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Bernard Dagnies

Bernard Dagnies

mardi, 27 mars 2007 05:00

Western xterminator

Après la rupture (musicale et sentimentale) opérée entre Neil Hagerty (un ex-Pussy Galore quand même) et Jennifer Herrema, au sein de Royal Trux, on se demandait sous quelle forme les deux personnages allaient relancer leur carrière. Si le premier a poursuivi sous son patronyme ou chez The Howling Hex, ses aventures expérimentales, la seconde a décidé de se tourner davantage vers le métal en fondant RTX. Un quintet dont « Western Xterminator » constitue son deuxième opus. Mais un métal teinté de glam et de psychédélisme que Herrema torture de son timbre nicotiné (elle doit au moins fumer 40 clopes par jour, pour avoir une telle voix), tourmenté, sordide, graveleux, démoniaque, une voix qu’elle personnalise en préservant les voyelles et en accentuant les consonnes (le compte est bon !) Hormis le titre d’ouverture et morceau maître, une sorte de tango complexe, angoissant, contaminé par les accords d’une flûte spectrale, les 9 autres titres font la part belle aux riffs bien saignants, susceptibles de remuer les viscères et de ravir les secoueurs de tête. « Wo-wo-din » s’aventure même dans le ‘death metal’ (pas trop ma tasse de thé). Et puis « Knightmare & Mane » campe une ballade dont les accents semblent avoir été empruntés à Cockney Rebel. Les seventies semblent d’ailleurs beaucoup inspirer RTX et en particulier Alice Cooper voire Hawkwind, même si « Last ride » est découpé dans des accords électriques aussi déchiquetés que chez Megadeth.

 

 

 



mardi, 13 mars 2007 04:00

Ryunosuke

Difficile de faire mieux après avoir commis un album aussi remarquable que "A life on standby". Aussi, Mud Flow a décidé de changer complètement d'orientation et de bien brouiller les pistes. Tout d'abord, mention spéciale au design du digipack, réalisé par le graphiste français GWL. Fantasmagorique, digne d'une estampe japonaise, il s'inscrit bien dans l'esprit du titre de l'album. Faut dire que sur le morceau maître, un texte inspiré par Akutagawa Ryunosuke (né en 1897, cet auteur de contes violents s'est suicidé en 1927), est récité par une certaine Satiè Nagasawa dans la langue nippone. Une mini symphonie toute en délicatesse et en raffinement de plus de sept minutes conjuguant envolées de cordes de guitare veloutées et cristallines (And Also The Trees?) Les plages de cet opus sont d'ailleurs particulièrement longues. Alternant moments atmosphériques et puis interventions électriques intenses, sauvages, libératrices. Seul le single « Monkey doll », caractérisé par les palpitations d'un banjo, compte moins de quatre minutes. Une compo assez guillerette rappelant un certain Travis tout en lorgnant manifestement vers « Abbey road » des Beatles. « In time » s'inscrit dans un registre aussi pop, nonobstant sa fin plus redoutable. Elle me rappelle même le fameux single, « Everytime you talk ». Mais la plupart des compos de cette oeuvre se révèlent paradoxalement à la fois complexes et contagieuses. Parfois dans le style de dEUS. A l'instar des huit minutes du titre d'ouverture, « My fair lady Audrey ». Explosif et entêtant, il ouvre sa voilure, avant de s'achever dans un final éblouissant. L'hymnique « Trampoline » ensuite. A cause de ce violon obsessionnel et tourmenté. Un fragment dont le final implique une fanfare. Dans un registre plus cosmique voire floydien, le lancinant « The number one play of the year » se singularise par la ligne de basse ténébreuse et mélodique. Vincent manifeste une plus grande amplitude vocale. Et on croirait même entendre le falsetto emphatique de Jonathan Donahue sur « Planes », alors que les sonorités de la guitare semblent empruntées à George Harrison. Plus proche de Mercury Rev encore, « The story was best left untold » constitue, à mon humble avis, la plus belle chanson de cette plaque. Un hommage à son père décédé l'an dernier. Et en même temps un exutoire. On y ressent que Vincent y libère une dose d'émotion assez phénoménale. Subtilement psychédélique (ces guitares bringuebalantes qui tournent presque en boucle, les oscillations du xylophone), ce titre s'autorise de somptueuses envolées symphoniques avant de s'achever par quelques accords de piano sinistres. Et la composition finale, « Shooting star » n'est pas plus réjouissante, puisqu'elle évoque la disparition de deux proches. Un morceau plus brut de décoffrage, presque lo fi, même si la guitare remplit bien l'espace sonore. Et pour passer l'intégralité de l'album en revue, signalons encore la présence d'une valse aérienne, « Waltz 1 » (avec un titre pareil !) dont le tempo est imprimé par le piano. Piano et claviers assumés par un nouveau membre chez Mud Flow : Fred Donche. Et suivant la bonne habitude, c'est Rudy Coclet qui s'est chargé de la production et de la mise en forme, aux studios Rising Sun. Après avoir concocté un album pareil, Mud Flow est manifestement prêt à s'exporter au-delà de nos frontières...

lundi, 05 février 2007 04:00

Rumour. Open your ears

Ce quintet batave compte trois guitaristes dans son line up. Dont un excellent chanteur (Koen-Willem Toering) qui possède une voix particulièrement ample, diaphane, capable d'inflexions à la Eddie Vedder ou Anthony Kiedis (Red Hot Chili Peppers). Là où le bât blesse, c'est au niveau d'un des trois gratteurs. Probablement un ancien soliste de groupe de hard rock vouant une grande admiration à Alvin Lee (NDR : les accents métalliques peuplant « The less I eat » en sont la plus belle illustration). Heureusement, toutes les interventions de cet excellent technicien ne sont pas nombrilistes. Et il lui arrive de s'inspirer de Carlos Santana (NDR : c'est mieux !) sur le semi acoustique « Warrior » ou lors de la plage finale, « Holy man », un slow finalement assez complexe et plutôt bien réussi. Pourtant, c'est lorsque la formation joue en équipe qu'elle est la plus efficace. Et je pense tout particulièrement à la plage d'ouverture « Deliverer », plus proche d'un House of Love que des Chameleons, au ténébreux « Something beautiful » ou encore au très puissant « Inten ». Mention spéciale à « Speak », dont la guitare acoustique est jouée en picking, à la manière des Beatles sur le « Double blanc ». Beaucoup de potentiel, donc, pour cet ensemble néerlandais que les spécialistes comparent déjà à Saybia. Suffira donc de le travailler, en vue de le rendre le plus cohérent possible? Allez Woost !

mercredi, 28 février 2007 04:00

Kissing fauna, are you the destroyer

Of Montreal appartient au collectif Elephant 6, une écurie particulièrement branchée sur tout ce qui touche au néo-psychédélisme et au sein de laquelle on retrouve notamment Beulah, Olivia Tremor Control, Apples In Stereo, Elf Power, et sévissait l’énigmatique autant que remarquable Neutral Milk Hotel. Kevin Barnes est la figure de proue de cette formation géorgienne (d’Athens, très exactement).

« Hissing fauna, are you the destroyer ? » constitue le onzième album d’Of Montreal, un disque semi-autobiographique enregistré en deux phases. En fait, Kevin et parti vivre, en 2004, quelque temps en Norvège. Il y accompagnait son épouse et sa fille. Apparemment, ce nouvel environnement ne lui convenait pas, puisqu’il a rompu avec sa femme et est entré dans une profonde dépression, proche de l’aliénation mentale. C’est pourtant à cette époque, qu’il a écrit la première moitié des titres de cet opus. Des compos naturellement empreintes de désespoir et de cynisme (les lyrics !) Puis, le couple s’est réconcilié et, c’est dans cet état d’esprit qu’il a concocté la seconde partie de l’œuvre. Si Of Montreal émarge au psychédélisme, alors on peut le qualifier de psychédélisme baroque. Parce que cet elpee laisse transparaître une multitude d’autres influences. Glamoureuses, tout d’abord. Et on pense ici en particulier aux Sparks, à Bowie et même à Todd Rundgren. Funkysantes. Mais dans l’esprit de Prince. Des caractéristiques accentuées par le falsetto de Barnes. Parodiques. Pensez à Gruppo Sportivo. Et puis électro dark wave. Atteignant presque les 12 minutes, un titre comme « The past is a grotesque animal », pièce centrale et maîtresse de l’elpee, est digne du « Blue Monday » de New Order. Remarquable !

Enfin, on ne peut passer sous silence le digipack qui s’ouvre comme une fleur de lotus et laisse alors apparaître de superbes mandalas kaléidoscopiques. 



lundi, 05 février 2007 04:00

Learn to sing like a star

En 20 ans de carrière, Kritin Hersh a commis la bagatelle de 16 albums. Que ce soit en compagnie des Throwing Muses, de 50 Foot Wave ou sous son propre patronyme. Et il faut bien reconnaître qu’après deux décennies, sa musique n’a toujours pas pris une ride. « Learn to sing like a star » constitue son septième opus solo. Elle a néanmoins reçu le concours de son fidèle drummer David Narcizo (toujours présent depuis l’époque des Muses. Ici, il joue même un peu de piano), du talentueux violoncelliste Martin McCarrick (ce n’est pas non plus la première fois qu’il apporte sa collaboration) et de son épouse, la violoniste Kimberlee. Ce trio apporte souvent une dimension dramatique, parfois symphonique aux compos. Kristin se chargeant des vocaux (toujours aussi fragiles, mystiques et gémissants), de la production et, surtout, du reste de l’instrumentation, dont les parties de guitares acoustique et électrique qu’elle parvient à agréger avec une habileté presque magique.

Le résultat est impressionnant. Quatorze titres figurent sur ce « Learn to sing like a star » dont trois brefs interludes instrumentaux (le presque classique « Piano 1 », le folk blues méditatif « Christian Hearse » - cherchez le jeu de mots ! - et le post-rock impulsé par « Piano 2 »). Quatre valses ensuite. Enfin, quatre titres imprimés sur ce type de tempo. Tout d’abord, le nerveux et grandiose « In shock » (premier single de l'album), le dépouillé « Ice », glissant allègrement d'une romance sombre à un bonheur fugace, le punkysant « Sugarbaby », à la fois amer et spectral ainsi que le ténébreux et émouvant « Winter », parcouru de cloches tubulaires. On ainsi encore droit à un élégant et mélancolique « Never endings », l’ondoyant et harmonieux « Day glo », quoique parfois enclin à des accès de furie, le contagieux « Under the gun » (pour quand une telle compo chez Courtney Love ?), l’audacieux et insolite « Peggy Lee », la berceuse baroque mais tellement belle « Vertigo » (post folk punk lettré ?), un « Wild vanilla », manifestement influencé par Violent Femmes (Kristin les considère comme une référence majeure), mais aussi légèrement teinté de psychédélisme.

En final, on retrouve une ballade brumeuse, dont la construction hypnotique peut évoquer Yo La Tengo. Pour les textes, ne m’en demandez pas davantage, ils sont toujours aussi cryptiques. Je vous laisse donc le soin – si vous connaissez bien la langue de Shakespeare – de les décoder. N’empêche, ce « Learn to sing like a star » constitue un des premiers musts de l’année.

 

 

 



mardi, 30 janvier 2007 04:00

Singles

Cette compile réunit des singles mis en ligne par le groupe sur des plates-formes légales de vente. 15 morceaux parmi lesquels figurent deux covers. Tout d’abord « People in me », un des deux hits de Music Machine, formation californienne météorique, dont la notoriété n’a jamais dépassé l’année 1967. Et puis le « Get on your knees » de Los Canarios, un combo issu des Canaries qui a sévi entre 1967 et 1974. Ce quatuor espagnol pratique une musique garage largement contaminée par le funk. Pour vous donnez une petite idée, imaginez un Lenny Kravitz qui aurait décidé d’en revenir à des influences plus respectables : c'est-à-dire Jimi Hendrix, Sly & The Family Stone et le MC5. Pas pour rien que les quatre musiciens ont décidé de choisir pour pseudo nom de famille, celui du manager de la formation mythique de Detroit : Sinclair. Pour l’une ou l’autre compo, JC., R.R., R.J. et S.F. ont quand même reçu le concours d’un drummer/percussionniste et surtout d’un saxophoniste/trompettiste, histoire de donner une coloration latino-jazzyfiante à leur expression sonore (« When the shadows cross the river »). Deux plages (« Old man » et « Another day ») empruntent curieusement le sens mélodique complexe de Make Up, alors que « Your best friend is dead » trahit des réminiscences hardcore. Plus étonnant, « Summer days » s’abandonne dans une sorte de bossa nova lounge. T.S.D. s’autorise même une version acoustique de ce fameux « Old man ». Quant à la voix de J.C., son amplitude lui permet d’emprunter une multitude d’inflexions. Elles oscillent ainsi de Hugh Cornwell à Bryan Ferry, mais sans jamais en égaler le timbre. Mais ce type de vocaux correspond parfaitement à la musique de cette formation ; les chœurs falsetto des trois autres musiciens apportant un petit côté kitsch aux mélodies…

 

 



mardi, 09 janvier 2007 04:00

Costello Music

Ce trio pourrait bien devenir la nouvelle coqueluche des Britanniques. Et pourtant, ils ne sont pas londoniens, mais issus de Glasgow. Bénéficiant de la production de Tony Hoffer (Beck), « Costello Music » constitue leur tout premier album. Un disque, ma foi, fort réussi, très soigné, même s’il réverbère des échos de Libertines, Babyshambles, Dirty Pretty Things ou encore des Arctic Monkeys. Le chanteur, Jon, possède d’ailleurs un débit verbal proche d’Alex Turner ; quoique les intonations savoureusement éraillées de son timbre, me fassent davantage penser à John Lennon. A moins que ce ne soit à Ray Davies (« Vince the loveable stoner » et « Ole black’n’blue eyes » auraient pu figurer dans le répertoire des Kinks). Un groupe bien dans l’air du temps, donc. Encore que l’expression sonore est davantage ‘glam’. Un peu comme lors des débuts de Supergrass. Le spectre de Marc Bolan y est également très présent tout comme l’esprit de Bowie circa 1972. Ajoutez-y une pincée de Clash (les riffs de guitare tranchants, les compos hymniques), des mélodies contagieuses, beatlenesques, et vous obtenez une description plus ou moins exacte de la musique pratiquée par ces faux frères. Tiens, des faux frères ! Comme chez les Ramones, un groupe auquel les Fratellis vouent une grande admiration…

Et pour les textes, suffit de jeter un coup d’œil sur la pochette pour se rendre compte de l’univers ‘cartoonesque’ au sein duquel ils baignent. En bref, la plupart des chansons racontent les épisodes rocambolesques de la vie d’un type (Jon ?) qui drague les filles (surtout les plus inabordables !), les attire dans sa chambre (pas pour leur conter fleurette), reçoit et distribue des gnons à ses rivaux, boit, fume et rencontre des gens aussi fêlés que lui. Des histoires de bad boys, si vous préférez. Bref, si cet opus n’est pas révolutionnaire, il a au moins le mérite de vous mettre de bonne humeur. Et ce n’est déjà pas si mal !

 

 

mardi, 16 janvier 2007 04:00

Through the windowpane

En écoutant pour la première fois cet album, j’ai fait la moue. J’ai même failli remettre le disque dans son boîtier, après trois titres. Et pourtant, y figurent les deux singles « Made-up Lovesong #43 » et « Trains to Brasil ». Même que la presse spécialisée ( ?!?!?) s’était montrée dithyrambique lors de la sortie de ces disques. Pourtant, je me suis forcé à me farcir les presque soixante minutes de ce « Through the Windowpane », histoire de comprendre pourquoi ces Guillemots suscitaient un tel engouement. Onze plages plus soporifiques les unes que les autres et puis soudain, un « São Paulo », d’une durée de 11’41, absolument déconcertant. Digne du meilleur Divine Comedy. Une synthèse de leur potentiel, si vous préférez. Un potentiel que j’ai découvert lors de la prestation de ces drôles d’oiseaux (NDR : un guillemot est oiseau palmipède au bec long et pointu ressemblant au pingouin) accordée dans le cadre des Inrocks, à Lille. Très en relief, énergique, riche et diversifié, leur set a été pour ma part, la révélation de ce festival. Après cette claque, je me suis décidé à réécouter cet opus. Et il m’a fait le même effet. Je le répète, ils ont le droit d’aller casser la gueule au producteur ou au mixeur ou à celui qui a passé leur musique au chinois. Je veux bien que l’on parle d’influences puisées chez Burt Bacharach, Prefab Sprout et même Supertramp. Que leur style se repaît aussi bien de pop, de jazz, de lounge, de soul et de music-hall (NDR : qui a dit variétés ?). Que le chanteur, Fyfe Dangerfield, possède une superbe voix qui ne déparerait dans le cadre du concours Eurovision. Que la bassiste est très jolie, hyper sexy. Mais ce disque bande mou. Et c’est un affront vis-à-vis d’Aristazabal Hawkes ! Alors soit le groupe opte pour la molle bande ( ?!?!?) FM, soit il montre ce qu’il a dans le (bas) ventre. Mais qu’on ne vienne plus me raconter des salades. Surtout si elles sont montées…

 

 

 



mardi, 09 janvier 2007 04:00

Devoted to pleasure

En 2004, j’avais déjà mis en exergue le potentiel de ce quatuor rennais ; et en particulier lors de la sortie de son premier album (« Specially for you ») ; une formation au sein de laquelle on retrouvait deux ex Candie Prunes : Gilles Morrillon et surtout Laureline Prod’homme. Cette dernière avait ainsi tenu la basse au sein de Giant Sand, à l’occasion d’une tournée accomplie par la bande à Howe Gelb, en France. Bref, depuis lors, The Dude a pris de la bouteille. Et puis, vient d’enregistrer ce second opus. Un disque nettement plus orienté garage. Mais un garage directement inspiré par les Kinks du début des sixties (celui du tube « You really got me ») et constamment obnubilé par la dissonance mélodique. Pensez à Sonic Youth, Blonde Redhead, PJ Harvey –les vocaux laconiques de Laureline n’y sont pas étrangers– et même à BRMC sur l’hypnotique « I want you babe ». Encore que lorsque l’expression sonore prend des accents sauvages, c’est plutôt du côté des Stooges qu’on se met à lorgner. L’album s’achève par une cover de « Banana split », une compos signée Jacques Duvall/Jai Alanski et immortalisée en 1980 par Lio. Pas une réussite, même si son écoute peut rappeler de bons souvenirs. La ballade « Bearfly » et cette reprise sont d’ailleurs les seuls morceaux dispensables de ce « Devoted to pleasure »…

 

 

mardi, 09 janvier 2007 04:00

Tour de Chauffe

‘Tour de chauffe’ est un dispositif d’accompagnement aux pratiques amateurs mené avec le soutien financier de LMCU par trois structures culturelles de la métropole lilloise : le Centre Musical les Araces de Faches Thumenil, la Maison de la Musique-le Nautilys de Comines, la Maison Folie-Ferme d’en haut de Villeneuve d’Ascq.

Cette opération a permis à 18 groupes de la métropole de bénéficier, durant l’année 2006, d’une résidence de travail scénique, d’un enregistrement professionnel de 2 titres, d’une aide à la structuration administrative et à la communication, et de formations diverses et variées (législation du spectacle, MAO, mise en scène, master-class, chant…) Un festival dans les trois lieux et un double cd compilatif concluent cette année de travail. Une compile sur laquelle nous allons nous pencher…

Le premier disque nous entraîne à la découverte de 10 formations. Depuis Automaticq, version electro-pop de Noir Désir à Deinzen, responsable d’une formule electro-pop-jazz lorgnant tour à tour vers Perry Blake ou Thom Yorke, en passant par The Clercks, combo parisien vivant à Manchester dont le post punk (à moins que ce ne soit la cold wave) juvénile puise manifestement ses influences chez Joy Division, Blondie, Bis et Elastica, Day One A Porno et ses atmosphères ténébreuses, sombres, réminiscentes d’And Also The Trees et Sad Lovers & Giants, le post rock singulier de L’Objet, mêlant habilement cold et no wave (imaginez une rencontre hypothétique entre Cure, Sonic Youth et Slint), le hip hop teinté de Philly sound cher à Mic Familia, le post hip hop de MasKgaz, l’electro opératique de Maymun, susceptible de virer au minimalisme sous des accents dub ou empruntés à la chanson française, Valentine’s Day, sorte de Hooverphonic en moins trip hop et le jazz/prog de Six Reine (ou les prouesses vocales de Gentle Giant transposées chez Meredith Monk).

La deuxième plaque épingle 8 artistes ou groupes. Elle s’ouvre par Rodrigue, disciple de la chanson française, évoluant dans un registre plus proche de Cali que de Thomas Fersen, et s’achève par la world fusion de Borka. Un disque qui se révèle globalement plus intéressant. Mon premier coup de cœur va ainsi à Kinski Palace, dont la musique cinématique, à la croisée des chemins d’Enio Morricone, de CharlElie Couture, Calexico et Bashung est hantée par le baryton de Venko. Yukiko The Witch ensuite. Un duo responsable de 18 albums autoproduits à ce jour et pourtant qui végète toujours dans la zone crépusculaire de l’underground. Des artistes complets, puisqu’ils partagent leur passion musicale avec la peinture, la lutherie et la sculpture. Leur pop/rock mélodique semi-acoustique, mélodieuse (pour ne pas dire contagieuse) me rappelle même les meilleurs moments de Travis. Et la troisième bonne surprise nous vient de The Neverending. Parce que sa vision hardcore évolue dans un registre mélodique, cosmique, proche d’Isis. Le reste de l’elpee épingle encore le déglincore de Tronckh, qui se réclame autant de Primus de Cypress Hill que de Faith No More, le rap teinté d’exotisme de Fiensou et enfin nous invite à voyager à travers le riche patrimoine kabyle sous la houlette de Trad’Am…