale aux douze compos à l’aide du piano, des chansons aux mélodies simples, sans arrangements électroniques ; des airs à fredonner et des paroles faussement désinvoltes.
Wilfred a des choses à raconter. Dès « A Part Ça », il initie une électro/pop hautement relevée, à l’aide de mots sensibles et poétiques. On doit tout repousser, remettre les projets à plus tard pour chérir l’urgence, pour se sentir vivant dans les tripes. Ensuite, il faut relativiser reconnaître que l’on ne va pas si mal en se préservant des angoisses.
« Rater Sa Vie « l’inspire et se sert de petits gimmicks attractifs. Il se passe d’idéal. Son duel vocal, sur le refrain, est vraiment superbe.
Bien en rythme, « On Voit Mieux La Nuit » est à la fois dansant, tendre et classieux.
Sur le plus mélancolique « Pour L’Apparat », il s’interroge sur l’utilité des artistes et leur travail de création tandis qu’il est justement rejoint par Buridane, dans sa recherche de vérité brute pour « Tu Ne Mens Jamais ».
Tout au long de « Méfie-Toi », l’ironie et la détermination mènent la danse. Cette ballade aux allures de fin de bal des années 60 monte en crescendo avant de s’élancer vers des guitares presque noisy.
« La Soif » évoque l’amour charnel qui s’inscrit dans le temps.
Le titre maître va à l’essentiel, l’artiste espérant que chacun y trouve un écho personnel. Pour Wilfried, une musique qui se fredonne est une musique réussie…
Fondé en 2019, The Maniax est une formation originaire d’Audincourt en région Bourgogne-Franche-Comté.
« Before The End » constitue son premier long playing. Toutes les prises ont été réalisées en live afin de de conserver l’énergie libérée sur les planches.
Sa musique oscille de l’alt rock au surf, en passant par le stoner. Une exception qui confirme la règle, « Dance Macabre ». A cause de la voix qui entraîne la solution sonore vers le métal âpre.
Sur cet elpee on y rencontre des riffs puissants à la Billy Talent, les distorsions profondes de Mastodon et les mélodies inaltérables de Dick Dale. De l’orgue Hammond, également. Les influences ne suffisent pourtant pas à étouffer la singularité du band qui concocte ici un rock sombre, mélancolique, parfois détraqué, au climat trouble et très cinématographique. Rien que des titres comme « Portrait Of A Murderer » et « Sortilège » ne peuvent que confirmer cette impression.
Ce concept album nous plonge dans le Londres du XIXème siècle, celui de l’Angleterre victorienne d’Edgar Alan Poe, des ruelles sombres, mal éclairées, effrayantes et mal famées de Whitechapel dans l'East End, où à sévit, en son temps, Jack l’Eventreur, et raconte l’histoire d’une femme vouée à un destin funeste, de l’adolescence jusqu’à sa mort. Elle finira par se convertir à la sorcellerie pour s’émanciper de sa condition d’être humain, et de femme également, puisqu’elle n’avait aucune place dans ce monde. Paru en single, « Wrong Book » a bénéficié d’un clip vidéo (à voir et écouter là), et nous entraîne au sein d’un univers fantastique digne du romancier. En outre, il est en parfaite adéquation avec la musique du band.
Très réussi, l’artwork est signé par Julian et Alex du studio Vaderetro.
Le troisième et nouvel album de Marina Allen, « Eight Pointed Star », paraîtra ce 7 juin 2024.
En avant-première, elle nous propose un single, sous forme de clip. Intitulé « Red Cloud », il a été réalisé par Eliel Ford (Travis Scott, Baby Keem, Jack Harlow, Wes Anderson, Baby Keem…) Cette vidéo a été tournée en 35 mm, dans le nord de la Californie Ces thèmes centraux se déploient tandis que la voix ondulante, pure et cristalline d'Allen s'élève et retombe à travers des plaines ouvertes, des plages et une froide forêt d'hiver.
A l’instar des précédents elpees, la musique de Marian Allen est teintée d'americana et de folk, dans l’esprit de Faye Webster ou Weyes Blood
‘L'imagerie entourant le Nebraska a toujours été très vivante pour moi. Ma mère me racontait comment ma grand-mère se rendait à l'école sur un poney nommé Daisy. Je suppose que cela m'a fait prendre conscience à quel point le monde a changé en si peu de temps, mais cela m'a aussi vraiment fait trébucher lorsque j'étais enfant, mais cela m'a aussi beaucoup perturbée lorsque j'étais enfant’, dit-elle. ‘Nous regardions Le Magicien d'Oz et j'avais l'impression que Dorothy était mon héritage. L'histoire de votre famille définit en grande partie qui vous êtes, et dans une large part n'est pas vraie ou vous l'entendez mal ou vous n'en retenez qu'une partie, transmise par quelqu'un d'autre qui n'est pas le même que vous. Partie, transmise par quelqu'un d'autre qui n'en a retenu qu'une fraction. Je voulais jouer avec cela. J'avais toutes ces images qui tourbillonnaient. Autour de moi, avec moi au centre, et aucune de ces sources n'était fiable.’
Le clip de « Red Cloud », est disponible ici
Little Albert, le projet solo blues/rock du guitariste de Messa, Alberto Piccolo, a partagé la vidéo officielle de « See My Love Coming Home », un titre extrait de son deuxième album, « The Road Not Taken », paru ce 23 mars.
Considéré comme l'un des meilleurs guitaristes de la scène rock moderne par la critique internationale, Alberto Piccolo, aka Little Albert, est connu pour son travail au sein du groupe italien de doom metal Messa, et reconnu par la critique musicale et le public comme un élément intéressant, sur la scène heavy mondiale. Il s'est produit sur des scènes majeures en Europe, au Royaume-Uni et en Amérique du Nord.
Enregistré au studio Outside Inside de Matteo Bordin (Mojomatics, Omega Squad), « The Road Not Taken » traite du concept de choix et se divise en une série de réflexions sur l'amour qui a mal tourné, les regrets et la santé mentale. L'histoire de cet opus se déroule dans le désert de l'Arizona, avec pour bande-son le blues rock des années 70 de Little Albert, inspirant et profondément émouvant. Soutenu par Alex Fernet à la basse et Diego Dal Bon à la batterie, ce nouvel elpee recèle également une reprise spéciale du célèbre classique du bluesman louisianais Little Walter, « Blue And Lonesome ». Enregistré sur bande analogique, « The Road Not Taken » dégage à la fois une authenticité vintage et une attitude résolument moderne.
La vidéo de « See My Love Coming Home » est disponible là
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