Depuis que les aventures de Soft Verdict ont pris fin, il faut admettre que la musique de ce Limbourgeois s'écarte de plus en plus des sentiers electro minimalistes, pour emprunter une forme plus classique. Profondément contemporaine, il est vrai. Mais exprimée en termes de musique de chambre (pas de pot) ésotérique. Composé entre juillet 90 et février 94, "Gave Van Niets" a nécessité l'espace de deux doubles et de trois triples CDs. Soit 534 minutes découpées en quatre parties : "You'll never be me", "Divided loyalties", le titre maître et "Reculer pour mieux sauter". Une œuvre dans la lignée d'"Alle Dinghe", c'est-à-dire à l'instrumentation réduite à sa plus simple expression. Piano, contrebasse, tuba, clarinette ou même chant se succèdent sans jamais se conjuguer. Ou alors du bout des notes. Avec pour dessein bien précis de reprendre sa pérégrination en solitaire...
Enregistré le 30 octobre 93 en ‘live’ à Lisbonne, ce disque retrace, en dix fragments, la carrière de cet esthète belge célèbre pour ses expérimentations menées dans le domaine du minimalisme, de la musique répétitive, de l'ambiant et de la bande sonore cinématographique. Tout au long de cet opus enrichi de quatre inédits, il étale son talent de pianiste, talent qu'il souligne très épisodiquement de son chant falsetto. Evidemment, on est ici à des années lumières du rock ou même de la pop. Ponctué par le bouleversant "Close Cover", composition qui remonte déjà à 1982, "Epic That Never was" s'adresse cependant davantage à un public de mélomanes...
Album expérimental pour ce trio de San Francisco réputé pour son grunge viscéral, archaïque. Mais de ‘grunge’, il n'est guère question sur ce "Prick". Hormis "Larry", seul titre à patauger dans la gadoue seattlenesque, les dix autres fragments musardent entre bavardages, collages, cloches d'église, silences, chœurs ‘a cappella’ et fragments basiques déstructurés. Parfois on a même l'impression que deux compositions ont été volontairement superposées. Le "Revolution 9" des nineties !
‘Grunge’ bien avant que Nirvana, Pearl Jam et Stone Temple Pilots ne deviennent les porte drapeaux d'un style bien dans l'air du temps, les Melvins ont longtemps pataugé dans la gadoue (!). Aujourd'hui, le trio de San Francisco (pas de Seattle, comme vous avez pu l'imaginer) vient de décrocher un contrat chez Atlantic. "Houdini" constitue son premier opus sur un label major. Bénéficiant du concours de Kurt Cobain et ponctué d'une cover autoritaire de "Going Blind" du Kiss, ce disque ne s'écarte guère d'un style dense, tumultueux, exercé sur ses albums précédents. L'atmosphère est lourde, très lourde même, comme chez Black Sabbath. Les drums implacables, inexorables. Le vocal âpre, douloureux. La basse nonchalante. Les riffs de guitares grondent, gémissent ou hurlent, suscitant en votre for intérieur un sentiment étrange d'angoisse et d'oppression...
Fin 91, ce trio yankee (Phoenix/Arizona) trouvait enfin le juste équilibre entre la sauvagerie capricieuse et le sens de la mélodie sur l'album "Forbidden Place", une œuvre qui badigeonnait sur le même tableau visionnaire une foultitude de coloris sonores appartenant tantôt à Cosmic Psychos, Sonic Youth, Mike Watt, Steve Miller Band, Violent Femmes ou REM. Les frères Chris et Kurt Kirkwood, flanqués de leur fidèle drummer Derrick Bostromn nous reviennent aujourd'hui avec "Too High To Die", une œuvre tout aussi fascinante et stimulante, mais qui met davantage en évidence ses vertus ‘countryfiantes’ au service de la dynamique électrique. Certains n'ont d'ailleurs pas hésité à qualifier ce style novateur, vivifiant, plaisant à la texture instrumentale riche et colorée et aux harmonies vocales limpides et singulières de ‘countrycore’. Une chose est sûre, en choisissant pour producteur, le guitariste de Butthole Surfers, Paul Leary, les Meat Puppets affirment leur volonté de ne pas se prendre au sérieux. Ce qui ne devrait pas empêcher ce "Too High To Die" de devenir l'album de la consécration...
Tout comme les Black Crowes, Cry Of Love tente de faire revivre une forme de rock passéiste dispensé, voici une bonne vingtaine d'années, par des artistes comme Hendrix, Free ou Faces. Et au vu des aptitudes affichées par les différents instrumentistes, ainsi que de la sonorité rencontrée sur l'album, on serait presque forcé de le croire. Malheureusement, plutôt que de réveiller la force émotionnelle (qui a dit fraternelle?) des seventies, Cry Of Love abuse de ses clichés. Une bonne raison pour le laisser dormir en paix...
Pour un premier album, ce combo de Baltimore ne s'est pas trop mal tiré d'affaire. Vous avez certainement déjà eu l'occasion d'écouter (ou d'entendre!) "Mr Jones", single diffusé sur toutes les ondes radiophoniques depuis plusieurs semaines. "August & Everything After" est de la même veine. Une œuvre dont le vocabulaire émotionnel, angoissé évoque American Music Club. Et le langage sonore, inspiré par la soul, le rhythm’n’blues, le folk et la country, la tradition rock'n’rollesque du Band et de Van Morrison. Tout au long des onze ballades de cet opus, Adam Duritz stigmatise l'‘american way of life’ d'un timbre vocal vibrant, écorché, proche de celui d'Eddie Vedder (Pearl Jam), un réquisitoire qu'il épanche avec une amertume et un réalisme tout à fait bouleversants...
Declan Patrick MacManus a donc attendu l'aube de ses quarante piges pour revenir à ses premiers amours. Il a ainsi réuni toute l'équipe qui avait participé à la confection de son premier elpee. Soit Steve Nieve, Pete Thomas et Bruce Thomson des Attractions. Ainsi que Nick Lowe. Pas à la production puisque cette tâche a été confiée à Mitchell Froom et Tchad Blake. Mais pour y tenir la basse. Nous ne reviendrons plus sur le très contesté "Mighty Like A Rose" paru l'an dernier, opus pour lequel il s'était entouré d'un quatuor à cordes. Mais réaffirmons que c'est dans la pop chaleureuse, post mod, rageuse et intelligente qu'il est le plus à l'aise et surtout le plus convainquant. Et si sa littérature ne reflète plus de déclarations d'intentions virulentes voire insolentes, elle continue de véhiculer des thèmes très contemporains. Sur "Brutal Youth", il s'intéresse ainsi aux problèmes liés à la déchéance sociale comme l'alcoolisme, l'échec, la dépression et le suicide. Tantôt avec romantisme, tendresse ou même une certaine dose d'humour. Quatorze fragments composent cette œuvre, quatorze chansons épurées, instantanées, qui permettront sans doute à Costello de retrouver tout son crédit auprès de ses contemporains...
Auteur d'un album plus que controversé en 1992 ("Between 10 And 11th), le quintet de Wolverhampton vient d'apporter une réponse cinglante à tout ceux qui ne voyaient en eux que des Charlatans (!) Comment? En enregistrant leur meilleur elpee à ce jour. Une réhabilitation qui n'est pas étrangère au changement de producteur ; Steve Hillage remplaçant plus qu'avantageusement le pourtant réputé Flood. L'ex-Gong (maintenant System 7) est parvenu sur "Up To Our Hip", a restituer aux compositions du band, tout leur venin, toute leur volupté, toute leur effervescence naturelle. Une œuvre dont la texture instrumentale garage (claviers fluides, rognés, guitares effilées, cinglantes, basse hypnotique, drums luxuriants) pigmentée par la voix indolente, envoûtante de Tim Burgess, exhale de très fortes effluves sixties. Encore qu'elles nous semblent trop sauvages pour être revivalistes et trop implacables pour être psychédéliques. Remarquable!
L'an dernier, les légendaires doubles ‘bleu’ et ‘rouge’ avaient bénéficié d'une gravure en CD. Remastérisés pour la circonstance, ils pouvaient revendiquer une place de choix dans n'importe quelle discothèque. Tout comme son nom l'indique, "Live at the BBC" est composé de sessions ‘live’ concédées à la radio britannique entre 62 et 65. Un double morceau de plastique qui implique la bagatelle de 69 fragments. Mais ce qui peut paraître, à première vue, un gage de richesse, se mue rapidement en dépoussiérage d'archives. Le son est brut, monophonique et ne rend pas la chaleur du vinyle. Ce qui n'empêche pas le box de présenter un certain intérêt. A cause de ses nombreuses covers empruntées tantôt à Carl Perkins, Larry Williams, Chuck Berry, Little Richard, les Everly Brothers, Bill Haley, Elvis Presley, les Coasters, Ray Charles et quelques autres. De plusieurs inédits. Et puis de classiques comme "Can't buy me love", "A hard day's night", "She's a woman", "I'm a looser", "I feel fine". Mais ce "Live at the BBC" a également son lot de faiblesses. Ce qui lui vaudra ultimement le statut de document. Sans plus!
On pourrait écrire cinquante millions de choses à propos de BB King. Déjà parce qu'il n'est pas courant qu'un musicien âgé de 64 ans (NDR : à l'époque, il en a 69 aujourd'hui) soit courtisé par un groupe aussi célèbre et représentatif auprès du public jeune que U2. La formation irlandaise l’avait sollicité pour participer à l'enregistrement du titre "When love comes to town" pour l'album "Rattle & Hum" et l’a aussi invité à participer à la tournée qui a suivi (trois mois comme invité spécial). Toute une série d’événements que la bande à Bono estimait comme un honneur pour eux. D'abord un brin d'histoire pour rappeler que BB King est considéré comme le roi du blues. Il a enregistré son premier long playing en 1949 et en a publié plus de cinquante autres depuis. Il a accordé plusieurs milliers de concerts dans le monde entier (jusqu'au Ghana, Tchad et Libéria) et figure (ou figurait) parmi les influences majeures d’artistes comme Eric Clapton ou Jimi Hendrix. Il a eu droit à son étoile dans la célèbre ‘Hollywood Walk Of Fame’, entre celle de Milton Berle et Vivian Leigh. Ce BB King sort un box de 4 compact-discs retraçant son histoire et proposant quelques titres inédits. Ce qui méritait bien une interview!
Apprendre: fondamental !
Tu as apporté ta collaboration à une multitude de gens : Carole King, Gary Moore, Steve Marriott, Paulinho da Costa, Vernon Reid, Stevie Wonder ou encore U2. Est-ce le signe d’une recherche continue de ‘mise à jour’ de ta part?
La musique bouge et d'ailleurs pas uniquement le blues. J'aime bien travailler en compagnie d’autres personnes. Je suis assez sélectif mais j'apprécie le procédé. Je suis conscient que ce type d'expérience t’enrichit. Pour moi, c'est le cas. Ce qui me permet d'apprendre davantage. C'est fondamental. J'ai encore besoin d'éprouver le sentiment de découvrir. C'est très important et agréable pour un type de mon âge.
Qu'as-tu retiré de ta collaboration avec U2, par exemple?
Enormément. Ces gens sont très doués et vraiment très forts. Ils voulaient que j'accepte de me produire avec eux et j'ai eu raison d’accepter. "When love cames ta town" est une des meilleures chansons sur lesquelles j'ai joué. C’est peut-être bizarre, mais cette collaboration m'a aussi servi à me faire connaître auprès du jeune public noir ! Les jeunes noirs écoutent bien plus U2 que du blues comme j'en joue. Il m'est arrivé régulièrement depuis quelques temps d'être reconnu par des jeunes noirs qui s'écrient : ‘Yeah; regarde, c'est le gars qui a joué avec U2!’. C'est amusant et drôlement gratifiant pour moi. Je suis à chaque fois fier d'entendre ces réflexions !
Le blues a-t-il gardé, selon toi, la signification sociale propre aux noirs américains?
Les temps ont changé. Le blues est toujours présent mais il côtoie d'autres musiques. Les jeunes noirs font et écoutent beaucoup de rap, y compris du rap joué par des blancs. Et c'est fort bien ainsi. Il est vrai que le blues est par essence une musique liée aux noirs mais peu importe la couleur du musicien qui en joue, finalement. L'important est que la musique soit bonne et le reste me paraît accessoire. Evidemment, je pense que le blues a ouvert des tas de débouchés. Quand j'entends certaines chansons interprétées par des gens comme Prince, j’y retrouve certains éléments du blues. Perso, le blues est comme un tronc à partir duquel des tas de branches diverses se sont développées. Plus j'écoute de la musique, plus j'en suis persuadé.
Manger quand on n'a pas faim
Comment garde-t-on une certaine fraîcheur dans la créativité, lorsqu'on défend un même genre musical depuis près de 50 ans et qu'on est devenu le personnage le plus représentatif de ce style?
Pas trop un problème pour moi. J'ai envie de jouer, j'ai envie d'enregistrer, c'est tout simple. Je suis toujours très motivé et je viens jouer dès qu'on réclame ma présence. J'ai toujours autant envie de partager le bonheur que je ressens lorsque je suis sur scène. C'est ce qui alimente mon jeu, mon travail. Au niveau de l'écriture plus particulièrement, je me contente de ne rien brusquer. L’inspiration doit arriver naturellement. Tu ne fais rien de spécial, tu ne penses à rien de précis et puis une idée survient... Ecrire un album revient à rassembler une série d'événements ainsi. Un album est une suite d'idées, de moments d'inspiration. Se forcer à écrire c'est comme s'obliger à manger quelque chose quand on n'a pas faim. Cela ne te goûte pas.
En tant que ‘patriarche’, tu es intéressé par ta succession? Crois-tu qu'il existe des talents pour prendre la relève ?
Et comment! Je connais beaucoup de très, très bons musiciens. Je viens même de travailler en Australie avec un gamin de douze ans dont le jeu est extraordinaire. On va beaucoup en entendre parler. Il s’appelle Nathan Cavaleri. A son âge, il joue bien mieux que des tas de gens bien plus confirmés. Les jeunes d'aujourd'hui vivent bien plus avec la musique. La technologie le permet ; tiens, déjà rien que ces petits appareils, ces walkmans, qu'on se met en poche et qui permettent d'écouter de la musique partout, c’est super! Aujourd'hui, cette nouvelle génération a accès à la musique et à la technologie. Cela porte ses fruits.
(Article paru dans le n°29 du magazine Mofo de décembre 1994)
En juillet 93, la presse spécialisée parlait de Moonshake. Entre autres choses captivantes, on apprenait que Margaret Fiedler quittait le groupe (en compagnie du bassiste Jon Fennett et du producteur Guy Fixsen) pour former Laika, laissant Dave Callahan seul aux commandes du vaisseau. Et, à écouter parler Margaret et Guy, il est quand même amusant de constater à quel point leurs discours sont proches…
Margaret : La séparation était avant tout une décision de Dave. Il voulait continuer sous le nom de Moonshake, afin de prendre d’autres directions. Et je crois qu’il est le seul membre originel qui y soit encore. C’était son choix ; mais je ne le déplore pas. Je pense qu’on est tous les deux beaucoup plus heureux ainsi.
Guy : Mon regard est plus extérieur puisque je n’étais jusqu’ici que producteur ou ingénieur. Mais il me semble que l’intérêt de Moonshake procédait de ce contraste entre deux styles d’écriture très différents. Comme j’écris aussi, maintenant, j’espère qu’on retrouvera dans Laika ce genre de nuances, de combinaisons étranges.
Format chanson
Que pensez-vous, aujourd’hui du tout premier Ep de Moonshake, sorti sur Creation ?
MF : Dave de l’aime pas. Mais moi, c’est le tout premier disque que j’ai enregistré, même si j’ai milité dans des tas de groupes, pendant plusieurs années. J’y suis donc attachée. Je crois que pour un premier disque, ce n’était pas trop mal. Dave qui en comptait déjà 20 à son actif, pensait qu’il n’avait pas réussi ce qu’il voulait faire.
GF : Perso, c’est le deuxième disque que je produisais. On était encore assez naïfs, ce qui s’entend sur l’Ep… On est toujours très liés au format chanson, parce qu’il donne la vraie responsabilité d’une musique. Aussi bizarres qu’ils soient, tous les titres de l’album ont des couplets et un refrain. Comme il n’y a pas de guitares habituelles, c’est moins facile, mais la structure reste celle d’une chanson. Par exemple, on se lancerait pas dans 10 minutes d’ambient, sans vocaux. On aime les mélodies ! Et puis, on ne voudrait pas enregistrer des disques dont les gens pourraient se dire : ‘c’est très intelligent, mais je n’aime pas’. Il faut qu’ils aient avant tout du plaisir à l’écoute de notre musique.
Quels rapports entretenez-vous avec la guitare ?
MF : On utilise quand même des guitares en studio, mais peu sur scène. Juste parfois pour en sortir des sons qui de toute façon ressemblent à des samples. En concert on utilise avant tout ces samples, mais aussi des sequencers, des percussions et de la flûte. Un instrument n’est pas bon ou mauvais en lui-même, que ce soit une guitare ou un sampler, tout dépend de la manière dont on s’en sert. Tu sais on travaille beaucoup à la maison et, du coup, on a tout notre temps pour essayer plein de trucs et se rendre compte de ce qui vaut le coup ou pas. Si quelque chose marche, ça finit par atterrir sur le disque, que ce soit acoustique ou électronique, programmé ou live. On n’a pas la contrainte d’entrer dans un studio, loué pour une semaine avec l’obligation de boucler un album.
Leur propre studio
GF : des groupes comme Kraftwerk, Can ou aujourd’hui My Bloody Valentine, Cocteau Twins et les Beastie Boys possèdent leur propre studio. Et c’est la raison pour laquelle ils ont un son caractéristique, qu’on l’aime ou pas, qui leur appartient vraiment. Non seulement, ça personnalise leurs disques, mais ça leur permet de ‘vivre avec’. En tant que producteur, j’ai vu tellement de groupes obligés de bosser dans la précipitation, et frustrés de ne pas toujours obtenir ce qu’ils souhaitaient. Parfois, parce que moi-même, je n’avais pas le temps de vraiment comprendre ce qu’ils espéraient. Dans ces conditions, la chance compte énormément, pour réussir ou non un disque.
(Article paru dans le n°29 du magazine Mofo de décembre 94)
Si les Young Gods disposent d'un énorme potentiel énergétique et émotionnel sur les planches, aucun témoignage en public n'avait encore été, à ce jour, immortalisé sur vinyle ou compact. C'est chose faite avec "Live Sky Tour". Une œuvre qui démontre que le trio suisse est bien capable d'y dispenser un rush d'adrénaline impressionnant. Notamment par le biais de la technologie. Et du sampling en particulier. Car pour les Young Gods, le sampling n'est pas un accessoire, mais l'instrument capable d'atteindre l'intensité ultime, celle qui à la fois redéfinit le heavy metal et la musique symphonique. Samplings sauvages, brûlants, torturés, rappelant que le trio a accompli pour la cybernétique ce que Jimi Hendrix avait réalisé pour la guitare électrique. Samplings vertigineux, somptueux, dramatiques dont les envolées ravagent des siècles d'histoire musicale. Il ne faut pas oublier que les Young Gods ont leurs racines profondément enfouies dans la tradition germanique (Weill, Nietsche, Wagner, Stockhausen). Ils nous entraînent ainsi, dans un paysage sonore ample, sauvage, au sein duquel les drums vindicatifs, redoutables réveillent vos pulsions les plus tribales, alors que la voix tantôt rageuse, purulente, tantôt profonde, gutturale de Franz Treichler essaime son lyrisme symbolique. Du grand art pour ces Helvètes qui constituent avec Front 242 un des derniers bastions de la musique électro-rock d'avant-garde!
Nederlands 
Français 
