Suppose qu’il n’est pas nécessaire de vous présenter Avey Tare. Ce personnage, est en effet parvenu à révolutionner la musique, au cours des dernières années ! Et pour cause, derrière ce patronyme se cache en effet David Portner, membre fondateur d’Animal Collective, aux côtés de Panda Bear et Geologist, une formation dont l’influence sur la musique moderne n’est plus à démontrer
« Down There » constitue le premier elpee solo de la tête chercheuse de Baltimore. Depuis 2003, il avait quand même publié quelques singles, en solitaire.
« Laughing Hieroglyphic » est parcouru de beats bizarres. La mélodie est féroce, à l’image du masque de crocodile qu’il arbore lorsqu’il se produit seul, sur les planches. Bonne nouvelle, la voix d’Avey n’est pas noyée sous une myriade d’effets. Elle est claire et bouleversante. Mais on se demande, cependant, parfois, si les sessions ne se sont pas déroulées sous l’eau. Le voyage sous-marin d’Avey Tare est riche. Expérimental, électronique, il est truffé de samples. Fruit de ses élucubrations enfumées (psychotropes ?), mais aussi brillantes qu’intelligentes, il évoque autant les Beach Boys (pour les harmonies vocales) qu’Aphex Twin (pour les beats aliens et minimalistes). On est parfois envahi par un sentiment d’inquiétude. Un peu comme si on approchait de la fin du monde (« Heather in the Hospital » et « Cemeteries » abordent le sujet du cancer de sa sœur suivant une démarche proche de celle adoptée par The Antlers). Une musique des ténèbres pour danser seul. Moins contemplatif mais plus sombre que les œuvres individuelles de Panda Bear, « Down There » est tout aussi grandiose.
Les fans d’Animal Collectif devraient apprécier cet opus pas toujours facile d’accès, mais tout à fait audible, de quoi rassurer les non-initiés.
Rob Stone est originaire de Boston. A 18 ans, il découvre le blues de Charlie Musselwhite. Dès le lendemain, il s'achète un harmonica et se met à répéter. Il est très vite épaulé par l'un de ses concitoyens : Jerry Portnoy. Pas n’importe qui puisqu’il avait milité comme souffleur au sein du Muddy Waters Band. Il part ensuite vivre dans le Colorado où il a l'occasion de rencontrer Sam Lay, batteur et également ancien collaborateur de Muddy Waters. Il engage le drummer pour compléter son groupe au sein duquel figurent déjà Patrick Rynn et Chris James. On retrouve ensuite sa trace à Chicago, soit dans la Cité du blues. En 98, il fonde ses C-Notes. Un combo au sein duquel il a conservé Rynn à la basse et James à la guitare. Dans la foulée, la formation publie un long playing : "No worries". En 2003, le band est signé chez Earwig, un label blues notoire, pour lequel il grave "Just my luck".
Il faut attendre sept longues années avant voir sortir un nouvel opus de Rob : "Back around here". Au sein du line up, il a gardé ses fidèles amis Rynn et James. Et le reste du backing group sont tous des potes, dont son ancien leader, Sam Lay!
Rien de tel pour aborder cette galette qu’un généreux Chicago shuffle. Un excellent blues intitulé "You're no good for me", dont la puissance est alimentée par le piano de David Maxwell ainsi que les grattes de Chris James et de Jeff Stone. Place au jump pour "Back around here", une compo enrichie de cuivres qui respire le swing et au cours de laquelle James tire manifestement son épingle du jeu. Rob adapte le "Love you for myself" de John Lee Williamson (Sonny Boy I). Son style est empreint d’une grande pureté et sa voix chargée de feeling. Aaron Moore au piano et Willie ‘Big Eyes’ Smith aux drums soutiennent parfaitement l’ensemble. La voix de Stone se teinte de soul pour chanter le "Give me time" de Magic Sam, en mode Chicago westside. "I need to plant a money tree" est imprimé sur un tempo euphorique. Rob souffle à la manière de Jimmy Reed avant de prendre un billet de sortie digne de Sonny Boy Williamson II au sommet de son art. Agréable, "Chicago all night" marque un retour au jump syncopé. Willie Hayes frappe solidement sur les peaux, face au piano de Maxwell et les cuivres. Enfin libéré, il souffle en puissance, tout au long de "Love to love about you". Big Eyes imprime un tempo métronomique sur ce morceau assez proche de Little Walter. Il échange un duo en compagnie de David Maxwell sur "Sloppy drunk blues", un vieux classique de Leroy Carr, au cours duquel la pureté de l'harmonica est restituée dans sa meilleure expression. Omniprésents, les saxophones envahissent "It's hard but it's fair", un funky blues, ma foi, fort plaisant. Rob chante autoritairement "Can't turn back the clock", un boogie très rapide qui permet à David Maxwell de se déchaîner sur son instrument. "No string attached" clôt l’elpee. Le tempo est toujours soutenu et les tous les instruments sont bien en place. Mr Stone signe alors brillamment sa dernière intervention comme soliste.
Intro peut-être un peu facile mais, c’est une certitude, les problèmes de nos chers lecteurs risquent de s’alléger en quelques minutes, après avoir écouté ce « People Problems », le second album des Américains d’Oh No Oh My. Et puis, les fans des Shins ou de Yo La Tengo devraient apprécier la musique de cette formation, qui opère donc son retour cinq longues années après sa première livraison! Quelque part entre la fragilité de Minus Story (« Again Again », « I Don’t Know »), l’écriture pop-rock classique des Shins (« No Time for Talk ») et l’évidence mélodique de Death Cab for Cutie (« You Were Right »), les Texans livrent des morceaux d’une honnêteté et d’une qualité rare. Bénéficiant d’arrangements qui frisent la perfection –guitares, cuivres et cordes sont au rendez-vous– leur solution sonore est raffinée par la voix délicate de Greg Barkley. « People Problems » est découpé en 12 morceaux accrocheurs, mélancoliques, aux lyrics subtils, à l’instar de « You Are Right » ou du single imparable « Again Again ». Le point culminant de l’elpee est atteint lors de la ballade folk « Should Not Have Come to This », une compo qui s’achève par les mots déchirants ‘C’est la Vie…’, soutenu par des violons frémissants.
Originaire d’Austin, le combo réunit des multi-instrumentistes qui ont commencé à composer dès l’âge de 14 ans. Ce qui explique leur maîtrise instrumentale indéniable. Et puis lorsqu’on est invité à se produire en première partie des Flaming Lips, c’est qu’on dispose d’un potentiel certain…
Oh no… vous ne pouvez passer à côté de cette perle issue des bushes texans. Un disque que vous pouvez écouter des centaines de fois, tant les titres se révèlent d’une grande richesse. Oh My… God, le groupe est en concert le 6 mars au Café Video à Gand! A ne manquer sous aucun prétexte.
Un bon conseil : n’achetez pas ce Dvd si vous n’êtes pas prêts à prendre votre pied ! Imaginez l’inimaginable : revoir Ronnie James Dio sur scène !
Le jeudi 20 juillet 2009, Heaven & Hell prenait d’assaut la scène principale de Wacken Open Air. Personne ne se doutait à l’époque que cette apparition du quartet infernal au célèbre festival allemand serait la dernière performance filmée du plus grand chanteur métal de tous les temps.
Il est probablement inutile de vous rappeler (NDR : mais je le fais quand même, par plaisir) qu’Heaven & Hell était la réincarnation de l’un des line-up classiques de Black Sabbath. Celui qui, en 1981, avait mis en boite le classique « Mob Rules » (NDR : Contrairement à ce que l’on pourrait croire, étant donné le patronyme du groupe, ce line-up n’était pas à l’origine de l’album « Heaven & Hell » de 1980 puisque Bill Ward, le batteur historique de Sabbath y militait encore).
Heaven & Hell réunissait donc Tony Iommi à la guitare, Terry ‘Geezer’ Butler à la basse, Vinny Appice à la batterie et Ronald James Padavona alias Ronnie James Dio au chant. Ce line-up, qui s’était séparé en 1982, peu après la sortie du mythique « Live Evil », s’était brièvement reformé dix ans plus tard pour enregistrer l’excellent « Dehumanizer ». Cet album, mésestimé à l’époque de sa sortie, avait été suivi d’une tournée promotionnelle. Cette dernière était passée par chez nous, dans un Forest National à peine rempli (NDR : souvenir humide…) Peu après, la mythique association s’était de nouveau séparée en mauvais termes, suite à un désaccord concernant un concert en première partie d’Ozzy Osbourne.
Vient alors l’ère ‘Heaven & Hell’. Tony, Ronnie, Terry et Vinny se réunissent une nouvelle fois en 2006 à la demande du label Rhino qui projette la sortie d’une compilation intitulée « Black Sabbath – The Dio Years ». Le label désire proposer au public quelques inédits pour rendre l’objet intéressant. A la surprise générale, l’enregistrement est réalisé sans la moindre difficulté. Beaucoup d’eau a passé sous les ponts en quatorze années. Les vieilles rancœurs sont remisées au placard et l’enthousiasme est au rendez-vous. Le quatuor décide de remonter sur scène. Mais plus sous le nom de Black Sabbath. Le titre ‘Heaven And Hell’ fait l’unanimité. C’est lui qui est choisi comme nouveau patronyme. Le quatuor fait un retour triomphant aux USA. Sa performance au Radio City Hall de New York est filmée. Elle fera l’objet d’un Dvd et d’un Cd live. Le groupe ne s’est jamais senti aussi uni. Peu à peu, l’envie de concocter un nouvel album fait son chemin. L’enregistrement de « The Devil You Know » démarre en 2008. L’album sort en avril 2009. Les réactions du public et de la presse dépassent toutes les espérances du groupe qui s’empresse de partir en tournée promotionnelle. Celle-ci passe chez nous, au Graspop et bien sur en l’Allemagne, au Wacken Open Air. Quelques mois plus tard à peine, on diagnostique un cancer de l’estomac à Ronnie.
Ronald James Padavona, est né le 10 juillet 1942 à Portsmouth dans le New Hampshire (États-Unis). Il s’est éteint le dimanche 16 mai 2010 à l’âge de 67 ans. Ronnie James Dio, lui, ne mourra jamais.
Nous sommes donc le jeudi 20 juillet 2009 et Heaven & Hell prend d’assaut la scène principale du Wacken. Deux Américains (Ronnie et Vinny) et deux Anglais (Tony et Terry) réunis pour défendre leur nouvel album. La foule immense, composée uniquement de métalleux, (c’est le Wacken, ne l’oublions pas) est entièrement dévouée à leur cause. Elle rugit comme un seul homme dès les premières notes de « E5150 » et crie sa joie quand Tony Iommi pose les premiers accords de « Mob Rules ». Qui, plus que l’inventeur du riff métallique, aurait plus sa place que lui au Wacken ? Dio, peut-être, le plus grand chanteur métal de la terre et l’inventeur du célèbre signe des ‘cornes’ du diable qui, aujourd’hui encore réunit bien des fans de métal ? Le public du Wacken est conscient d’avoir la chance de voir en chair et en os, deux véritables dieux vivants du métal. Heaven & Hell égrène ses classiques. Dio est impérial sur « Children Of The Sea ». A 67 ans, il n’a rien perdu de sa voix ni de son incroyable présence. Heaven & Hell choisit aussi de donner une seconde chance à « Dehumanizer » en interprétant deux de ses titres « I » et « Time Machine ». Le nouvel elpee, lui aussi, est bien représenté. Trois plages en sont extraites : « Bible Black », « Fear » et « Follow The Tears » et il faut avouer qu’elles passent admirablement le cap de la scène. « Falling Off The Edge Of The World » reste l’un des morceaux favoris de votre serviteur. La version proposée ici est carrément sublime. Même chose d’ailleurs pour ce « Die Young » introduit par un solo superbe de Tony Iommi et ce véritable incontournable du métal qu’est « Heaven & Hell ». Après avoir fait patienter le Wacken quelques minutes, Dio tout sourire introduit, en rappel un « Country Girl » écourté enchaîné à un « Neon Knights » des familles. Sublime conclusion d’un concert sublime.
En bonus du Dvd, un journaliste donne la parole à chacun des quatre musiciens qui viennent s’expliquer, sans langue de bois, sur la carrière du groupe et sur les raisons de ses différentes ruptures. En final, Iommi, Appice et Butler, visiblement émus, rendent un dernier hommage à leur ami et compagnon de scène disparu.
Horns Up Mr Dio. We Miss You !
L’ex-leader auteur/compositeur et chanteur de Téléphone nous revient pour son 7ème album solo. Elle est loin l’époque où lors des fins concerts mémorables du band, Jean-Louis Aubert avait besoin d’une tente à oxygène pour reprendre ses esprits. Ben oui, plus de 25 ans déjà sont passés…
Le temps aidant, la fougue et la folie (contagieuse) ont fait place à une grande maturité, une certaine douceur, voire une tendresse volontairement partagée avec ceux qui comme lui ont réussi à évoluer, passant avec plaisir de l’adolescence (et ses excès) à l’âge adulte (et sa sagesse…)
Depuis 1989, Aubert voyage seul au volant de son ‘vaisseau musical’. Seul mais toujours très bien entouré : ‘C’est quand tu es en solo que tu es le plus entouré. Tu as une pléiade de musiciens autour de toi. Forcément tu es plus ouvert aux autres... Il y a eu des moments au sein de Téléphone où je me sentais plus seul’
Sept albums jalonnent sa carrière solo et chacune de ses œuvres aura marqué son époque, « Plâtre et ciment » (1987), « Bleu Blanc Vert » (1989), « H » (1992), « Stockholm » (1997), « Comme un accord » (2001), « Idéal Standard » (2005) et enfin « Roc Eclair » (2010).
Que dire de ce nouvel opus ? Il y a deux façons de voir les choses.
Soit on se dit qu’il a vraiment vieilli le Jean-Louis et que sa pêche légendaire se fait de plus en plus discrète, que ce disque manque de punch, de rythme, d'électricité, manque de rock… Et on repart déçu, nostalgique, les oreilles fanées…
Ou alors on se dit que le bougre évolue vraiment, plongeant volontairement dans la simplicité, la fraîcheur de l’acoustique et le dénuement des mélodies reposantes, le tout enrobant des textes de qualité qui parlent de la vie vraie et juste. Vie qu’il contemple et qu’il célèbre au travers de textes très personnels, parfois (souvent) influencés par mort de quelques proches, Guillaume Depardieu, Fred Chichin, Olivier Caudron, son ami d’enfance et plus encore par la disparition de son père.
Sur les douze titres qu’il nous délivre, Jean-Louis Aubert signe toutes les paroles, toutes les musiques et assure les guitares, piano, harmonica, basse, batterie et même tambourins faisant sans aucun doute de ce septième album, le plus personnel et le plus intimiste.
Basta le ‘Tchack boum’, le rock carré des eighties et place à la sensibilité, à la douceur, à la pureté mélodique. A 55 balais, on a l’impression que l’ex-chanteur de Téléphone a besoin de faire le point, de prendre du recul par rapport à ses 40 (premières) années de carrière et peut-être même, qui sait, de prendre un nouveau départ.
« Roc’éclair » nous offre une proximité encore jamais expérimentée depuis le début de la carrière de Jean-Louis Aubert. Entre rock, folk et sonorités reggae, on ‘embarque’ dès les premières notes dans ce vaisseau riche et multiple, généreux mais tellement personnel.
Tant pis pour ceux qui ont décroché. Moi, j’ai pris ma place, j’ai acheté mon ticket et je suis monté à bord sans trop me poser de questions. Et vous que faites-vous ? Un pas en arrière ou un en avant ?
En découvrant l’album « Bite The Bullet » du groupe Bullet en 2008, votre serviteur avait été l’un de ceux qui avaient cru au retour à la vie du groupe hard rock allemand des eighties. Celui-là même qui avait bercé sa jeunesse au son de deux plaques vinyliques d’anthologie, les terribles « Execution » de 1982 et « No Mercy » de 1984. Grossière erreur, car ce Bullet-ci était beaucoup plus jeune (NDR : formé en 2001) et d’origine suédoise, issu de la ville de Växjö plus exactement. Pourtant, il était facile de tomber dans le piège : même patronyme, style musical similaire et vocaliste au timbre quasiment identique.
Passée la déception de ne pas avoir assisté à la résurrection de l’un de mes héros de jeunesse, il a bien fallu me faire une raison. Le Bullet allemand était mort et enterré (NDR : Pas tout à fait puisque certains de ses membres militent encore chez U.D.O.). Tant pis d’ailleurs, puisque le petit Suédois est carrément aussi bon, si pas meilleur que son aîné.
« Highway Pirates », le nouvel opus du quintet, est un rêve devenu réalité pour les oreilles d’un fan de hard rock/métal des eighties. Imaginez un combo qui ‘rocke’ aussi dur et fort qu’Accept, AC/DC et Krokus à l’époque de leur gloire !
Comme l’étaient les albums classiques de ces trois géants du hard rock, « Highway Pirates » est un florilège de riffs entraînants et de refrains à chanter à tue tête. Une collection de titres qui font taper du pied et donnent envie de se secouer ce qui reste de sa calvitie. « Highway Pirates », « Stay Wild », « Blood Run Hot » ; chaque titre est un hymne à la gloire du hard rock. Les vocaux écorchés de Dag Hell Hofer empruntent autant au style d’Udo Dirkschneider (UDO, ex-Accept) qu’à celui de Brian Johnson (AC/DC).
Bullet n’invente pas la poudre, mais il sait la faire parler. Si vous aimez le hard rock sans fioritures, « Highway Pirates » est une pépite du genre. L’achat indispensable de ce début d’année.
‘Do you want to Rock and roll with me, do you want to lose control with me?’ invite le premier titre (« Rock & Roll with me »). Et d'emblée, on emboîte volontiers le pas à ce débonnaire Californien au timbre de voix chaleureux et au déhanchement 'Kinksien'. Bercé par les mélodies maniaques de Brian Wilson, cet amoureux de Pop aux accents anglophones revisite le musée des ses illustres icônes, des Beatles à Syd Barrett, pour en tirer toute la quintessence afin de la régurgiter en une matière diablement corrosive. Emballant d'un bout à l'autre, cet elpee jubilatoire est une vraie réussite à plus d'un niveau. Point de vue moteur d'abord. Difficile de résister au désir de se déhancher à l'écoute de la plupart des titres et surtout du parfait « I like, I like », dont le saxophone ensorceleur met en lumière cet hymne à la bonne humeur. Ensuite d'un point de vue cérébral, tant la palette de subtilités sonores permet une attention plus affûtée à chaque nouvelle écoute. Et enfin, d'un point de vue sensible. Car non content d'être efficace, « To Dreamers » est un album qui dégage une grâce intemporelle.
Se fendant d'une reprise de Pete Miller, musicien anglais somme toute oublié, Kelley Stoltz enlumine « Baby, I got news for you » et dépoussière un titre taillé sur mesure à ses aspirations psychédéliques.
Retour dans les années soixante en y ajoutant un feeling actuel, donc, à l'instar d'un Austin Powers au charme insolent.
Le dépouillement de « Bottle up », dernier morceau enregistré 'at home' ramène au final l'auditeur sur cette plage où il fait bon s'abandonner aux derniers rayons de soleil. Ce soir, les flammes danseront en montant vers le ciel et il sera toujours temps de se réveiller.
Spokes ou la première excellente surprise de 2011. « Everyone I Ever Met », le premier album de ce quintet mancunien, est à priori assez éloigné de ce à quoi le label Ninja Tune nous avait habitués jusqu’ici. Pas de trip-hop ou de bidouillage électronique. Spokes délivre un disque indie-pop raffiné, classieux, aux mélodies et aux chœurs célestes. Bien que la formation cite Kate Bush ou Neil Young comme inspirations principales, « Everyone I Ever Met » évoque principalement Arcade Fire et, surtout, My Latest Novel. L’écriture et la manière dont les chœurs sont dispensés rappellent d’ailleurs à plusieurs reprises le magnifique « Wolves » de leurs cousins écossais. Alternant longues plages atmosphériques et petites ritournelles pastorales, Spokes propose une œuvre introductive en tous points irréprochable. Le quintet a trouvé le juste milieu entre la légèreté des mélopées et la complexité de leurs arrangements. Des arrangements quasi post-rock.
Pour sa première œuvre, Spokes n’a pas froid aux yeux et place la barre à des hauteurs que ses membres risquent bien d’avoir du mal à atteindre derechef lors de leurs prochaines pérégrinations en studio. Du moins, s’ils suivent les traces de My Latest Novel, dont on pointera discrètement du doigt l’échec cuisant de « Death & Entrances ». En attendant, l’envol de Spokes est du plus bel effet et « Everyone I Met » a de grandes chances d’être l’un des disques incontournables de 2011.
Spokes passera ce 2 mars par le Café Video de Gand dont la programmation est, décidemment, à tenir à l’œil.
Songwriter à la carrure inversement proportionnelle au registre vocal, Robert Robinson a choisi pour patronyme Sore Eros. Voix de fausset et chant fragile, grincements de dents et vraies/fausses bonnes idées se conjuguent pêle-mêle sur cet elpee. Grand fourre-tout Lo-Fi, cet hymne au ‘do it yourself’ libère une mélancolie certaine sur fond de spleen paresseux. Songwriting brumeux marié à divers traitements sonores, les douze compositions de cet album se diluent dans l'espace sonore en nuées évanescentes. Un peu mou du genou sur l'ensemble, il n'en demeure pas moins que sous ce vernis craquelé se dessine de réelles chansons qui quelque part arrivent à toucher au cœur. A l'image de « Make it louder » ou de « Yellow dress », des chansons simples mais parées d'atours désarmants. Alors, certes, au niveau justesse, l'univers de Sore Eros est bancal et tangue sur un fil au dessus du vide. La moindre brise menace de tout faire basculer. Mais de façon improbable, et à la manière d’un équilibriste Robinson arrive à garder le cap et poursuivre sa marche en avant. Il n'est pas certain qu'il en aille de même pour tous les mélomanes.
Screeching Weasel est un groupe punk rock originaire des faubourgs de Chicago. Un ensemble formé en 1986 par Ben Weasel et John Jughead, deux ados fascinés par les Ramones. Des années plus tard, les ‘Belettes Hurlantes’ fascinent à leur tour une ribambelle de keupons en herbe. Et notamment Green Day et Blink 182 qui les citent comme l’une de leurs influences principales.
Screeching Weasel connaît une carrière en dents de scie, ponctuée de multiples séparations/reformations ainsi que d’un nombre incalculable de changements de personnel. La dernière réunion date de 2009. Pour la première fois depuis ses débuts, Weasel n’est plus accompagné de Jughead. Apparemment, un désaccord a éclaté au sein du line up…
Le label Fat Wreck Chords propose ici une version remixée et remastérisée de l’album « Television City Cream », paru originellement en 1999. Cinq titres bonus ont été ajoutés aux quinze qui figuraient sur la plaque originale, portant ainsi sa durée totale à 36’40 minutes.
Dans ses meilleurs moments, Screeching Weasel évoque un remake très acceptable des excellents Ramones (« Dummy Up », « Video »). Sur les compositions les plus pop punk (« Dirty Needles », « My Own World », « Punk Rock Explained »), nous n’avons aucun mal à déceler ce que Green Day, par exemple, lui a emprunté. Quelques plages plus violentes (« We Are Generation X », « Plastic Bag », « I don’t Give A Fuck », Only A Test) pourraient probablement intéresser les amateurs de hardcore mélodique).
Sans être la révélation du siècle, « Television City Cream » est un bon elpee qui interpellera autant les amateurs de punk rock mélodique les plus anciens que les amateurs de punk pop de la nouvelle génération. A découvrir ou à redécouvrir.
Les leaders de la scène indie rock suédoise soldent leurs anciens singles ! « Passive Agressive » est une sorte de ‘Best Of’ divisé en deux parties. Il réunit tous leurs singles –dont les 3 titres utilisés pour le ‘Marie-Antoinette’ de Sofia Coppola ainsi que « Domestice Scene », issu de leur magnifique dernier opus– et les raretés parus entre 2002 et 2010. Un recueil destiné aux fans et surtout aux futurs fans.
Peu avare, le trio nous propose donc 28 morceaux répartis sur deux cds. Deux albums pour le prix d’un ! Une belle collection au cours de laquelle on retrouve leur dream-pop à légère tendance noisy, qu’on pourrait imaginer à la croisée des chemins de Saint Etienne et de Tough Alliance. Leurs sonorités vaporeuses, fuzzy et shoegaze se marient à merveille aux mélodies parfaites et fragiles. Les perles sont ici enfilées, avec une régularité de métronome (« Where Damage isn’t Already Done », « This Past Week », « Annie Laurie », etc.) Elles sont même légion tout au long de cette compilation. Responsable d’un superbe troisième elpee, l’an dernier, intitulé « Clinging to a Scheme », la formation nous offre, à travers cette double plaque, une belle porte d’entrée pour pénétrer dans leur univers particulièrement riche. Une œuvre indispensable quand on sait qu’une multitude de combos contemporains, parmi lesquels figurent Neon Indian, Best Coast, Dum Dum Girls et Wavves, puisent leur influences chez le band suédois.
Mike Posner est un jeune homme de 23 ans dont le premier album, « 31 Minutes To Takeoff », vogue sur le courant commercialement dominant du R’n’B-electro. Black Eyed Peas, Usher, Rihanna, Flo Rida et consorts en ont fait leur fond de commerce depuis quelques années et, inévitablement, des pseudos-artistes surfant sur cette vague ne cessent d’émerger. Posner est l’un de ces clones. Vous n’avez certainement pas pu échapper cet été à son hit « Cooler Than Me », exemple parfait du battage radiophonique.
Si vous pensiez qu’entendre ce morceau à longueur de journée était douloureux, pensez à ceux qui auront du se taper les 13 plages de ce « 31 Minutes To Takeoff » à l’insu de leur plein gré. J’ai beau chercher du bon dans cette plaque, impossible de passer outre la voix nasillarde de Posner. Ses ritournelles assommantes sont destinées à un public adolescent féminin qui cherche une version ‘upgrade’ de Justin Bieber. Même sa tentative de délivrer un morceau soul, qui aurait pu, à la limite, sauver le disque du naufrage complet, est anéantie par des chants monocordes. Mais la palme revient aux ballades « Synthesizer », « Save Your Goodbye », « Falling » et, surtout, à « Cheated » et son insupportable refrain tout juste bon à flinguer les écouteurs. Et on frissonne déjà à la perspective d’un prochain album, regorgeant probablement de featurings à la mord-moi-le-nœud. Non. Mille fois non.
Le 6 mars à la Rotonde du Botanique. Et c’est complet…
Certains artistes sont de véritables stakhanovistes! Prenez le cas d’Owen Pallett (ex-Final Fantasy). Non content d’avoir participé à la confection de l’album de l’année, « The Suburbs » d’Arcade Fire, et d’avoir publié un très bel album solo, le Canadien a trouvé le temps de graver un nouvel Ep fort sympathique, en septembre. Découpé en 4 titres, « A Swedish Love Story » démontre à nouveau son incroyable maîtrise du violon. Des compos sculptées dans la pop, sises, quelque part entre son travail introspectif opéré en solo et celui accompli pour Arcade Fire, notamment au niveau des arrangements, évidemment somptueux.
« A Man With No Ankles » ouvre la plaque. Une compo qui s’inscrit parfaitement dans l’esprit des dernières œuvres de Caribou. Le pizzicato sautillant cher à Pallett est accompagné d’une voix détachée et d’un beat discret mais efficace. Un single en puissance, qui justifie à lui seul –probablement– l’achat de cet Ep. Sur « Scandal of the Parkade », Pallett en revient à ses fameuses tempêtes de violon très caractéristiques, qu’il produit avec une rapidité éblouissante. Plus ténébreux, « Honour the Dead, or Else » nous plonge dans une ambiance presque gothique. La voix cristalline de Pallett se lie parfaitement aux synthés glacés et aux boucles de cordes. Ce petit quart d’heure de détente s’achève par « Don’t Stop », un titre pop presque dansant. Et un autre single en puissance.
Le Canadien vient probablement de livrer les nouvelles pistes qu’il compte explorer dans le futur.
J’avoue ne pas être un grand amateur de musique manouche et encore moins de jazz. C’était donc en manifestant une certaine appréhension que je me suis attaqué à cet album de Muziek de Singe. « Les Nuages ne font pas de Lait » constitue leur premier opus. Il est le fruit de plusieurs années de dur labeur.
L’album s’ouvre par quelques notes de guitare et de contrebasse. Progressivement, un saxophone vient s’immiscer dans le jeu de quilles et instinctivement, sans trop savoir pourquoi, on se met taper du pied. En moins de temps qu’il ne faut pour l’écrire, les cinq musicos nous invitent à accomplir un périple à l’Est de l’Europe. On survole les paysages balkaniques si chers à Emir Kusturica. On pense à Beirut, A Hawk and A Hacksaw. Quelques morceaux plus tard, on se retrouve sur la place Troubnaïa à Moscou (NDR : ce n’est pas votre serviteur qui l’affirme, mais les notes de la pochette !) lors d’une plage au titre évocateur : « La maison de la rue Troubnaiä ». Quant aux dialogues échangés sur « Pispot’douille », elles évoquent carrément la poésie allemande ! Chaque morceau et une nouvelle étape dans ce voyage sonore. Ce premier elpee transite par toutes les humeurs, tous les genres. Personnellement j’avoue avoir un petit faible pour « Cheval ». Il débute paisiblement avant de nous entraîner dans un tourbillon sans fin, comme lors d’une soirée haute en couleurs, oscillant de la jouissance à la dérive et s’achevant par un dernier sursaut d’orgueil, avant de rentrer se coucher effondré.
Cette bande de gais lurons se produira ce 29 janvier au Petit Théâtre de la Grande Vie à Namur. Soirée festive en perspective.
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