Other Houses, c’est le projet de Morgan Enos, un auteur-compositeur-interprète-multi-instrumentiste issu du New Jersey, responsable de deux elpees, de quelques Eps et d’un mini album (sous forme de cassette), à ce jour. Et il nous propose son nouvel Ep, « Didactic Debt collectors ». Cinq plages qui oscillent entre lo-fi, folk, country, glam et psychédélisme.
Ballade mid tempo, « Captive audience » s’ouvre paisiblement avant de se charger d’électricité bruitiste. On retrouve la versatilité de GBV sur l’épique « Jacket’s Creed ». Et cette abrasivité dépouillée chère à Centro-Matic sur « Swine among the relics ». Enfin, Morgan emprunte les intonations de Peter Doherty tout au long de « Drab vocabulary », alors que la guitare libère des riffs caustiques et éruptifs pendant « Arc of the arrow », un peu à la manière de Robert Fripp sur le « Fashion » de David Bowie…
SQÜRL est un projet monté par Jim Jarmusch et Logan Carter, en 2009, pour réaliser la B.O. du film « The limits of Control » de Jarmusch, évidemment. « Silver haze » constitue leur tout premier opus, un disque dont plusieurs plages pourraient également servir de musique de film.
Pour le réaliser, le duo a reçu le concours de Randall Dunn (Sun O))), Zola Jesus, Björk, Thurston Moore, Six Organs of Admittance, etc.) à la mise en forme, mais également de la Berlinoise Anik, de Charlotte Gainsbourg et du guitariste Marc Ribot.
La première partage un duo avec Jim sur « She don’t wanna talk about it ». Ils échangent une forme de conversation ; lui d’un baryton profond, elle d’une voix caverneuse, au cœur d’un long couloir de sonorités de guitare dispensées sous forme de drone.
La fille de feu Jane Birkin pose la sienne en spoken word, dans la langue de Shakespeare ou de Molière, sur le très électrique mais atmosphérique « John Ashbery takes a walk ».
Mar Ribot se réserve la six cordes sur « Garden of glass flowers » et le psyché/rock aride et lancinant, « Il deserto rosso » …
Dense et indolent, l’instrumental « Berlin ‘87 » est entraîné dans une agonie de guitares, un peu comme chez Swans. Et lorsque sa voix devient sépulcrale, à l’instar de « Queen Elizabeth », le spectre de la bande à Michael Gira se met une nouvelle fois, à rôder.
Jarmush récite une nouvelle postapocalyptique, tout au long de « The end of the world. Un titre de circonstance !
L’opus s’achève par le titre maître, un instrumental atmosphérique et psychédélique.
Jam Hades est un trio dublinois qui nous propose un premier long playing plutôt singulier. Tout d’abord à cause de la voix de son leader Mark McManus. Tour à tour incantatoire, gémissante ou inconstante, elle rappelle parfois celle de David Byrne. Mais aussi Peter Doherty. A l’instar du titre qui ouvre l’elpee, « The edge », une compo qui évolue sur une sorte de rumba.
Un disque surprenant à cause de l’expression sonore, dont les références oscillent de Père Ubu à Monochrome Set, en passant par Talking Heads (NDR : évidemment). Mais pas seulement ! Ainsi le plus complexe « People’s habits » bifurque vers la prog (Peter Hammil ?), alors que « Fit in ! » parvient à combiner drumming ample, nœud de guitare insidieux et vocaux inspirés du hip hop. On a même l’impression d’entendre une mélopée amérindienne en filigrane de « Chazy suit ». Enfin, « Japonaise blind » se distingue par des changements de rythme vertigineux.
Reste « Saloirs mast », une piste dont la mélodie est portée par une voix de baryton. Probablement celle d’un invité. Un certain David Laye.
CIEL est un trio cosmopolite, puisqu’il réunit la Batave Michelle Hindriks, l’Espagnol Jorge Jimenez et l’Anglais Tim Spencer. La première se consacre à la basse et au chant, le deuxième, la guitare et le troisième, la batterie.
« Make it better » constitue le premier Ep de CIEL. Il a été produit par Steven Ansell, le drummer de Blood Red Shoes. Le groupe a même signé sur son label, Jazz Life.
Quelque part entre shoegaze, dream pop et grunge, pimentée par quelques touches électro, la musique de CIEL est transportée par la voix angélique et vaporeuse de Michelle. Traversé d’éclairs électriques sinusoïdaux, « So scared » lorgne même parfois vers My Bloody Valentine.
Accrocheur, « Jealousy » aurait pu figurer au répertoire de Garbage. Euphorique, « Somebody », morceau qui ouvre l’Ep, s’autorise des déflagrations malsaines. Imprimé sur un tempo enlevé, le titre maitre libère un fuzz gémissant…
On devrait en savoir plus lors de la sortie d’un album…
Figure queer, Caleb Nichols milite au sein de la communauté LGTBQ+. Mais c’est également le fondateur de Kill Rock Stars, un label qui a hébergé des groupes ou des artistes comme Bikini Kill, The Melvins, Sleater-Kinney ou encore Elliott Smith ; une écurie qu’il avait dissoute, il y a 13 ans, lorsqu’un des architectes de l’écurie était parti chez une major et qu’il vient de réactiver l’an de dernier, en la quittant.
Quatre titres figurent sur son dernier Ep, « She’s not your shadow ». Qui s’ouvre par « Waylaid », un morceau enlevé, légèrement cuivré, au cours duquel Caleb chante d’une voix versatile, un peu à la manière de Robert Pollard (Guided By Voices). Après la ballade mid tempo « Shadow step », « Night song » est une compo dont la mélodie en boucle est tramée à la fois sur des variations d’accords de guitare cristallins et d’harmonies vocales. Des harmonies qui deviennent réminiscentes de Supergrass, sur le titre qui clôt cet Ep, « Idiot ».
Stef Kamil Carlens & The Gates of Eden
Le 24 mai 2021, dans le cadre du 80ème anniversaire de Bob Dylan, Stef Kamil Carlens a diffusé en streaming un concert préenregistré au sein de son studio à Hoboken. Pour ce set, il avait réuni un solide backing group afin d’interpréter des compos, pour la plupart, méconnues du Zim. C’est cette session ‘live’ qui figure sur le premier cédé de cet opus. Dans la foulée, le team est parti en tournée et a remis le couvert, mais en public ; et ce sont des enregistrements immortalisés à De Roma (Anvers), Merz (Breda) et au Tivoli (Utrecht) qui figurent sur le second compact disc.
Stef a toujours été un grand fan de Dylan. Mais ici, il ne se contente pas de reproduire ses chansons. D’abord, le collectif se les réapproprie, les rafraîchit, alors que Carlens les chante, sans jamais calquer sa voix sur celle de son idole.
Un bel exercice de style en 17 versions, consacré à une partie du répertoire, trop souvent ignoré, d’un monstre sacré de l’histoire du rock…
The Utopiates est une formation londonienne fondée en 2020 ; et « The sun also rides » constitue son premier elpee. Ses sources d’inspiration majeures ? L’acid house des 80’s et la britpop des 90’s. On pense ainsi alternativement à Primal Scream, The Happy Mondays, aux Charlatans ou encore aux Stone Roses. Certaines plages (« Making history », « Ups and down » et son piano jazzyfiant) nous replongent même carrément dans l’univers ‘madchester’. Claviers fluides, percus tropicales, rythmes funkysants et solos de guitare psychédéliques alimentent alors l’expression sonore. Encore que parfois, on perçoit des réminiscences empruntées à Steely Dan (« Devolution »), Spencer Davis Group (« Sick love ») et même Santana (ces sonorités de sixcordes et ces claviers fluides !). Mention spéciale au percutant titre maître, dont le tempo irrésistible vous incite spontanément à danser ou à frapper du pied…
Lorsqu’on évoque Sinéad O'Connor on pense inévitablement à son tube paru en 1990, « Nothing Compares 2 U », une reprise d’une chanson signée Prince. Mais on pense aussi à ses attitudes. Crâne rasé, rebelle, polémiste et provocatrice, elle n’a jamais laissé indifférent. Elle n’en était d’ailleurs pas à un scandale près. En 1992, elle avait déchiré, à la télévision américaine, une image du pape Jean Paul II, stigmatisant l'Eglise catholique pour ne pas avoir protégé les enfants victimes de pédophilie. Elle s’était fâchée avec les musiciens de U2, alors que c’est The Edge qui lui avait permis de faire décoller sa carrière, leur reprochant de ne pas avoir soutenu l’IRA. Aux Etats-Unis, elle avait refusé de monter sur les planches, après la diffusion de l’hymne national, soulevant l’indignation de la presse et de… Frank Sinatra… Elle avait de nouveau attiré les foudres du clergé, en 1999, quand une église irlandaise dissidente l’avait ordonnée, ‘prêtresse’…
Sinéad a traversé une enfance difficile après la séparation de ses parents à l'âge de huit ans. La chanteuse a affirmé très tôt que sa belle-mère, avec laquelle elle vivait après la séparation, la maltraitait physiquement. À 15 ans, elle a séjourné dans une maison de correction, à la suite de vols à l’étalage, puis dans un internat, dont elle s’était échappée.
Dépressive, diagnostiquée bipolaire, en 2003, elle avait tenté, à plusieurs reprises, de mettre fin à ses jours et partageait sa détresse sur les réseaux sociaux. Le 14 janvier 2022, son fils Shane, dont elle avait perdu la garde, s’était suicidé, après avoir fugué d'un hôpital où il était suivi pour tendances suicidaires. Elle ne s’en est jamais remise. Elle avait eu quatre enfants, avec lesquels elle avait des relations difficiles.
Après s'être installée un moment en Jamaïque et adhéré aux croyances rastafari, en 2018 elle s’était convertie à l’Islam, changeant son nom en Sudada’ Davitt ou Shuhada' Sadaqat.
Née à Glengeary, en Irlande, au mois de décembre 1966, elle a gravé dix albums, dont le deuxième, « I do not want what I haven’t got », s’est vendu à plus de sept millions d’exemplaires.
Depuis la sortie de son dernier elpee, « I'm Not Bossy, I'm the Boss », en 2014, on n’entendait plus guère parler d’elle, hormis l’étalement de ses états d’âme, via les réseaux sociaux.
Elle avait même annulé une série de concerts l’an dernier, en raison de son ‘deuil’, déclarant par ailleurs arrêter sa carrière…
Dans ses mémoires, ‘Rememberings’, parues en 2021, elle se qualifiait de ‘chanteuse engagée’ affirmant n'avoir aucun désir de célébrité…
C’était quand même une fameuse voix, particulière, puissante mais sinusoïdale, libérant une fameuse dose d’émotion. Une voix reconnaissable entre mille…
RIP
De son véritable nom Jane Mallory Birkin, Jane Birkin est décédée à l’âge de 76 ans. Elle a été retrouvée sans vie à son domicile parisien ce dimanche 16 juillet 2023. Elle avait récemment annulé des concerts pour des raisons de santé. En septembre 2021, elle avait déjà été contrainte d’annuler sa tournée après avoir été victime d’un léger AVC.
Née à Londres en 1946, elle s’était installée en France à la fin des 60’s. Naturalisée française, elle a toujours gardé son accent britannique et son timbre de voix d’une indicible douceur. Après un premier mariage avec le compositeur John Barry, avec qui elle aura une fille Kate, décédée en 2013, elle rencontre Serge Gainsbourg. Ils vont former ensemble un couple iconique. Il sera son pygmalion. Elle sera sa muse. De ses dix ans d’union avec Serge Gainsbourg est née une fille, Charlotte Gainsbourg, en 1971. En 1980, l’idylle s’achève ; le couple se sépare mais continue de collaborer artistiquement. Après cette rupture, l’Anglaise préférée des Français a partagé la vie, de 1980 à 1992, du réalisateur Jacques Doillon, avec lequel elle a eu une fille, Lou Doillon.
Lorsqu’on a été DJ itinérant, au cours des seventies, et même si on privilégiait la programmation rock, on a inévitablement inclus les 45 tours « Je t’aime… moi non plus » et « La décadance » du couple sulfureux Gainsbourg-Birkin, lors d’une série de slows. Devenu numéro 1 dans les charts, en Grande-Bretagne, alors qu’il était censuré sur la plupart des ondes radiophoniques, le premier titre a fait couler beaucoup d’encre. A l’origine, la compo était destinée au duo Bardot/Gainsbourg, mais BB s’était opposée à cette sortie. Caractérisé par ses paroles aussi sexuellement explicites, le second ne récoltera cependant par le même succès… Mais la libération sexuelle était en route. En 1969, le couple chantait d’ailleurs déjà « 69 année érotique » …
Mais si Jane a longtemps interprété les chansons de Gainsbourg, à la disparition de ce dernier, elle a reçu la collaboration de nombreux autres compositeurs, dont Miossec, Dominique A, Cali, Zazie, Mickey 3 D et plus récemment Etienne Daho, et puis elle s’est décidée à écrire ses propres textes.
Elle avait également goûté à la world a travers l’album « Arabesque », en adaptant des compos signées Gainsbourg à l’aide de musicos arabes et tout particulièrement algériens. Elle était partie en tournée en compagnie de cet orchestre oriental, où ils s’étaient notamment produits à la maison de la Culture de Tournai. C’était en février 2003 (NDR : le compte-rendu est à lire ou à relire là).
Et dans le même esprit elle bénéficie du concours de l'orchestre symphonique de Montréal pour enregistrer « Birkin / Gainsbourg : le symphonique », en 2017. Une aventure qu’elle va poursuivre, lors d’une tournée, mais soutenue par des ensembles philarmoniques issus de pays différents.
Parmi les morceaux les plus célèbres de son répertoire, outre le 3 titres dont question dans le premier paragraphe, on peut citer « Melody Nelson », « La gadoue », « Elisa », « Ex-fan des sixties », « Les dessous chics », « Je m’appelle Jane ‘feat. Mickey 3D’ », « Di Doo Dah » et la liste est loin d’être exhaustive.
Chanteuse, mais aussi actrice, scénariste et réalisatrice, elle a fait ses débuts au cinéma dans les sixties. Elle crée un premier scandale en jouant une mannequin séquestrée et nue dans ‘Blow-Up’, de l'Italien Michelangelo Antonioni. Une première dans un film britannique ! Elle jouera dans près de 70 films au total, dont ‘La Piscine’ de Jacques Deray aux côtés de Romy Schneider et Alain Delon ; ‘Don Juan 73’ de Roger Vadim, avec Brigitte Bardot ; ‘La Moutarde me monte au nez’ et ‘La Course à l'échalote’ de Claude Zidi, en compagnie de Pierre Richard ; ‘Mort sur le Nil’, de John Guillermin, auprès de Peter Ustinov...
Elle était engagée, tant pour l’écologie, l’humanitaire, les droits des femmes que les LGBTQI.
En compagnie de Françoise Hardy, elle avait chanté « Comment lui dire adieu ? » et en 1992, après la disparition de Gainsbarre, « Je viens te dire que je m’en vais ». Ce sont des chansons de circonstance. Il ne lui manque plus que « Les clefs du paradis » …
RIP
Les organisateurs de Rock Herk se souviendront d'une édition plus que réussie. La 39e pour être précis. Le festival s'est déroulé à guichets fermés, ce qui signifie que 10 000 amateurs de musique se sont rendus chaque jour dans le centre de Herk-de-Stad.
Et ce, pour l'un des plus anciens festivals alternatifs du pays. Parmi les têtes d’affiche figuraient Admiral Freebee, Warhaus, Front 242, The Haunted Youth, Meltheads et Echo & The Bunnymen.
Le festival accueillait
SCÈNE PRINCIPALE
Echo & The Bunnymen (UK) / Warhaus / Mura Masa (UK) / Nitrogen / The Haunted Youth / Charlotte Adigéry & Bolis Pupul / Admiral Freebee / The Hickey Underworld / Dikke / Klaps / The Sha-La-Lee's / Jack Vamp & The Casttle of Creep / Mayorga
CLUB
Front 242 / Meltheads / Sons / Slift (FR) / Warmdüscher (UK) / Tramhaus (NL) / Deadletter (UK) / Lysistrata (FR) / Sky Stormer / Oi Boys (FR) / Huracan / Crouch / We Came As Dirt
DANSE
Tiga (CA) / Anthony Rother (D) / Mella Dee (UK) / Biesmans / Lillihell
STREET
Lander & Adriaan / Instar & Myu:sa [Neighbourhood Nuisance] / Niels Orens / Wrong Man / Barno Koevoet & The Duijmschpijkers / No Prisoners
Rock Herk s’est déroulé les 14 et 15 juillet 2023 sur le terrain de sport Harlaz-Olmenhof, à Herk-de-Stad.
Pour les photos, c’est ici
Org : Rock Herk
Les organisateurs peuvent se féliciter d'une édition réussie. Beaucoup de monde, une météo qui n'a pas joué les trouble-fête malgré les prévisions et beaucoup de bonne musique, un patchwork de genres et de styles. Stiff Richards est venu s'ajouter à l'affiche du vendredi. Le dimanche a été, de loin, la journée la plus intéressante. Musiczine a assisté à deux des trois jours...
L’affiche
Vendredi 12 juillet
The Hellacopters
Moonshine Wagon
The Sha-La-Lees
Dale Watson & his Lone Stars
Stiff Richards
Bob Wayne and the Outlaw carnies
Samedi 13 juillet
Eagles of Death Metal
Red Hot 'n' Blue
Fu Manchu
Boogie Beasts
Wallaroos
Marky Ramone's Blitzkrieg
Private Function
La Perra Blanco
Zeke
The Real Sickies
Jimmy Dale Surf Trio
Crooked Steps
The Spits
Barno Koevoet en de Duijmschspijkers
Tankzilla
Lovesick Duo
Itches
Truck Stop Cutie
Dimanche 9 juillet
Cock Sparrer
The Seatsniffers
Cadaster Jon Combo
The Kokomo Kings
The Bronx
Wine Lips
No Fun At All
Slim Cessna's Auto Club
Les Lullies
Reverend Peyton's Big Damn Band
Eddie and the Hot Rods
His Lordship
Tuesday Violence
Hola Ghost
Lobo Jones and the Rythm Hounds
Savage Beat
The Drowns
Honeyboy Slimand the Bad Habits
Midnight Tattoo
Pour les photos, c’est là
Clap de fin pour l’édition du LaSemo. Une quinzième du nom qui aura marqué les esprits.
La météo se fait capricieuse, le tonnerre commence à gronder au loin et des nuages menaçants gravitent autour du site. Les météorologues sont relativement pessimistes. Les organisateurs des Ardentes ont d’ailleurs mis la clé sous le paillasson, obligeant des milliers de personnes à plier bagage dans une cohue générale. Bref, c’est le bordel !
Après avoir ouvert comme prévu à 10h30, le LaSemo a également pris la décision de fermer ses portes de manière provisoire. La plaine a donc été évacuée préventivement. Les festivaliers ont été invités à se mettre à l'abri, chez eux, au collègue Saint-Augustin, au Nautisport ou dans la caserne des pompiers.
C’est vers 15 heures que les autorités ont donné leur feu vert pour rouvrir le site. Une aubaine pour ceux et celles qui n’auraient pas voulu perdre une goutte (sans mauvais jeu de mots) du spectacle. Finalement, plus de peur que de mal, car hormis une bonne pluie d’une vingtaine de minutes qui mouille légèrement un sol plus que sec, aucun dégât n’est constaté.
L’équipe s’est affairée pour que les concerts prévus puissent se dérouler malgré tout, de manière plus ou moins normale.
Sur la scène du Château, Pierre de Maere (NDR : ce jeune homme est issu de Walhain, dans le Brabant Wallon), dont tout le monde parle, va grimper sur les planches
Autodidacte, il compose ses premiers morceaux sur le logiciel ‘Garage Band’, dès l’âge de 9 ans, avant de s’intéresser à la photographie de mode. C’est lors de ses études à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers qu’il publie son premier morceau, sous statut indépendant, « Potins absurdes ». Le succès est immédiat.
Repéré par le label Cinq (Dominique A, Kalika, Jean-Louis Murat), il publie son premier Ep dans la foulée, « Un jour, je », en janvier 2022. Le disque est propulsé par les médias au-delà de ses espoirs. Pierre de Maere enchaîne alors les plateaux télévisés et les interviews dans la presse.
Après avoir décroché le prix de la Révélation belge de l'année aux NRJ Music Awards en 2022, il reçoit une ‘Victoire de la Musique’ en 2023 dans la catégorie ‘Révélation masculine de l'année.
Sur l’estrade, il est flanqué de trois musiciens habillés en costard/cravate, genre ‘men in black’. Lorsqu’il entame les premières notes de « Lolita », on l’aperçoit déambuler sur le podium, laissant apparaître de drôles de chaussettes jaunes. Ce qui cadre mal avec le côté classieux de son look.
De prime abord, il paraît arrogant et pédant. Est-ce un rôle qu’il aime se donner ? En tout cas, une chose est sûre, il est apprêté et sophistiqué.
Que l’on aime ou pas son côté dandy, il faut admettre que ce jeune artiste d’à peine 22 piges, compose de belles chansons. Pertinentes, savamment orchestrées, elles véhiculent des textes ciselés et des mots qui font mouche. De Maere est à la musique ce que le bijou est à l’orfèvrerie.
Il enchaîne sans hésiter par « Roméo », une compo qui l’oblige à monter dans les aigus. Et il s’y sent d’ailleurs très à l’aise.
Il affirme, pour avoir déjà bien bourlingué au-delà de nos frontières, que les Belges sont les plus vifs d’esprit. Il n’en fallait pas plus pour que la foule déclenche des applaudissements interminables. C’est alors que pour le remercier, Pierrot le fou se livre dans un « Menteur » majestueux.
De Maere, c’est de la pop francophone efficace, une manière de rouler les ‘r’ à la Stromae et de belles envolées vocales.
Il revient pourtant de loin et se souvient de ses moments difficiles lorsque par exemple, un soir, il s’est rendu à Cannes et y a chanté pour une soirée privée. Personne ne le regardait, comme s’il était le bouffon du roi. Un évènement qui semble l’avoir bouleversé au plus haut point. Cette histoire ressemble à celle de Lady Gaga (NDR : il lui voue d’ailleurs une admiration sans faille) qui n’avait d’autre choix que de se dévêtir pour attirer l’attention des clients, quand elle chantait dans les bars.
Le set touche doucement à sa fin. Naturellement, arrive le « Docteur », une manière de penser les plaies de celles et ceux qui ont bravé la pluie et le vent.
Enfin, « Mercredi », une compo empreinte de nostalgie qui invite à retourner dans la fantaisie de l’enfance, clôture un superbe concert, également placé sous le signe du kitsch et de la bonne humeur.
Pierre remercie le public et son équipe. Sans oublier son frère Xavier qui l’accompagne partout (c’est son ingé son) et lui ressemble à s’y méprendre.
Retour à la scène de la ‘Tour’. Deux filles aux combinaisons rouges, sexy mais classieuses, s’y produisent. Des fringues qui laissent deviner des corps de rêve. Il s’agit de Juicy, un binôme composé de Julie Rens et Sasha Vonk.
C’est au conservatoire de Bruxelles en Jazz, dans la classe de David Linx, qu’elles se rencontrent et commencent rapidement à se produire ensemble au sein de différents projets, dans des styles variés.
En 2015, c'est sur un concept de reprises de classiques du r'n'b et du hip hop des années 90 que les chanteuses se font connaitre sur la scène bruxelloise à travers Juicy Cover. En 2017, elles annoncent la sortie de leur premier Ep « Cast a spell », autoproduit à hauteur de 20 000 euros. Elles défendent notamment ce disque sur Radio Nova et en première partie d'Angèle.
Enfin, à partir de l’été 2018, puis en 2019, elles écument les festivals, tant en Belgique, qu’en France.
Les gonzesses rentrent dans le palmarès restreint des Belges qui s’illustrent dans l’Hexagone. Leurs reprises déjantées de tubes hip hop des années 90 aux paroles misogynes, à l’instar du « Work it » de Missy Elliott ou encore du « Partition » de Beyoncé, ont pesé lourd dans la balance, épousant ainsi la même courbe de popularité que Damso ou encore Romeo Elvis.
Elles défendent les couleurs d’un premier album « Mobile » qui relate toutes les failles de l’Homme (avec un grand H) paraît-il.
Léger dans le ton, mais profond sur le fond, les compos abordent des sujets comme le sexisme ou encore les agressions sexuelles et s’enracinent dans un style hybride entre rap et r&b…
Elles se consacrent donc toutes les deux aux synthés, samplers et vocaux. Sasha se réserve cependant la guitare et Julie, la boîte à rythmes. Elles remplissent à elles seules l’espace scénique et n’ont pas vraiment besoin d’autres musiciens.
Durant le show, elles ne cesseront de se tortiller sensuellement, comme des geishas. Difficile de rester insensible face à ces nanas qui doivent faire tourner pas mal de têtes…
Si le style musical de Juicy est le fruit d’un cocktail de hip-hop, de r&b et de pop, il s’avère à la fois catchy et sophistiqué.
Le duo livre une performance fort dynamique (NDR : c’est une bonne habitude), ce qui explique aussi et sans doute pourquoi il s’est constitué une ‘fan base’ solide.
Typh Barrow, de son véritable nom Tiffany Baworowski, est programmée sur les planches du ‘Château’. Une artiste dont le minois est bien connu puisqu’elle a participé au télécrochet ‘The Voice’, comme coach, pendant plusieurs saisons.
La popularité de Typh trouve sa genèse, lorsqu’en 2013, elle commence à poster sur Youtube des reprises en piano-voix qui dépassent rapidement le million de vues. Sa version du « Gangsta’s Paradise » est d’ailleurs repérée par le rappeur Coolio, son interprète original, la partageant plusieurs fois sur ses propres réseaux.
Elle s’avance d’un pas franc, laissant apparaître une tenue assez courte de couleur rouge à paillettes. Ses hauts talons galbent un corps dont la rondeur laisse peu de place aux doutes. Main sur le ventre, sourire aux lèvres, elle transpire de bonheur à l’idée de mettre au monde son enfant. Ce n’est plus vraiment une surprise puisqu’elle avait fait cette annonce lors d’un concert à Forest National.
En attendant, elle va se mettre au vert, afin de profiter un maximum de sa grossesse entamée il y a six mois, comme elle aime à le préciser. On comprend dès lors mieux pourquoi de nombreux fans ont fait le déplacement, bien décidés à profiter d’une dernière de ses apparitions, avant une période de pause...
Elle est soutenue par un trio de musiciens et deux choristes, tous vêtus de vestes bariolées. Sur l’estrade, trône majestueusement un piano de couleur noire.
Elle se plante devant un synthé placé face à la scène et remercie le public d’avoir fait preuve d’autant de patience compte tenu des conditions climatiques. Faut dire que le concert prévu initialement à 17h a été retardé à 18h15.
La voix écorchée, chaude et puissante, elle fixe l’horizon de ses yeux perçants pour dessiner le contour d’un « Damn You’re Bad » chargé d’émotions.
Typh Barrow nous a offert et s’est offert un set aux accents tour à tour, pop, soul, jazz et blues, nous réservant des morceaux comme « Color », « Very First Morning », « I Ruled the World », « The Other Woman, Taboo », « Replace » et « Hold You Sister », au cours duquel elle s’est autorisé une promenade au sein de la foule ou encore « Don’t Let Me Go, I got You ».
Mais pas seulement, puisqu’on a eu droit à l’une ou l’autre nouvelle chanson qui laisse penser, de source sûre, que le prochain album est quasi écrit et composé et est en phase de production. De quoi ravir les fans.
En mêlant douceur et émotion mais aussi ardeur et de puissance, Typh a savouré ce moment rien qu’à elle…
Le set s’achève sur « Aloha », titre éponyme du dernier opus, suivi d’un « Daddy’ Not Coming Back » grandiose.
Place ensuite à Jeanne Galice, aka Jain.
Son arrivée dans l’univers musical s’apparente à un raz-de-marée. Auteure, compositrice et interprète, elle rencontre le succès dès la sortie de son premier long playing, « Zanaka » ; et des titres tels que « Come » et « Makeba » (qui signifie enfant en malgache) tournent en boucle sur les ondes radiophoniques. Le suivant, « Souldier », paru en 2018, fait encore mieux : 1,2 million d'albums vendus dans le monde et plus de 2 milliards de streams.
Après ce succès, elle annule sa dernière tournée pour se ressourcer. Au bout de quatre longues années, elle refait surface, plus positive que jamais et nous propose un nouvel essai baptisé « The Fool ». Certains n’ont pas hésité à établir un parallèle avec la carrière de « Stromae » qui lui aussi s’est vite laissé submerger par la réussite et les tournées fatigantes.
La scène du ‘Château’ est épurée. On n’y aperçoit que des synthés entourés par un décor grillagé.
Votre serviteur avait pu découvrir Jain il y a quelques années. A l’époque elle était seule sur les planches et se servait d’un tas de boucles. La performance était louable, épicée et originale. Ce soir un guitariste et une bassiste l’épaulent. Le show commence. Riche, le light show aux nombreux effets lumineux valorise parfaitement le spectacle.
Elle chante dans la langue de Shakespeare des compos plutôt pop, mais qu’elle mêle à d’autres genres, comme l’électro, le reggae ou la world, inspirée par ses nombreux séjours à l'étranger.
La demoiselle travaille particulièrement son image, que ce soit à travers son apparence ou la mise en scène.
Malheureusement, le concert ne parvient pas à éveiller un soupçon d’intérêt chez votre serviteur. C’est comme si vous deviez réaliser une recette de cuisine, mais qu’il vous manque un ingrédient. Le set manque de saveur, ce soir.
Pas grave, le LaSemo 2023 a tenu toutes ses promesses. Une affiche alléchante, une météo relativement clémente, une ambiance bon enfant et un anniversaire fêté dignement. What else ?
(Organisation LaSemo)
Deuxième jour du LaSemo. Si la veille les températures étaient agréables, ce samedi, le soleil tape particulièrement fort. Il est même vivement conseillé de porter un chapeau ou une casquette et de s’enduire de crème solaire. Les points d’eau mis à disposition des festivaliers sont pris d’assaut. Certains sont même à sec tôt dans l’après-midi.
Le taux de fréquentation semble encore plus élevé que le jour précédent. Manifestement le festival a gagné en popularité au fil du temps. Et vu le line-up, difficile de faire la fine bouche.
Votre serviteur débarque vers 16h. Direction la scène de la ‘Tour’. Colt s’y produit. Ce ne sont pas des inconnus puisque la formation implique Coline & Toitoine, des potes originaires de Bruxelles.
S’ils fonctionnaient jusqu’alors en binôme en pratiquant une musique plutôt électro/pop, ils ont élargi le line up à un quintet et évoluent dans un style plutôt rock, même si sur quelques titres, il subsiste toujours cette fibre électro.
Les préposées aux claviers et à la basse sont des filles. Derrière la batterie, siège un mâle, un vrai.
Coline est habillée d’un pantalon blanc rapiécé, de type clochard. Antoine porte une veste, elle aussi rafistolée, du même acabit. Un look surprenant, mais qui signe une identité distincte.
« Milles vies » ouvre les hostilités, un titre qui figurera sur un premier Ep dont la sortie est prévue pour septembre. Il est rapidement suivi de « Scooter » et « Ramenez-moi ». Si le français est la langue maternelle de la dame, son anglais est parfait ; et elle le démontre tout particulièrement sur « Once more », « Anymay », « Under my arms » ou encore « Over ».
Les Bruxellois libèrent une belle énergie, malgré la chaleur étouffante. Antoine s’interrompt et demande de l’eau, il semble au bord de la syncope. C’est la première fois qu’il est victime d’une telle défaillance, selon ses dires. S’il avait tout simplement laissé tomber le veston, sans doute que la chaleur l’aurait incommodé un peu moins… Ahhh, ces artistes !
Il est au clavier et le haut de son corps va et vient du haut vers le bas à chacun des coups de grosse caisse imprimé par son comparse caché derrière les fûts. Il est vraiment dedans.
La complicité qui lie les deux musicos semble très forte. Pas mal d’échanges de regards, des sourires, et surtout cette symbiose musicale.
Coline Debry et Antoine Jorissen se connaissent en fait depuis toujours. Ils fréquentaient la même crèche. Leurs parents sont toujours restés en contact. A l’adolescence, ils se sont voué une passion commune pour la musique. L’histoire musicale était donc toute tracée.
Leur succès est grandissant. Ils ont écumé une kyrielle de festivals qui les ont emmenés jusqu’à New York. Sans compter les streams sur Tik Tok et Instagram, leurs clips ‘home made’ les portant au-delà de la sphère physique.
De son grain chaud, elle nous entraine hors du temps. Lui, c’est plutôt le côté prod, les synthés et effets en tout genre. Le duo nous livre un mélange très réussi entre électro, pop, mais aussi indie et folk. Une expression sonore qui brasse finalement des genres assez différents.
La musique est positive, rayonnante et lumineuse. Elle donne envie de chanter, de danser et de rêver. La petite se livre le temps d’une chanson baptisée « La salle aux lumières ». On y apprendra ses orientations sexuelles et le courage qu’il lui a fallu pour faire son coming-out.
Le band achève son set par « Insomnie ». Un hymne au cours duquel, elle narre l’envie de s’évader durant ses périodes… insomniaques.
La scène du Château accueille maintenant un autre groupe belge dont la réputation dépasse les frontières. Il s’agit de Balthazar.
Formé en 2004 par des musiciens originaires de la région de Courtrai, en Flandre-Occidentale, il pratique du rock alternatif. Son premier elpee, « Applause », est paru en 2010 pour la Belgique et en 2011 dans le reste de l’Europe. Cet opus lui a permis de se produire dans de grandes salles, dont l'Ancienne Belgique de Bruxelles, le Paradiso d'Amsterdam et La Cigale de Paris, ainsi que dans des festivals comme Rock Werchter et Lowlands.
Si le line up du band a varié au fil du temps, l’équipe s’est aujourd’hui stabilisée et réunit Maarten Devoldere (chant, guitare, clavier), Jinte Deprez (chant, guitare, clavier), Simon Casier (basse, chant), Michiel Balcaen (batterie, chant) et de Tijs Delbeke (clavier, guitare, violon, trombone).
C’est « Decency » qui ouvre le bal, suivi de l’excellent « Wrong Vibration », caractérisé par sa caisse claire incisive. Une communion solennelle est occupée d’être célébrée.
L’apothéose viendra lorsque les premières notes de « Then What » retentissent. Ce sont alors des milliers de personnes qui reprennent le refrain en chœur.
Triturées par les pédales d’effets, la Fender Mustang d’un des musiciens crée de belles fulgurances dans ses riffs à couper le souffle. La basse est soutenue et constitue l’un des marqueurs principaux de l’expression sonore.
Deux guitares, une basse, une batterie, des mèches de cheveux qui volent, le soleil qui brille et un festival hors du temps. Bref, l’équation parfaite.
Envoûtée par le violon ou le trombone, la superbe ballade "You Won't Come Around", issue du dernier album « Sand », est bien mise en exergue. Une compo qui casse quand même quelque peu la dynamique jusqu’ici érigée par le band.
Ecouter Balthazar, c’est peu à peu s’enivrer des bienfaits de l’été. Une musique légère, parfumée et chaleureuse. Positive, joyeuse et festive également.
Le set touche à sa fin et « Bunker » démontre que Maarten Devoldere, nonobstant le projet Wahaus entamé en 2015, est au sommet de sa forme lorsqu’il sévit chez Balthazar.
Enfin, « Losers » et son bridge live ondulatoire gigantesque, clôt une prestation qui restera dans les annales.
Une musique sublime, une ambiance pastel. Dommage que le groupe soit aussi peu communicatif…
Inviter Cali dans un festival, c’est choisir le bon plan. En effet, le petit homme est connu pour mettre le feu lors de chacune de ses prestations. Celle qui se joue aujourd’hui ne fera pas figure d’exception. Au contraire !
Il se présente sur la scène de la ‘Tour’ accompagné de ses musiciens. D’un pas décidé, il hurle à la foule ‘Je suis Belge’. Il n’en fallait pas plus pour déclencher une hystérie collective.
Chargé d’intensité électrique par la guitare, sa musique s’aventure au sein d’un entrelacs de fougue et de sincérité.
Quelques minutes après le début du live, le show s’annonce déjà exceptionnel. L’ami Cali s’avance, micro en main, tendu vers le public, tout en passant une langue bien fourchue. Un titre qu’il avait d’ailleurs dédié l’année dernière à son amie Dani, tout juste décédée, lors d’un concert aux Gens d’Ere, une bourgade dans la région du Tournaisis.
La chanson à peine achevée, le troubadour de la chanson française commence à manifester une envie irrésistible de jouer avec le public.
Dopé (à une substance psychotrope ??), le chanteur/amuseur ne cesse de faire le pitre durant le live et ce pour le plus grand bonheur des fans ébahis ! Grimaces, gestes amicaux, regards insistants accompagnent le gai luron lors de la seconde compo, tout aussi tonitruante, « Hey les amoureux ».
C’est alors qu’il surprend les gens issus de la presse tranquillement assis au sein du fronstage en les invitant sur les planches. Tandis que votre serviteur tente tant bien que mal de monter sur l’estrade, l’artiste s’approche, me prend dans ses bras et me prodigue de doux bisous. Il y a pire comme approche, non ?
Après un « Lâche pas » qui claque comme une baffe, Bruno Caliciuri revient aux fondamentaux en interprétant « C’est quand le bonheur », une compo issue d’un premier LP, « L’amour parfait », gravé en 2003. Mais Cali, c’est maintenant le bonheur et c’est ici aussi, devrais-je lui rappeler ! Une compo qui a vingt piges et pourtant, elle n’a pas pris une ride !
Ce qui devait arriver, arriva. L'homme taillé comme un gringalet se hisse sur le frontstage, prend un élan, et s’abandonne au crowdsurfing pour entamer une danse du diable perché dans les airs. C'est un passage obligé chez lui et ce soir ne fera pas exception à cette règle qui, semble-t-il, est immuable ! Le tout sans perdre de souffle ! Pas mal pour un gars qui a la cinquantaine passée... Heureusement, pour ceux qui l'ont soutenu, le casse-cou doit à peine peser cinquante kilos, tout habillé !
Repoussant ensuite les principes des règles de sécurité, l'artiste dynamise un peu plus le spectacle et devient complètement incontrôlable pendant « Je te souhaite à mon pire ennemi ». Sa réputation de personnage complètement déjanté est largement méritée.
Quoiqu'il en soit, examen réussi avec grande distinction !
Afin de satisfaire les grabataires, il a sorti de ses tiroirs poussiéreux quelques vieux bazars comme « Putain de vie » ou encore « Je m’en vais ». Des titres qui, s’ils ne sont pas les meilleurs, montrent combien le Perpignanais expose et s'expose à travers le prisme de sa vie, ses amours, ses attentes et ses envies.
Livrant tour à tour des musiques simples, mais accrocheuses, il a pris le parti de choisir ses mots avec une grande délicatesse afin de décrire intelligemment et sincèrement les maux de la vie et la difficulté d’aimer aujourd’hui.
Le champ du possible de ce grand Monsieur est illimité. Véritable touche-à-tout, Cali multiplie ses engagements, tant dans l’univers du théâtre, de la poésie, de la littérature et, bien évidemment, de la musique.
Bruno est un être doué d’un charisme exemplaire et un humaniste engagé ! Sans oublier, un homme d’exception !
« 1 000 cœurs debout » sonne le clap de fin. Un moment qui permet au drummer de se lâcher comme jamais et d'extérioriser toute sa technique de frappe. Une page se tourne, mais des pages entières restent à écrire...
Putain, quel moment de grâce !
Dommage toutefois que l’artiste ait mis de côté des titres phares tels que « Je voudrais vivre heureux », « Alec t’es où ? » ou encore « Une séparation » issus de « Cavale ». Un album poignant, le meilleur pour votre serviteur, le plus mature. Un disque où la sincérité de l’homme transpire dans chacune des chansons.
Autre endroit, autre style musical, Ben Harper and the Innocent Criminals.
Le Black est impressionnant. Il est accompagné de cinq musicos, dont deux Blacks tout aussi colossaux qui se chargeront de la basse et des claviers.
D’un calme olympien, dans une quiétude absolue, presque funéraire, il s’avance avec flegme sur le podium. Une chaise en bois est placée à l’avant du podium. Il s’assied, prend son temps et entame une première compo à la steel guitar disposée horizontalement sur un châssis.
Son jeu est précis et souple. Il manifeste une grande dextérité dans les gestes.
L'histoire commence au début de l'année 1992. L’auteur-compositeur Ton Freund fréquentait le magasin d’instruments de musique qui appartenait à ses grands-parents. Ton et Ben commencent à jouer ensemble dès que l'occasion se présente. Jusqu'au jour où on leur propose d'enregistrer une autoproduction. Des chansons qui se figureront sur un premier elpee, tout comme des reprises de Robert Johnson.
Il se révèle aux Transmusicales de Rennes, en 1993. Le 3 décembre pour être précis, lors d’une prestation habitée. Un événement qui va déboucher par la signature d’un contrat chez Virgin. Le premier long playing, « Welcome To The Cruel World », sort dans la foule, dans un style agrégeant blues, folk et rock. Il s’écoule à 300 000 exemplaires. Le suivant, « Fight For Your Mind », presque le double.
Durant sa longue carrière musicale (17 albums studio), Ben s’est essayé dans des tas de styles, du rock alternatif (« The Will To Love ») à la soul (« Burn To Shine », en passant par le funk (« Both Sides Of The Gun »).
Lors du concert de ce samedi, ce monument de la création américaine contemporaine proposera un brassage de tous ces styles, sans toutefois se laisser dévorer par les affres de la fusion à tout-va, à l’instar de son dernier né, « Bloodline Maintenance ».
Un set intelligemment construit laissant une grande latitude aux compos tantôt douces, lorsqu’il se saisit de sa gratte acoustique, tantôt plus punchy, tout au long de ces envolées fiévreuses électriques, conduites par ce corps robuste, ce visage expressif et surtout cette voix grave et suave.
Disposant d’un large espace de liberté, Mister Harper s’efforce au gré des compos d’explorer pleinement les champs lexicaux dont lui seul a le secret.
Naviguant entre l’eau et le feu, le combo propose une musique instinctive et parfaite.
Un concert d’exception !
Enfin, Suzane sera le dernier concert de votre serviteur, pour ce samedi.
Elle est étrangement seule sur les planches. De petite taille, son équipe a installé un plateau sur lequel elle peut se produire (de manière à pouvoir être vue ??).
De son véritable nom Océane Colom, cette Avignonnaise s’est révélée en 2019, sur la scène française, alors qu’elle n’avait toujours pas publié d’album. D’ailleurs, son premier, « Toï Toï », paraît l'année suivante. Elle sera récompensée de la ‘Victoire de la révélation scène’ lors des ‘Victoires de la musique’ 2020. En novembre 2022, elle grave un deuxième opus : « Caméo » ...
Un grand écran a été installé derrière elle. Son nom, en lettres capitales, va y défiler régulièrement, lorsqu’il ne s’agit pas d’images de thématiques des chansons abordées.
Plus récemment, elle a prêté sa voix sur un titre de Grand Corps Malade, lui permettant ainsi d’accroitre sa popularité. Une chanson où le grand bonhomme s'imagine être dans la vie d'une femme pendant 24 heures. Tandis que Suzane se met, elle, dans la peau d'un homme. C’est sur l’écran qu’il slamera, la Vauclusienne lui donnant la réplique.
À travers ses textes, Suzane aborde différents sujets, dont la politique, mais aussi et surtout tout ce qui touche aux dérives de la sexualité humaine (les violences sexistes, le harcèlement sexuel, l’homophobie) et à ses idées reçues (le lesbianisme, le genre) ou encore l'homophobie.
Cependant, elle manque cruellement de conviction. Son set est froid, ennuyeux et sans relief. Sans oublier l’absence totale d’intention, Bref, une prestation pas foncièrement médiocre, mais, en tout cas, soporifique…
Accordons-lui au moins le bénéfice d’une performance placée sous le signe de la danse qui a tenu une place primordiale durant son show. Au moins, elle n’a pas tout perdu.
Une seconde journée qui s’achève donc sur un bilan en demi-teinte, malgré une première partie de journée, plutôt réussie.
Que nous réserve la journée du dimanche, habituellement plus familiale ? Mystère. A demain !
(Organisation LaSemo)
Dusty Hill git peut-être sous le gazon texan depuis 2021, mais ZZ Top est loin d'être mort et enterré. De temps à autre, le patronyme ZZ Top figure encore sur une affiche de festival ; et même lorsque Billy Gibbons se produit sous son propre nom, comme ce samedi 8 juillet, au Cirque Royal de Bruxelles, l’empreinte blues-rock brute et marécageuse spécifique est omniprésente.
Billy F Gibbons a ainsi pu glisser dans la setlist une poignée de chansons de ses albums solo, par ailleurs excellents ; ce qui a permis d'éviter que le set soit aussi prévisible que tous les anciens concerts de ZZ Top auxquels on a eu le privilège d'assister. Ce qui a permis d’apporter à l’ensemble un peu de fraîcheur et de spontanéité très appréciables.
Côté son, les morceaux ne sont pas, non plus, très éloignés de celui, plus familier, de ZZ Top. De délicieux rockers sans chichis comme "More, more, more" et "Missin' Your Kissin'" véhiculent également des accents bluesy.
Bien sûr, les classiques de ZZ Top constituent la majeure partie du répertoire live ; et les fringues, les mouvements, les inévitables lunettes de soleil ainsi que les accords de guitare incarnent le ZZ Top vintage. On ne s’attend, d’ailleurs, à rien d'autre.
Des titres incontournables et intemporels comme "Gimme Al Your Lovin'", "She Got Me Under Pressure", "Sharp Dressed Man" et l'ultime morceau de clôture "La Grange" recueillent inévitablement le plus d’acclamations ; mais c'est le joyau de blues intimiste "Blue Jean Blues", le gros blues rocker "Brown Sugar" et les méchants boogies "Tube Snake Boogie" et "Thunderbird" qui nous ont le plus bottés.
Ceux que l’on préfère, si vous préférez. En outre, ils ont été proposés sous leur forme la plus brute. Des morceaux qui mettent en exergue le génie de Gibbons à la guitare, libre comme l'air, bluesy à souhait et toujours brillant. La sublime reprise d'Hendrix "Foxy Lady" s'y prête donc à merveille.
Gibbons affiche déjà 74 balais, mais l’énergie est encore bien présente et le sombre ‘growl’ texan est intact. Chez Billy Gibbons, la barbe n'est pas dans la gorge, mais la gorge est dans la barbe.
Photos Romain Ballez ici
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