Pour enregistrer le sixième opus de Wovenhand, David Eugene Edwards a pu compter sur la participation du guitariste Emil Nikolaisen, compositeur de la formation norvégienne Serena Maneesh. Et franchement, il faut reconnaître que tout au long de cet opus, l’électricité y est plus présente. Une participation qui peut tout simplement s’expliquer par un partage des mêmes idées philosophiques. Un disque pour lequel, il aussi bénéficié du concours de son groupe. C’est à-dire le drummer Ordy Garisson, l’ancien bassiste de 16 Horsepower Pascal Humbert, et son gratteur attitré, le Belge Peter Van Laerhoven. Enfin, cet opus a été coproduit sous la houlette de Daniel Smith de Danielson.

Première constatation la voix d’Eugène a pris de l’amplitude. Ce qui permet de donner davantage de relief aux compos, même les plus austères ou les plus incantatoires. Bien sûr, il continue de nous bassiner, tel un prédicateur, ses réflexions sur la miséricorde, la décrépitude de l’humanité, la rédemption et autres salades puisées dans l’Ancien Testament, que 50% des Américains avalent tous les jours. Mais il y croit. C’est son droit. Penchons-nous donc maintenant sur l’essentiel, son nouvel elpee. Très réussi, il faut l’avouer. Tout en conservant une ligne de conduite gothique et des accents appalachiens, il se révèle beaucoup plus éclectique. Les interventions fulgurantes de la six cordes d’Emil y sont pur quelque chose. Mais également son inspiration dans les compos. Et je pense tout particulièrement au féroce et cinématique (Ennio Morricone ?) « Cohawkin road », au blues discordant et hypnotique (remarquable par ailleurs !) « White knuckle grip », à la bossa nova sinistre « Quiet nights of quiet stars », un morceau hanté par un mellotron patraque, au tribal « Kicking bird »  et puis au percutant « The beautiful axe ». Et si le reste de l’opus renoue avec le passé de Wovenhand, il ne manque pas pour autant de saveur. A l’instar de « Kingdom of ice », coloré par un orgue de Barbarie ou de l’envoûtant et glacial « Horsetail ». Un des albums de l’année, assurément ! 

L’an dernier, Okkervil River commettait l’excellent « The stage names », un elpee qui n’avait pourtant pas enthousiasmé la presse spécialisée. Question de goût, probablement. En fait, à l’origine, cet opus devait être double. Et les chansons de ce « The Stand Ins » devaient figurer sur la seconde plaque. Finalement, Will a préféré scinder l’œuvre en deux plaques distinctes. Evidemment, certaines compos trahissent certaines similitudes avec le précédent. Et puis on y retrouve encore Jonathan Meiburg, parti depuis se consacrer entièrement à son propre projet, Shearwater. Ainsi sur « Lost coastlines » Jonathan conjugue son baryton avec le timbre versatile mais vibrant de Will. Un morceau qui libère un groove motownesque alerte, malgré la basse new wave et le final mariachi. Une fièvre mariachi que l’on retrouve sur le final et meilleur titre de l’opus, « Bruce Wayne Campbell interviewed on the roof of the Chelsea Hotel, 1979 ». Cuivres et pedal steel nous entraînent même dans un univers proche de Calexico. Une chanson dont les lyrics racontent l’histoire de Bruce, un musicien gay, atteint du SIDA, rejeté par la société, qui a fini par se suicider en 1983. On parle d’ailleurs souvent de mort sur cet elpee. Suffit de regarder la pochette pour en être convaincus. La mort ou le présage de la mort. Comme le reflète cette carte de tarot. Parce que les lyrics de Will Sheff sont toujours aussi poignants, dramatiques, torturés et désabusés. Nous ne sommes d’ailleurs souvent pas tellement loin du roman. D’un Carver, par exemple.

Mais revenons-en à la musique de ce disque. Il a été baptisé « The Stand Ins », parce qu’il recèle trois morceaux instrumentaux répondant au même titre. Des interludes atmosphériques de brève durée. Et puis huit morceaux remarquables. Dont les deux évoqués dans le premier paragraphe. Mais aussi « Singer songwriter », une compo réminiscente du troisième album de Led Zeppelin, quoique davantage country que folk. A cet instant, le timbre vocal de Will semble campe bien un hybride entre Will Johnson (Centro Matic) et Win Butler (Arcade Fire), et ses inflexions rappellent à nouveau celles de Robert Plant. Le chaud et tendre « Starry Stairs », morceau caressé par la trompette enchanteresse de Scott Brackett. La ballade écorchée, douce-amère « Blue Tulip », caractérisée par des accès de guitare pétillants, noisy même. Le power pop très eighties « Pop lie ». La valse lente mélodramatique « On tour with Zykos », un titre enrichi par des arrangements de cuivres et de cordes, mais surtout balisé par des accords de piano profonds. Enfin, la plage la plus autobiographique de l’opus, « Calling and not calling my ex » (NDR : la plupart des morceaux sont conjugués à la première personne du singulier !), une compo curieusement mélancolique et allègre, abordée un peu dans l’esprit de Pulp. 

Et pour que votre info soit complète sachez que cet opus remarquable a été coproduit par Brian Beattie et le groupe. Personnellement, l’album de l’année !

Si mes souvenirs sont bons, il y a onze années que je n’avais plus mis les pieds au VK. C’était lors du concert de Chumbawamba. Le seize novembre 1997, très exactement. Faut dire que le climat dans le quartier, à l’époque, était plutôt tendu. S’aventurer le soir à Molenbeek, c’était un peu la zone. Enfin, c’est le sentiment que j’éprouvais. Et que partageait, vu les expériences vécues, la plupart des baroudeurs de concerts rock. Aujourd’hui, les choses ont bien changé. Les rues sont bien éclairées. Pas vu de rassemblement hostile. Un commissariat de police a été construit dans le quartier. Et on se sent davantage en sécurité. D’autant plus que le staff du VK implique une équipe multiculturelle aussi soudée qu’efficace. Un bel exemple d’intégration…

Suite au remarquable concert accordé dans le cadre du festival Pukkelpop, la formation californienne (NDR : de San Francisco très exactement) revenait donc en Belgique pour un set très attendu. On n’était d’ailleurs pas loin du sold out…

Jennifer Gentle servait de supporting act. Une formation italienne. Issue de Padoue très exactement. Née en 1999, elle a compté jusque cinq musiciens ; mais est réduite aujourd’hui à un duo : le chanteur/compositeur/guitariste et membre fondateur Marco Fasolo ainsi que le claviériste/vocaliste Liviano Mos. Moustache à la gauloise et longs cheveux, ce dernier trahit le look d’un musicien de métal des seventies. Pensez à Black Sabbath. Il souffle aussi ponctuellement dans un kazoo. Premier groupe transalpin à être signé sur le label Sub Pop, Jennifer Gentle compte parmi ses admirateurs Mark Arm (Mudhoney), Grahan Coxon (Blur), Jarvis Cocker, Mars Volta, Julian Cope et même des musiciens d’Architecture In Helsinki ainsi que des Dandy Warhols. En fait leur psychédélisme farfelu, presque cartoonesque, s’inspire de Syd Barrett ; mais également du cinéma italien (Fellini et Morricone, tout particulièrement). Marco possède un timbre particulièrement aigu, androgyne, rappelant parfois Danielson, alors que le falsetto de Liviano est plus limpide. Leur musique est très minimaliste, mais assez complexe. Les accords dispensés par Marco, à la guitare, plutôt arides. Les changements de rythme constants. Cool au début, le set s’achève par deux titres puissants et énergiques, dont le premier bénéficiera de la participation de Meric et Logan des Dodos, aux percus. Une demi-heure, c’était largement suffisant. En fait, pour pouvoir apprécier ce style musical, finalement très proche de la prog, il est indispensable de bien connaître les morceaux. Sans quoi, on est constamment déboussolés.

Place ensuite aux Dodos. Un trio californien. A gauche, Meric Long. Probablement d’origine mexicaine (NDR : la formation est issue de San Francisco !) Le plus souvent assis devant deux micros. L’un destiné aux basses, l’autre aux aigus. Il change de guitare à chaque morceau. Ses grattes acoustiques électrifiées, il les joue en fingerpicking. Il imprime régulièrement le rythme en frappant du pied sur le podium. Il se sert de temps à autre d’un bottleneck. Parmi ses râpes électriques, il dispose d’un spécimen qui a du vécu, tant la boiserie est usée. Ses interventions allient punch et virtuosité. Il possède une voix claire, qui se conjugue très souvent en harmonie avec celle du drummer, Logan Kroeber. Le deuxième larron siège à droite de la scène. Pas de grosse caisse. Rien que des toms et des cymbales. Et puis un tambourin fixé en-dessous de son pied droit. Son amplitude, sa versatilité et sa dextérité en matière de drumming sont sidérantes. Il est capable de reproduire le bruit d’une machine à écrire, en tapotant le bord de son tom ou de ficeler une mélodie rien qu’en caressant ses peaux. Enfin, au centre, mais en retrait, milite le dernier arrivé : Joe Haener. Préposé au xylophone et aux percus. En fait de percus, il tire le plus souvent parti de sonorités qui émanent d’une poubelle métallique complètement cabossée. Et franchement, ça claque ! Très discret (NDR : il se cache derrière son matos quand il ne doit pas participer aux festivités), Joe se révèle terriblement efficace.

La musique de Dodos brasse une multitude d’influences (NDR : à cet égard, je vous invite à aller revoir la chronique consacrée à leur dernier album, « Visiter »). Cependant, l’une d’entre elles saute aux oreilles : celle du troisième album du Led Zeppelin. Oui, oui, le plus acoustique et personnellement l’œuvre majeure du dirigeable. Surtout lors des morceaux les plus bluesy. Mais en même temps, le groupe y injecte un feeling latino, hispanique plus précisément, et libère une intensité percussive qui vous prend littéralement aux tripes. Au fil du set, Meric commence à se lever de plus en plus souvent tout en martelant le rythme du pied sur les planches. Il abandonne même sa six cordes, en fin de parcours, pour cogner également sur le bidon martyr. A cet instant, Joe est allé rejoindre Logan pour partager les drums . Bref au fil de la prestation, l’intensité et l’ambiance montent en crescendo. Impossible de rester en place tant le rythme est contagieux. Et provoque in fine une véritable transe. On ne sait plus trop où on en est. L’intensité est à son paroxysme. Les changements de rythmes sont légion. Les instruments bavardent entre eux. Et multiplient les réponses cinglantes. Meric est en nage. Joe aussi. C’est même beaucoup plus spectaculaire. D’ailleurs, lorsque les perles de sueur giclent littéralement de son front, pendant qu’il assène furieusement ses coups sur le bidon, on ne peut y voir qu’une attitude esthétique. Et le concert s’achève dans la frénésie la plus totale.

Deux titres seront accordés en rappel. Et lors du dernier morceau, cerise sur le gâteau, les musiciens de Jennifer Gentle viennent apporter leur collaboration aux percus, martelant notamment le sol à l’aide de sticks. Un final extatique et carnavalesque ! Les Dodos ne reviendront plus. On en aurait quand même encore bien repris un morceau. Surtout d’un aussi savoureux gâteau…

Organisation : VK

On ne parle que d’eux, pour l’instant, en Grande-Bretagne. Faut dire qu’au moment d’écrire ces lignes, Travis passait la barre des 600 000 albums vendus. Rien que dans l’Albion. Chez nous, la radio vous a sans doute permis d’entendre, voire d’écouter, l’un ou l’autre single. Malgré ce succès, le quatuor de Glasgow est resté simple, ouvert, tout en défendant des idées, pertinentes et personnelles. Un groupe très soudé, aussi, qui se présente au complet aux interviews…

Il y a peu, vous déclariez que tout ce que vous vouliez faire, c’était du rock. Mais aujourd’hui, vous n’en êtes plus tout à fait sûrs…

Cela pourrait être du rock, du roll ou n’importe quoi. Ce qui compte, c’est la direction émotionnelle du groupe. Prenons une chaise ; une chaise est destinée à s’asseoir. Or, Marilyn Mansun est une chaise sur laquelle on ne peut pas s’asseoir. En fait, on pourrait tout aussi bien la définir comme une chaise rock’n roll ou une chaise blah blah blah. La chaise pourrait se traduire par des vêtements que vous enfilez pour monter sur une scène de théâtre. Mais cette même chaise, vous n’allez pas l’emporter pour vous rendre au cinéma. Peut-on s’asseoir dessus ? Si oui, faites-le. Si pas abstenez-vous ! C’est un peu une nécessité. Comme si on disait qu’il fallait rejeter tel type, parce qu’il est blanc ou noir. Et pourquoi le rock est mieux que le roll ? D’un côté, il y a le rock et ses émotions. De l’autre, le roll et les siennes. Le public a soif de rock’n'roll et oublie les émotions. Evidemment, certains ont pris le titre de notre premier album (« All I want to do is rock ») au premier degré. Nous aurions tout aussi bien pu l’intituler « Je voudrais devenir un dessinateur de BD » ou « Un chauffeur de taxi ». Ce qui compte, c’est ce que vous voulez faire. Le mot rock, utilisé dans cette phrase, est un mot comme n’importe quel autre. C’est comme lorsque tu utilises le terme sexe. C’est un mot bien connu. Mais on aurait tout aussi bien pu opter pour « All I wanna do is blah blah blah ».

Noël Gallagher explique que Travis est le groupe qu’il préfère…

C’est sympa. Mais sa réaction n’a rien à voir avec une bénédiction papale. Si le souverain pontife nous avait bénis, le compliment aurait pris une autre dimension. M’enfin, il a un plus grand impact que si c’était une de nos mères qui nous tenait ce type de discours. Ce qui est cool aujourd’hui n’est pas nécessairement ce qui s’écoutera demain. Nous gardons la tête bien sur les épaules…

Peut-on dire que la sensibilité musicale de Travis est féminine, par rapport à celle d’Oasis qui est considérée comme essentiellement masculine ?

Oui, on partage ce point de vue. Tout ce qui est destructeur est masculin. Mais le plus intéressant procède de cette dynamique entre le feeling masculin et féminin. De ce choc entre ces deux mondes.

Apparemment, vous ne voyez pas Bowie d’un très bon œil. Une raison ?

Nous ne sommes pas des inconditionnels de Bowie, mais nous estimons que sa musique est superbe, fantastique. En fait, nous nous demandons si tous les artifices qu’il utilisait n’étaient pas destinés à camouffler la faiblesse de ses chansons. Mais aujoiurd’hui, il s’est débarrassé de tout le tralala, pour redevenir lui-même. Et ça, c’est Bowie ! Il demeure une énigme. Nous ne sommes pas intéressés par ‘fuck the artist’, mais par son œuvre. C’est elle qui est là avant l’artiste. Qu’on s’appelle Bowie ou quelqu’un d’autre. L’artiste est en fait utilisé comme un sachet de thé. On le trempe dans sa tasse pour qu’il infuse. Et lorsqu’on a fini de boire sa tasse de thé, il ne reste plus que le sachet. La musique est plus importante que nous en tant que personnes. Par contre, Marilyn Mansun est plus célèbre que sa musique. Parce qu’il a décidé de se mettre d’abord en évidence…

Y a-t-il une bonne raison pour dédier votre nouvel album à Stanley Kubrick ? Et puis à une certaine Shirley ?

Il y a un tas de spectateurs qui n’ont pas apprécié le film. Mais moi (NDR : Francis), le l’ai trouvé fantastique (NDR : ils ne paraissent pas trop d’accord sur la réponse). En fait, il aurait dû être parolier. Et ce qui transparaît à travers ses films aurait pu se traduire en chanson, en mélodie, en littérature. C’est comme un signal lumineux, comme quelqu’un qui tiendrait un flambeau. Hier, j’ai rencontré un critique de cinéma. Un type qui travaille pour la TV et la presse magazine. Il haïssait le film. Il s’attendait à voir quelque chose de plus sexy. Kubrick a conçu de telles œuvres d’art que le journaliste en fait une interprétation abusive. Il extrapole parce qu’il n’a pas aimé le film, en disant que si le film est nul, Kubrick est nul. En fait, lorsque les gens adorent ce que vous faites ou le détestent, vous êtes dans le bon. Par contre, si la conclusion est toujours accommodante, le résultat ne peut être que médiocre. Il faut que l’artiste soit un déclencheur. Son œuvre doit susciter une réaction. Il en est de même pour la musique. Il faut l’écouter avant de l’apprécier ou de la détester. L’œuvre n’existe pas si personne ne l’écoute, ne la sent, ne la touche. Toutes les tendances artistiques partagent cet objectif. Ce qui explique pourquoi nous avons rendu un hommage à la créativité de Kubrick.

Et Shirley alors ?

C’est un chien qui frétille la queue, lorsqu’il est heureux. Et nous, notre esprit vagabonde quelque part entre celui de ce chien et celui de Kubrick.

Merci à Vincent Devos.

Interview parue dans le n°79 (décembre 99) du magazine MOFO.

“4:13 dream” constitue le 13ème album studio de la formation insulaire en 30 années d’existence. En fait, si le groupe existait déjà sous les patronymes The Obelisk et Easy Cure, il n’a opté définitivement pour The Cure, qu’en 1978. Première info, la saga des allées et venues au sein du line up continue. C’est Porl Thompson, le guitariste, qui est revenu au bercail, après une absence de 14 longues années. Oui, mais l’elpee, alors ? Ben, c’est du Cure ! Qui n’a pas reçu de très bons échos, outre-Manche. En fait, le disque est partagé entre deux types de compos. Tout d’abord, il y a les pop songs. Dont la plus réussie est manifestement la très contagieuse « The reasons why ». Dans ce style, les autres chansons reposent très souvent sur un refrain mélodique, mais le couplet ne parvient jamais à accrocher. Par contre les morceaux les plus expérimentaux tiennent beaucoup mieux la route. Depuis le très noisy presque post rock « Underneath the stars » (Mogwai ?), s’il n’y avait les vocaux démoniaques de Smith au tourmenté « It’s over », une finale dont le psychédélisme aventureux, groovy, imprimé sur un tempo soutenu, est tramé sur un crescendo implacable, en passant par le très sombre mais complexe (Peter Hammill ?) « The real snow white », le ténébreux, très cold wave, caractérisé par ses riffs en boucle, « The Scream », au cours duquel Smith finit, comme le titre l’indique, par hurler sa douleur et enfin le bref mais intense et convulsif « Freakswhow », qui renoue manifestement avec le post punk.

Sans quoi, vu le retour de Porl, les guitares (surtout électriques, parfois acoustiques) sont donc beaucoup plus présentes. Et l’électronique ainsi que le piano plus discrets. « 4:13 dream » n’est manifestement pas un elpee incontournable de Cure. Mais il a le mérite d’essayer d’ouvrir de nouveaux horizons sonores. En souhaitant qu’il ne s’agisse que d’une œuvre de transition. Et surtout que la bande à Robert Smith ne soit pas au bout du rouleau…