Les Chinese Man ne viennent pas de l’Empire du Milieu mais bien du Sud de la France. De Marseille, très exactement ! Mais que peuvent bien traficoter ces mystérieux pseudo-chinois, dans l’enfer phocéen ? Y refourguent-ils des rouleaux de printemps ou autres Dim-Sum de contrebande ? Pas du tout ! Ce collectif dispense, depuis 2004, une musique ensoleillée, née d’un mélange de funk, de reggae et de dub, tout en lui injectant des beats oscillant entre hip et trip-hop. Le cœur du collectif –les DJZé Mateo et High Ku soutenu par le beatmaker SLY– a rencontré un premier succès, lors de la sortie de « I’ve Got That Tune », un morceau qui avait servi de bande sonore à un spot publicitaire consacré à Mercedes. C’était déjà, il y a quelques années. Aujourd’hui, le line up réuni 5 compositeurs et 3 DJs engagés à divers degrés.
« Racing With the Sun » constitue leur troisième opus. Et manifestement, les Français ont toujours la classe. En variant les styles. Lors de leur recours aux samples. Ils maîtrisent parfaitement leur sujet, quoi ! En outre, ils ont bénéficié du concours d’une légion d’invités pour appuyer les beats inspirés du gang : le MC américain Cyph4 et Taiwan MC boostent le single orientalisé « Miss Chang », l’ultra-doué General Elektriks pose ses pénates sur le tranquille « Ta Boom » et Plex Rock dynamite « Stand ! », un morceau caractérisé par son génial sample piqué au pasteur Jesse Jackson. Un pied en Amérique du Sud (« Saudade »), un autre au Moyen-Orient (« If You Please »), la tête constamment en Amérique mais foncièrement cosmopolite, Chinese Man propose une musique plaisante, inventive et parfaitement laidback… Il ne vous reste plus qu’à vous laisser emporter par la bonne humeur des Marseillais.
Est-il encore utile de présenter cet homme ? Lindsey, homme ? Hé oui, Lindsey est aussi un prénom masculin ! Mais oui, enfin Fleetwood Mac, ça titille encore vos oreilles, non ? Band mi-british, mi-amerloque, le groupe a illuminé le rock de la fin des 70’s et ce jusqu’au milieu des 80’s. Multipliant les hits, il est responsable d’un des meilleurs albums de la décennie « Rumours », véritable usine à tubes qui se vendra à plus de 40 millions d'exemplaires. Lindsey en était le guitariste, chanteur et co-auteur également des compos.
En 1987, Lindsey met entre parenthèses sa participation au groupe pour entamer une carrière solo. A bientôt 62 piges, il nous dépose son sixième Cd post-Fleetwood Mac. Force est de constater que notre homme n’a rien perdu de ses compétences, tant au niveau de l’écriture que de son jeu de guitare, très caractéristique. Et c’est en s’appuyant principalement sur cet instrument qu’il nous livre 11 très, très, très jolies mélodies (j’insiste) qui auraient pu figurer sur une ultime production du band légendaire. Le temps n’a certainement pas altéré son talent. Et sa voix, aisément identifiable fait le reste. Même si on reste à distance respectable des hits pondus par notre homme il y a ‘perpet’, c’est un sexagénaire alerte qui nous livre un travail impeccable, plaisant, jamais ennuyeux et tout en douceur. Il adapte même, pour conclure le disque, un titre signé Jagger/Richards vieux de 44 ans, complètement retravaillé, méconnaissable.
Ayant visiblement tiré un trait sur le passé, Lindsey produit maintenant seul son travail et s’il poursuit son chemin en solitaire, il n’hésite pas à le peupler de guitares et de splendides mélodies vite apprivoisées. C’est avec un plaisir non dissimulé que les bonnes oreilles réceptionnent, comme une excellente vieille habitude, quelques pépites comme « Illumination », « Stars Are Crazy », « When She Comes Down » ou encore « Rock Away Blind ». Et puis il y a « Gone Too Far », hit digne de la grande période qui mérite à lui seul le déplacement.
Manifestement, la qualité n’a pas de limite d’âge. Et Fleetwood Mac aurait pu, aurait dû continuer sa carrière, permettant ainsi à la voix de Stevie Nicks de magnifier les chansons de Buckingham. Mais on ne refait pas l’histoire…
Un album pour nostalgiques. J’en suis !
Il y a des histoires qui nous parlent, des livres qui nous font frémir, des images qui nous font rêver et des musiques qui nous font vibrer.
Rares sont les albums qui parviennent à communiquer de telles émotions. Tellement fortes qu’il est difficile de se détacher de la musique. C’est pourtant le cas d’Holly Throsby.
Agée de 33 ans, cette Australienne vient de publier son quatrième opus. Il s’intitule « Team ». Ce dernier né est un alliage parfait entre romantisme et sérénité. Si on pouvait définir ce sentiment de manière matérielle, ce serait comme la sensation d’être enveloppé d’une douce et moelleuse couverture dans un jardin fleuri au printemps.
« Team » porte bien son titre puisqu’à son écoute, c’est comme si le temps s’arrêtait. Nous offrant la possibilité de souffler un coup et de se détendre. Imprimés sur des rythmes indolents, les mélodies sont colorées par la très jolie voix, à la fois pure et fragile d’Holly Throsby.
D’ailleurs, “What I tought of you” pourrait servir de bande sonore à un film romantique. Plus cool, “Come back to see me” est un bel exutoire pour chasser les idées noires accumulées au cours de la journée. Et puis, il y a ce sens mélodique, à la fois susceptible de toucher le cœur des mélomanes les plus sensibles, mais également de convaincre les plus coriaces.
Deux années au compteur pour ce trio français, formé en 2009, à la Roche-Sur-Yon. Mais manifestement, les musiciens affichent une maîtrise indéniable… Rudy, Guillaume et Miguel ont été élevés au rock US des années 90 et ça se sent. Leur Noise-rock semble dopé par les sonorités héritées de Fugazi, Shellac, Hüsker Dü ou autre Reiziger. Les 4 titres de ce premier EP oscillent entre débauche d’énergie (l’instrumental « Tarama »), le post-rock réminiscent de Seam (la claque « IV/4 ») et la pop enrichie de riffs et de breaks puissants. La voix est délicieusement enrouée et les drums arides à souhait (« Heretic » et « WFAWAF »). Un bel, honnête et efficace premier Ep autoproduit qui augure un groupe de grand talent. Bref, la musique indépendante comme on l’aime !
Bénéficiant d’un très bel artwork, le premier opus de Candy Flesh évoque un surf rock trempé dans les 50’s dont Tarantino aurait pu se servir pour concocter une éventuelle bande sonore. Surtout à cause de son titre, « Psychotic tales ». Un elpee qui fait suite à la publication de deux Eps. Mais on se trompe totalement d’histoire d’amour, car le combo français pratique un rock n’roll bien classique tout au long de ce long playing. Un rock puissant, animal et sensuel, né d’un mélange de punk de grunge et de blues, et caractérisé par la présence d’une voix impressionnante, mais néanmoins, à mon goût, un peu trop envahissante ; celle de Clara. C’est elle qui drive le combo. Une véritable furie. Une boule de nerfs qui ne tient pas en place. Ce qui en fait à la fois la force et la faiblesse du quatuor hexagonal. Bien sûr ses interventions vocales communiquent une fameuse énergie aux compos ; mais, à la longue, son organe, sans cesse poussé dans ses derniers retranchements, finit par taper sur le système. En baissant quelque peu son curseur, l’ingénieur du son aurait pu rééquilibrer un peu le tout.
De ce long playing, j’ai flashé sur des titres plus rock n’roll, à l’instar de « Funny Holly », dont le riff de gratte est particulièrement efficace ou de « Dead Born », balisé par une rythmique parfaite. A contrario, bourrés de clichés, « Killer in You » et « Taste Like Honey » se révèlent, à la limite, insupportables. Et les compos interprétées dans la langue de Molière (« Alice » ou « Baby Doll ») ne cassent pas non plus des briques. Faut dire que la faiblesse des lyrics n’y est pas étrangère.
Candy Flesh réunit certainement d’excellents musiciens, peut compter sur une chanteuse jouissant d’une forte personnalité, mais pêche par une carence en originalité. Ce qui explique, sans doute, pourquoi ce « Psychotic Tales » est un peu trop inégal pour vraiment convaincre. Maintenant, il est peut-être susceptible de plaire aux amateurs de rock sculpté dans les riffs lourds et dominé par une chanteuse à la voix robuste et bien trempée…
Votre serviteur avait quitté Noah and the Whale –dont le nom est issu d’une combinaison entre le film préféré d’un membre du groupe, « The Squid and the Whale », et celui du réalisateur américain Noah Baumbach– en 2008, lors de la sortie de leur premier et magnifique album « Peaceful, the World Lays Me Down », opus qui avait squatté mon IPod pour de nombreux mois, tant il me rappelait le folk tout en fragilité des Américains de Neutral Milk Hotel voire de Micah P. Hinson. Curieusement, une série de malencontreuses coïncidences ne m’a jamais permis de découvrir les deux albums suivants, publiés par les insulaires…
Qu’importe, leur musique chargée d’émotion m’avait suffisamment bouleversée à l’époque pour que je décide de me procurer un ticket, à l’annonce de leur passage à l’Ancienne Belgique de Bruxelles. En outre, leur répertoire d’alors ne me permettait pas d’imaginer que la formation allait récolter un tel succès, aujourd’hui. Quelle n’a donc pas été ma surprise en découvrant une salle comble, pour accueillir le band, et surtout pour applaudir les nouvelles chansons d’« A Night on Earth », le dernier né de Noah et ses sbires. Un disque qui doit probablement cartonner sur les radios au Nord du pays ; car la popularité du combo demeure relativement confidentielle en Wallonie !
Dès les premiers accords, je me rends compte que l’ensemble qui se produit ce soir n’est plus (ou n’a jamais été) celui que je pensais connaitre ! Les délicats « Give a Little Love » et « Shape of my Heart », interprétés en début de set, sont artificiellement gonflés à l’électricité. Et les sonorités dispensées par la basse sont trop puissantes ; elles asphyxient carrément une expression, à l’origine, raffinée. Charlie Fink et ses acolytes enchaînent des hymnes rock à tendance celtique, à la manière de Mumford & Sons. La prestation n’est cependant pas dérangeante ni désagréable ; bien torchée, elle libère même énormément d’énergie. Mais je n’y retrouve plus ce supplément d’âme que j’avais cru déceler à travers la magnifique voix du chanteur, finalement aussi décevante, ce soir. Une bonne heure de concert plus tard, le public est conquis. Manifestement, Noah and the Whale est taillé pour les stades. Mais il vient de perdre un de ses fans de la première heure…
(Organisation AB + Live Nation)
Certains concerts marquent à jamais de leur empreinte la mémoire et l’imaginaire. Pour diverses raisons, parfois très subtiles. Pour trois enfants âgés de onze, neuf et huit ans, ce tout premier concert avec papa (ça, c’est moi), cette soirée restera tout simplement inoubliable. C’est que peu de monde peut se targuer d’avoir été le pôle d’attraction de l’artiste pendant toute une soirée. Compte-rendu au travers des yeux d’enfants émerveillés par la simplicité et la gentillesse d’une grande artiste.
Ce soir, pas de cirque, pas de cinéma, mais pour la toute première fois, un concert avec papa. Nous découvrons les jardins du Botanique et nous nous amusons dans ses allées. Quand papa nous rappelle à l’ordre. C’est qu’il n’a pas envie du tout de rater le début du concert ! Et puis, vu notre taille, mieux vaut rentrer parmi les premiers, histoire de jouir d’une vue imprenable sur la scène. L’attente est un peu longue, mais elle vaudra assurément le coup.
Quand EMA monte sur scène, le violoniste s’est déjà lancé dans une intro sombre et tourmentée. Les jeux de lumières ajoutent une aura particulière et nous plongent directement dans l’ambiance. EMA (pour Erika M Anderson de son vrai nom) se lance alors dans un spoken word habité qui plante le décor.
A peine avons-nous fini d’applaudir à tout rompre que le morceau suivant s’enchaîne. La musique semble bancale, osciller entre douce folie et rage contenue. Maman dirait que ça sonne faux. Et papa rigolerait bien. EMA, elle, s’en moque pas mal, parce qu’elle a l’air complètement absorbée par son chant. Elle est habitée par sa musique. Quand elle interprète « Grey Ship », son navire tangue et menace d’être englouti par les flots, mais en capitaine de son navire ivre, la capitaine redresse l’embarcation et conduit le morceau à bon port. Intensément vibrant, cette plage s’échoue doucement sur les rivages d’un désespoir mal contenu. Simplement magnifique.
Après « Milkman », le groupe se fend d’une reprise des Violent femmes (« Add It Up ») tout simplement renversante. S’ensuivent la totalité des titres issus de son magistral premier album, « Past Life Martyred Saints », qui tous donnent cette improbable sensation d’être en équilibre précaire au-dessus du vide sans jamais menacer de sombrer.
Combinant avec justesse et émotion, déluge sonore et ambiances sombres, cette artiste fragile sous ses airs de foldingue (elle porte une chaîne autour du cou, comme un chien, c’est rigolo !) transporte la salle et comble le public qui pour la majorité découvre ce soir tout son potentiel.
Mais la vraie alchimie du moment, elle s’est déroulée entre elle, mon frère et ma sœur. Car touchée par notre présence, EMA a confié, à plusieurs reprises, son réel bonheur de voir des enfants au-devant de la scène. Un cadeau pour elle, un véritable souvenir inoubliable pour nous, qui avons même eu le privilège de gratter sa guitare en pleine séance de larsens. Hé ! Vous en connaissez beaucoup qui à nos âges respectifs ont fait du noise sur la scène de l’Orangerie ?
Transposés dans une autre dimension, nous l’avons contemplée se déhancher, onduler, psalmodier, s’extasier et enfin s’offrir complètement dans un show d’une rare véracité.
Pas de semblants mais de vraies émotions au bout d’un rappel terminé dans la poussière d’un « Red star » intense et contemplatif.
Nous ne pouvions partir sans la rencontrer, et c’est elle qui est venue à nous, aussi gentille et simple que lorsqu’elle se produisait quelques minutes auparavant. La star du jour nous demandant de prendre la pose en sa compagnie pour une série de photos immortalisant cette nuit magique que nous n’oublierons jamais. Merci Madame EMA, vous êtes une grande dame.
Organisation : Botanique
« Helt Borte » constitue le premier album de ces Norvégiens de Pechenga, un duo formé par Rune Lindbaek et Cato Fars. Et manifestement, la formule ‘musique venue du froid’ prend ici tout son sens. Sorti en 2007 –et pressé seulement à 57 copies– cet elpee est donc parvenu un peu plus à l’Ouest, très lentement, comme s’il avait été congelé pendant 4 longues années, sans perdre pourtant de sa saveur.
L’ambient imaginé par les deux sbires nordiques annonce donc on ne peut mieux l’hiver… qui s’annonce horriblement froid et glacial ! Minimales, les 10 compositions de Pechenga (c’est aussi le nom d’une région russe de Sibérie, visible de Vardo, l’île natale des musiciens) ont pour probable ambition d’inviter les pingouins cérébraux à se dandiner à l’écoute de leurs mélodies atmosphériques et progressives nourries aux synthés ascétiques et influencées par Brian Eno. Pas de singles à se mettre sous les gants donc ; mais les amateurs du genre devraient apprécier. Tout au long de « Helt Borte », on a réellement l’impression d’entendre le doux chant des fjords norvégiens dans son casque…
Ne vous étonnez pas si vous vous sentez voyager vers l’Afrique en écoutant « Owiny Sigoma Band », car les musiciens du groupe ont effectué un voyage au Kenya dans le cadre de cet album. Les mélodies ne sont donc pas le fruit du hasard mais bien un fruit exotique venu des contrées kényanes. Et le patronyme du groupe, qui est aussi le titre de ce premier opus, n’est autre que le village de Nairobi, Owiny Sigoma, qui a hébergé ces Londoniens. Joseph Nyamungo et Charles Okoko sont les musiciens locaux qui ont transformé les notes en ces mélodies entraînantes. Par ailleurs, cet LP révèle des goûts de savane. On s’émerveille au début de ces paysages qui nous sont peu familiers, voire totalement étrangers. On a envie de bouger, de danser, d’aller nous aussi. Et puis, on s’habitue, comme on s’habitue à tout. Et là, on se fait manger tout cru par cet énorme fauve qu’est l’ennuyeuse simplicité. N’empêche qu’à choisir, il vaut sans doute mieux finir dans le ventre d’un animal dont on ne connait pas grand-chose que de rester dans la gorge de nos petites bêtes de compagnie habituelles.
« We Are Not From » est le titre ‘clin d’œil’ pondu par Aurélie, sœur du bassiste de Malibu Stacy. Mais d’où ne sont-ils pas ? Telle est donc bien la question. Et bien pas de Malibu pardi mais bien de Dalhem dans notre bonne vieille province de Liège, tiens ! C’est pour l’anecdote. Et à y regarder de plus près, ils y tiennent à leur Dalhem. Tant et si bien qu’en écoutant le titre inaugural de l’album, « General Thys », on a droit à un gag bien typique de l’humour noir jaune rouge. Dans leur village, il existe en effet une rue, un buste et un musée dédiés à Albert Thys, promoteur de la première ligne de chemin de fer construite au Congo. L’œuf ne tombe jamais bien loin du cul de la poule !
Voilà donc pour la touche humoristique.
Troisième plaque au compteur déjà pour le combo liégeois. Elle fait suite à « G », paru en 2006 et « Marathon », en 2008. Pendant trois longues années, la formation a assuré la promo de leurs Cds. Elle a beaucoup tourné et s’est notamment produite en première partie des Kaiser Chiefs, Nada Surf ou encore Babyshambles. En 2011, pour rendre hommage à Martino, leur roadie décédé deux ans plus tôt, ils publient le single « The Road Is Dead ». Figurant en quatrième position sur l’elpee, ce morceau prélude un changement de style bien marqué. Stop au style post punk électro made in USA vite fait bien fait et place à une ambiance plus acoustique, une musicalité plus variée où se croisent des rythmes rock (« Mardi Gras »), des ballades ludiques (« Patricia ») ou des compos plus recherchées, plus élaborées. Place également aux cuivres chapeautés par Ben des Hollywood Pornstars pour donner un peu plus de relief aux dix plages de ce nouvel opus. Malibu Stacy a pris largement plus de temps que d’habitude pour réaliser ce troisième essai. Le temps de faire appel à des musiciens additionnels, des proches pour la plupart, le temps de faire le tri parmi la cinquantaine de titres composés par tous les membres du groupe. Au final, il n’en reste que 10, ceux qui faisaient l’unanimité chez les six musicos. Et si comme d’habitude, Dave (David de Froidmont), le chanteur est responsable des lyrics, les compositions musicales portent cette fois la signature de Christophe Levaux et Michael Goffard.
Au final, on a entre les mains un album qui redessine la trajectoire du groupe liégeois, un disque qui varie les effets, surprend et a le mérite de sortir des ornières tracées par les deux premières réalisations. On assiste en dix chansons à une renaissance, à un renouveau. Bravo, fallait oser…
Changer de style tout en gardant la qualité et la fraîcheur est la preuve d’une belle maturité !
‘Elégance’ est le premier mot qui me vient à l’esprit, après avoir écouté cet album de chanson française.
Vincent Liben sort de sa coquille. Dans l’œuf, qu’il partageait en compagnie des autres membres du groupe Mud Flow, il était un peu la tête pensante, le responsable des compos ainsi que la première voix et le guitariste du band. Une page se tourne ? Il faudra hélas bien s’y résoudre. Après tant d’années de pratique d’une pop/rock anglophone bien léchée et d’excellente qualité, convenons-en, notre homme change radicalement son fusil d’épaule.
A priori, on redoutait un peu ce changement mais notre Bruxellois… étonne !
A vrai dire cependant, ce n’est pas son premier essai. « Tout va disparaître », son premier effort en solitaire paru en 2009, est demeuré dans un anonymat quasi parfait… Le mot ‘découragement’ ne figurant pas dans le vocabulaire de notre ‘ket’ et, invitant cette fois le public français à sa découverte, le manneke nous ressert le même plat mais dans la crainte d’une ‘disparition annoncée’, comme il y a deux ans, il ne lui attribue aucun titre… Quelques chansons (seulement celles où il chantait) viennent de sa première esquisse, les autres sont le fruit du travail d’un auteur/compositeur/chanteur enthousiaste.
Puisant son inspiration musicale dans la simplicité, toutes ses jolies mélodies ont pour origine un jeu de guitares tout en finesse, un piano occasionnel et des cuivres plutôt discrets. Le tout est orchestré de main de maître par notre homme à tout faire.
La force de cette expérience en solo repose sur la dualité légèreté/gravité des 11 chansons qui peuplent cet excellent premier (?) elpee. En effet, même si les thèmes abordés ne sont pas tous joyeux, Vincent les traite avec une légèreté musicale redoutablement efficace ; ce qui a pour don de faciliter la digestion de quelques moments de la vie pas toujours très drôles.
La poésie est partout présente, joyeuse, amoureuse, romantique, sensuelle et même absurde (« Camélia »).
Il y a du Yves Simon, du Alain Souchon, du Benjamin Biolay et même du Serge Gainsbourg dans cette œuvre. Bouquet d’influences, cet album éponyme de l’ex-leader de Mud Flow a tout pour plaire tant Vincent Liben nous offre des chansons envoûtantes et inspirées où cohabitent une mélancolie et un humour doux-amer.
Une page s’est peut-être tournée. Un livre se ferme peut-être ; mais un autre s’ouvre, un cahier blanc tout neuf qui ne demande qu’à être rempli de jolies partitions et de beaux textes comme ceux-ci.
Un artiste ‘nouveau’ est né et dans son berceau, c’est un véritable écrin subtil empli de magnifiques textes et de somptueux arrangements qui nous est offert.
Goûtez donc ces fruits et reprenez-en à volonté, ils sont excellents.
Il aura fallu deux années de travail à l’artiste Alexis Gideon pour finaliser ce projet. Ajoutez-y une année pour qu’il traverse l’Atlantique, et le cap des trois années s’est donc facilement écoulé depuis le début des sessions de ce « Video Music II : Sun Wu-Kong ». Un concept qui a nécessité deux ans de travail à l’Américain ; période au cours de laquelle il a multiplié les collaborations afin de monter sa vidéo-opéra inspirée d’un récit chinois issu du XVIème siècle, relatant l’histoire d’un homme-singe. Ce personnage avait été porté à l’écran, dans un Manga japonais, le célèbre Dragon Ball, mettant en scène Sangoku, héros de toute une génération. Afin de concrétiser ce projet, Alexis Gideon a reçu le concours de personnages notoires dans le monde de l’animation comme Becca Taylor et Cynthia Star ainsi que d’artistes impliqués dans la musique contemporaine, tels que Rachel Blumberg (il a notamment bossé en compagnie de M. Ward) ou encore Shelley Short (Hush).
A l’instar de l’homme-singe mis en scène dans cet ‘opéra’, l’Américain nous propose une création hybride. Hybride tout d’abord, à cause de cette rencontre entre l’art visuel et musical. Mais hybride également au niveau musical. Les sons atypiques (électroniques ou expérimentaux) se mêlent à l’instrumentation plus traditionnelle (guitare, piano). Et tout au long de ce cocktail non-conventionnel, Gideon vient poser un flow fluide et plein d’assurance. Au fil du temps, il faut reconnaître que ce flow est en constante amélioration.
Seul reproche à adresser à cette œuvre (je n’ai malheureusement pas eu l’occasion de voir la vidéo dans son intégralité), la longueur. 40 morceaux se succèdent en une bonne heure. Il faut donc s’accrocher.
Par ce projet ambitieux, Alexis Gideon parvient à gommer les frontières entre les genres. « Video Music II : Sun Wu-Kong » est en tout cas la preuve que l’Américain vient de franchir une étape qui devrait le conduire définitivement dans la cour des Grands.
Sallie Ford est née en 1950… ou tout du moins l’aurait-elle voulu. Une radio poussiéreuse mais dévoilant une énergie folle et une voix rauque craquante. Sallie réhabilite brillamment les fantômes d’Ella Fitzgerald et de Bille Holiday ! ‘When I turn on the radio, it all sounds the same...’ scande-t-elle sur « I Swear ». Ses morceaux swinguent comme à la belle époque ; mais elle a le bon goût de hanter ses morceaux d’un certain esprit punk qui lui permet de ne pas tomber dans le simple exercice de style. Pas possible de s’ennuyer à l’écoute de titres de la trempe du single « Cage » ou du plus dramatique « Poison Milk ». Le rockabilly de Sallie Ford réchauffe les cœurs malgré les sujets souvent sombres abordés par ses compos : ‘I’m only thirteen years old, and already life’s cold’ clame-t-elle par exemple sur la ballade « Thirteen Years Old ». Parfaitement épaulée par ses ‘Sons Extérieurs’, Miss Ford nous transporte dans l’époque dorée du rêve américain d’après-guerre. Des images ? Les bals de fin d’année aux States. Buddy Holly. Le premier épisode de ‘Retour Vers le Futur’… mais, je me répète, en y injectant une dose de feeling punk ! Pas étonnant que ces nostalgiques d’Avett Brothers en soient devenus des fans !
En concert au Botanique à Bruxelles le 6 décembre prochain.
Eurêka ! J’y suis arrivé ! Et pour cette peine, je réclame une médaille. Parce qu’écouter « Sad Cities Handclappers » est une réelle et pénible mission. Si vous voulez rendre quelqu’un fou, vous le ligotez sur une chaise et lui passez cet LP d’Electric Electric en boucle. Il est probable qu’il ne tiendra pas les quinze pistes avant de perdre ses esprits. On parle ici d’une arme puissante, destructrice de… neurones. Elle peut sans problème servir pour laver le cerveau des ennemis. Tiens, quel drôle de terme alors que le but est en fait de conquérir un public… Décidément, ces Français se sont vraiment trompés de discipline. Tout se ressemble sur cet album, on ne comprend pas trop où s’arrête la piste et où commence la suivante. On est étouffé par tous ces effets électroniques qui ne font qu’alourdir les mélodies plutôt que de les nourrir. Le seul morceau ‘digérable’ est « The Watkins Theory ». Une constatation pour atténuer ma sévérité à l’égard de ce combo hexagonal (bien qu’en laissant tourner le cd, la migraine commence à me gagner). Chers lecteurs, tapez chez vous sur des casseroles ne vous coûtera rien et ne sera pas moins mélodieux que ce « Sad Cities Handclappers ».
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