A propos de son nouveau clip, "Sugar Ocean", un second extrait de son futur elpee (un éponyme !) qui sortira ce 14 octobre 2022, les musicos de Beach Bugs, un trio de garage/surf issu Limoges ont déclaré : ‘Pour cette vidéo on a eu l’envie de voir se succéder une série de petites cartes postales désuètes, hors du temps. Des cartes postales désertées, avec pour fil rouge l’absence des corps…’
Le regard d’une caméra Super 8 se pose sur une station balnéaire hors saison (aux abords d’Aveiro, au Portugal).
Et d’ajouter : ‘Malheureusement, après seulement quelques plans, notre caméra vintage a rendu l’âme. Nous en avons sauvé quelques images qui ont été complétées par un boîtier numérique sans charme (mais fonctionnel !)’
Le clip a été réalisé par Duarte Caetano.
Pour écouter et regarder le clip, c’est là
Après la sortie de son nouvel album "Matteo & Bro", fin mai, Matteo (Chinese Man) dévoile le clip de "Path" ft. Franck Lebon.
"Path" est le parcours d'un enfant sauvage en quête de lumière et de spiritualité, la légèreté d'un pied d'enfant laisse place à la marche effrontée de l'adolescence. Au travers des lumières des hommes et de leurs voies rectilignes, cette quête devenue fuite vers l'avant l'amène à rencontrer l'éphémère de la vie. La fuite devient course jusqu'à l'envol vers sa propre liberté.
L’ascension, de l’enfance à l'indépendance, est représentée dans ce titre instrumental par la montée en puissance des cuivres, le tout orchestré par Franck Lebon (compositeur de musique de films).
DJ, producteur et membre co-fondateur du groupe Chinese Man, Matteo partage son temps entre la France, l'Amérique du Sud, l'Inde et la Turquie. Grâce à une signature à la fois hip-hop et électro, il fusionne les sonorités d’hier et les pépites rafraîchissantes d’aujourd’hui.
C'est en 2019 que Matteo rencontre les premiers musiciens qui feront partie du projet "Matteo & Bro" sorti le 27 mai dernier. En commençant par le guitariste Karim Addadi et le contrebassiste Christophe Lincontang (avec qui il collabore sur une musique de film), Matteo s'entoure ensuite du batteur Hugo Pollon et du saxophoniste, flûtiste et joueur de Duduk (flûte arménienne) Lamine Diagne. Une réelle envie de lancer un projet où les musiciens sont au cœur du processus de création s'est installée au fur et à mesure des rencontres. Les artistes se réunissent alors à Bron pour la composition du titre éponyme.
Sur cet elpee on retrouve également les voix de deux artistes féminines, Isadora (Belgique) et Tania Saleh (Liban) sur "Sweet Shadows" et "Sakakeen", ainsi que Hervé Salters (General Elektriks) aux claviers, responsable de superbes interventions sur certains titres.
Entre programmation électronique et composition, les maquettes se dessinent, le groove et l'univers entre soul, funk, trip hop et musique du monde prolongent le désir et la production d'un long playing.
Le clip est à découvrir ici
Extrait de l’album « L’Épopée Cool », dont la sortie est prévue pour cet automne 2022, « Un Petit Tu Me Manques » ajoute un nouvel épisode aux trépidantes aventures sentimentales et sonores de Fantastic Mister Zguy, déjà riches de 3 albums et autant d’Eps.
Enregistré dans son studio proche de Paris, mixé à New York par Daniel James Goodwin (Kevin Morby, Devo, Bob Weir...), la chanson clôt définitivement un débat qui a trop longtemps divisé le monde de la musique. A la question : ‘Peut-on faire une pop sémillante et intemporelle chantée en français tout en portant une moustache de douanier bulgare ?’, Mister Zguy (prononcez Zguaille) répond sans hésitation : ‘Oui ! La preuve...’
En effet, comment ne pas succomber aux charmes millésimés de cette pépite qui conjugue péripétie amoureuse et rush d’adrénaline.
Adepte inconditionnel et revendiqué des sources analogiques, mais ne dédaignant pas l’usage de synthés ancienne génération, Ghislain Chavanne (c’est son vrai nom) s’acquitte de tous les instruments, à l’exception de la batterie.
S’il se réclame volontiers de l’antifolk new yorkais de Jeffrey Lewis et Adam Green, et des grands décalés que sont Daniel Jonhston et Jonathan Richman, il ne saurait renier son appartenance à cet écosystème parisien qui a vu Antoine Doinel faire les 400 coups et Jacques Dutronc jouer les playboys.
Le clip d’animation est à voir et écouter ici
Le trompettiste Béesau dévoile un nouveau single en featuring avec les producteurs anglais Blue Lab Beats !
« Fleur Bleue » est né d’une rencontre entre trois artistes fans de jazz mais également de hip hop, qui possèdent les mêmes ambitions : explorer et dépasser les frontières des styles musicaux, tout en ayant un profond respect des racines de chacune.
C’est un morceau qui parle de la personnalité « Fleur Bleue » de Béesau et de l’amour qu’il a de partager de la musique avec des artistes et des humains qu’il apprécie particulièrement.
Une connexion franco-anglaise qui apporte un vent de fraîcheur dans le monde du jazz et de la douceur dans le monde du hip hop grâce à des sources d’inspiration qui oscillent entre Kaytranada, Christian Scott ou encore Roy Hargrove.
« Fleur bleue » est en écoute là
Alors que la première partie de l’album abordait le thème de l’amour et des relations sans réel recul, dans la spontanéité du moment, la seconde partie, « Coco Charnelle (Part. 2) », traite ces thèmes de manière plus réfléchie.
Ce second volet sonde ce même thème en privilégiant l’analyse des rencontres, avec plus de recul et de maturité.
Ce changement de perspective est aussi appliqué à la musique, ou l’on retrouve des titres plus profonds, plus instrumentaux et plus écrits, tout en conservant la couleur musicale caractéristique de Béesau.
Il s’y entoure cette fois-ci de Jewel Usain, Peet, Ferdi, Ylya, mais aussi des Blue Lab Beats, rois de l’AfroJazz Londonien.
Reboot est un groupe de rock qui développe, à travers des textes en français, l’idée du redémarrage inévitable d’un système en bout de course.
Le groupe s’est formé en mars 2021, sur fond de crise sanitaire et sociale, autour d’une vision désabusée de la société et d’une ambition pour le monde de demain en matière d’écologie, de droit des femmes et de démocratie.
En écho au fameux Monde d’Après, Reboot interroge sur ce que nous sommes aujourd’hui et délivre un message clair : il faut sortir de l’observation passive, voire complaisante, et prendre en main la construction du monde de demain (« Un Monde à Reconquérir »).
« Un monde à reconquérir », dont le clip est à découvrir ici, s’empare d’un sujet d’actualité majeur : l’inaction climatique face à la crise, et les blocages au regard d’enjeux économiques. ‘Il est l’heure de bâtir sur les ruines d’un empire’.
Clip réalisé par Seb Houis (Emma Daumas, Massilia Sound System...), le choix artistique s’est porté sur un reportage en images d’archive choc autour de 3 thèmes : l’impact des activités humaines sur l’environnement et le vivant, l’inaction climatique, et les réactions citoyennes qui en découlent (marches pour le climat). Par cet angle de reporter citoyen, Reboot interpelle sur notre posture d’observation passive voire complaisante sur ces questions.
En live, le groupe s’appuie sur une symbolique dystopique. A l’image de ses propos, sa musique est incisive, électrique, puisant même dans des influences métal, tout en laissant une grande place aux textes.
Face à l’urgence, Reboot est cette voix indispensable qui nous pousse à nous réveiller.
Caesar Spencer annonce la sortie de son nouvel album « Get Out Into Yourself » le 4 novembre 2022.
Dans la lignée des auteurs-compositeurs classiques, comme Scott Walker, Lee Hazlewood, Morrissey ou Pete Doherty, Caesar Spencer proposera un disque célébrant la luxuriance de la pop avec des arrangements baroques et une qualité d’écriture digne des meilleurs songwriters.
Aujourd’hui installé en France, Caesar est un musicien anglo-suédois né au Pérou. Amoureux de la France et de sa culture, Caesar Spencer parvient à mélanger ses influences rock anglo-saxonnes (The Kinks, David Bowie, The Smiths…) et une certaine sophistication française.
L’album « Get Out Into Yourself » transcende les genres et les frontières, depuis la pop pastorale britannique (« Isn't That What Jimi Said »), au surf-rock énergique (« Hail Caesar »), à un hommage inspiré au cinéma français (« When I Whisper In Your Ear »), en passant par des ballades de crooner cosmique évoquant David Bowie (« Requiem »).
Mais surtout, « Get Out Into Yourself » est avant tout un hommage affectueux à la France, une nation qui a ravivé à elle seule l'étincelle créative de Caesar.
Une fois établi à Paris, Caesar a commencé à enregistrer au Studio La Fugitive sous la houlette du producteur Gaétan Boudy. Aux côtés de la chanteuse Jacqueline Taïeb (sur « Waiting for Sorrow »), on retrouve également Jean Felzine de Mustang accompagné de sa partenaire, la chanteuse Jo Wedin, sur plusieurs titres et notamment « Isn't That What Jimi Said ».
L'icône du punk français Gilles Tandy (Les Olivensteins) prête également ses talents à l'album. La chanteuse Mareva Galanter est venue interpréter le morceau de pop baroque « When I Whisper In Your Ear ». Lors des sessions Caesar a également pu compter sur le concours du guitariste/bassiste/claviériste Fred Lafage et du drummer Frantxoa Erreçarret.
Achevé en 2022, le disque propose 11 chansons d’une pop élégante et sophistiquée s’affranchissant des frontières et parvenant à réconcilier la pop britannique et la pop française, Caesar Spencer livrera donc un album riche en émotions. Ave Caesar !
Pour regarder le clip de « Waiting for Sorrow » feat Jacqueline Taïeb, c’est là
Cléo redéfinit le personnage de la diva des temps modernes : un savant mélange entre la puissance d’une femme qui s’assume et la douceur d’une hypersensible.
Hommes et femmes, elle ne laisse personne indifférent. Balancée de producteurs en signature en maisons de disques depuis plus de 10 ans, cette femme fatale a longtemps écumé les scènes, de Bruxelles à Paris, sans jamais que sa musique ne puisse voir le jour telle qu’elle l’eut toujours imaginé.
En 2018, elle se recrée alors un véritable laboratoire musical, créatif et apaisant, au sein-même de son appartement en région bruxelloise. C’est ce retour aux sources qui lui permet d’incarner aujourd’hui son propre personnage : une femme forte et douce, une Castafiore contemporaine que l’on entend mais que l’on voit également, assumant sans détour son histoire et sa personnalité.
Aujourd'hui, Cléo dévoile la puissante session live de « Carrousel », son nouveau single ici
A propos de ce single, elle s'exprime comme suit : ‘Il y a des jours où je suis une véritable éponge, tout me traverse, me submerge. Le monde me fait mal, les inégalités me rendent folle, l’indifférence et la bêtise des gens me rendent triste. J'ai une colère en moi que j’arrive à peine à contrôler.
Parfois, j’aimerais être insensible, ce serait probablement plus facile à vivre. « Carrousel » est né comme ça. Une de ces chansons qui s’écrit et se compose en une heure, ça fuse, ça doit sortir, comme un état de transe. Alors j’écris des chansons pour canaliser tout ça. Et c’est toute la magie de mon art : transformer ces émotions. Parce qu’on répète les mêmes gestes, on fait les mêmes boulots ennuyeux, on mange la même bouffe sans saveurs, on ne prend pas de risques, on a trop peur du changement et on se met à tourner en rond, on se pose plus de questions, on ferme les yeux, on joue avec nos propres vies, on les gaspille lentement. Divertis ou même abrutis, on ne se rend pas compte qu’on est monté sur ce putain de carrousel !’
"Carrousel" est le deuxième single issu du prochain Ep de Cléo dont la sortie est prévue pour septembre...
Van Den Bear, c'est l'histoire d'un gars qui se sent comme un ours et dont la question métaphysique première est : ‘Comment communiquer avec les non-ours ?’
Projet du musicien bruxellois Antoine Van den Berg qui compose et lance les trames de chacun des titres, le groupe Van Den Bear est de retour avec un 3ème Ep qui verra le jour cet automne.
Un single sous la forme d'un dialogue entre deux amoureux qui tentent de garder une connexion malgré leur relation à distance. Une trame de chanson née à la lecture d'un roman de Marguerite Dumas ‘Le Marin de Gibraltar’ et chanté avec H. (pour Hannah de Corte), artiste plasticienne, à la fois muse et spin doctor du chanteur depuis les débuts du projet qui a déjà connu deux Eps.
Envoyé aujourd'hui en éclaireur, le titre « A Conversation with a Twist » est à découvrir ici
Dernière journée d'un triptyque haut en couleur. Il est effectivement déjà temps de se dire au revoir.
Si la veille, les températures étaient plus que supportables, ce dimanche, les rayons de soleil ont décidé de cogner dur. Autant dire que les fontaines dispersées sur le site vont avoir une tâche bien ardue. C'est gratuit, alors autant en profiter !
C'est par Fleur que les festivités commencent. Le combo exécute sa prestation sur la scène de la Tour. Une jeune demoiselle est vêtue d'une robe verte à gros motifs ; des fringues probablement empruntées à son arrière-grand-mère.
Elle semble ingénue, baragouine quelques mots en français, mais c'est dans la langue de Shakespeare qu'elle s'exprime le mieux. De ses aveux, elle trouve que le français reste la plus belle langue de l'univers.
Une petite fille de 6 ou 7 ans semble carrément tombée sous le charme de la roussette et de ses trois comparses. En retour, elle recevra un vinyle dédicacé en plein concert sous les applaudissements du public.
L'univers du groupe nous replonge dans les années yéyé, un courant musical qui a sévi en France au début des années 1960. Et un morceau aussi décousu que décalé comme « Mon ami martien », en est un parfait exemple. Un peu gauche, la nymphette s'exerce en flash-back. Sa voix est fragile et posée. Ce petit accent accentue encore un peu plus le charme de cette artiste.
C'est sympa, mais le show s’avère un peu trop linéaire. Les spectateurs sont couchés dans l'herbe, brindille dans la bouche et chapeau de paille sur la tête, dans une ambiance qui rappelle, quelque part, Woodstock…
Ne retenons que le positif, cette brise musicale fraîche est la bienvenue, compte tenu de la température.
Friday Frida se produit à La Guinguette. Il s'agit de neuf gonzesses issues de la région de Liège. Elles reprennent de gros standards de la pop des années 2000 et des morceaux de folk américain.
Pas de musicos sur scène. Une des demoiselles se charge de donner le rythme à l’aide d’un gros tambour tandis que ses comparses se chargent de l'accompagner avec leur corps (elles utilisent leur torse, les doigts ou toute autre partie susceptible de produire du bruit). Bref, un résultat détonnant.
Si musicalement, ce set n'apporte rien de très particulier, la magie opère tout de même. Le public est conquis. Les filles sont satisfaites. Que demander de plus ?
La scène de la Tour accueille son plus fervent invité en la personne de Cédric Gervy. Il est présent au LaSemo depuis des années.
En ce dimanche, il a troqué sa casquette de prof de néerlandais pour revêtir celle de troubadour/chansonnier.
Hormis la présence de sa mascotte favorite (une espèce de peluche déglinguée), il est seul sur les planches.
Alors qu'il y a quelques années, il militait au sein d’un projet collectif : Cedric (et les) Gervy, impliquant Mr Chapeau, le gratteur RenRadio et le drummer Tyler Von Durden (remplacé en 2019 par The Robot), il se produit désormais en solo.
Lors d'une des dernières éditions, il avait invité le collectif à l'accompagner en ‘live’, ce qui avait débouché sur un set très performant.
Armé d'une gratte acoustique (qui elle aussi a déjà bien bourlingué), il revisite des sujets brûlants, dépeignant l'injustice de ce monde en format très second degré.
Lui, ce n’est pas du sang qui coule dans ses veines, mais un savant mélange de bonne humeur et de joie de vivre.
Autant dire que ses concerts sont synonymes de franche rigolade (« George est content », « « Que c'est chiant le reggae, etc.). C’est une thérapie contre la morosité ambiante à lui tout seul.
Bon, on ne peut pas dire que le gars possède un organe vocal très développé. Dès lors, considérez Gervy, n'en déplaise à l'artiste, comme un amuseur et non un chanteur.
Même si Cédric apporte un soin particulier lors de chacune de ses prestations, son set commence doucement à sentir la naphtaline. Ce sont toujours les mêmes carabistouilles, les mêmes jeux de mots, les mêmes sujets à dépeindre. On dirait un vieux sénile qui répète sans cesse les mêmes propos.
Un changement de line-up dans la programmation du festival serait de bon goût, car Gervy une fois, ça va, plusieurs années de suite, bonjour les dégâts.
Bon allez Cédric, ‘Bonne année quand même et à l’année prochaine !’ Enfin, si tu pouvais passer ton tour, quand même ...
Retour à la scène de la Tour pour y découvrir Ladaniva.
Pas question de bagnole, mais du groupe multiculturel fondé par la chanteuse arménienne Jacqueline Baghdasaryan et le multi-instrumentiste français Louis Thomas.
La rencontre tient d'un conte de fée. Baghdasaryan a 19 ans lorsqu'elle débarque en France avec sa mère. Arménienne qui a grandi en Biélorussie, elle est logée dans un foyer à Tourcoing.
Lors d'une jam organisée au bar ‘l’Intervalle’, dans le Vieux-Lille, un de ces endroits miteux où il encore possible de s'exprimer musicalement sans trop de souci, elle rencontre Louis Thomas, enfant de Quesnoy-sur-Deûle, trompettiste touche-à-tout et ouvert sur le monde et ses musiques.
Ladaniva naît ce soir-là. Un mini-concert sur Radio Nova est repéré par la suite par Michka Assayas (ce célèbre dénicheur de talents est également le maître d'œuvre d’une bible du rock, parue en 2000,) les propulsera vers l'autel du succès.
Leur popularité croît encore davantage lorsqu'en 2020, en plein Covid, Ladaniva publie deux vidéos qui vont générer plus d’un million de vues chacune sur YouTube.
La musique de Ladaniva est plurielle. Elle oscille du folk arménien à la musique traditionnelle des Balkans, en passant par le maloya, le jazz et le reggae.
Jacqueline est à l'image de la musique qu'elle produit : joyeuse et évasive, entre histoire, tradition et modernité.
Parfois un brin nostalgique, elle ne peut s'empêcher de revivre son vécu à travers l'une ou l'autre composition.
Direction la scène du Château pour le dernier concert de cette édition 2022.
Il s'agit de Ben Mazué. Promis à une carrière de médecin, Benjamin Mazuet à l'état-civil, opte pour la musique alors qu'il n'a que 25 ans.
Il est accompagné de deux musiciens multi-instrumentistes. Lui se réservera la sèche sur l'un ou l'autre titre.
Un écran blanc géant trône sur le podium qui permettra d'habiller en images le show qui s'annonce excellent.
D'emblée, amis des mots et de l’émotion, Ben Mazué aime se dévoiler à travers ses compostions. Ses joies, ses peines, ses émotions, ses états d'âme, ses paroles retentissent au gré de ses maux.
Auteur-compositeur-interprète, Benji couche ses sentiments sur le papier pour en construire des mélodies qui ont du sens. Pour lui et pour les autres. Ses récits sont tout simplement familiers, sincères et véritables.
L'amour est au centre des débats. Celui qu'on a perdu. Celui que l'on va retrouver aussi. Il parle ouvertement de la femme qui l'a quitté. Les chansons de son album « Paradis » ont été directement inspirées de cette période lorsque sur l'Ile à la Réunion, il se levait à 4 heures du matin faire son jogging, histoire d'évacuer toutes ces histoires obsédantes, tandis que son ex dormait paisiblement.
Mais à en croire ses propres propos, il vaut mieux une belle histoire qui se termine trop tôt, qu'une médiocre qui dure toute une vie (« Le cœur nous anime »).
Intellectuellement trituré (« Quand je marche »), Mazué reste un artiste qui rend à la chanson française ses véritables lettres de noblesse.
Agé de 41 ans, en pleine crise, l'homme se cherche et tente de se réinventer pour mieux se retrouver. Et si cette crise avait commencé plus tôt pour ne jamais prendre fin ?
Quoi qu'il en soit, Mazué s’épanouit dans ses chansons qui content la vraie vie. Fondamentalement curieux, la nature humaine le rend interrogateur. Mais les questions fusent, sans nécessairement trouver de réponse.
Durant toute sa prestation, il ne cessera de prendre le public à partie sur des sujets qui lui tiennent à cœur : la vie, la mort, les rencontres, les amis, etc.
Après plus de 10 ans de carrière, Ben Mazué est l’un des artisans de la chanson française. Un enfant aussi en quête de réponse.
Il est 22 heures 15 lorsque le show se termine. Une bien belle édition. Un site formidable. Des jeux. Des concerts. Une ambiance bon enfant. Un soleil radieux. De quoi attendre impatiemment l'édition 2023…
(Organisation LaSemo)
(Voir aussi notre section photos ici)
Depuis 2013, le Parc d'Enghien, domaine de 182 hectares situé sur les communes belges d'Enghien et de Silly, accueille le LaSemo.
Caractérisé par ses espaces verts exceptionnels, ses pièces d'eau, ses jardins et des bâtiments qui couvrent près de 400 ans d'histoire, le site est propice à la découverte ainsi qu’au lâcher-prise et convient donc parfaitement bien à ce type de festival.
Après avoir traversé plusieurs crises sanitaires successives, le LaSemo revient sous sa version originale. Suite à la pandémie, les organisateurs avaient dû se contenter de versions épurées baptisées ‘Ceci n'est pas le LaSemo’ en 2020 et ‘Ceci n'est pas encore le LaSemo’, l'année suivante.
Contrairement aux deux années précitées, les masques ont totalement disparu reléguant au passé (?!), les vicissitudes atroces causées par les incertitudes épidémiologiques. Situation paradoxale puisque à l'heure d'écrire ces lignes, les contaminations reprennent de plus belle ...
Quoi qu'il en soit, pour cette nouvelle édition, tout y est : le Château est magnifiquement mis en évidence et on y retrouve les jeux pour les têtes blondes, les spectacles pour les plus grands enfants ou encore un espace ‘Amusoir’ basé sur le modèle intergénérationnel. Et cerise sur le gâteau, le temps est de la partie.
Autant de détails faisant du LaSemo un événement unique en son genre. Mais pas que, puisque ce festival mise aussi sur le développement durable. Vous cherchez du neuf ? Rebroussez votre chemin, vous n'y trouverez rien ! Tout est recyclé ! De vieilles bécanes qui permettent de recharger son portable à la force des guibolles, les chaises de mamy dispersées ici et là, histoire de poser son popotin, des casquettes faites de boîte en carton, sans oublier les toilettes sèches, évidemment. Inutile de préciser que cette liste est loin d'être exhaustive.
La vraie seule grosse déception sera l’absence de Jean-Jean, l’habituel géant givré de service chargé d’introniser avec humour, décadence et légèreté les artistes. Ce n'est pas sa première défection. Déjà en 2018, il avait été remplacé au pied levé par une Schtroumpfette qui ne lui arrivait pas à sa cheville (au sens propre comme au figuré).
Le festival se déroule à nouveau sur trois jours. Votre serviteur n'a malheureusement pu se rendre à temps sur le site le vendredi, là même où se sont produits notamment Fugu Mango et Girls In Hawaii.
Les hostilités débutent donc ce samedi par Barcella sur l’estrade de la Tour.
Homme de scène, il a décroché plusieurs prix émérites : championnats de France de ‘Slam Poésie’, prix ‘Jacques Brel de Vesoul’, récompense auprès de l'académie ‘Charles Cros’ pour son spectacle ‘Charabia’, etc.
Très à l’aise sur les planches, il jouit d’une longue expérience, puisqu’il a notamment assuré le supporting act de Jacques Higelin, Francis Cabrel, Sanseverino, Cali, Tryo, Zebda ou encore Thomas Dutronc.
Mathieu Ladevèze, à l’état civil, est un amoureux de la langue de Voltaire. Il aime le mot, le détourne de son contexte, l’utilise comme matière première, le façonne, l’envie, l’élève, le fait grandir, trie le bon grain de l’ivraie, avant qu’il ne renaisse dans chacun de ses textes, sur une musique dont la poésie moderne colle parfaitement à la chanson française.
Une évidence ! Il propose un ‘live’ où n’ont droit de cité que l’humour et la joie de vivre. Le gaillard rend festif ses propos, les malmène, les triture, les enjolive parfois, mais sans tomber dans la mièvrerie. Les seuls maîtres mots : bonheur et onirisme !
Cataloguer cet artiste de bouffon serait lui faire honte. C’est plus que ça. Bien plus ! Toujours en recherche d’exigence et d’inédit, sa conception musicale est concise et précise, entourant des jeux de mots percutants et réfléchis, tout au long d’un flow soutenu par des textes rageurs et affûtés, qu’il dispense en manifestant une autodérision majeure et éphémère.
Moment fort du spectacle, lorsque dans un élan de courage, il adresse un message au public féminin venu en masse. Lors d’un discours éloquent, il rend hommage aux… ‘salopes’.
Mesdames, ne le prenez pas pour vous ! Il sous-entend derrière cet idiome, les maladies, les catastrophes, etc. Bref, toutes ces saloperies qui nous empoisonnent la vie et qu’il qualifie ainsi…
Le public, pris au jeu, scande de plus en plus fort, cette expression rendue vulgaire aux oreilles des plus jeunes, présents eux aussi. Que les parents ne s'offusquent pas, c'est pour la bonne cause !
Autre scène, autre genre. Les membres de What The Funk se pressent à la Guinguette.
C'est sans doute l'endroit le plus atypique. La scène est constituée de palettes de bois. De vieux vinyles ont été cloués sur le pourtour du site, histoire de feindre un espace cosy. Si l'objectif final n'est peut-être pas atteint à cent pour cent, l'idée est originale en tout cas.
Ce podium bénéficie d’un bel espace ombragé car il se situe au milieu d'un espace arboré. Les spectateurs se sont installés au centre de l'hémicycle et attendent patiemment, une chope à la main.
Énergiques et passionnés, les membres de What the Funk sont au nombre de neuf. Leur truc, ce sont les reprises qui s’étalent des années 60 à aujourd'hui.
S’inspirant du meilleur de la black music, WTFunk mêle rythmes groovy et vibrations brûlantes : un cocktail bien frappé qui balance du lourd !
S’appuyant sur un répertoire judicieux et intergénérationnel, le groupe a offert un spectacle complet en visitant les gros standards du genre, le tout dans une bonne humeur contagieuse. Fallait voir le public se déhancher au gré de la basse syncopée et des guitares triturées par les pédales wah wah.
Bien que les formations de reprises soient dans l'air du temps, on peut quand même regretter l'absence de compos originales pour un festival de cette trempe.
Quoi qu'il en soit, le combo n'avait qu'un seul objectif : réveiller la pulsion rythmique qui sommeillait au plus profond de chacun de nous. Pari plutôt réussi et définitivement funky.
Retour à la scène de la Tour pour faire connaissance avec un jeune gaillard qui répond au nom de Tim Dup. Il est venu présenter les couleurs d'un nouvel album « La course folle ».
A vrai dire, cet artiste constitue la première belle surprise de la journée.
Agé de seulement 26 ans, ce garçon a tout d'un grand.
Il embrasse un univers où se marient volupté et mélancolie, le tout aiguisé par des textes empruntés à la langue de Molière.
En se servant de mots puissants, modernes et intimes à la fois, Tim brasse des thématiques vives et ensoleillées sur un lit de sonorités variées et audacieuses.
Des chansons qui invitent à l'évasion, tantôt avec légèreté, tantôt avec cette pointe d'autodérision. Il y parle de ses soirées d'apéros, de copains ou encore de l'Italie. Bref, une fraîcheur qui sent bon la jeunesse insouciante.
Devenu aujourd'hui une figure marquante de la scène française, le gaillard est aussi bien à l'aise devant le piano que le micro ; et il impressionne par la maturité de ses compos.
Si vous appréciez l'univers d'un Dominique A, vous devriez assez naturellement succomber au charme de Tim Dup.
L'heure est à la prestation de Patrice maintenant. L'artiste avait marqué les esprits en 1999 en publiant un elpee intitulé « Lions ». Pas étonnant donc que les groupies se soient pressées en masse devant le podium du Château.
L'homme dispose d'une large palette musicale. On passe de la soul au reggae et du blues au folk mélancolique en un tour de main.
Objectivement intéressant, l'homme ne parvient cependant pas à attirer l’attention de votre serviteur qui préfère remplir une fonction physiologique en se rendant au stand food.
Ce sera le dernier concert ‘organique’ de la journée, le reste étant consacré à la musique électronique. Un genre aux antipodes de ce que votre serviteur se met dans les portugaises. Curieux de nature, il prend la peine de jeter œil et une oreille au set de Thylacine.
Si dernière ce nom barbare se cache le loup de Tasmanie, ici, il en est tout autre puisqu'il s'agit de William Rezé, un musicien et compositeur français de musique électronique.
Issu du conservatoire, il prête ses talents de saxophoniste dans divers groupes et devient véritablement actif dans le milieu électronique, en 2012.
Si l'artiste se dit proche artistiquement de Fakear, Superpoze, Massive Attack, Four Tet ou Moderat, il s'inspire surtout de ses voyages pour composer sa musique qu'il façonne comme de la pâte à modeler.
La nuit vient de tomber. Des néons d'un bleu profond viennent s'immiscer subrepticement, faisant de ce moment de grâce, une parenthèse inattendue.
Planté au milieu de tout ce bidouillage électronique, Rezé est soutenu, sur certains morceaux, par un préposé aux ivoires. Et ses interventions sont subtiles. D’un noir étincelant, le piano à queue est planté au milieu de l'estrade.
Le jeune Français et son comparse sont d'une précision impressionnante. Tout est millimétré et calibré. Pourtant, par moments, lorsque l'on y est attentif, il semble que cette rigueur s’estompe pour laisser place à l'improvisation ; ce qui leur permet à la fois de revisiter, mais aussi de se forger un style unique.
Cette approche artistique permet au moins à Thylacine de renouer avec son passé de musicien du conservatoire.
Un vrai régal pour les yeux et les tympans.
Il est temps maintenant de regagner ses pénates, la dernière journée du LaSemo s'annonçant, elle aussi, très riche en découvertes et en surprises.
(Organisation : LaSemo)
(Voir aussi notre section photos ici)
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