Vous trouverez, ci-dessous un aperçu des sorties récentes et futures les plus intéressantes chez PiaS ; bien sûr dans l’esprit de la ligne éditoriale de Musiczine. Et pour vous donner un avant-goût, rien de tel que d’y associer l’un ou l’autre clip vidéo ou…

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Grand Corps Malade, Ben Mazué et Gaël Faye décident de miser sur l’éphémère afin de produire un objet musical né du désir de croiser leurs rimes et leurs émois. Chacun des trois frères de cœur a eu la superbe intuition de prendre le temps, pour mieux le…

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Le Noiseur

Je milite pour le retour du slow !

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Il jongle avec les mots pour chasser les maux en y enfonçant cette pointe de second degré qui le caractérise. Lui, c’est le Noiseur.

Derrière ce pseudo, se cache Simon Campocasso. Un idéaliste à la mélancolie douce et au verbe acéré. Il navigue entre l’eau et le feu. Et si Le Noiseur était un poète écorché vif ?

La musique constitue pour lui une échappatoire dans laquelle il s’enfermera alors qu’il fête à peine ses 16 ans.

Depuis, lorsqu’il ne chante pas, il chuchote. D’un grain de voix qui n’est pas sans rappeler Biolay. On entre immédiatement dans le vif du sujet…

Simon, tu possèdes un grain de voix proche de celui de Biolay. Elle a quelque chose à fois d’envoûtant et de nonchalant, tout en en recelant cette touche de pudeur. On a l’impression que, parfois, tu chuchotes plus que tu ne chantes. Le Noiseur est-il un artiste dans la douceur ?

Sur le premier album, je n’assumais pas totalement ma voix. Effectivement, je chuchotais. Ici par contre, je suis plus à l’aise tant avec ma voix que le chant. Je suis moins dans le chuchotement. En tout cas, j’essaie de m’en détacher. C’est un ressenti personnel que d’autres ne partagent peut-être pas. C’est un disque qui reste dans la douceur, oui. Mais, je suis plus généreux dans l’interprétation.

« Le Noiseur » est le pseudo utilisé par ta mère car enfant tu étais turbulent. L’image que tu reflètes aujourd’hui semble en tout cas très éloignée, voire totalement opposée de celle que tu incarnais. Au fond, devenir artiste et monter sur les planches est en soi une démarche schizophrène.

Effectivement, enfant j’étais assez turbulent. Je me suis assagi depuis lors. Simon Campocasso (NDR : son nom à l’état civil) était plus difficile à prononcer, j’ai donc conservé ce pseudonyme. Tu as raison, dans la démarche artistique, il y a quelque chose de schizophrénique. J’ai l’impression que lorsque je suis sur scène, je suis celui que je ne parviens pas à être dans la vie. Par exemple, au sein d’une assemblée, je ne suis pas celui qui va monopoliser la parole ou qui va raconter de longues anecdotes. Sur scène, j’aime parler avec le public, car je sais qu’il va m’écouter.

« Du bout des lèvres », ton premier elpee, était largement autocentré. « Musique de Chambre » se signale par cette ouverture au prochain. Quelle est la genèse de ce processus ?

Le premier album était intimiste. Ensuite, je me suis retrouvé seul à composer des chansons. Cette période de solitude m’a incité à s’ouvrir aux autres. La période Covid a accéléré le mouvement. Le second est ainsi plus fédérateur que le précédent. Je voulais que mes chansons puissent s’exporter en ‘live’. Ce qui explique pourquoi elles sont donc plus généreuses et ouvertes aux autres.

Tes textes véhiculent des messages puissants, mais pour les faire passer, tu as recours au ‘second degré’. Pourquoi ?

Ce second album m’a permis de mettre plus de distance dans l’écriture des chansons. Il est conçu comme je le suis. En y révélant, à la fois, un côté mélancolique et un côté amuseur. Ces deux pôles cohabitent parfaitement. Le second degré permet aussi d’exprimer des opinions plus profondes et de sensibiliser davantage les gens.

Chanter la mélancolie est quasi un passage obligé chez la plupart des artistes. Qu’en est-il du bonheur ? Il se vit plus qu’il ne se chante ?

C’est ce que je pensais au début. Finalement, il est tout aussi intéressant d’écrire des chansons tristes que plus légères. A titre d’exemple, « Summer Slow » ou « Stone de toi » se réfèrent à ces instants de bonheur. Ces compos permettent d’apporter ce petit côté ‘feel good’ sur scène.

Après « Musique de chambre », une plage qui figurait sur ton premier Ep, tu as composé « Musique de stade », un morceau qui figure sur ton dernier long playing. Mais si tu souhaites leur donner une suite, quel titre comptes-tu choisir ?

C’est difficile d’aller au-delà. Ici, je suis dans le dernier vote des Victoires de la Musique. Alors je dirais simplement « Musique des Victoires de Musique ».

« Relax », titre éponyme, aborde le regard qu’on peut porter sur les années d’adolescence lorsqu’on vieillit. Qui étais-tu ? Qui rêvais-tu de devenir ?

Enfant, je voulais faire de la musique. Mais, c’est vers mes 16 ans que l’envie d’écrire des chansons et de monter sur scène s’est enfin révélée. Après le BAC, j’ai fréquenté deux universités où j’ai suivi des cours consacrés à la musique. La première m’a permis d’appréhender de manière approfondie la théorie. La seconde était davantage axée sur celles réservées au cinéma. Je n’avais pas d’autre envie. Mes parents se sont parfois inquiétés, je dois bien l’avouer. Mon parcours a finalement démontré que je ne m’étais pas trompé.

Dans « Jimi Hendrix », tu abordes le thème de la mort. Quel est ton rapport au temps qui passe ?

J’ai perdu ma mère lorsque j’écrivais ces chansons. J’ai dû faire face au deuil. Cet évènement a complètement bouleversé mon rapport au temps et a impacté forcément l’écriture des compos. Cela se ressent. Il y a désormais ce facteur d’urgence. J’en parle dans « Jimi Hendrix ». J’ai effectivement peur de ne pas pouvoir concrétiser mes projets et notamment à travers des albums. Cette chanson constitue un appel à la vie. En évoquant ces morts du club des 27 et d’autres qui sont décédés si jeunes, je voulais rendre hommage à la vie et ce rapport au temps qui a changé.

S’il te restait 24 heures à vivre, que ferais-tu ?

Je les passerais avec les gens qui me sont les plus chers, c’est certain.

Parlons un peu de « Summer Slow 88 » qui relate une rencontre durant un slow. Pratique souvent jugée comme ‘has been’ par de nombreux jeunes. En ce qui te concerne, j’ai bien compris que tu étais plutôt vieille école. La meilleure manière d’emballer pour toi ?

Je milite pour le retour du slow.  C’est une pratique qui favorise les rencontres, surtout pour les personnes timides. Elle permet de se rapprocher et de discuter. Il faut vraiment revenir au slow.

Le clip de cette chanson a été tourné lors d’un véritable thé dansant. Une manière de t’imprégner de la vie des gens et de leur milieu ?

J’ai tourné plusieurs clips sur ce même principe. Perso, il s’agissait d’aller à la rencontre de personnes et d’observer le milieu dans lequel elles évoluent. Cette méthode permet aussi d’atteindre des résultats plutôt inattendus et surprenants. Les retours ont été assez positifs tant en ce qui concerne les équipes de tournage que des figurants lambda qui ont participé aux clips. Nous en retirons de jolis souvenirs. A titre anecdotique, j’ai gardé le contact avec certains d’entre eux. Cette aventure demeure une belle expérience.

Le rapport au numérique est abordé dans « Week-end à Rome 2.0. ». Le téléphone est devenu aujourd’hui un outil dont nous sommes devenus dépendants. Internet en est également un autre qui a été créé par l’homme sans qu’il ne puisse plus le maîtriser. Etait-ce mieux avant ?

Je ne sais pas. Il y avait des choses intéressantes avant, c’est certain. Aujourd’hui, la technologie permet de réaliser des trucs géniaux. En ce qui me concerne, elle a facilité mon rapport à la musique. Je dispose d’un petit studio chez moi. Tu peux le mettre dans une valise et te rendre où tu veux. Pratique qui était rendue impossible il y a encore quelques années. Je suis content de vivre dans cette époque. En revanche, je reste convaincu que le téléphone et toutes les applications périphériques (Facebook, Instagram, etc.) doivent rendre difficile la vie des adolescents. Je dirais que, de ce point de vue, c’était mieux avant.

Les réseaux sociaux permettent pourtant des rencontres plus faciles et plus rapides que le slow dont on parlait tantôt…

C’est sûr que pour draguer, c’est mieux aujourd’hui (rires).

« Aston Morphine » rend hommage à Françoise Sagan. Un personnage plein de contradictions. Correspond-t-elle à ton image ?

Elle était contradictoire sous certains aspects effectivement. J’aime les voitures et la vitesse. Les points communs que l’on partage m’ont en effet inspiré. Son amour pour le jeu était inconditionnel. Sa vie était uniquement tournée vers le plaisir finalement. C’était une artiste, elle écrivait. Une personnalité très référentielle. Le postulat de départ n’était pas de consacrer une chanson à Françoise Sagan. En fait, elle a traversé mon esprit et a fini par guider toute la composition.

Ce disque a été conçu après le premier confinement. Cette crise sanitaire a été catastrophique pour le monde de la musique. Elle a littéralement castré les artistes de l’univers de la scène. Comment as-tu vécu cette période en tant qu’homme et artiste ?

J’ai trouvé cette crise amusante au début parce que nous étions tous confrontés à la même situation. Nous étions tous enfermés, devant nos PC ou sur Instagram. Un artiste avait beaucoup de réaction lorsqu’il postait quelque chose sur la toile. On avait du temps. J’ai créé quelques vidéos marrantes. J’ai été sollicité par les médias pour leur offrir du contenu. Par la suite, la situation est devenue pesante et compliquée parce qu’elle s’installait dans le temps. Jusqu’à aujourd’hui encore. Au début, cette situation était inédite et on pouvait encore en retirer quelque chose. Aujourd’hui, tout cela est terminé.

L’esthétique est omniprésente tant dans les clips que les photos de presse. Son et visuel, même combat ?

Je ne me pose pas ces questions en ces termes. Les clips m’intéressent, oui. Je m’implique dans tout ce que j’accomplis et j’y mets beaucoup d’énergie. Je n’accorde pas plus d’importance au clip qu’à la musique. J’essaie de réaliser un travail cohérent. Les vidéos constituent un moyen supplémentaire de s’amuser, de réfléchir, d’emmener le projet ailleurs, d’aller plus loin, sans en oublier le plaisir que cette activité procure.

(Interview réalisée par visioconférence le 1er décembre 2021)


 

Pauline Croze

Après le heures grises, chanson française urbaine…

Écrit par

Pauline Croze, c’est une voix immédiatement identifiable, un jeu de guitare particulier, des chansons légères ou bouleversantes (dont « T’es beau », repris par Imany et Angèle), et surtout, une forte personnalité, qui a enregistré quatre albums originaux dont un de reprises, en 2016 (NDR : s’autorisant une incursion dans la musique brésilienne, et la bossa nova en particulier), toujours interprétés avec élégance et sobriété.

Pauline Croze sur scène, c’est un public qui la suit depuis environ 15 ans. Mais aussi la révélation aux Transmusicales de Rennes en 2003 (suivi en 2004 du Prix Sacem du Festival Chorus des Hauts de Seine), des tournées régulières rassemblant un public fidèle - jusqu’à celle de 2018 / 2019 en compagnie d’Astérios.

L’année 2020 a démarré par la mise en ligne sur Youtube du documentaire de Didier Varrod, « Pauline Croze, mise à nu ? », réalisé il y a bientôt 15 ans peu de temps après la sortie en 2005 de son premier long playing éponyme.

Gravé en 2007, son deuxième opus, « Un bruit qui court », lui a permis de décrocher ‘Le prix de l’Eden’, en 2012.

Son avant dernier LP, « Ne rien faire », remonte à 2017.

En 2019, Anne Claverie, via sa société Absolute Management, a retrouvé Pauline pour préparer, comme éditrice et directrice artistique, son nouvel elpee.

Quatre nouveaux titres devaient être enregistrés en avril 2020, après un déménagement. Suite au confinement, il est resté au stade de projet. En attendant de pouvoir s’installer, Pauline a séjourné dans une maison de la campagne sarthoise où heureusement, elle a découvert que le grenier sonnait très bien pour ses prises de voix.

C'est donc à distance, en mode enregistrement ‘confinement’, entre ce grenier, Reims, Roanne, Paris, les Landes et Montréal que quatre premiers titres ont finalement pu être enregistrés en compagnie de Charlie Trimbur (Camp Claude, Eddy de Pretto), Pierrick Devin (Lomepal, Phoenix, Benjamin Biolay), Nk.f (PNL, Angèle, Damso), Romain Guerret (Aline, Alex Rossi... co-auteur et réalisateur de « Kim ») et enfin Voyou (à la trompette sur ce même titre).

Trois plages –dont « Kim » et « Le Monde »– ont été mixées par Alf Briat (Air, Sébastien Tellier, Flavien Berger) et masterisées par Alex Gopher.

« Kim », le premier single de ce nouveau chapitre, est paru le 14 mai 2021.

Début juillet, le suivant, baptisé « Le Monde » (réalisé par Charlie Trimbur), lui a succédé.

Et un troisième, « Je suis un renard », a embrayé cet automne, avant que ne soit publié son nouvel album, « Après les heures grises » ; une période au cours de laquelle elle a accordé de nombreux concerts, toujours avec Astérios.

Pauline Croze est bel et bien de retour !

 

Qu’est ce qui a changé depuis la sortie du single « T’es beau », issu du ton premier opus, et le sixième, « Après le heures grises », qui vient de paraître ?

Plein de choses. Il y a quand même seize ans qui se sont écoulés depuis le premier album. Je pense que je suis plus apaisée. Ma musique est différente.

J’ai voulu aussi explorer d’autres styles musicaux. Ne pas forcément rester dans la veine ‘chanson française’. Il y a eu pas mal de chemins de traverse. Aujourd’hui ma musique c’est toujours du ‘Pauline Croze’ mais j’ai voulu aborder d’autres sons. Notamment plus électroniques et un peu plus urbains. En résulte un album assez éclectique. Dont je suis plutôt fière.

« Nuit d’errance » est un morceau très intimiste, juste piano-voix. D’autres sont, comme tu dis, très électroniques. Que penses-tu de ce virage électronique de la chanson française ?

A partir du moment où la chanson est bien écrite, bien composée et que l’arrangement la sublime, ça me va. C’est-à-dire que je peux très bien être séduite par ces nouveaux habillages. Il y a pas mal de jeunes artistes de chansons tels que Voyou où l’électronique est un peu moins présente ; mais c’est quelqu’un qui s’ouvre de nouveaux horizons, a un superbe univers, joue super bien et a une poésie magnifique. Il est un peu plus proche de la musique contemporaine car il collabore avec des orchestres symphoniques.

Tim Dup parvient également à naviguer de manière hyper fluide grâce à un son très proche de l’univers de Barbara, très piano-voix, très classique. Mais il est aussi capable de nous entraîner dans un univers dansant, électro, club avec une aisance que j’estime fabuleuse.

Quel est le rapport entre le renard et le bagnard dans ta chanson « Le renard » ?

Je verrais le bagnard comme quelqu’un qui est exclu. Le renard, quand il suit ses instincts, peut parfois provoquer des accidents. Il peut faire des choses que l’on n’attend pas de lui. Par conséquent, il peut être écarté comme un bagnard. Pour ce morceau, je n’ai pas écrit le texte, je me suis chargée de la musique. L’auteure s’appelle Olivia Brun. Elle souffre de bipolarité. C’est tout ce cheminement, ces états d’âmes bouleversés qu’elle décrit. Cette chanson m’a beaucoup touchée même si je ne vis pas ces chamboulements à un degré aussi extrême. A ma mesure, je vis ces pics où je me sens très exaltée et des descentes au trente-sixième dessous où on a peur de tout et on devient parano. Cela m’a donc fortement parlé.

‘…je vis ces pics où je me sens très exaltée et des descentes au trente-sixième dessous où on a peur de tout et on devient parano.’

Dans le clip consacré à « Le renard », vous dansez à deux dans une chorégraphie filmée par des drones. C’est assez graphique, visuel. Et il y a de belles couleurs. Quel est l’idée du clip, son message ?

L’idée du clip est que le corps décrit ce cheminement de l’âme. Il y a les côtés très exaltés, volontaires et frondeurs et les côtés où il s’abandonne, se laisse tomber. Il s’enfonce dans quelque chose de sombre, de triste. Le drone est le témoin extérieur, le regard des gens. C’est un personnage à part entière. Il scrute la moindre de nos failles. C’est là que se joue la parano. Quand on vit cette bipolarité et des montagnes russes, il est difficile de se montrer sous ce jour-là car ce n’est pas un comportement dit ‘normal’. On sait que l’on ne va pas être accepté comme on est.

Ne pas être accepté comme on est te touche à quel stade ?

Cela me parle car pour être intégrée socialement, il faut adopter certains codes, une certaine attitude, un certain comportement. Dire que l’on est dépressif aujourd’hui est encore un discours qui fait peur. On ne le dit pas. Il y a des confidences que l’on doit garder pour soi parce qu’elles créent une distance avec les autres. On leur renvoie un miroir qui n’est pas rassurant.

Et à ton échelle, as-tu déjà ressenti ce malaise ?

Oui, à mon échelle, je l’ai déjà ressenti car je suis quelqu’un d’assez solitaire, de discret, de réservé. Je ne suis pas forcément très sociable. Une attitude qui ne fédère pas les gens autour de soi. Ne pas réagir aux mêmes choses et de ne pas aimer les mêmes choses que les autres, m’isole un peu. J’ai toujours eu du mal à vivre en groupe, à me créer des familles. Après, c’est mon tempérament.

Se sentir à côté ou à part, je le ressens. Inconsciemment c’est peut-être une barrière que je crée pour me protéger. Pour ne pas être en vis-à-vis par rapport aux autres, pour ne pas me confronter.

Il y a la posture dans laquelle on se met et le socialement correct. On doit tous s’agréger dans des attitudes communes.

Tu te sens un peu à côté, parfois ?

Parfois oui. Et je ne fais pas partie des gens qui n’ont pas envie de crier ‘cinq, quatre, trois, deux, un, zéro !’ le jour de l’an. Quand on a un tel comportement, par exemple, on est traité de rabat-joie.

Il y a des événements auxquels je n’ai pas envie d’adhérer, dans lesquels je ne me reconnais pas. Je ne participe pas mais je laisse les gens vivre.

Il en existe d’autres comme toi tu sais…

Oui il y en a d’autres comme moi. Mais on n’est pas nombreux.

Se sentir décalée est toujours quelque chose que j’ai ressentie mais je le vis probablement moins mal qu’avant.

Et ce côté-là sur les planches ?

Sur scène, en général j’essaie de bien m’entourer, d’être auprès des musiciens qui comprennent ma musique et mon propos. Sur scène je le ressens moins.

Quand tu as conquis ton public et qu’il vient te voir, tu en conclus qu’une reconnaissance mutuelle s’établit.

C’est vrai que dans mon public on ne rencontre pas forcément des gens très exubérants. On est toujours en miroir avec un artiste je pense.

Dans « Phobe », tu évoques la crise sanitaire à demi-mot. Tu dénonces la folie des hommes, la nature qui se dégrade. Mais tu dis qu’il ne faut pas hésiter à miser sur l’avenir. Comment mises-tu sur l’avenir ?

Dans « Phobe », on est poussé dans les extrêmes. On n’a plus le temps ni l’art de la nuance. On doit fonctionner de manière binaire. On s’extrémise quand il s’agit d’adopter ou de détester quelque chose.

Parmi les exemples on pourrait évoquer l’aspiration des êtres humains, l’angoisse face à la planète qui se dégrade. Nous vivons au sein d’un univers où on doit prendre parti très vite. Sur les réseaux, on nous envoie des messages par lesquels on est pris par le tripes, pour lesquels il faut réagir rapidement. Ce qui nous pousse à être tout l’un ou tout l’autre. Cette situation m’inquiète.

Et du coup je ne sais plus quelle était la question (rires)…

Comment mises-tu sur l’avenir ?

Ma manière de voir plus loin et de viser plus haut se résume tout simplement à continuer de faire de la musique. Qu’elle fasse rêver les gens, les divertisse, les transporte. Ma victoire par rapport à l’incertitude que l’on vit c’est de toujours réussir à en créer, à m’exprimer. Ce qui me permet de me projeter dans la vie. Pour moi une chanson c’est comme un message que j’envoie, c’est quelque chose que je veux transmettre à quelqu’un. C’est ma manière de ne pas me laisser décourager. Parfois ce n’est pas évident. On vit dans un monde qui est difficile. Le monde de la musique prend beaucoup de coups. Que ce soit à cause de la pandémie, à cause du marché du disque qui est très chamboulé. Les artistes sont conscients qu’ils ne vont pas vraiment vivre des revenus des plates-formes.

Je suis contente d’avoir sorti cet album, car c’est une lunette astronomique. Elle permet de me projeter. D’envisager reprendre la route en compagnie des musiciens et de vivre de ma musique. Que je vais la partager en communion avec des gens. C’est le but de ma vie quand je me lève le matin. C’est l’étoile que je peux toucher.

Comment as-tu vécu le confinement ?

Pas trop mal. Avant que la pandémie n’éclate, j’étais déjà occupée d’écrire et de composer. Chaque fois que je me consacre à l’écriture et à la composition, je suis un peu en confinement ; je m’enferme dans ma chambre, dans ma bulle…

‘Chaque fois que je me consacre à l’écriture et à la composition, je suis un peu en confinement ; je m’enferme dans ma chambre, dans ma bulle…’

Je vivais à la campagne dans une maison du Loir-et-Cher qui dispose d’un petit jardin. Je n’ai donc pas été enfermé comme les gens qui ne pouvaient sortir qu’une heure de leur appartement. Je n’ai pas subi de plein fouet cet isolement.

Et si je l’ai mal vécu, c’est par empathie, vis-à-vis de celles et ceux qui n’étaient pas aussi bien lotis que moi. C’est plutôt leur sort qui m’a chagrinée, m’a peinée et préoccupée.

Mais dans ma vie personnelle, cela n’a pas changé grand-chose. Hormis nettoyer ses courses. Ce n’est pas grave en soi, j’avais le temps de le faire. Mais cette pratique a dû mettre des gens dans des situations impossibles. Tout prenait un temps fou.

Que vas-tu faire si on retourne en confinement ?

Cette éventualité me préoccupe parce que j’ai une tournée en cours. Et là vraiment, transformer les heures grises en quelque chose de plus lumineux, ça va être compliqué.

Mais je prendrai mon mal en patience. Je resterai chez moi et me remettrai à composer d’autres chansons. Ou continuerai à peaufiner le jeu de guitare, le chant.

Comment arrive-t-on à se faire une place dans cette période de fin d’année un peu spéciale de 2021 ? Période pendant laquelle tous les artistes ont des projets à présenter dus au confinement.

Ce n’est pas évident. Bien sûr, des attachés de presse sont au front en Belgique et en France. Il y a beaucoup de travail de fond. Il était déjà conséquent auparavant, mais là il faut insister pour dire que l’album est présent. C’est très difficile car de nombreux artistes souhaitent présenter leur travail, veulent continuer d’exister. Malgré tout, les événements sont favorables, car le disque a reçu un très bon accueil chez les médias en France.

Evidemment, annoncer des dates permet à l’album de prendre sa place, petit à petit. Mais les fenêtres sont assez petites.

« Crever l’écran » traite de l’addiction aux écrans, aux réseaux sociaux. Comment gères-tu ce nouveau type de médias ? Car un artiste, aujourd’hui, est un peu obligé d’alimenter les réseaux sociaux.

Effectivement ce titre parle de l’addiction mais il aborde également pour thème une cause de rupture d’un couple. Que quelqu’un soit constamment sur un ordinateur crée de la distance. On a dès lors l’impression qu’une troisième personne s’est invitée. Ce n’est pas une critique des réseaux sociaux en tant que tel. C’est simplement savoir quelle place on donne à cet outil. Comment on l’utilise. Quelle place on veut qu’il prenne dans notre vie. Car on voit bien que c’est une cause de séparation. Les mômes, par exemple, sont constamment, tête baissée, sur leur téléphone. Il y a un moment où, si possible, on doit pouvoir faire preuve de savoir-vivre…

‘Les mômes, par exemple, sont constamment, tête baissée, sur leur téléphone. Il y a un moment où, si possible, on doit pouvoir faire preuve de savoir-vivre…’

Bien sûr, je ne me considère pas comme une exemple ; mais pour parler de sa musique et de se rendre visible, il est difficile pour un artiste de ne pas y avoir recours, effectivement. Que ce soit Instagram ou Youtube. On réalise des clips, des capsules vidéo, des sessions live. Honnêtement, je ne crois pas que l’on puisse s’en passer aujourd’hui. Même si je suis favorable à cette idée, car ils appartiennent aux GAFA. Et je ne les porte pas spécialement dans mon cœur. Vu ce qu’ils font des données par exemple. Mais c’est vrai qu’on est un peu obligés de passer par là.

Et puis, je me consacre quand même à des activités qui me ressemblent. C’est-à-dire que je ne me filme pas toute la journée. Je ne filme pas tout ce que je mange. Cette attitude me correspond, car je pense qu’il faut rester soi-même. En y ajoutant un peu de mystère, ce n’est pas plus mal. On voit trop de choses. On est submergé d’images.

Même moi, je me rends compte que je consulte mon téléphone toutes les deux minutes et je suis consciente qu’il faudrait uniquement l’utiliser pendant une demi-heure pendant la journée pour régler plein de trucs et ne plus y revenir ensuite.  

Mais c’est l’ennui qui pousse à t’en servir. Parfois je suis là à ne rien faire. C’est dur d’accepter de ne rien faire. C’est un rapport d’amour-haine par rapport aux écrans et aux réseaux.

Dans ton titre « Kim », tu t’adresses directement au dictateur de la Corée du Nord de manière assez familière. Penses-tu qu’une chanson peut changer le monde ?

Jimi Hendrix racontait que la musique changerait le monde. J’ajouterai que ce changement doit être accompli collectivement. Ce n’est pas une chanson. Ce sont toutes les chansons qui apparaissent dans notre vie, dans la vie collective, qui feront bouger les choses.

Et parfois, j’ai l’impression qu’on est toujours au même point qu’il y cinquante ans voire cent ans…

Je ne sais pas si une chanson peut transfigurer le monde, mais elle peut changer la vie de certaines personnes. Ils renaissent à l’issue de ce bouleversement. Ils changent leur environnement et par conséquent, ils transforment le monde. Cela passe par l’individu et par ce qu’il fait de ce qu’il reçoit. Comment il l’intègre à sa vie et comment il oriente ses choix de vie.

Maintenant, c’est du zoom. Le monde ne va pas changer radicalement…

Tu as une solution ?

Soit on admet qu’il n’y en a pas et on vivote. Soit on accepte que le monde est imparfait et on accepte de bricoler pour que la vie avance et permet de progresser.

La solution est propre à chacun. Chacun peut faire son état des lieux de vie et se dire ‘Je vais renoncer à ça et je vais partir dans cette direction pour que ma vie change ; pour ne pas se retrouver dans les mêmes situations, dans les mêmes schémas’. C’est individuellement qu’on doit se poser des questions et changer notre mode d’existence.

La solution ne doit pas être parfaite et performante. On attend trop qu’elle le soit. Il faut accepter qu’elle survienne à moyen terme. La solution pour certaines personnes est de s’enfermer dans le déni. A un moment ou un autre, elles vont se casser la gueule ; mais cette forme de dénégation leur permet de poursuivre leur vie. Donc quelque part c’est une solution. Actuellement on ne peut pas prétendre à une solution mathématique.

Pour cet elpee, tu as reçu le concours d’un tas de collaborateurs. Pourquoi ?

Je souhaitais que cet album se distingue du précédent. Je voulais aborder des sonorités plus contemporaines. J’écoutais pas mal de rock électro. Un groupe comme Tame Impala, par exemple, que j’adore. Mac Demarco ou Frank Ocean.  De la musique urbaine, comme celle de Damso dont je raffole. Perso, il s’agit d’un des plus grands en ce moment dans l’univers ‘urbain’. C’est pourquoi j’avais envie d’approcher ce genre de son. Pour y parvenir, j’ai appelé Charlie Trimbur. C’était le claviériste et choriste qui a participé à ma tournée précédente. Il a fait ses armes dans le domaine de la réalisation et maintenant il a acquis une certaine expérience. J’ai l’ai sollicité en lui signalant que j’avais envie de conserver ma couleur ‘guitare’, car c’est quand même mon ADN ; mais que je souhaitais me frotter à des sons plus actuels, plus contemporains. Je trouve qu’il est parvenu à les intégrer avec élégance et intelligence. Ma musique reste du ‘Pauline Croze’ mais avec une coloration un peu urbaine tout en respectant l’esprit ‘chanson’ quand même et sous un autre habillage. J’estime qu’il a vraiment bien travaillé.

Puis j’ai sollicité d’autres réalisateurs comme Fils Cara. Lui, c’est plus une couleur chanson sur « Je suis un Renard ». Pour presque chaque compo, j’ai fait appel à un producteur différent. Je n’ai pas proposé à Charlie Trimbur de travailler sur « Je suis un Renard » parce que je savais que ce n’était pas sa couleur. Ce n’était pas là où il allait être le plus efficace. Je l’ai donc présenté à Fils Cara. Je lui ai aussi soumis un deuxième titre parce que j’aime beaucoup son approche de ma musique. Il y a quatre à cinq réalisateurs qui créent une unité, finalement. Même si l’album est éclectique il y a un fil quand même.

Je voulais que cet album navigue entre les deux mondes. Sans choisir de n’être que chanson ou qu’à sonorité urbaine, car je ne prétends pas du tout être une artiste urbaine.

‘C’est individuellement qu’on doit se poser des questions et changer notre mode d’existence…’

Quel style de musique ou de chanson aimes-tu ?

J’aime plein de styles musicaux. J’adore le jazz, Duke Ellington, Nina Simone, Thelonious Monk. J’aime Tame Impala et tous les groupes rock électro des années 70. J’adore la musique africaine, mandingue, la kora. Je peux adorer Damso, Orelsan. J’écoute des tas de musiques différentes qui me font vibrer. En chanson, j’aime Voyou et Mathieu Boogaerts.

Quels sont les artistes qui t’inspirent ?

Tous. C’est tout ce que j’écoute qui qui me stimule et m’inspire. Je ne suis pas monodiète. Il n’y a pas un artiste particulier qui se détache des autres. J’adore écouter des styles très différents qui font un tout dans ma tête.

Les artistes qui ont établi le fondement de mon inspiration pour la composition sont Jeff Buckley, Keziah Jones, les Beatles, Nina Simone, Billie Holiday et Ella Fitzgerald. C’est la base, mon noyau, quand j’ai commencé à faire de la musique, à quatorze ans. Depuis le temps, j’ai écouté plein d’autres choses.

Et en chanson française particulièrement ?

Voyou, Tim Dup, Fils Kara et Zed Yun Pavarotti.

Bertrand Belin ?

C’est quelqu’un pour qui j’ai beaucoup de respect. C’est un excellent musicien et surtout un guitariste hors pair. Et il est entouré de très bons musiciens. Mais ce n’est pas un miroir pour moi. Je ne retrouve pas mes repères dans sa musique.

J’apprécie également Mathieu Boogaerts, J.P. Nataf ainsi que Thiéfaine. Il est issu d’une génération différente, mais sa poésie est incroyable. Brigitte Fontaine, aussi. Tous ces artistes dont la poésie est très forte…

Album « Les heures grises » paru le 8/10/2021

Méthode Chanson

 


 

Kid Francescoli

Mes chansons sont le pendant de ce que je vis dans la réalité…

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Derrière Kid Francescoli, se cache Mathieu Hocine, un Marseillais dont le succès populaire est né en 2013, grâce à « Blow up », un titre électro surprenant.

Totalement inspiré par le grand écran, il a habillé à maintes reprises des spots publicitaires tels que Façonnable, Lanvin, Lacoste5, Chanel, Lancôme, Aldi, Citroën, et bien d’autre encore...

Après un arrêt forcé pour cause de crise sanitaire, le bonhomme accompagné sur scène par deux demoiselles, se lance dans un show assez peu conventionnel entre down et up tempo.

Dans le cadre du festival ‘Ceci n’est toujours pas LaSemo’, Il est venu défendre les couleurs de « Lovers », un nouvel album qui marque deux changements notables. La fin de sa collaboration avec Julia et l’expérimentation de différentes langues, dont le portugais.

C’est dans le salon cosy du Château que se déroule l’entretien. On y parle de musique, de femmes et de foot. Forcément !

Mathieu, tu portes à bout de bras ton projet ‘Kid Francescoli’ depuis plus de 20 ans. Beaucoup de collaborations y sont nées. Pourrais-tu imaginer réaliser un elpee sans celles-ci ?

Ma carrière musicale est effectivement ponctuée de collaborations. Je pense par exemple à Julia ou Simon Henner (French 79). Elles me permettent d’évoluer. Mais elles sont variables. A titre d’exemple, j’ai bossé en compagnie de Simon de Nasser (Oh! Tiger Mountain) à une certaine époque. Aujourd’hui, nous évoluons chacun de notre côté. Ce qui ne pose aucun problème, ni à l’un ni à l’autre. Même topo pour Julia. Ces rencontres enrichissent le projet. La nouveauté amène aussi une certaine excitation. Je crois qu’il est essentiel de ne pas tomber dans la routine.

Baigner dans l’univers de la musique depuis si longtemps te permet-il de prétendre à davantage de crédibilité ?

Je crois que la crédibilité s’acquiert avec le travail. J’ai la chance de pouvoir compter sur un public qui me suit et vient me voir en concert. C’est ça la crédibilité. Les années n’y sont pour rien. Si les gens ne répondent pas présent, il ne sert à rien de continuer.

Qu'est-ce qui différencie Mathieu Hocine de Kid Francescoli ? Est-ce un avatar derrière lequel tu te caches ?

Je n’incarne aucun personnage. Je ne suis jamais parvenu à m’en inventer un. Certains le font très bien et tant mieux. Je commence quasi systématiquement mes compos par ‘Je’, ‘I’ ou ‘Me’. Difficile donc de dire que je me cache derrière un avatar. Même sur scène, je ne suis pas toujours en costume ou dans de petits mocassins blancs. Pourtant, je pourrais tout à fait me le permettre.

En Belgique, Kid Noize dissimule son visage derrière une tête de singe…

Je ne connais pas cet artiste. Néanmoins, je comprends ceux qui font cette démarche. Elle te permet de séparer la carrière de la vie privée. Pour en revenir à Julia, nous avons parlé de notre relation dans l’album. La frontière entre l’artistique et la vie intime a toujours été un peu floue. Dans le dernier, je parle beaucoup de relations amoureuses avec Samantha, celle qui partage aujourd’hui ma vie. Ou encore d’autres filles et de leurs liaisons respectives. J’évoque aussi Marseille. Finalement, mes chansons sont le pendant de ce que je vis dans la réalité.

Si je comprends bien ta réflexion, un LP est le reflet d’une tranche de vie ?

Effectivement. Ce qui me plait, c’est de constater l’évolution opérée. A chaque disque, ses influences. Si je sortais en boîte au moment de la conception du disque, la couleur devenait un peu plus électro. Le tempo du dernier album est moins rapide et l’ambiance est un peu plus cheap. Tout simplement parce que j’ai rencontré Samantha et par conséquent, je ne suis plus sorti en boîte tous les week-ends. Ma chérie et moi, nous étions sous le soleil et cette situation a impacté les compos. Même constat pour la voix. Lorsque je les réécoute, la coloration peut être, parfois, soit timide ou plus affirmée. Tout dépend des circonstances et du moment…

Cette pandémie a permis de se réinventer sur le plan artistique en réalisant des collaborations à distance, du live stream, etc. Comment l'as-tu vécue tant en qualité d'homme que d'artiste ?

Personne ne savait ce qui allait se passer. C’était une situation très étrange. Aucun d’entre nous ne connaissait l’ampleur de la menace. Tous les scénarios étaient donc possibles. Durant les deux ou trois premières semaines, je pensais que nous alliions mourir. J’ai vraiment eu très peur. J’avais l’impression que c’était la fin de l’humanité. Faire de la musique était devenu totalement secondaire, je me disais à quoi bon… Lorsque cette pandémie s’est déclarée, nous étions en pleine tournée. Je terminais la troisième date la veille. J’ai très vite mis à profit la période qui s’en est suivie puisque j’ai composé une musique de film. J’ai pu sortir un inédit aussi. J’ai joué pour un label qui s’appelle ‘Cercle’ où j’ai eu la chance d’accomplir un tournage sur une lagune au milieu de la jungle mexicaine. Je n’ai pas voulu accorder de ‘live stream’ tout simplement parce je sortais d’une résidence ou j’avais préparé un show avec une belle pyramide et des chanteuses ; et je ne me voyais pas rester dans ma cuisine pour y jouer de la guitare après cet épisode. Et puis, honnêtement, les morceaux ne s’y prêtaient pas. La seule entorse à ce principe, si je puis dire, s’est limitée au 6 juillet 2020, lors d’un concert donné depuis une péniche, sur la Seine. Il a été retransmis en direct sur ARTE Concert. J’ai ensuite préparé mon prochain disque. Je me suis donc occupé. Je ne voulais surtout pas m’apitoyer sur mon sort plus longtemps.

Quel est ton processus de création ? Est-ce que la contrainte suscite la créativité ou as-tu besoin d'espace de liberté ?

Je l’ignore, même après cinq albums. Parfois, l’inspiration me vient immédiatement, alors qu’à d’autres moments j’ai besoin de plusieurs mois de réflexion. Cela peut aller de six mois à un an. C’est un processus complexe. Parfois, je m’interroge quant à l’opportunité de me limiter à l’instru ou d’ajouter des voix. Si je doute et j’ai peur, c’est bon signe. Peut-être que lorsque tu stagnes dans un processus formaté, c’est le début de la fin.

Ta musique oscille entre le dansant et le planant sans opter franchement pour l’un ou l'autre. Pourquoi ce choix ? Ou devrais-je dire ce non-choix ?

C’est une attitude très naturelle chez moi en fin de compte. Je crois que de manière générale, il faut éviter d’intellectualiser le processus de créativité. Tout dépend du contexte dans lequel tu te trouves au moment de la conception des chansons. J’aime l’idée de pouvoir passer de l’un à l’autre. Pour être tout à fait complet, je me vois très mal faire un album au clic durant douze morceaux. Il est nettement plus intéressant de changer d’atmosphère et sortir de sa zone de confort. Je me suis par exemple essayé au rap, mais les morceaux ne sont jamais sortis parce que cette musique n’était pas suffisamment imprégnée en moi. Et paradoxalement, c’est un genre qui m’a toujours fasciné.

Tu as souvent raconté que ta musique était influencée par le cinéma. Sans le 7ème art, ton parcours artistique aurait été différent ?

Oui, le cinéma et les musiques de films constituent une grande source d’inspiration. Mais pas que ! D’une manière plus globale, je reste attentif aux situations, à la scène, aux répliques ou encore aux acteurs. Je vénère des gens comme John Carpenter ou Ennio Morricone. J’ai l’impression d’avoir grandi avec le cinéma. Il m’a éduqué. Un écrivain dont j’ai oublié le nom disait que les livres enseignent des choses que la vie ou les parents ne t’enseignent pas. On y apprend ainsi parfois à se tenir à table, à se comporter auprès des autres ou encore à s’habiller. Lorsque tu regardes un film, il existe ce mimétisme. C’est peut-être une attitude ou une manière de se vêtir. Delon, Belmondo, McQueen ou dans un registre plus contemporain DiCaprio et Brad Pitt sont des personnages fascinants. Mais, je n’ai pas leur style. Par contre, lorsque j’ai vu Charles Denner dans ‘L’homme qui aimait les femmes’, j’en ai conclu que son personnage collait tout à fait au mien. Je vais porter le blouson de cuir et la petite cravate et ce sera parfait.

« Lovers » maque un changement radical par rapport aux deux long playings précédents. Je pense ici à la fin de la collaboration avec Julia et l'expérimentation de nouvelles voix, mais également le chant en portugais. Peux-tu m’expliquer la genèse de cette nouvelle orientation ?

J’ai réalisé deux albums en compagnie de Julia. On a aussi pas mal tourné ensemble. Le duo fonctionnait bien. Son grain de voix un peu jazzy à l’américaine correspondait à merveille au son électro. Je souhaitais prendre une autre direction, tout simplement. Je suis parti à la recherche de nouvelles voix. Des voix différentes surtout car je ne voulais pas retrouver un équivalent à Julia. Celle d’Alizée, grâce à cet accent venu de nulle part de Français qui chante en anglais est intéressante. Sarah Rebecca est plus américaine que diva. Celle de Nassee est plus chaude, lorgnant sur le r’n’b. Ma rencontre avec Samantha a été déterminante par contre. Lorsque je l’ai rencontrée, elle m’a expliqué qu’elle était franco-brésilienne et qu’elle chantait en portugais. J’y ai vu immédiatement un nouveau territoire à explorer. C’était une opportunité destinée à enrichir ma musique.

Tiens, au fait, comment s'opère le casting des voix avec lesquelles tu collabores ?

C’est la rencontre qui crée l’opportunité. J’ai rencontré Julia en allant à New-York. J’y suis resté deux mois. Au départ, je m’y rendais simplement pour poser mes instruments. Je partais du principe que si des gens souhaitaient apporter leur collaboration ou me présentait des voix, je restais totalement ouvert. Lorsque des alternatives se présentent, à toi de les accepter ou les refuser. Par contre, lorsque j’ai rencontré Samantha, il n’existait pas de plans particuliers. 

Simon Henner (French 79) a coproduit l’elpee. C’est aussi ton guitariste en tournée, non ?

C’est avant tout un ami. Il est marseillais et nous nous connaissons depuis longtemps. Nos studios sont voisins. Nous nous voyons pratiquement tous les jours.

Certains admettent que la mouvance electro/pop – dream/pop dresse un pont entre les musiques du passé et une véritable modernité. Imagines-tu qu’elle puisse être perçue, comme le fossoyeur du rock’n’roll ?

Pas du tout ! La musique ne meurt jamais. Regarde, les Strokes sont revenus en 2000 alors qu’on les croyait morts (NDLR : il a repris récemment « I'll try anything once »). Il s’est produit un renouveau pour le rock dans ces années-là, qui s’est perdu et s’est à nouveau effiloché peu de temps après. Aujourd’hui, le rap et le hip hop envahissent les ondes. Doit-on pour autant penser que l’électro n’a plus sa place ? J’ai commencé à créer de l’électro lorsque j’ai découvert LCD Soundsystem. J’estimais intéressant ce mélange hybride de voix et de sons. Ils étaient au sommet. A l’époque, tout le monde voulait suivre ce courant musical. Maintenant, ce style peut sembler ‘has been’ parce qu’il y a ce clic sur tous les temps. Aujourd’hui, les gens apprécient PNL, Vald ou Romeo-Elvis. Ce sont des artistes qui remplissent les salles, les festivals et les charts. Pourtant le rock est toujours présent et rencontre encore son public. Tout à l’heure, on a assisté à un concert de reggae, accordé par Naâman ; c’est bien la preuve que tous les styles ont leur place auprès du public.

Aujourd’hui, on observe un retour à langue française chez pas mal de groupes (Grand Blanc, Flavien Berger, Paradis, Feu! Chatterton, Perez…) La fin de ce complexe, par rapport au choix de la langue de Voltaire, c’est une bonne nouvelle ?

Lorsque j’ai entamé ma carrière, j’ai opté pour l’anglais. Laetitia chantait en italien sur les deux premiers albums. En ce qui me concerne, je ne me voyais pas adopter une autre langue. Ensuite, je me suis intéressé au français. François and the Atlas Mountain, Malik Djoudi, Voyou ou encore Fauve ont sans doute tracé la voie. Cette mouvance est liée à l’arrivée d’internet. Lorsque j’ai commencé à acheter des disques, ma musique était assez pop-folk. J’écoutais Belle and Sebastian ou Granddaddy. Aujourd’hui, Internet et ses sites de streamlng ont permis de découvrir un vivier de chansons très éclectiques avec ses langues et ses influences différentes, parfois au sein d’un même album. Billie Eilish représente pour moi la photographie de la musique d’aujourd’hui. Cette artiste trouve son équilibre dans des morceaux qui vont du piano-voix à la musique électro. Un grand écart qui lui va à ravir.

Tu es d’origine marseillaise. Les étrangers parviennent difficilement à comprendre ce qu’est la belgitude. Comment la ressens-tu ?

J’adore les autochtones qui possèdent un caractère bien trempé. Comme les Italiens ou les Espagnols d’ailleurs. Tu sais, nous sommes ici en pleine effervescence à cause du déroulement de l’Euro et j’estime que lorsqu’on parle de foot ou de compétitions sportives en général, on ressent immédiatement la culture de la nation. Il existe en filigrane cette fierté de porter les couleurs de l’étendard national. Objectivement, des équipes comme la Belgique ou l’Italie peuvent aller jusqu’au bout des épreuves parce qu’il existe chez elles cette fierté. Nous avons pourtant la meilleure équipe sur papier, mais nous n’avons pas cet esprit d’union sacrée. J’ai toujours adoré la Belgique. Je me souviens très bien que lorsque j’ai visité Bruxelles la première fois avec un copain, j’étais sidéré par le nombre de petites rues et puis cette multitude de bars dispersés. Paradoxalement, il y avait un monde fou et pourtant, c’est resté très cool parce que les gens ne se la jouaient pas. Alors que généralement, dans les grosses métropoles, c’est tout le contraire, les gens sont souvent stylés. Moi, Marseillais, lorsque je me rends à Londres, New-York ou Paris par exemple, je me fais petit tout simplement parce je ne maîtrise pas correctement les codes et j’ai toujours l’impression de passer pour un plouc. Alors que chez vous, ce côté humain reste bien présent et on se sent immédiatement à l’aide dès les premières secondes.  

Les Belges et les Français se sont vannés sur le net dans le cadre du Championnat d’Europe de football. Comment analyses-tu cette rivalité bon enfant ?

Oui, c’est vrai, je dois bien l’avouer. La Belgique est un pays voisin, comme la Suisse, l’Italie ou l’Espagne. Nous nous considérons au centre de l’Europe géographiquement. Il y a aussi cette arrogance, cette fierté à la française qui nous colle à la peau, ce qui rend les choses encore plus détestables.

Je suis content de rencontrer un Français qui le reconnaisse. Parce que franchement, la plupart des Belges te diront la même chose des Français …

L’arrogance française, c’est ce qui fait notre légende en fait (rires). Imagine, entre Marseille et Lille, la différence de mentalité qui peut exister. Finalement, c’est comme si nous étions face à deux pays différents.

J’adore en tout cas ton accent marseillais qui sent bon le soleil…

C’est vrai ? Tu sais on se moque souvent de mon accent. Comme celui des Toulousains et des Montpelliérains, d’ailleurs. Dès que tu passes Lyon, les gens se mettent déjà à rigoler de ton accent (rires)…


 

Saule

Fédérer pour ne pas être Saule au monde…

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La quarantaine, quinze années de carrière et cinq albums derrière lui, Baptiste Lalieu s’est imposé auprès du grand public grâce à « Dusty Men », un titre qu’il a interprété en compagnie de Charlie Winston, en 2012.

Dans le cadre du (presque) festival ‘Ceci n’est toujours pas LaSemo’, l’artiste s’est prêté à l’exercice d’une interview qui s’est rapidement transformée en conversation à bâtons rompus, loin du tumulte des caprices météorologiques dignes de l’automne, puisque celle-ci s’est déroulée dans le salon cosy de l’ancien Château.

Issu de la nouvelle chanson française, ce rebelle et rêveur est venu défendre son dernier opus, qui a reçu d’excellentes critiques.

Si Saule reste un des rares chanteurs à fédérer autant en brandissant pour seule arme un réel amour de son art, il reste toutefois accessible et humble malgré ce succès en augmentation constante.

Décryptage !

Saule, la quarantaine, quinze ans de carrière, « Dare-Dare », est-ce l'album de la maturité ?

A chaque album, on me dit que c’est l’album de la maturité. Je dirais plutôt qu’il s’agit d’un accouchement qui a été plus long que les autres. Outre la problématique du Covid, il y avait cette volonté de ne pas s’installer dans la routine. Comme tu l’as très bien résumé, après 15 années de carrière et 5 albums derrière moi, je n’avais pas envie de me caser dans un truc ‘plan plan’. Je me suis enfermé en studio à Paris et on a enregistré 12 titres. Lorsque je suis sorti de là avec ce que l’on appelle les mises à plat, c'est-à-dire les pré-mixes, je n’étais pas satisfait du tout du résultat. J’étais pourtant entouré d’une super équipe composée de mes musiciens et de Nicolas Quéré du studio La Frette. C’est lui qui a réalisé l’album. J’avais entamé celui-ci en compagnie de Babx, un artiste français que j’admire. Charlie Winston était venu également mixer quelques titres comme il l’avait fait précédemment pour l’album « Géant ». J’avais l’impression d’une redite ou d’avoir déjà exploré certaines pistes. J’ai ressenti le besoin d’avoir une excitation. Je suis allé voir mon label pour leur annoncer la couleur.

Quelle a été la réaction du label ? J'imagine que ce genre de situation leur a coûté un pont ?

La grosse panique évidemment. On m’a fait remarquer que l’enregistrement avait nécessité des investissements et que la date de sortie du disque avait déjà été programmée. Mais au final, tout le monde m’a suivi. J’ai pu prendre mon temps. J’avais initialement demandé 6 mois et j’ai obtenu un an et demi, crise sanitaire oblige.

Sortir un elpee avant la rentrée, c’est un peu couillu quand même !

Le disque est sorti en juin. Mais, il va y avoir un tel embouteillage en septembre que je crois avoir pris la bonne décision. La presse a pu se concentrer presque exclusivement sur cet album. Pari gagné donc !

Tu as reçu le concours de pas mal d’invités pour cet elpee (Cali, Ours, Jasper Maekelberg de Balthazar, Antoine Wielemans de Girls in Hawaii, …) Qu’est-ce qu’ils t’ont apporté ?

Durant cette période de crise sanitaire, j’ai repris goût à la musique. J’en avais marre de cette dynamique marketing. J’ai donc contacté un tas d’artistes comme Puggy, Antoine Wielemans, Jasper Maekelberg, Cali, Ours, etc. Ces sessions ont non seulement donné naissance à de vraies compos, mais elles m’ont rendu l’envie et l’énergie de rejouer de la musique. C’est comme si on avait ouvert des vannes et que les chansons avaient coulé à flots. C’est donc un album dont je suis fier.

C'est une constante chez toi, un album n'est jamais identique au précédent. L'artiste aurait-il besoin de se réinventer à chaque album pour exister ? En d’autres termes, on a presque envie de dire que « Dare-Dare » est un condensé d'humeurs. Il passe du rire aux larmes. Certaines chansons plombent le moral alors que d'autres sont nettement plus joyeuses en proposant quelques duos comme tu viens de l’indiquer. Ces chansons représentent-elles des tranches de ta vie, entre enthousiasme et tristesse ?

J’avais abordé précédemment des thématiques comme la rupture par exemple. Je voulais passer à autre chose. Je pense à la chanson « Je suppose » où je n’avais pas l’impression que cet angle avait été déjà abordé dans la chanson française. C’est l’histoire d’un couple séparé qui se met à supposer tout ce que l'autre est en train de penser. Je trouvais l’idée intéressante. L’amour a été abordé des milliers de fois. Ce qui m’intéresse, c’est l’angle de vue différent que l’on peut proposer. Il y a dans cet album des chansons qui traitent de la rupture ou le sentiment de désolation amoureux, mais sous un angle non encore exploité jusqu’à présent. Il y a aussi des sujets positifs comme « Regarde autour de toi ». Il est important d’amener de la lumière aux gens. Ils en ont un grand besoin. Certains s’interrogent au sujet du duo avec Alice on The Roof ou encore du morceau « Dans nos maisons », qui a pas mal tourné en France ; parce qu’ils ne figurent pas sur l’album. Je n’avais pas l’envie de produire un disque estampillé Covid. L’idée est que « Dare-dare » puisse traverser le temps et que l’on s’en souvienne dans 4 ou 5 ans comme un disque à part entière. J’espère de tout cœur que mes chansons resteront indémodables, mais que le Covid lui le sera …

Un des titres qui m'a le plus touché est « Marta Danse ». Il raconte l'histoire d'une vieille dame, Marta Gonzalez, atteinte de la maladie Alzheimer. A l'écoute du « Lac des signes » elle se remémore les gestes qu'elle exécutait lorsqu’elle était danseuse étoile. Comment t'est venue l'idée de cette chanson ?

Je suis tombé sur cette vidéo qui a pas mal tourné sur les réseaux sociaux. J’ai été très ému en la découvrant. Lorsqu’une émotion me touche, très vite les paroles suivent. Je ne calcule pas. C’est une réponse à cette émotion. Ce texte était écrit depuis un moment. Il traînait dans une farde parmi d’autres compos. Je travaille parfois sur des instrus et l’idée d’une valse m’a traversé l’esprit, en pensant à Tim Burton. L’alchimie a fonctionné immédiatement, j’ai chanté sur la mélodie et « Marta Danse » est née. Je pense que ce morceau évolue dans le même esprit que « Madame pipi » issu de mon premier album.

La chanson « Rebelle rêveur », vient d’un test de personnalité pour orientation professionnelle. Ce sont les deux personnalités type sur les six possibles qui ressortaient en ce qui te concerne. Si les gens connaissent ton côté rêveur, on a dû mal à t'imaginer rebelle.

C'est quelque chose qui est ressorti du test, effectivement. Je me rends compte quand même qu’à 43 piges, je suis moins nounours et moins gentillet que ce qu'on voudrait bien croire. Avec l’âge, j'apprends de plus en plus à dire non. J’ai des coups de gueule comme tout le monde, mais surtout, aujourd’hui, je les assume. Lorsque j'étais plus jeune, j'avais toujours cette obsession de plaire au plus grand nombre. Je voulais que tout le monde me trouve super. C’est un truc d’ado, mais qui est resté parce que je suis un ado retardé. Il est important d’exprimer ses opinions. C’est le côté rebelle. Cet état d’esprit colle aussi parfaitement à celui du rêveur. Tant que tu n’emmerdes pas le rêveur, tout se passe bien. A partir du moment, où tu lui mets des bâtons dans les roues, il doit défendre sa part de rêve. En résumé, il ne faut pas m’emmerder…

OK, le message est passé ….

Tu as compris, c’est bien (éclats de rires).

Dare signifie « Oser ». Que pourrais-tu faire par amour de la musique ?

Beaucoup de choses, je pense. Mon parcours me l'a prouvé jusqu'ici. Surtout me mettre en danger. Il est vrai que sur cet album, il y a énormément de prise de risques. Franchement, je ne suis pas convaincu que les gens s'en rendent compte à la première écoute. A titre d’exemple, je chante plus dans les basses, j’ose des reprises complètement insensées comme « Les démons de minuit ». Je peux te dire que lorsque tu t’attaques à un morceau des années quatre-vingt que ton tonton écoutait cravate sur la tête à un mariage alors qu’ici je propose une version en mode Johnny Cash, il faut oser tout de même. Plusieurs personnes m’ont aussi avoué que l’album avait des consonances à la Alain Bashung. Donc, oui, j’assume ce côté osé. On pourrait même y ajouter Joséphine, ça donnerait ‘Dare dare Joséphine’ (rire).

On aime t’entendre parler de musique avec une telle persévérance. Ce rêve de musicien te poursuit-il depuis l’enfance ?

Dès l’âge de 8-9 ans, j’ai eu envie de devenir musicien suite à une fête de famille. Je me suis surpris à chanter. J’ai vraiment le souvenir de voir toute ma famille bouche bée. C’était la première fois de ma vie que je vivais le regard émerveillé d’autrui. C’est un souvenir de môme qui ne m’a jamais quitté. Mon cousin m’avait même proposé d'intégrer son groupe et d’aller répéter les jeudis soirs. Ma mère évidemment ne me prenait pas au sérieux. C’est marrant parce que je crois qu’à partir de ce jour-là, mon destin prenait forme.

« Dusty Men » est devenu un phénomène presque par accident puisque cette chanson au départ n'était pas destinée à devenir le single de l'album « Géant ». Ne t'es-tu pas dit, à un certain moment, que ce titre était susceptible de t'enfermer dans une zone de confort dans laquelle tu aurais du mal de sortir ?

Lorsque j’ai composé cette chanson, à aucun moment je n’ai fait d’étude de marché. Jamais, je ne me suis dit ‘Tiens, je vais mettre des cowboys, ce sera sympa’. Ce succès a été le fruit du hasard. Je connaissais Charlie. Peu de gens le savent, mais il a produit l’album « Géant ». Musicalement, il a mis en forme l’intégralité du disque. A la base, ce duo ne devait pas exister. Les choses doivent rester spontanées pour conserver une certaine fraîcheur.

Cette crise sanitaire a été catastrophique pour le monde de la scène. En quelque sorte, les artistes ont été privés de leur raison d’être. Comment te sens-tu aujourd’hui ?

L’été dernier, j’avais déjà eu l’opportunité de me produire en ‘live’. Covid oblige, les concerts étaient organisés devant de petites jauges. Il y a donc un an que je n’avais pas ressenti ce plaisir de monter sur les planches. J’ai accordé un concert test, il y a deux ou trois semaines à Louvain-la-Neuve. On a joué les deux premiers titres, ensuite le public s’est mis à applaudir durant une minute. L’émotion a commencé à m’envahir et je n’ai pu retenir les larmes. Je me suis rendu compte de l’importance de la liberté. La scène constitue un trait d’union entre le public et les artistes. C’est ce que l’on appelle un art vivant et en ce qui me concerne, j’ai mal vécu cette tragédie. Je me mets aussi à la place du public. Je voulais emmener ma mère assister à un concert au cirque Royal, mais il a déjà été reporté à trois reprises. C'est quelque chose dont on a vraiment besoin. Pour répondre précisément à la question, bien évidemment que c’est quelque chose qui m'a beaucoup manqué. Le fait d’être là aujourd’hui revêt une importance toute particulière.

La liberté n’est pas encore totale. Des quotas sont mis en place, les conditions sanitaires restent strictes, le port du masque est obligatoire et la distanciation sociale devient la norme. Comment plaire aux médias et au public dans de telles conditions ? C’est presque mission impossible …

Ecoute, ça se passe très, très bien. J’ai été assez touché de bénéficier des faveurs des journaux télévisés de RTL et de la RTBF. A la sortie de l’album, la presse écrite a été très positive dès la première semaine. Tous les médias étaient unanimes pour dire qu’il s’agissait du meilleur album de Saule en ajoutant trois ou quatre étoiles sur chaque papier. J’ai eu tellement de doutes sur ce disque. Spielberg affirmait que l'intuition, c'est une petite voix qui murmure, ce n’est pas un parlophone qui hurle. Avoir écouté cette petite voix qui disait non, c'est pas bien, tu peux faire mieux, me réconforte au plus haut point. Le plus beau cadeau qu’on a pu me faire, ce sont ces retours aussi élogieux.

On le sait moins, mais tu as tourné dans ‘Une part d’ombre’, un long métrage réalisé par Samuel Tilman. As-tu l’intention de poursuivre une carrière sur le grand écran ?

Suite à cette expérience cinématographique, j'ai reçu des propositions, surtout pour le théâtre. Tourner dans un petit film resterait encore compatible avec ma carrière musicale. Cette pièce de théâtre aurait nécessité un mois et demi de répétition et un mois de représentation, sans le lundi, jour de relâche. Ce qui aurait impacté négativement ce pour quoi je suis fait, c’est-à-dire, la musique qui reste quand même ma vocation principale. Néanmoins, je ne ferme pas la porte, mais je ne l'ouvre pas non plus. Je ne suis pas à la recherche d’un rôle à tout prix. Si on vient m’en proposer un, c’est tant mieux ; si pas, tant pis. Ce n’est pas une fin en soi, bien que cette expérience restera gravée dans ma mémoire. J’aimerais, par contre, participer à l’écriture d’un scénario avec Samuel Tilman et Fabrizio Rongione dans lequel je pourrais éventuellement obtenir un petit rôle. Mais, mon souhait majeur serait de me charger de l’habillage musical. J'ai touché à un peu à chacune de ces disciplines, mais je n’ai jamais eu l’occasion de m’investir dans les trois à la fois. J’aimerais être à l’origine d’une histoire, me charger de son exploitation et de la post-production musicale. Faut-il encore déterminer le sujet ou l'angle intéressant afin d’y parvenir.

‘La magie’ est un livre que tu adules et qui traite de la gratitude. En résumé, plus on dit merci dans la vie, plus de belles choses vous arrivent. A contrario, plus on peste, plus des choses négatives vous tombent dessus. Continues-tu à écrire, au quotidien, 10 préceptes pour lesquels tu dis merci.

C'est effectivement toujours le cas. C’est devenu maintenant un rituel que j’ai encore observé ce matin. A vrai dire, je ne l’avais pas pratiqué depuis deux ou trois jours et j’ai senti que quelque chose n’allait pas. Sincèrement, c'est comme une espèce de gymnastique intellectuelle et de l'âme à la fois parce qu’elle te permet de chercher de la gratitude tous les jours et se dire ‘Tiens, qu'est ce qui s'est passé hier et à qui je peux dire merci pour ce qui s'est passé ?’. Encore, hier, j’ai participé à un concert organisé à l’arrache au Conte de Chiny. Je me suis retrouvé seul, guitare-voix, devant un parterre de 150 personnes. Et là, surprise, on m’a offert un saule en bois orné de petites lampes au néon. Je suis arrivé sur un tapis et lorsqu’elles se sont allumées, j’étais vraiment très touché. J’ai encore dit merci ce matin pour cette belle attention et à toutes ces personnes qui sont venues m’écouter. Il faut bien se rendre compte que, dans la période que nous traversons, acheter des billets, assister à un concert et soutenir des artistes, est devenu un acte de bravoure presque militant, civique et culturel.

Si tu devais te définir en un seul mot, quel serait-il ?

Fédérer ! La musique est la plus belle arme pour fédérer. Dans le cadre de cette tournée, on invite des artistes qui ne sont pas connus à monter sur scène avec nous. Ça permet de créer une dynamique. On ne le fait pas lorsque nous nous produisons en festival comme ici, mais plutôt en caravane comme dernièrement à Strépy-Thieu. J’invite aussi une association qui a œuvré dans la ville. On place un canapé VIP devant le podium et on convie 2 personnes à assister à la prestation. Ce sont donc nos invités d’un soir. Ce qui permet à ces associations de se faire connaître.

Par exemple, lorsque je me suis produit à l’Envol, je me suis lié d'amitié avec toute l'équipe. On a réalisé une ‘release party’ aux ascenseurs de Strépy-Thieu. L’équipe est venue nous aider à construire les décors. Les liens sont tellement forts que l’on pourrait les comparer à la famille. Et celle-ci ne cesse de s’agrandir parce que l’on croise des gens en route et qu’on les embarque et ainsi de suite. C’est le point de départ de belles histoires.

Dès lors, si tu devais là maintenant remercier des artistes, quels seraient-ils ?

Plein ! Depuis le début de ma carrière, j'ai fait de belles rencontres. Je pense notamment à Dominique A, qui m’a toujours soutenu dès mon premier Ep 4 titres. Honteusement, je dois l’avouer, je ne le connaissais pas. Charlie Winston m’a aussi énormément apporté. Je dirais encore Cali qui participe à l’album. Lio qui a été ma marraine et m’a assuré de son soutien sans faille. Matthieu Chedid m’a souvent sollicité pour des collaborations. Il m’a coaché en me communiquant des conseils précieux. C’est une démarche à laquelle je ne peux rester insensible évidemment. Lorsque des gens s’intéressent à ce que tu fais, c’est forcément gratifiant. Cette démarche étant sincère, sans aucune idée de calcul. Enfin, il y a aussi un tas de personnes moins connues qui ont jalonné ma carrière. Je suis conscient de la chance que j’ai eue…

Photo : Valérie Lecat

Nicolas Michaux

Quelque chose ne tourne pas rond dans ce monde…

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Si Nicolas Michaux s’est fait connaître en drivant Eté 67, une formation qui a sévi de 1998 à 2002, il a depuis embrassé une carrière solo. Il a vécu quelques années à Bruxelles avant de rejoindre l’île de Samsø au Danemark pour des raisons familiales. Son deuxième album, « Amour colère », est paru en septembre 2020. Depuis, il n’a pas eu beaucoup l’occasion de se produire en ‘live’. C’était donc une belle opportunité de le rencontrer dans le cadre du (presque) festival Lasemo rebaptisé (forcément) pour l’occasion ‘Ceci n'est toujours pas LaSemo’, en raison des contingences liées aux mesures sanitaires encore d’application en cette période de l’année. Ce nouvel opus est moins pop que le précédent, un disque davantage orienté vers les années 60-70. La prise de risque est d'autant plus grande…

La musique que je produis est le reflet de ce que je vis. Le premier album était effectivement plus pop. Je l’ai réalisé lorsque je vivais à Bruxelles. Je m’étais entouré de musiciens établis dans la capitale. C’était une phase assez folle et urbaine de mon existence. C’était en quelque sorte un nouveau départ comme le titre éponyme d’ailleurs. Le son était clairement influencé par la scène pop bruxelloise qui s’est révélée entre 2014 et 2016. Le nouvel album représente une autre partie de ma vie. Sa couleur est donc naturellement différente. J’ai enregistré ce second opus à la maison, à Samsø très exactement, là où je vis la plupart du temps avec ma compagne et ma fille. Je dirais qu’il est plus intimiste et sans doute plus proche de mes racines originelles. Plus en adéquation avec les années 60-70 aussi. Ce sont mes références. Ces années m’ont guidé dans l’apprentissage de la musique. Raison pour laquelle le disque emprunte cette direction...

Dix nouvelles chansons, tantôt en anglais, tantôt en français. As-tu choisi de chanter dans ta langue maternelle pour communiquer davantage d'émotion ?

Je ne le pense pas. Chaque langue est susceptible de faire passer des émotions. Le Buena Vista Social Club et George Harrison travaillent avec le même matériau. C’est une discipline à laquelle les songwriters doivent se soumettre. Si j’avais dû parler une autre langue, j’aurais pris un plaisir identique à chanter. Je crois qu’il s’agit avant tout d’une question de moyens que l’on se donne. Avant, le seul outil à ma disposition était le français. Par la suite, la vie m’a amené à lire et parler davantage dans la langue de Shakespeare. Cette langue s’est peu à peu immiscée dans mes textes. Ce qui m’a permis d’élargir mon chant d’action. Mais finalement, les questions linguistiques ne sont pas très importantes.

« A la vie à la mort » était un disque davantage collectif et déstructuré. « Amour Colère » a suivi un processus plus personnel et direct. Cette volonté de sobriété traduit-elle une recherche d’authenticité ?

Lors de l’enregistrement du premier album, on appartenait à cette fameuse scène. Aussi, quand tu es en studio entouré d’une équipe, fatalement, elle t’influence et du deviens, quelque part, un porte-parole. Les chansons sont destinées à un collectif qui peut y voir une manière de s’exprimer. « Amour Colère » est un essai qui a été confectionné en mode ‘bedroom pop’. Hormis la batterie, j’ai joué tous les instruments. Je me suis aussi aidé de boîtes à rythmes. Morgan s’est ensuite chargé d’y mettre les frappes. Le processus est solitaire et donc plus personnel. J’espère néanmoins qu’il y a un peu d’universalité dans ce que je raconte parce qu’on passe tous par les mêmes épreuves et les mêmes bonheurs. Le côté porte-parole d’une scène est inexistant ici contrairement au disque précédent.

Il s'agit d'un opus sans artifice et sans fioriture. Une œuvre à la fois classique et complexe. Un minimalisme qui n’enlève rien à l’efficacité parce là où je constate que tu te démarques, c’est dans la sélection des mots simples et directs.

Merci ! Ce compliment me touche énormément. La composition et l’écriture de chansons constituent un travail proche de l’orfèvrerie. Mon arrière-grand-père, que je n’ai pas connu, était graveur sur armes en région liégeoise. Je l’imagine toujours en exécutant ce job qui exige précision et minutie. Je crois avoir hérité de cette maîtrise, mais dans mon domaine. Si Picasso a pu peindre ou Dylan écrire rapidement une chanson sur une serviette au restaurant pendant que tout que le monde parle, d’autres auront besoin de plusieurs années avant d’y parvenir. J’appartiens à la seconde catégorie. Ça me prend beaucoup de temps. Et je me pose beaucoup de questions. Mais finalement, il y a cette intemporalité. Je peux interpréter, ce soir, des chansons que j’ai écrites il y a dix ans. Mais surtout toujours réussir à les chanter en y croyant…

Le clip de « Parrot » (à découvrir ici) met en scène la bêtise des politiciens et des médias de masse à coup d’images violentes issues de manifestations réelles, qu’un montage malin transforme en chorégraphie absurde. L'artiste, aujourd'hui, a-t-il l'obligation morale de véhiculer des messages à la place des assermentés ou des intellectuels ?

Je pense que oui ! C’est une très bonne question ! Elle m’a d’ailleurs occupé l’esprit. Au mois de septembre, lorsque l’album est sorti, on vivait entre les deux confinements. On approchait la sortie du premier tout en ignorant qu’il y en aurait un second. On avait le sentiment, moi y compris, qu’on vivait dans une société malade. Même bien avant cette crise sanitaire. J’ai profité de la sortie du disque pour exprimer ma vision des choses par rapport à ce qui se passait. Je suis un peu sorti du bois. Ce clip montre des images de violences policières. La première partie met en évidence l’oppression dont nous souffrons et la seconde vise ces quelques mouvements qui s’opposent à cette chape de plomb. Ce clip est relativement engagé, je le reconnais. On m’a aussi proposé de réaliser l’édito du focus ‘Vif’. J’ai hésité pour finalement répondre favorablement. L’édito était lui aussi plutôt engagé. J’ai l’impression que la société est malade et que, peut-être, le Covid a permis cette prise de conscience. Si on ne connaît pas la maladie, on ne peut évidemment pas la soigner. On est maintenant un peu plus conscients qu’il y a un vrai problème et qu’il faut changer les choses profondément.

L’amour et la colère sont deux mots a priori opposés. Est-ce le signe de l’expression d’un artiste partagé entre l’appréciation de la beauté, de la nature, de la famille (ça c’est côté amour) et l’angoisse causée par l’actualité politique et écologique (côté colère donc) ?

Je pense que ces notions sont proches et qu’elles cohabitent. On possède tous deux faces, comme une pièce de monnaie. Personnellement, j’ai été traversé par ces émotions pendant la phase d’écriture. Je me suis rendu compte que bon nombre d’entre vivions entre ces deux pôles. C’est légitime ! En réalité, je n’ai pas grand-chose à dire là-dessus. Chacun interprète ce discours à sa manière. Mes idoles ont exprimé de l’amour et de la colère à travers leurs compositions, que ce soit John Lennon, Bob Marley, Bob Dylan ou Neil Young. En tant qu’artiste et auteur-compositeur, il est nécessaire de creuser ces deux axes.

Lorsque tu militais chez été 67, tu fonctionnais beaucoup plus à l’instinct et à l’énergie. Spirituellement, politiquement, artistiquement, énormément de sujets étaient déjà abordés mais ils devaient être raffinés. Ton projet solo t’a permis d’acquérir cette paix intérieure ?

Oui, a fortiori. Surtout par rapport à ce dont on parlait tout à l’heure dans le cadre de la représentation de la scène et du collectif. Sur « A la vie à la mort », il y avait un peu de ça. Lors de l’aventure d’Eté 67, c’était essentiellement ça. Il fallait parler au nom du groupe, faire des chansons qui lui correspondaient. Il fallait aussi penser à son l’évolution. Il y avait beaucoup d’exercices de style. J’étais au service du groupe. Depuis que je me suis lancé en solo, beaucoup de paramètres ont évidemment changé. A l’époque, le côté porte-parole du collectif était très fort. Dès lors cette situation limitait fortement ma liberté d’expression alors que dans le même temps j’apprenais le métier. Par contre, c’était une école magnifique qui m’a permis de me réaliser en tant qu’artiste.

Donc, le fait de poser tes valises au milieu du Danemark sur l’île de Samsø a eu une incidence sur la conception de « Amour Colère » ?

C’est une évidence ! Je dirais pour le côté assez sombre de l’album. Il y avait cette volonté de produire un disque assez nu et dépouillé. Samsø m’a influencé en ce sens. C’est un endroit qui ressemble à « Amour colère ». Il y fait intolérablement froid, pluvieux, gris et sombre à certaines périodes de l’année. Alors qu’à d’autres, c’est un jardin d’Eden où tout fleurit en quinze jours. Durant ces périodes, la lumière et l’air sont d’une pureté incroyable. On profite aussi des bienfaits de la mer pour s’y baigner. C’est donc à la fois un paradis et un enfer. Une bipolarité que l’on retrouve dans l’album.

Paradoxalement, si cette île est à la fois brute et organique et énergétiquement vertueuse, on y fait encore pousser certaines cultures grâce à des produits hautement toxiques. Une île finalement complexe, nuancée et paradoxale.

Oui, tout à fait. J’ai vécu à Bruxelles durant huit années pour ensuite me rendre au Danemark partir vivre à la marge des grandes villes pour finalement me rendre compte que les problèmes sont identiques. Des agriculteurs prônent le bio et essaient de lancer une coopérative et d’autres nagent complètement dans le business. Dans ce domaine là aussi, les luttes y sont farouches. 

Une parade à ton image ?

Oui. Je pense que nous sommes tous confrontés à des situations antinomiques. L’être humain est inconstant. Comme disait Héraclite, on ne se baigne jamais deux fois dans la même eau. C’est toujours vrai ! On n’est jamais deux fois pareils. Nos cellules se renouvellent sans cesse. C’est une lutte permanente… On évolue tous avec ces tensions.

La Belgique est un pays où s’épanouit un vivier musical hors du commun. Comment le plat pays est-il perçu au Danemark. Et sa musique ?

C’est une très bonne question ! Malheureusement, je ne suis pas le mieux placé pour y répondre. J’ai défendu mon album en Allemagne, en Angleterre, au Canada, aux Etats-Unis, en France, en Belgique et en Suisse, mais pas au Danemark. J’en ignore les raisons. Sans doute que je n’y ai pas encore mis le temps et l’énergie. Je pense que les gens pourraient s’y intéresser en toute humilité car il y a un amour très grand de la langue française. Je vis sur cette île comme un expatrié. Ostracisé même. Et puis, je crois que je n’ai pas envie de refaire ce que je fais ici. J’ai besoin de m’y sentir tranquille.

De ces voyages, qu’as-tu importé ? Et qu’as-tu exporté de cette culture belge ?

Très bonne question une fois encore. Je ne me considère pas comme un grand voyageur. Pourtant, c’est ce qui était indiqué dans la bio du premier album. J’ai accompli quelques voyages, certes, mais bien peu par rapport à d’autres. Je me rends compte, avec le temps, que ce ne sont pas les voyages qui me nourrissent le plus. Voyager peut s’avérer intéressant pour rencontrer des gens, mais il y a tellement d’autres moyens pour y parvenir. Pour l’instant, je circule entre le Danemark et Bruxelles. Par la force des choses, je suis devenu un navetteur européen. J’utilise le transport ferroviaire pour polluer le moins possible. Ces moments me permettent de faire le point. Je les vois comme des sas de décompression.

Tu cites régulièrement Dylan et Neil Young comme sources d’inspiration. Y-a-t-il d'autres artistes qui t’inspirent ?

Oui. Mais une telle sélection s’avère un exercice difficile car il y en a tellement. Je pourrais citer Serge Gainsbourg, Léo Ferré, Lou Reed, Marianne Faithfull, Buena Vista Social Club, les Beatles ainsi que les carrières solos qui ont suivi. Dans l’univers du cinéma, j’épinglerai Pialat, Tarantino ou encore Akira Kurosawa.

Nous vivons toujours dans la crainte du Covid. Comment as-tu appréhendé cette pandémie en tant qu’homme, mais aussi comme musicien ?

Sujet sensible…

En tout cas, j'imagine que les déplacements entre la Belgique et le Danemark ont été extrêmement compliqués….

Oui, effectivement ! En ce qui me concerne, j’ai été relativement peu impacté par le Covid. Je n’ai pas contracté ce virus à ce jour. Mes parents n’ont plus. Pour être complet, j’ai eu quelques craintes pour ma mère qui travaille dans un supermarché. Je me rends compte, avec le recul, avoir eu beaucoup de chance. Certains ont vécu des drames. J’en ai connu un aussi, sans être totalement convaincu de la relation de cause à effet… « Amour colère » prend encore ici tout son sens. C’est un constat désolant. Cette situation a permis à de nouvelles voix de s’exprimer et de se rendre compte que des choses ne fonctionnent pas… Lorsque j’avais 20 ans, en caricaturant un peu, on connaissait déjà le mouvement altermondialiste. La crise de 2008 a vu le capitalisme craqueler de partout. Le Covid a mis en évidence les travers de ce régime, même si évidemment cet évènement s’est produit de manière fortuite. Un tas de gens se sont retrouvés du côté noir de cette frontière invisible de la mondialisation. Cette frange de la population reste persuadée que cette crise a éclaté parce que quelque chose ne tourne pas rond. Ce courant est large et trouve sa source d’inspiration dans des cercles politiques et spirituels différents. Le mouvement éco-socialisme, dans lequel je me retrouve, a sans doute un peu plus de voix au chapitre qu’avant la crise sanitaire. J’espère sincèrement que des gens comme Bernard Friot, François Ruffin ou encore Frédéric Lordon auront davantage d’audience qu’auparavant. Même ceux qui appartiennent à la bourgeoisie ont le sentiment que les choses doivent maintenant changer vers plus d’écologie. Dans une direction plus juste, plus résiliente, plus durable et plus respectueuse de l’environnement. Et il y a peut-être un pont à établir entre les écolos bobos et la gauche marxiste altermondialiste qui jouit de davantage de crédibilité. La situation que nous traversons est ridicule, presque burlesque. Regarde, nous sommes en plein festival et nous portons tous des masques. Un business s’est développé autour de cette tragédie. Tout est source de fric : sauver la planète, bien manger, etc. Celui qui dispose d’agent a tous les pouvoirs. De plus en plus de gens se rendent compte qu’il est nécessaire de changer le monde...

Kloot Per W.

En français dans le texte…

Entamée à la fin des 60’s, la carrière de Claude Perwez, aka Kloot Per W., est particulièrement riche. Il a ainsi notamment milité chez The Misters, Polyphonic Size, The Employees, De Lama's, De Kreuners, et assuré de nombreuses collaborations ; mais également bossé comme producteur. Aujourd’hui il se focalise sur son groupe Cromwell et son projet solo Kloot Per W., entamé –quand même– depuis 1978. Multi-instrumentiste, il est également investi dans diverses disciplines artistiques, dont la peinture…

L’interview se déroule en tête à tête, chez l’artiste. Un exercice bien plus agréable à réaliser que par e-mail. Une opportunité assez rare en ces temps de Covid, pour ne pas être soulignée. En outre, l’entretien va se dérouler dans son atelier. Pour l’instant, Claude est contraint de se déplacer en fauteuil roulant, suite à un problème au pied. Le sujet principal de la conversation va se concentrer sur la musique. Faut dire que Claude est une véritable encyclopédie vivante…

Les 3 chansons qui figurent sur ton Ep, « Nuits Blanches », me rappellent, à la fois, J.J. Cale et Serge Gainsbourg. A cause de l’atmosphère, des arrangements, et puis des paroles… Te rallies-tu à cette impression ? 

Oui ! D’abord, les textes traitent du rôle d’Internet qui est devenu une passerelle vers le porno. Le porno est toujours été un sujet tabou. Et puis de nombreux hommes de mon âge sont malheureux, car ils ne parviennent pas à trouver l’âme sœur. Je ne souffre cependant pas de ce problème. J’ai suffisamment de charme pour communiquer ou passer du temps avec le sexe féminin. Mais je pense souvent aux célibataires, issus de ma région, qui souffrent de solitude. Qui pensent, peut-être, à se dégoter une compagne dans un pays exotique… « Nuits Blanches » raconte l'histoire d'un homme toujours sexy, mais incapable de draguer une femme. Il est pourtant disponible et disposé, mais aucune ne s’intéresse à lui. Quand il s’allonge dans son lit, il ne peut dormir, car il pense à toutes celles qu'il croise. Il traverse alors le quartier rouge, mais n'ose pas pénétrer dans un carré, car il a trop peur des femmes. C'est essentiellement ce thème qui est exploré dans ce morceau. J’essaie de l’illustrer à travers les paroles, puis Dominique Buxin m'aide à peaufiner le texte, en utilisant des mots et des idiotismes que les Francophones comprennent afin qu’il soit le plus pertinent possible…

Maintenant, je comprends mieux l’image reproduite sur le booklet affichant des femmes à moitié nues… 

Exact ! J’ai craqué pour cette photo qui correspondait à mes aspirations. Je bosse également avec Sandie Trash depuis quelques années, un duo français issu de Bordeaux. Nous échangeons les fichiers par mail, car je ne les ai rencontrés qu’à deux reprises, en chair et en os, au cours des deux dernières années. Leur musique est à la fois fortement gothique et psychologique. Sandie souffre de quelques problèmes psy et elle les exprime à travers des paroles douloureuses. Ce n'est pas un simulacre et c’est pourquoi je cherche à l’aider. Sans quoi, j’apporte ma collaboration en jouant de guitares aux sonorités des années 60 et 70 ; et ce contraste communique à l’ensemble une certaine forme d’originalité.

Pour tes autres projets, comptes-tu également te mettre à la langue française ?

Je viens de terminer un enregistrement, également en français, et il est assez sombre. Les textes s’intéressent aux personnes qui vivent sur internet ; mais également à la mort. C’est un sujet qui me préoccupe, car ici, sur terre, pour moi, l’échéance se rapproche de plus en plus….

Et ce sera pour quel groupe ?

Celui à qui ces sessions étaient destinées s’est effondré à cause de la corona.  Le batteur est toujours au poste. C’est celui qui participe à Cromwell (un projet qui implique la bassiste de The Scene, Emily Blom). Il s'agit d'Achiel, qui milite également chez Spiral of Silence, d'ailleurs. Il pourrait être mon fils, même s’il est très différent de moi. Mais on est sur la même longueur d’ondes. On a le même moteur. Et pour le live, Blom sera également de la partie. Elle n’a pas collaboré aux sessions à cause des difficultés liées à la COVID et à la quarantaine. Je la comprends, car elle peut difficilement abandonner son travail pour venir vivre ici pendant des semaines. J'ai ensuite réuni des musiciens de studio pour réaliser les enregistrements. Pascal Deweze (producteur) est devenu nerveux. Il ne pensait jamais que toutes ces individualités finiraient par sonner comme un groupe ; mais c’est justement à cause de ces énormes différences entre les affinités de chaque musicien, que quelque chose de beau est né. Pascal me l'a avoué, par la suite…

Quand tu enregistres un album, est-ce pour toi-même ou pour le public ?

Un peu des deux. Je le fais parce que je dois le faire et que je veux le faire, mais il existe toujours des images de personnes qui défilent devant mes yeux quand j'écris. Ce n’est jamais à 100% pour moi, mais toujours avec un public pour moi. Je n’ai pas le charisme de Roland ou d’Arno. Je suis un mec ordinaire qui n’aime pas trop être exposé et quand je marche dans la rue, je me confonds aisément dans la foule. Mauro Palowski aurait le même comportement, mais coiffé d’un chapeau. On en a un jour discuté, et il m’avait avoué, que malgré une invitation, il refusait de faire face aux caméras de la télévision. Je lui ai répondu qu’il devait accepter quand on lui demande et puis parce que c’est une forme de reconnaissance. Et que perso, pour y parvenir, c’est moi qui doit faire ces démarches. Et il a compris. Alors, il y est allé… C’est dans cet esprit que nous avons commencé à bosser sur un album ensemble. Je lui ai signalé que devoir respecter des principes n’était pas très agréable ; aussi, il était préférable de prendre comme référence l'album blanc des Beatles, pour sa richesse, car je m’intéresse à des tas de styles différents. Avant que le nouveau disque ne soit prêt, j'ai dit à Dewez que je souhaitais jouer du rock anglais mais chanté en français. Avec tout le fromage dedans. Bien sûr je ne suis pas français, je suis flamand. Mais je pense que le pari est réussi.

Tu n'es pas d'origine française finalement ?

Oui, un peu, mais en remontant loin dans mon arbre généalogique. Mon nom est d’origine française. J'ai été élevé à une époque où les enfants issus de la classe ouvrière devaient parler français correctement afin qu’ils ne soient pas considérés comme des idiots. Parce que la langue française, c'était chic. C’était classe. Il fallait montrer que les ouvriers aussi pouvaient avoir de la classe.

Spiral of Silence a gravé un nouveau single, l'année dernière. Le projet est toujours d’actualité ?

Oui, nous répétons. A deux cents mètres d'ici. Je voulais concrétiser un projet avec Achiel, car tout ce qui était prévu était tombé à l’eau, à cause de la COVID. Nous avons gravé un single et quatre nouvelles chansons sont terminées. Quelques concerts sont confirmés, comme celui prévu au W-fest et nous espérons également nous produire lors de festivals gothiques allemands. La musique de Spiral of Silence est un peu post-punk et gothique, mais sans l’imago. Et puis, je m’autorise des solos à la David Gilmour. Un bon violoniste devrait enrichir les prestations ‘live’. Et puis j’ai proposé à Achiel de nous lancer dans un autre projet. De dream pop ou de new wave plus légère. Cromwell correspondait à cette alternative. Enfin, j’ai enregistré aussi un autre disque avec Rudy Trouvé et Marcel Vantilt. Un truc arty sur des textes de Marcel et de la musique abstraite. En y intégrant de la contrebasse. Le concept est particulièrement orignal, mais vu le concours de Vantilt, ça devrait marcher. Pour l'instant, nous n'avons pas déniché de label qui accepte de ne le sortir qu’à 200 à 300 exemplaires. Mais suite au Brexit, Rudy ne peut pas se permettre un tel écart, car l'usine de pressage en sollicite presque le double en Angleterre. Un split single sortira donc d’abord. Afin de faire la promo, nous allons accorder un set pour les étudiants, au Singel, à Anvers. Ce qui pourrait intéresser les médias. Ce sont trois projets attendent le feu vert. Et pour l’instant, je publie toutes mes démos et outtakes sur Bandcamp ; un moyen de rentabiliser un peu mes investissements. Il ne reste plus qu'à attendre que tout redémarre…

Whispering sons

Sur scène, quand on utilise trop d'effets, on perd en intensité, en présence…

On ne va pas y aller par quatre chemins : Whispering Sons est tout simplement le groupe le plus important apparu sur la scène alternative belge depuis fort longtemps. Les 5 jeunes musiciens sont originaires du Limbourg, de Houthalen-Helchteren pour être précis, et c'est à la fin de 2015 qu'ils ont été remarqués par Dimitri Cauveren (du label Wool-e-Tapes), Dirk Ivens (Minimal Maximal) et Michael Thiel (Weyrd Son Records) ; et ce, grâce à un premier Ep époustouflant, “Endless Party”. Ce qui a frappé dès le début, c'est la voix atypique, envoûtante de Fenne Kuppens et la présence, autour d'elle, de musiciens particulièrement doués : Kobe Lijnen, Sander Hermans, Sander Pelsmaekers et plus tard, Tuur Vandeborne.

Autre jalon important : l’édition 2016 du ‘Rock rally’ organisé par le magazine Humo, qu'ils ont remportée. C'était la première fois depuis belle lurette qu'un groupe post-punk associé à la 'wave' gagnait ce concours assez orienté 'mainstream'. Puis, tout est allé très vite : deux singles, une multitude de concerts en Belgique et à l'étranger et en apothéose, la signature d'un contrat chez [PIAS], le label belge légendaire, qui renouait ainsi avec ses premières amours obscures. Le premier elpee, “Image”, sorti en 2018, est venu apporter la confirmation d'un talent de niveau international.

Le 18 juin dernier, le groupe a sorti son deuxième opus, “Several Others“. Il négocie ainsi avec succès le virage dangereux de l'album sophomore. Musiczine a rencontré Fenne Kuppens et Kobe Lijnen, il y a quelques semaines, dans les locaux de [PIAS], à Bruxelles.

Comment décririez-vous l'évolution entre “Image“ et ce nouvel album ?

Kobe Lijnen (KL) : Nous souhaitions sonner moins 'grotesque', moins 'grandiloquent'. Nous voulions un son plus direct, plus brut, moins réverbéré et moins basé sur les riffs de guitare. On a opté pour des arrangements plus dépouillés et on a mis la voix de Fenne plus en avant.

Dans un descriptif, j’avais noté dépouillé, 'in your face', sans réverbération, sauf pour les guitares et la voix très proche de l'oreille...

KL : Oui, on voulait un son plus 'live' car sur scène, quand on utilise trop d'effets, on perd en intensité, en présence. Et pour la voix, ça provoque du larsen, du feedback.
Fenne Kuppens (FK) : Heureusement, nous avons un très bon 'ingé-son' pour les concerts, capable de faire des miracles.

Il existe une autre évolution marquante : votre musique a perdu son côté 'gothique'. Les références à Sisters of Mercy semblent avoir disparu. Est-ce une bonne nouvelle ?

KL : Oh que oui ! (rires) On y est arrivé ! Bien sûr, on ne regrette pas notre première période mais on a en quelque sorte acquis une certaine maturité. On a évolué en tant que groupe, à la recherche d'une certaine excellence. “Several Others” représente une nouvelle version de Whispering Sons, la version actuelle. Il est possible que le prochain album soit complètement différent.

Vous continuez également à progresser dans votre maîtrise musicale. Les harmonies et les arrangements sont plus riches. Vous utilisez même des mesures ('time signatures') plus complexes.

KL : Oui, “Dead End”, par exemple, débute en 5/4 ; “Satantango” est en 7/4 et 4/4, et il y a du 5/4 dans le refrain de “Surface”. “Flood” est en 6/8 mais c'est normal vu qu’il s’agit d’un rythme de valse.

“Flood” est précisément mon morceau préféré du disque. De par sa rythmique quasi-tribale et la superbe séquence ('arpeggio') au synthé. Quel est le thème des paroles ?

FK : La chanson parle de la saturation sensorielle que l'on peut ressentir en écoutant ce flux musical qui vous submerge. Elle symbolise ces moments où on est entouré(e) de tellement d'impulsions qu'on ne peut plus fonctionner et qu'on doit se replier sur soi.

“Screens” révèle une touche de Portishead dans la rythmique et un côté Nine Inch Nails dans la mélodie au piano. Une analyse correcte ?

KL : C'est marrant parce que le précédent journaliste, il y a une demi-heure, a également fait référence à NIN pour “Screen” (rires).

Et le thème de la chanson ?

FK : Ce sont les premières paroles que j'ai écrites pour le nouvel album. Je ressentais le besoin urgent de parler du succès obtenu grâce au premier opus et le côté un peu excessif de tout cela. Ça parle du fait d'être sur scène et de la manière dont les gens te regardent, avec leurs attentes et leurs projections.

Quant à “Aftermath”, c'est un peu le correspondant de “No Image”?

KL : Oui, c'est grâce à des titres comme “No Image” que je me suis senti suffisamment sûr de moi pour articuler une chanson autour d'un motif au piano. En fait, “Aftermath” était une 'démo' datant de 2017 et on ne savait pas quoi en faire. On se considérait comme un 'guitar band', donc on n'aurait jamais osé sortir une chanson limitée au piano et à la voix. C'est Fenne qui, plus tard, a proposé d'alléger la chanson en la dépouillant de ses caractéristiques inutiles.

Dans les paroles, on décèle, caché, le titre de l'album, “Several Others”. Il est à supposer qu’on y traite de l’identité ?

FK : Lorsqu’on on essaie de devenir quelqu'un qu'on n'est pas, quelqu'un de meilleur ; c’est le sujet. La chanson décrit le processus qui se développe quand on essaie de devenir cette personne.

Lors de notre première interview, en 2016, Kobe avait défini Whispering Sons comme étant ‘une jeune femme qui exorcise ses démons sur de la musique post-punk’. Lors de notre deuxième entrevue, Fenne, tu m'as confié que ‘ça devenait de pire en pire’. Qu'en est-il aujourd'hui ?

FK : Aujourd'hui, je me suis calmée ! (rires) Tout ça est beaucoup plus intériorisé.
KL : Oui, mais dès qu'elle retournera sur scène, je suis sûr que Fenne libérera à nouveau ‘la bête’ ! (rires)

Quelles images retenez-vous de votre carrière jusqu'à présent ? Pour ma part, c’est le final de “Waste” à l'AB Club, en 2018. Un moment magique ! 

KL : Oui, chaque fois que nous avons interprété “Waste”, nous avons recueilli des réactions très fortes du public, une émotion très puissante. Même tout au début, quand le public ne connaissait pas encore la compo.
FK : Je retiens pour ma part le moment où, il y a quelques jours, nous avons découvert notre nouvel disque, le vinyle et sa pochette. C'était important car nous avions investi beaucoup de temps et d'énergie dans le design du disque.

Avant de clôturer, pourriez-vous sélectionner deux coups de cœur ? Pour rappel, en 2016, vous aviez cité “Second Skin” des Chameleons et “Insides” par The Soft Moon et, en 2018, “Brean Down” de Beak> et “Superior State” de Rendez-vous.

KL : Je vais choisir un track de FACS, la formation de Chicago emmenée par l'ancien chanteur de Dissapears. Elle vient de sortir un nouvel album, “Present Tense” et j'aime beaucoup le titre “Strawberry Cough”.
FK : Quant à moi, mon choix se pose sur “The Holding Hand” d’Iceage, le premier single de leur dernier album “Seek Shelter”.

Merci!

Pour écouter le podcast de l'interview, rendez-vous sur la page Mixcloud de l'émission de radio WAVES (radio Vibration à Bruxelles), c’est

Pour commander le nouvel album, “Several Others”, c'est ici 

Les prochains concerts de Whispering Sons :

24/07 | Werchter Parklife, Werchter

02/09 | OLT Rivierenhof, Anvers | SOLD OUT

01/10 | C-Mine, Genk | SOLD OUT

09/11 | Democrazy, Gand

16/12 | Ancienne Belgique, Bruxelles

 

Dave Clarke

John Foxx était mon Kraftwerk à moi…

Dave Clarke, DJ et producteur anglais, est devenu célèbre dans le monde entier grâce à la techno. Mais peu de monde sait qu'il s'intéresse à de nombreux courants musicaux, avouant une affinité particulière pour les styles wave, new-wave, post-punk, minimal wave, dark electronica, dark ambient, etc. Son dernier album, “The Desecretion of Desire”, sorti en 2017, reflète cet éclectisme musical. Lors de l'interview qu'il a accordée à Musiczine, Dave a expliqué les origines de cette passion pour le 'côté obscur' de la musique alternative. 

Dave, d'où te vient cet intérêt pour les musiques dites 'dark alternative' ?

Souvent, la presse essaie de m'emprisonner dans la case 'techno' alors qu'en réalité, j'aime dire que je suis un être humain, pas un genre musical. Quand j'étais jeune et que je vivais à Brighton, l'Angleterre constituait une sorte de passerelle entre les USA et l'Europe; une sorte de 'melting pot', au sein duquel on trouvait aussi les musiques issues du Commonwealth; et notamment celles des Caraïbes et de la Jamaïque. J'ai grandi au cours d’une période intéressante, qui a vu l'émergence du disco, du punk, de la new-wave et du ska. Ensuite le hip-hop s’est révélé grâce à Grandmaster Flash mais aussi à Tackhead. Il y avait aussi une conscience politique, qui n’émanait pas de l'école mais de la musique. J'ai également travaillé dans un magasin de disques classiques pendant 2 ans. Mes goûts musicaux sont très larges !

Comment as-tu évolué de la musique techno au style plus 'indie' qui te caractérise aujourd'hui ?

J’étais conscient que, lorsque la technologie le permettrait, je pourrais faire évoluer ma musique. N'oubliez pas que je ne sais pas jouer d'instrument. Quand on coupe l'électricité, ma seule alternative en live, c'est de siffler (rires). Donc, dès que l'informatique musicale s'est développée, j'ai commencé à étendre le spectre de ma musique. Sur mon deuxième album, on trouvait déjà des touches de hip-hop. Le troisième est particulièrement varié et le prochain recèlera encore davantage de surprises ! En fait, j'écoute beaucoup de musique mais pas tellement de techno sauf, bien sûr, quand je bosse ! Ce n'est pas parce je n'aime plus la techno mais simplement parce qu’il y a 30 ans que je baigne dedans. Donc, j'en joue uniquement lors d’un DJ set ou à la radio. J'écoute aussi un peu d'électro en salle de fitness.

Qu’est-ce qui t’a poussé à écouter de la musique 'wave', lorsque tu étais jeune ?

A cette époque, je disposais d’un lecteur de disques vinyles et, en prenant mon bain, j'écoutais des albums comme “Metamatic”, le premier LP de John Foxx, “Freedom of Choice” de DEVO et “Me I disconnect from you”, le 12 pouces de Gary Numan. Bien sûr, avec le recul, cette attitude peut paraître branchée; mais il ne faut pas oublier qu'à l'époque, on écoutait aussi des trucs comme “The Devil went down to Georgia” de Charlie Daniels !  Mais oui, mes premiers coups de cœur new-wave furent pour John Foxx, Gary Numan et DEVO ; même si je ne considère pas John Foxx comme représentatif de la new-wave. Il pratiquait un style bien à lui. C'est un artiste intemporel !

Et le punk ?

Mon premier coup de cœur punk, je l’ai connu grâce à The Damned. La plupart des gens citent The Clash mais pour moi, c'est du psychobilly. Sauf, bien sûr, “London Calling”, qui est une merveille de post-punk. Mais donc oui, l'album “Machine Gun Etiquette” de The Damned a exercé une forte influence sur moi. C'est probablement celui que j'ai le plus écouté dans ma vie.

Et Kraftwerk ?

Je dois avouer que je serais passé totalement à côté de cette formation, si je n’avais pas vu le film “Breakdance” et tout particulièrement la scène où le personnage Turbo dance avec un balai sur la musique du “Tour de France” de Kraftwerk. Evidemment, je connaissais le single “The Model”. Mais, en fait, je préférais de loin la musique de John Foxx. John incarnait une forme d'affranchissement. A cause de l’aspect monochromatique et très anglais de son style. Son hit “Underpass”, que les enfants transformaient en “Underpants” (Trad : sous-vêtements), était un titre très urbain, comme si l'architecture urbaine explosait à l'intérieur de votre cerveau. Il y exprimait son point de vue, très subtil, sur la seconde guerre mondiale ; surtout les effets secondaires sociaux, apparus 20 ou 30 ans plus tard. C'était beaucoup plus intéressant pour moi, à l'âge de 10 ans, d'écouter ces paroles, de ne pas les comprendre complètement, mais de résonner avec elles. Kraftwerk a évidemment développé une influence énorme, notamment sur le hip-hop ; mais je n’étais pas réceptif à cette musique. John Foxx était mon Kraftwerk à moi.

A l’instar de The Hacker, Amélie Lens et la scène berlinoise, la techno semble de plus en plus influencée par la musique électronique des années 80. C’est également ton impression ?  

The Hacker, de son vrai nom Michel Amato, a toujours réalisé ce type d'hybridation, tout comme Arnaud Rebotini. Ces artistes français comprennent qu'il faut respecter l'héritage culturel. Dans le Nord de la France, autour de Nantes et de Rennes, on rencontre beaucoup d'artistes qui évoluent dans ce genre de 'crossover'.

Et la Belgique ?

La Belgique évoluait au sein de cette mouvance auparavant. Je citerai d'abord Front 242 et Neon Judgement, sans oublier la new-beat. La new-beat était d'ailleurs, d'une certaine manière, une adaptation de la new-wave. “Flesh” du groupe A Split Second constitue un bon exemple de new-wave, mais instrumentale… Aujourd'hui, je retiendrais peut-être Radical G. Mais, dans l'ensemble, la Belgique a un peu oublié son passé. Elle s'est intéressée davantage à la techno pure et aux projets plus commerciaux. Bien sûr, il existe des exceptions qui confirment la règle. Comme le Fuse, à Bruxelles, mon club préféré dans le monde ! Dans son histoire, le Fuse a toujours voué un grand respect pour la musique. A Anvers, l’Ampere excelle également dans le genre. La personne qui gère ce club est également très orientée 'wave'. Mais trop de clubs belges ont poussé la techno en direction du style Ibiza. Et c'est dommage car, dans les années 80, la Belgique était un berceau de musique wave novatrice, toujours pointue, sur le fil du rasoir. Prenez “TV Treated”, par exemple, le single de Neon Judgement. En face B, figurait “Fashion Party”, un morceau prophétique, car il annonçait, 20 ans à l'avance, la folie Instagram qui touche le monde du clubbing et des DJ. L'idée 'je fais l'amour avec moi-même', comme le conçoivent les DJ instagrammeurs.

Lors de l’enregistrement de ton dernier opus, tu as reçu le concours de Mark Lanegan, Gazelle Twin, Anika, Mount Sims et Louisahhh. Comment se sont déroulées ces collaborations ?

J’'ai composé les paroles de “Charcoal Eyes” pour Mark Lanegan. C'était la première fois que j'écrivais le texte d'une chanson et je lui ai transmis. Puis, j’ai commencé à appréhender sa réaction. Il a quand même fait partie des Queens of the Stone Age et de The Gutter Twins, sans oublier sa carrière solo. J'ai donc attendu 24 heures, en imaginant que s’il ne répondait pas, c’était parce que mon travail était de la merde. Mais finalement, il m'a contacté pour me dire qu'il aimait beaucoup les paroles. C'est par contre lui qui s’est chargé des paroles de “Monochrome Sun”, notre seconde collaboration. Matthew, alias Mount Sims, chante sur un titre dont il a rédigé 85% des lyrics. J'ai simplement un peu adapté le texte et ajouté une référence à l'écrivain français Rabelais. Et on entend ma voix tout à la fin du morceau. De quoi d'ailleurs faire le lien avec “Thunder”, un morceau plus ancien, dans lequel je fais également référence à l’écrivain français. Je voulais absolument travailler avec Matthew, parce j'avais adoré son dernier album. C’est un génie de l'univers 'leftfield', du monde alternatif. Sa pensée philosophique est très puissante. “Cover Up My Eyes" a été conçu en collaboration avec Gazelle Twin, qui a écrit les paroles et chanté. 

Le morceau réalisé en compagnie de Mount Sims, “Frisson”, se réfère bien au mot en français ?  

Oui, il se traduit par 'goosebumps' ou 'chicken skin' (chair de poule). Il exprime ce que je ressens quand je suis touché par la musique.

‘Un mix entre wave, power electronics, EBM, Industrial, dark ambient ou une rencontre entre Front 242, Nine Inch Nails et Nick Cave’. Que penses-tu de cette description pour ton elpee ?

Je suis assez d'accord ; par contre, au risque de déplaire à pas mal de monde, je ne suis pas un grand fan de NIN. Quand j'entends la voix de Trent Reznor, dans “Copy of A”, par exemple, j’ai l’impression de retrouver le chanteur Seal. Ils ont tous les deux cette tonalité 'midrange' hyper compressée. En plus, on n'a jamais vu les deux hommes dans la même pièce en même temps ; donc il est possible qu'il s'agisse en fait d’une seule et même personne (rires) !

Quels sont tes projets ?

J'ai pris pas mal de photos destinées, entre autres, à un magazine chinois et en vue d'une exposition, en France. J'ai réalisé une interview de John Foxx pour Sound on Sound. Dans le domaine de la musique, je bosse en compagnie de la violoniste française Mathilde Marsall. Ensemble, nous avions élaboré ‘Variations’, une création autour de la pièce “Les Planètes” de Gustav Holz. Mais également une adaptation de “Carmina Burrata” destinée à l'émission ‘Le Grand Echiquier’. Nous travaillons maintenant sur de nouvelles compositions. Il y en a déjà quatre. J’ignore ce qu’on va en penser, mais ce n’est pas la raison pour laquelle on fait de la musique, pas vrai ? Ce désir doit venir de quelque part à l'intérieur de soi. Quelques DJ sets se dérouleront sans doute, cette année, mais je ne tiens pas à aller trop vite en besogne. Je me concentre surtout sur 2022.

Et pour le prochain album ?

Une certitude, le prochain ne sera pas une suite de “The Desecretion of Desire”. Quand je disposerai de 5 ou 6 compositions, j'aurai une vue plus claire de la direction à prendre. Pour être complet, j'ai également réalisé des remixes, notamment pour un titre de Fontaines DC…

Le site de Dave Clarke : http://www.daveclarke.com/

Podcast sur la page de l'émission WAVES (Radio Vibration, à Bruxelles)

Pour écouter la première partie de l'interview c’est ici en français et , en anglais. Et la seconde partie, ici en français et en anglais

Merci à Dave Clarke, Ade Fenton, Radio Vibration et WAVES Radio Show.

 

 

22 for Silicon Alone

L’Art est le miroir inversé de la vie

22 for Silicon Alone, c’est un projet drivé par Alexis Pfrimmer. Auteur, compositeur, interprète, producteur et réalisateur, il vit à Bruxelles. Ce 21 mai 2021, il a sorti son premier elpee, "Only Dark Matters". Tout au long de cet album, Alexis nous entraîne dans un voyage plein de rebondissements. Chaque chanson possède sa propre combinaison atypique de styles et pourtant rien ne semble décousu. Ce patchwork magistral et original, largement influencé par le rock, se permet d'étonnantes digressions : du heavy metal au jazz léger, en passant par le drum&bass et même l'EDM. Et finalement, on a l'impression de participer à la bande-son d'un film sans images.

Apparemment le patronyme de ton projet, tu l’aurais déniché en surfant sur le site officiel de la NASA. Tu confirmes ?

Effectivement, je suis très intéressé par les sciences et les questions qu’elles soulèvent. Toute l’activité de l’humanité est basée sur la recherche de moyens de plus en plus efficaces pour essayer de faire perdurer l’espèce. Hier, elle a su dompter le feu et aujourd’hui elle cherche à conquérir l’espace. Pour que l’humanité continue de grandir, nous sommes obligés de dépasser nos convictions. Le feu brûle mais on peut aussi s’en servir pour cuisiner. J’avoue que la conquête spatiale me fascine. Elle nous confronte à nos propres limites… En surfant sur la toile, afin de chercher un nom pour ce projet, je suis atterri sur le site de la NASA. Et j’y ai lu un article où figuraient ces quelques mots. Il décrivait la composition d’une combinaison de cosmonaute pour laquelle il était estimé qu’il faudrait une couche de 22mm de silicone pour être complètement protégé des rayons cosmiques. L’idée m’a parue intéressante, car elle me rappelait notamment les concepts développés par Hundertwasser, le peintre-roi aux 5 peaux. Je me suis alors demandé comment nous, sur terre, on se protégeait et surtout que risquerait-il de nous arriver, si nous enlevions cette combinaison?

Comment est née l'idée de ce projet, par ailleurs intéressant ?

Merci pour le compliment. J’ai toujours rêvé de me lancer dans la musique ou le cinéma. Mes parents m’ont toujours encouragé à réaliser mes objectifs. C’est grâce à eux et ma famille que j’y suis parvenu, donc. Ils ont cru en mon potentiel et m’ont ouvert à la culture et aux arts. Même s’ils ne comprenaient pas toujours pourquoi je m’intéressais à certains secteurs et pas à d’autres, ils m’ont toujours laissé libre de choisir. La liberté, même si elle peut effrayer, est très stimulante. Dans le passé, d’autres que moi y sont parvenus et donc j’estimais que j’en étais également capable. Ce projet s’inscrit dans la continuité. Ce n’est pas le premier et de nombreux sont similaires, mais toutes ces expériences m’ont permis de passer un palier… Dans mes notes, j’avais mentionné la phrase ‘Only Dark Matters’. Puis un jour, par hasard, j’ai l’ai retrouvée. Je me suis levé et une idée m’a traversé l’esprit : ‘C’est un titre d’album !’ Mais après, comment la concrétiser ? Entre le rêve et la réalité, il n’y a pourtant qu’un pas. Alors il faut oser. Puis je me suis rappelé la réflexion de Godard : ‘Faire un film c’est trouver l’argent’. J’ai donc réuni la somme nécessaire pour entrer en studio et je l’ai booké. Je n’avais donc plus d’autre solution que de m’y rendre pour enregistrer et de dénicher des musiciens. Et bien sûr, de composer de la musique…

Vous avez reçu le concours de toute une série de musiciens chevronnés. Où et comment les avez-vous recrutés ?

Comme un réalisateur. J’avais leurs profils en tête, car je ne voulais pas me servir de samples, comme matière première. J’avais composé pour les instruments que je souhaitais ; et afin de mettre en œuvre ces intentions, je fréquentais les salles de concerts et scrutais régulièrement les réseaux sociaux. Un exemple : le choix de Joachim, le violoniste. Pendant que je scrollais machinalement sur Facebook, j’ai vu défiler le lien vers une vidéo de Magma qu’un ami avait postée. Or, j’adore ce groupe. Je clique dessus. Dans cette vidéo, annonçant la date d’un concert évènement pour célébrer les 45 ans d’existence du groupe, Joachim, élève de Didier Lockwood, était interviewé. J’ai énormément apprécié son discours et son attitude. J’ai mis la vidéo sur pause et j’ai contacté ce musicien. Il s’est montré immédiatement ouvert à l’expérience. Je me suis déplacé à Paris pour le rencontrer. Le courant est bien passé. Et il a accepté de participer à l’aventure…

Quel public espérez-vous atteindre à travers ce projet ?   

J’essaye de ne pas espérer trop d’attentes. Il s’agit avant tout d’un échange. Je réalise. Je me place là où je pense devoir être. J’en parle… Mon âme se nourrit de ces rencontres, c’est ça l’essentiel. Ce qui me conforte ce sont les retours. Très souvent les gens sont enthousiastes, même si ce n’est pas ce qu’ils écoutent habituellement. La musique leur parle d’une manière ou d’une autre. J’espère que ce disque fera vibrer les gens. Quel que soit leur avis et leurs retours, qu’ils aiment ou qu’ils détestent, je serais heureux de le savoir. Mais surtout, si cet album leur permet  de voyager, de s’évader, alors j’aurai tout gagné. Si j’ai conservé l’une ou l’autre séquence sur ce disque, c’est avant tout parce qu’elles m’incitaient à chanter, me mettaient en mouvement ou me communiquaient des frissons. Alors si le public a la même réaction, c’est formidable.

A première écoute, il y a quelque chose de mystérieux et de légèrement sombre dans ta musique, pas d’une gravité effrayante, mais plutôt de mystique et de mélancolique. Était-ce un choix délibéré d’entretenir un tel climat ?

Si c’est ton ressenti, alors il est forcément vrai. Mais je reconnais ma démarche dans ces mots, oui. J’apprécie la nuance ‘légèrement’ car dans mon approche j’essaye, dans la mesure du possible, de  rester stable sur le fil, à la recherche de cet équilibre. Ce sont les contrastes qui créent la richesse.  Comme je le disais tantôt, j’ai imaginé le titre « Only Dark Matters » avant même de commencer à composer. Avec un titre pareil, le ton était donné. Mystérieux, mystique et mélancolique, oui c’est sûr. Encore une fois, mes influences sont variées et dépassent largement le cadre musical. Poe, Kafka en font partie, par exemple. J’aime également le cinéma de Tarkovsky, Lynch ou encore Maya Deren, car leurs œuvres invitent à un voyage intérieur, et c’est clairement cette démarche d’introspection qui a motivé l’écriture. Cette envie de questionner le monde à partir de mes propres contradictions.

Vu ton intérêt conjoint pour la musique et le cinéma, les références cinématographiques ne sont donc pas surprenantes…

Il existe mille et une manières d’exprimer une émotion mais personnellement j’estime que les images et les sons sont indissociables. J’entends une porte qui claque, je vois cette porte claquer, je sursaute. 22 for Silicon Alone est un projet audiovisuel. On vient d’ailleurs de tourner un clip que j’ai réalisé en compagnie d’une équipe formidable. Il sortira en juin. L’an dernier, j’ai monté et animé celui consacré au premier single, « 0+1=2 »...

Au fil des écoutes de cet elpee, les compos semblent de plus en plus riches. Cette invitation à la découverte était-elle également un processus conscient ?

Perso, j’aime les œuvres qui demandent d’y revenir plus d’une fois. J’ai choisi de travailler avec François, car on était sur la même longueur d’onde. Ma musique comptait déjà plusieurs niveaux de lecture, aussi nous nous sommes donc amusés à en développer d’autres au travers des paroles.

Il existe également une approche poétique et théâtrale dans les compositions. Poétique, certainement, à travers les paroles chantées en français. Et théâtrale, surtout derrière la musique et les voix. Une explication ?

L’Art est le miroir inversé de la vie. Dans cet album, j’ai mis tout ce que j’avais dans les tripes. Tout a toujours été un prétexte pour me donner en spectacle. J’ai toujours adoré fouler les planches. Très jeune déjà, que ce soit pour ma famille, mes voisins ou à l’école, je n’ai jamais pu m’empêcher de me mettre en scène. C’est mon exutoire…

Quand tu chantes dans ta langue natale, est-ce pour apporter une touche de chanson française à tes compositions ?

Mes principales influences sont anglo-saxonnes. Je ne me suis réellement intéressé à la chanson française que très tard. Mais comme je suis de nationalité française, forcément, j’ai voulu approfondir ma relation avec cette langue. Donc oui, il y a une touche et même un peu plus…

La pandémie a-t-elle boosté ta productivité ? Cette période a incité, par exemple, certains musiciens à composer davantage… 

Les confinements m’ont permis de prendre le temps pour finir l’album (NDR : il a été mixé et masterisé courant de l’été 2020). J’ai beaucoup écrit, oui, et pas que de la musique. Comme pour beaucoup, c’était avant tout un retour à l’essentiel et clairement pour moi une période de productivité intense.

Que penses-tu du streaming en direct ? Bien que le terme ‘direct’ soit devenu un euphémisme…

La crise nous a poussés à se remettre en question et à se réinventer. Je suis heureux de voir que même si nous ne pouvons pas jouer devant un public, il est quand même possible de se produire, et ainsi de conserver un lien avec lui. Espérons que l’on puisse bientôt se remettre au stage diving car, il faut le rappeler, nous sommes quand même des êtres non-virtuels, à la base…

Quel regard portes-tu sur le futur du groupe ? Penses-tu partir en tournée, à la conquête du monde, par exemple ?

Je ne m’avance pas trop sur le sujet, car on dépense beaucoup d’énergie à se justifier, surtout quand on annonce un événement et qu’il ne se produit pas. Je préfère ne décevoir personne. J’espère que suite à la sortie de l’album, du clip et de l’enregistrement ‘live’ prévu en septembre, lors de notre résidence à la Maison des Cultures de Molenbeek-Saint-Jean, nombreux seront ceux qui s’intéresseront au projet. J’ai bon espoir que l’équipe s’agrandisse et que nous puissions partir en tournée dès que c’est possible, dans une forme de conquête du monde. Que l’album soit découvert par un maximum de personnes et qu’on nous appelle pour venir se produire en concert !

On suppose également que tu as toujours des projets dans le domaine du cinéma ? As-tu un film en préparation ?

Yesss. Des infos bientôt…

Antoine Pierre

Le jazz est une musique de partage… il est donc difficile de la faire vivre à travers des écrans…

Antoine Pierre est un batteur de jazz exceptionnel. Il ne fait qu'un avec son instrument. Pour son dernier projet solo, VAAGUE, il a décidé de mettre l’accent sur un drumming varié et coloré. En outre, il n’est pas rétif à l'expérimentation. Ainsi, ce virtuose a recours aux effets électroniques spéciaux pour transformer un concert en set dansant. Et le chant constitue une valeur ajoutée. Ce qui confère à VAGUEE un concept unique en son genre. L'artiste est un touche-à-tout, comme il l'a déjà prouvé au sein de son autre projet, Antoine Pierre URBEX. De bonnes raisons pour lui poser quelques questions sur son passé, son présent et ses ambitions futures...

Antoine, tu es entré dans le monde de la musique très jeune. Comment tout a commencé, et pourquoi avoir choisi la batterie ?

Mon père est musicien de jazz et ma mère grande mélomane. On écoutait toujours du jazz à la maison : Keith Jarrett, Pat Metheny, Jan Garbarek, … J’étais fan d’une VHS de Pat Metheny avec Paul Wertico. Je jouais ce que j’entendais sur des tonneaux de ‘Dixan’ ! Puis j’ai assisté à un concert de Pat Metheny, en 2002. Cependant, lorsqu’il a débuté, quelle a été ma déception de ne pas voir Paul Wertico derrière ses fûts. Mais dès que le batteur a commencé à jouer j’ai été littéralement soufflé. C’était Antonio Sanchez. Ce qui explique pourquoi, j’ai ensuite absolument voulu jouer de la batterie.

Quelle importance la musique a-t-elle eue au cours de ton enfance ? Penses-tu qu’avoir des parents musiciens ou qui aiment, tout au moins, la musique, constitue un tremplin pour embrasser une carrière de musicien ?

Ça dépend ! Dans mon cas, cette filiation a été bénéfique car il y avait la place et le temps pour écouter et faire de la musique. Mes parents m’ont fait confiance et ont accepté que je fasse ce choix dans la vie. Mais si je prends l’exemple de Jean-Paul Estiévenart, qui est un musicien incroyablement talentueux et cultivé, il est né au sein d’un milieu où la musique n’était pas très présente, hormis à travers les fanfares et les harmonies de village. Tout le monde peut faire de la musique, et à n’importe quel âge…

Quels sont les drummers qui t’ont le plus influencés, à ce jour ?

Au départ, j’étais un grand fan d’Antonio Sanchez et de Stéphane Galland. Adolescent, j’écoutais énormément Aka Moon et Pat Metheny. Puis j’ai découvert Jack Dejohnnette, Tony Williams, Elvin Jones et Roy Haynes… Il y en a tellement ! Et les influences changent en fonction des époques… Pour l’instant, je suis surtout intéressé par Louis Hays, Art Blakey et Marcus Gilmore.

Rencontrer Philip Catherine a été une étape importante dans ton parcours. Par quel hasard, cette rencontre a pu se produire ?

On s’est rencontré lors de deux jams sessions qui se sont déroulées à deux semaines d’intervalle. Une à Liège et l’autre à Dinant. On a interprété quelques morceaux ensemble pendant la seconde et puis on a participé à un premier concert de Greg Houben, au Jacques Pelzer Club de Liège. C’était vraiment génial ! Je n’étais âgé que de 18 ans et j’avais l’impression de connaître super bien sa musique. Faut dire que mon père est guitariste et bien évidemment, j’ai écouté les disques de Philip, chez moi, dès ma plus tendre enfance… Le lendemain de ce concert, j’ai reçu un e-mail me proposant de le rejoindre au sein de son trio. Le reste s’est vite enchaîné. On a accordé des tas de concerts et j’ai beaucoup appris de son expérience ainsi que de sa conception de la musique. La meilleure école !

Je suppose que tu as quand même vécu des hauts et des bas, dans ta carrière…

Le vrai topper jusqu’à ce jour, je le dois à ma carte blanche dans le cadre du Brussels Jazz Festival, en 2020, à Flagey, où j’ai aligné 3 concerts. Un quartet avec Joshua Redman, Eric Legnini et Or Bareket ; mon groupe Urbex dans une formation spéciale pour l’enregistrement de notre disque « Suspended », en hommage à la musique de Bitches Brew ; et une session de batterie improvisée, sous la forme d’un trio, en compagnie de Mark Schilders et Lander Gyselinck… Le plus difficile c’est cette époque que nous sommes occupés de vivre, une période au cours de laquelle la culture est en switch off. On dispose bien de quelques opportunités grâce au streaming, mais cette alternative ne remplace pas le lien réel qui s’établit entre le public et l’artiste. Le jazz est une musique de partage ; il est donc difficile de la faire vivre à travers des écrans…

Ta contribution au groupe Taxiwars t’a-t-elle permis de t’ouvrir à d’autres horizons ?

Effectivement. C’était une belle expérience de jouer dans des salles et festivals plus ‘rock’. Et elle le reste. J’ai découvert un public qui réagit à d’autres perspectives de la musique, comme l’énergie et la ‘vibe’. Ce qui m’a permis de découvrir une autre partie de moi-même, et appris à explorer d’autres zones de la musique.

L’Antoine Pierre Urbex a réservé au Bijloke de Gand, un concert au cours duquel les frontières de l'improvisation ont été abolies. Une révélation ! Comment la coordination entre les différents musicos s'est-elle mise en place ?

Urbex existe depuis 6 ans déjà et au fil du temps et des concerts on a dû remplacer des musiciens. Dans ce contexte, j’avais eu envie d’inviter tout ce beau monde afin de réaliser un live en stéréo, en dédoublant le claviériste et le guitariste, par exemple… Naturellement, au fur et à mesure, on s’est forgé une manière d’improviser différente de celle du jazz traditionnel. Tout le monde a la liberté de s’exprimer et d’échanger avec un ou plusieurs autres musiciens. Le but est de créer des flux de sons et d’en changer les formes…

Malheureusement, pour l’instant, je n’ai pu assister à l’une ou l’autre de vos prestations qu’en streaming. Que ressens-tu quand tu joues devant une salle vide ?

Au début, c’était vraiment très étrange. Pas d’applaudissements, bien évidemment, mais surtout, pas de ‘vibe’ à partager avec le public. Souvent, un concert commence sous une certaine configuration, puis nous entraîne au sein d’un climat inconnu en fonction de l’intervention du public ou de son implication.

Que penses-tu du streaming, en général, en espérant qu’il ne devienne pas la nouvelle norme ?

Au début, se produire devant des caméras constituait un vrai challenge. Aujourd’hui, on commence à s’habituer à la situation et c’est ce qui me fait peur. Je ne veux pas qu’elle devienne la nouvelle norme. La musique, ce n’est pas ça ! Certes, cette alternative a permis aux musiciens et au public de rester en contact et c’est important. Mais maintenant, je crois qu’il est nécessaire de passer à autre chose. Raison pour laquelle j’ai décidé de ne plus me produire en streaming.

La deuxième fois que j’ai pu te voir en concert, c’était dans le cadre du festival de jazz à Louvain. J’avais écrit alors à ce sujet : ‘D'un côté, c'est un virtuose de la batterie, mais les effets électroniques spéciaux rendent le set dansant. Et le chant constitue une valeur ajoutée. Ce qui confère à VAGUEE un concept unique en son genre’. Ton avis sur la question ? Comment l’idée d’un tel projet est née dans ton esprit ?

Il y a déjà quelques années que je souhaitais réaliser un set en solo. Mais je ne voulais pas qu’il soit limité à de la batterie et des loops. Alors, suite à des recherches, j’ai découvert cette technologie américaine baptisée ‘Sensory Percussion’ qui permet d’assigner des samples à différents endroits du kit de batterie. J’ai donc créé de la musique en me servant de cette technologie pour improviser. Ce qui permet de changer les formes si j’en ai envie ou de me laisser surprendre par le programme. Alors, la musique a adopté un profil plus dansant, car je suis convaincu qu’on en a tous besoin.  

Comptes-tu concrétiser ces projets lors de sessions d’enregistrement ? En as-tu d’autres ?

Un disque est en cours de réalisation. Il devrait paraître l’an prochain ! Un autre également pour Next.Ape, un groupe expérimental davantage trip hop. On a tout enregistré et on va s’attaquer à la post prod !

Quels sont tes projets et tes ambitions à court et à moyen terme ? Et caresses-tu un objectif ultime dans ta carrière ?

J’ai encore plein de projets et de désirs à réaliser ! Que ce soit dans la pratique de mon instrument ou en matière de composition… Je voudrais rencontrer à nouveau du monde et dans le futur, créer de nouvelles collaborations…

Merci pour cet agréable entretien, en espérant te rencontrer bientôt, en chair et en os…

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