Les forêts ardennaises de Libin ont accouché, en 2014, de Freaky Old Nation, un trio déjanté autoproclamé groupe de rock. L’originalité et la créativité priment sur ce premier opus 100 %, un disque qui fait suite à un Ep, produit du terroir, paru en 2016.
Joe (guitare + chant), Djé (basse + chant) et Thibs (Batterie) ont sollicité le Crowdfunding pour publier cet elpee éponyme qui réunit dix titres.
Les morceaux teintés de toutes les facettes du rock, blues, bossa et funky ont pour vocation de vous remuer et vous extirper de la torpeur sirupeuse induite par la musique indie actuelle.
Avouons-le de suite, tout est bon dans le cochon. Pardon dans le sanglier. Rythmique, guitares et chant sont en osmose vibratoire. Tous les ingrédients y sont pour arrimer un public avide de sensations nouvelles en festival.
Une initiative belge à soutenir, encourager, applaudir pour qu’elle puisse perdurer.
Si le groupe ne se revendique d’aucun genre particulier si ce n’est le rock, on épinglera quand même la huitième plage, “Chaos”, rappelant les prestations déjantées de David Byrne du groupe Talkings Heads.
Ces Ardennais ont vraiment une ardeur d’avance.
Cet elpee ravira à coup sûr les fans de ‘Hard Rock Classics’ et autres métalleux.
Hammerschmitt, combo allemand, originaire de Munich, extrait ici de son chaudron de ‘Metal’, une potion puissante destinée à secouer les headbangers jusque dans leurs synapses les plus profonds.
Les 12 titres de cette portée sont bien nés et d’une qualité irréprochable. Les spécialistes du genre devraient s’amuser à y retrouver les influences de leurs prédécesseurs.
Comme l’affirme le matériel promotionnel, « Dr. Evil » est la suite logique du premier enregistrement du groupe édité en anglais, en 2016, et intitulé « Still in Fire ». Hammerschmitt y a intégré beaucoup de matériel issu de ses archives analogiques des années 90. Un retour à ses racines.
Pour la première fois depuis 2011, « Dr. Evil » offre 12 nouveaux titres originaux, représentatifs de l’expérience du groupe mais aussi de son appétit insatiable d’enfoncer de nouveaux horizons qu’on imagine internationaux.
« Dr Evil » est une alchimie savamment dosée de tous les ingrédients caractéristiques du groupe, fruit d’un traitement particulièrement exhausteur du savoir-faire de chacun des cinq membres de Hammerschmitt.
Les impatients devront ronger leur frein jusqu’au 13 septembre 2019, date de la sortie officielle de l’album qui sera disponible chez les ‘Streaming channels’ mais aussi (ouf !) au format CD. A vos agendas ! On peut précommander le précieux pour en jouir dès le premier jour.
La plage titulaire s’ouvre sur une rythmique en béton armé. « Dr. Evil » a de quoi ensorceler l’amateur du genre et le piéger dans sa toile tissée par les riffs de ses guitares acérées. Cette plage pourrait figurer sur une compilation du genre ‘Je n’aime pas le Hard rock mais ça, j’adore’…
Aucun morceau n’est à jeter avec l’eau du bain.
A remarquer la dévotion aux ‘Saints of Rock’, titre destiné à enflammer la scène des festivals Metal auxquels ils participeront à l’avenir. Et la onzième piste, « Lost in Gods », a l’étoffe pour vous faire grimper aux rideaux. On vous laisse saliver jusque-là.
Cet excellent opus se termine par « End of Time », une ballade digne des Scorpions, Metallica et autres confrères du genre.
Un an après avoir gravé un excellent album en compagnie de La Luz, Shana Cleveland revient sur le devant de la scène. Délaissant le surf-rock, la native du Michigan débranche son ampli pour reprendre sa carrière solo là où elle l’avait laissée en 2015, lorsqu’elle avait publié son premier album, “Oh Man, Cover the Ground”. Pour la circonstance, lors des sessions d’enregistrement, l’Américaine a opté pour un petit comité en laissant de côté les Sandcastles (sauf leur batteur, Kristian Garrard) qui l’épaulaient jusqu’alors.
Tout au long de cet opus, la sèche et bien sûr la voix langoureuse de Shana Cleveland, s’imposent. Cependant, les dix morceaux proposés ne s’enferment pas dans un folk strictement acoustique. La subtilité est une des principales caractéristiques du songwriting de la frontwoman de La Luz. Ses mélodies particulièrement travaillées sont enrichies d’une orchestration équilibrée incorporant ci et là des touches de psychédélisme (déjà illustrées par l’artwork de la pochette directement inspiré des 60’s). La production est elle aussi particulièrement léchée n’abusant jamais de la reverb’. Enfin, Shana Cleveland n’hésite pas à casser l’homogénéité de l’elpee en sortant du cadre, grâce notamment au blues, “Solar Creep”.
En gravant « Night of the Worm Moon », Shana Cleveland poursuit donc un parcours discographique jusqu’ici sans faute. Pour votre info, sachez que la Californienne d’adoption se produira au Botanique de Bruxelles, le 25 octobre prochain.
Behind The Pines, né en 2017, est un groupe bruxellois. BTP se produisait dans le cadre des Francofolies ce jeudi 18 juillet et plus récemment, au festival de Nandrin, ce dimanche 18 août. Si la band a participé à de nombreuses manifestations en plein air, cet été, il a remporté plusieurs tremplins et concours, notamment celui de la ville de Namur.
Il vient de graver « Secret », un Ep autoproduit fort agréable à écouter tout en apportant sa fraîcheur sur la scène pop-rock belge comme Puggy à ses débuts.
Cinq titres nous sont proposés sur ce second ouvrage. Dès la première mesure, la rythmique nous emporte et nous incite à sautiller.
La voix du chanteur Andrea Battisti rappelle à certains moments celle de Brian Ferry ou par certaines intonations d’Eddie Vedder de Pearl Jam, mais cette comparaison n’engage que votre serviteur.
Le punch sympathiquement dansant des compositions ressort à la première écoute et rend la musique de cette formation immédiatement accessible. Non, ce n’est pas du rap. C’est de la pop fraîche et guillerette, belge de surcroît.
Allez augmenter le nombre de ‘J’aime’ sur sa page Facebook ou faites un tour sur son Soundcloud pour vous faire une idée du CD avant de le streamer ou encore mieux de l’acheter. Bien qu’ils aient le soutien des médias radiophoniques du pays, les membres de Behind The Pines méritent vos encouragements surtout si voulez continuer à les entendre dans le futur.
Les titres ?
1 Eloise (3:25)
2 N.T.G. (2:51)
3 Blue Sun (3:39)
4 Secret (4:01)
5 What Do We Choose (4:11)
Quinze années après leur formation, les Texans de White Denim nous livrent leur septième opus, mais le premier sur le label américain City Slang (Calexico, Lambchop ou encore Timber Timbre). Une nouvelle étape pour ce groupe qui n’a cessé de gravir les échelons.
“Performance” constituait une étape périlleuse dans la progression de White Denim, vu les arrivées d’un nouveau batteur et claviériste. Et avouons-le d’emblée, la transition a été parfaitement opérée.
Pour l’occasion, le quatuor, emmené par le chateur/guitariste James Petrolli, continue sur sa lancée en abandonnant ses références psychédéliques. Dès la plage d’ouverture, “Magazin”, les sonorités blues/rock des grattes s’imposent. Tout comme sur le titre maître. Les choses s’emballent dès “Fine Slime”. Et pour cause, le funk se mêle au blues et se charge de swing. “Double Death” pénètre carrément dans l’univers sonore de James Brown. La plupart des compos parviennent à agréger une multitude de styles tout en adressant des clins d’œil répétés au bon rock’n’blues des 70’s.
“Performance” vaut donc parfaitement le détour. Le mélomane aura l’impression de remonter les décennies, loin des synthés, boîtes à rythmes et autres sonorités électroniques qui sévissent actuellement. Une véritable bouffée d’air frais !
Que de bonnes ‘vibes’ offertes par Vampisoul à travers cet excellent 3ème volet de leurs compilations « Cumbia Beat » dédiée cette fois encore aux sonorités péruviennes –originaires de Lima mais aussi de partout ailleurs dans le pays andin– enregistrées entre 1965 et 1980 au cœur de la dictature militaire locale. Ce nouveau chapitre réunit des raretés du genre, quelques ‘one-hit wonder’ irrésistibles ou des pépites de la ‘huaycumbia’ (Los Demonios de Corocochay ou Los 5 Palomillas), une sorte d’hybride entre la Cumbia et le huayno (Musique populaire péruvienne remontant à l’époque précolombienne). Les morceaux sont influencés par la Cumbia colombienne, la Guaracha cubaine ou les sons psyché anglo-saxons de l’époque formant un tout euphorisant et diablement efficace !
Bunkr est un duo basse-batterie de Chaux-de-Fonds, en Suisse. Il nous propose, sur cet LP, cinq morceaux instrumentaux bâtis sur un rock brut de décoffrage qu’on pourrait qualifier de post-post-rock delirium mêlant des phases planantes bouleversées par un déferlement rageur de guitares électriques.
Ce ‘rock-trip’ sous acide bouscule si bien les conventions qu’il est difficile de classer cet ouvrage dans un genre précis tant la composition est expérimentale et fourmille d’une myriade d’idées très susceptibles d’être incorporées dans des compos au format classique.
Ces morceaux pourraient servir de bande sonore pour des movies aux images fortes de sports extrêmes sans tomber dans l’extrême.
Les fans de jam-session et d’impro-rock devraient apprécier l’exercice vu la maîtrise des instruments et la diversité interne de ces pistes interminables.
Point de vue sonore, ce produit suisse non chocolaté est surprenant par sa qualité de mixage. A écouter au casque les yeux fermés pour s’envoler vers des contrées rock’n’roll non encore explorés. Aucune mélodie à retenir. Uniquement des impressions sonores qui résonnent en échos dans votre cerveau désarçonné…
En résumé, cet opus à premier abord ardu à analyser distille son originalité au fil des écoutes. Bien que sceptique au départ, il faut avouer que la créativité des deux artistes fait tout doucement son chemin. Sûr que ces Helvètes ne laisseront pas indifférents lors de leurs prestations publiques qui, à mon humble avis, seront encore plus percutantes.
Certains aimeront. D’autres détesteront.
”Mondo Delirium” : (08:02) annonce la couleur en ouvrant les portes du délire. Mystérieux au départ et explosif à l’arrivée.
”Schluss” : (09:18) évoque une longue descente en snowboard finissant sur des rochers.
”Truand” : (05:56) commence relax et se termine par le braquage de vos tympans. Un final en vrai hold-up sonore.
”Fou Outil” : (09:17) plus conventionnel dans l’approche, il pêche par sa longueur futile.
”Vautour” : (12:02) titre le plus psychédélique. Il commence tel un vautour planant au-dessus des cimes cherchant une victime. Il réussira par son ambiance à vous capturer dans ses pièges sonores.
Bonnie Tyler, chanteuse galloise, née le 8 juin 1951, surnommée la ‘Rod Stewart’ féminine, à cause de sa voix particulièrement rocailleuse, possède son palmarès des hits comme “It’s a Heartache” (1977), Total Eclipse of The Heart” (1983) ou encore “Holding Out For A Hero” (1984).
Malgré une sortie régulière d’albums, il faut avouer qu’hormis ces trois succès, elle n’a pas publié de chansons susceptibles de défier l’éternité par-delà la Manche.
Elle représente le Royaume-Uni en 2013 au ‘Concours Eurovision de la Chanson’ mais n’y laissera pas une trace indélébile en décrochant une dix-neuvième place sur vingt-cinq.
Elle nous propose cette année “Between The Earth And The Stars”, un LP sorti en mars dernier, mais passé relativement inaperçu.
Restons les pieds sur terre. Des stars comme Rod Stewart (son pendant vocal), Cliff Richard (Shadows) et Francis Rossi (Status Quo), ont été invitées lors des sessions d’enregistrement. Seul ce dernier y apporte une intervention remarquée.
Les nostalgiques des voix torturées y trouveront ici leur compte. Bonnie Tyler a toujours ce timbre rauque si caractéristique qui reste son attrait et son atout majeur.
On épinglera quand même “Someone’s Rockin’ Your Heart”, au cours duquel Francis Rossi des Quo appose sa touche salutaire.
Le groove de l’ultime plage a également de quoi charmer, et deviendra vraisemblablement un des morceaux de l’elpee les plus ‘streamés’ sur Spotify, Apple Music, Deezer and co. Il faut avouer que ce morceau sauve un peu l’aventure.
Si ce long playing est d’une qualité sonore évidente, ignorés des radios, il rame un peu à contre-courant des tendances actuelles. Bien sûr, il y a toujours la voix incontournable de Bonnie, mais finalement, cet album est uniquement destiné au fans…
Pré-écoute exclusive du nouvel album de Tool, « Fear Inoculum »
C'est le disque que 'Tool-e' monde veut écouter... Au-delà du jeu de mot, c'est un fait incontournable : il y a 13 longues années que les fans l'attendent, le nouvel album de Tool. Et là, on y est presque : « Fear Inoculum » paraît le 30 août prochain ! Et cerise sur le gâteau, Musiczine a été invité à une pré-écoute exclusive pour la presse du nouvel opus, dans les bureaux de Sony Music à Bruxelles.
Autant le dire tout de suite : c'est du 100% Tool et c'est un très bon cru. Les fans seront aux anges et seuls quelques critiques grincheux regretteront le manque de renouvellement du combo américain sur ce cinquième long format. ‘Never change a winning team’, n'est-ce pas ?
Produit par Joe Barresi et masterisé par Bob Ludwig, « Fear Inoculum » recèle sept longs morceaux et s'étend au total sur 85 minutes sous sa version CD. Dans la version digitale complète, figurent deux instrumentaux supplémentaires.
Mais entrons dans le vif du sujet : la chronique de cette œuvre tant attendue. La plage titulaire, « Fear Inoculum », on la connait déjà. Elle est sortie il y a 15 jours et le moins qu'on puisse dire, c'est qu'elle place d'emblée la barre très haut. Un son de cloche tibétaine marque l'entame de ce qui peut être considéré comme une cérémonie. Car, on le sait, une des singularités de Tool, c'est de réussir à créer une atmosphère chamanique, comme si on était au milieu d'un rituel tribal. Les sons de guitare sont doux et hypnotiques et la voix de Maynard James Keenan est cristalline. Elle semble émaner d'une dimension astrale. Fidèle à une architecture sonore bien huilée, Tool ne reste pas longtemps dans la douceur mais, au contraire, fait monter l'intensité jusqu'à la déflagration post-métal dominée par le jeu polyrythmique du batteur, Danny Carey. Après de multiples méandres très 'prog', la compo s’achève par une pulsion saccadée, telle une mitraillette, à l'unisson, parfaitement dans la tradition de ce groupe hors normes. Une belle réussite, ce morceau, qui, en passant, est le titre le plus long (plus de 10 minutes) à avoir été dans le 'Billboard Hot 100 singles'.
C'est Justin Chancellor, le bassiste, qui marque de son empreinte le début de la seconde plage, « Pneuma ». Son riff sur deux cordes, communique un son inimitable. Il est relayé par Adam Jones à la guitare dans une rythmique délicieusement syncopée. Il faut dire que Tool est spécialisé dans les mesures non-conventionnelles, principalement la 7/8. Dans cette compo, ce qui surprend, cependant, c'est le break glissé au beau milieu de la chanson : des tablas indiens et une basse carrément perchée confèrent au passage un caractère oriental très séduisant. Des volutes de synthés (eh oui !) viennent nous caresser les tympans avant qu'une progression en puissance ne cède le relais à un superbe solo de guitare. La machine à remonter le temps nous ramène ici aux meilleurs moments de la 'prog' des années '70, mais avec le son du XXIème siècle. Un pur bonheur !
A l'instar de « Descending », « Invincible » est un titre que les fans ont déjà pu découvrir en live, entre autres à Werchter. Il s'ouvre sur des arpèges de gratte qui forment comme un nœud gordien. La voix de Keenan est désarmante et pure. Elle plane dans les airs, tel un aigle royal. Mais cette plénitude est de courte durée : le thème guerrier de la piste réclame une déferlante de toms et de basses, laquelle mène au refrain. ‘Warrior Struggling...’, éructe ce diable de Keenan. Dans le désormais classique 'break' inséré à mi-parcours, on retrouve un synthé qui, cette fois, ose une mélodie très accrocheuse, sur laquelle Keenan vient déposer un chant trafiqué au vocoder. Audacieux et ensorcelant !
« Descending » nous plonge tout d'abord dans les vagues d'un océan. On espère alors un changement d'atmosphère et de style mais, malheureusement, la structure de la composition reste en grande partie semblable à celle des plages précédentes. On apprécie néanmoins la précision chirurgicale manifestée par les quatre musiciens pour construire les passages les plus progressifs, ciselant avec maestria une sorte de cubisme sonique, déstructuré, à la limite du déséquilibre mais toujours harmonieux, comme une suite de Fibonacci.
Pas de doute : « Culling Voices » constitue le meilleur morceau de l'opus. Il est, en tout cas, celui qui nous a le plus séduit, à la première écoute. C'est aussi la compo la plus mélodique, et la plus calme. Après une introduction aux synthés très planante, quasi floydienne, Adam Jones égrène de jolis arpèges en haut de son manche et la mélodie créée ici par Keenan est d'une indicible beauté. ‘Psychopathy, misleading me over and over’, murmure-t-il dans un souffle. Son chant semble défier les règles du système tonal occidental, mais sans jamais les transgresser. Lentement, la chanson se développe, comme un serpent qui se faufile dans notre cerveau. Un magnifique track, qui évoque les meilleurs moments de A Perfect Circle, le side-project de Keenan.
On ne s’attardera pas trop sur l'instrumental « Chocolate Chip Trip », une 'compo' du batteur qui se résume à des sons de cloches, un loop de synthé trafiqué, au-dessus duquel le musicien s'autorise un solo poussif et sans intérêt.
Heureusement, la dernière composition de l'album, « 7empest » remet les pendules à l'heure car c'est tout simplement une bombe. Direct, comme un coup de poing asséné dans le visage ou plus métaphoriquement, comme s’il frappait immédiatement en plein cœur. Les riffs sont saturés et la voix, hargneuse. ‘There's no other like you’ s’échappe comme un cri qui sort de la gorge de Keenan. Après la bagatelle de 3 solos de guitare (NDR : ce qui semble un peu excessif !), l’album se clôture de la plus belle façon, par un impeccable unisson de tous les instruments.
En un mot comme en cent, c'est un disque superbe. Il recèle ce qui fait la quintessence de Tool depuis sa création, en 1990. On pourrait le décrire comme un labyrinthe musical qui vous guide dans un voyage transcendantal vers des mondes invisibles. Une musique, complexe, tendue, sur le fil du rasoir, semblable à une géométrie sacrée. A chaque moment, « Fear Inoculum » inocule une joie sourde et profonde. C'est l'instrument de l'élévation de notre conscience et ça tombe bien, ‘instrument’, en anglais, se traduit par... « Tool »...
Tracklist :
En bonus digital :
Merci à Sony Music Belgium
Mise à jour du 30 août 2019: l'album est sorti! Pour écouter, c'est ici.
Si pour certains, rupture amoureuse rime avec tristesse et désespoir, pour d’autres, elle constitue le premier pas d’une résurgence.
Renan Luce a choisi cette seconde option. Son aventure déchue avec Lolita Séchan, après sept ans de mariage, lui aura été au moins bénéfique sur le plan artistique.
Pourtant absent depuis quelque temps, il était parvenu à nous faire sautiller grâce à des titres plein d’entrain et de bonne humeur, notamment sur un premier album intitulé « Repenti », duquel « La Lettre » a été expédiée manu militari dans les charts radiophoniques.
Le Parisien met en mots l’entrebâillement d’une porte ouverte sur un quatrième exercice éponyme très intimiste.
Une mise à nu dans les propos sur fond de sincérité musicale richement intéressante, digne des plus grands tauliers de la chanson française comme Aznavour et Brel.
Onze chansons introspectives où Luce laisse mûrir ses pensées sur papier à travers une orchestration symphonique, un vieux rêve qu’il a enfin pu réaliser !
Un synoptique de textes poignants : "On s'habitue à tout", « Le vent fou », par lesquels le jeune homme évoque son histoire entre bois, vents, cordes et percussions accentuant la crédibilité du phrasé. De la douleur il y est question, certes, mais pas que ! Le disque se veut positif. De l’espoir d’une reconstruction pour soi « A bientôt, renouveau », à celui de sa fille Héloïse pour qui il a composé « Berlin », après un voyage dans la ville allemande.
Une chose est certaine, lorsqu’il troque sa guitare pour le piano, Renan Luce dévoile et se dévoile sans pareil par le biais d’accents musicaux finement dispersés ici et là comme pour poser des balises et montrer le chemin aux couples qui se reconnaîtront dans ces histoires.
Et si comme le laisse fantasmer la plage titulaire « Au début », l’histoire se répétait ?
The Atomic Road Kings est une formation américaine de blues plutôt puriste dans le genre, comme on en rencontre encore dans la banlieue de Los Angeles. Elle est drivée par le chanteur et guitariste Big Jon Atkinson. Il est soutenu par le drummer Malachi Johnson (NDR : dans le passé, il a épaulé les harmonicistes Kim Wilson et Bob Corritore), le bassiste Bill Stuve (NDR : 40 ans plus tôt, ce vétéran militait au sein des Mighty Flyers, le backing group d'un autre souffleur de L.A, le prestigieux Rod Piazza) et enfin l'excellent Eric Van Herzen, préposé à l’harmo. L'enregistrement a été réalisé dans le studio Bigtone d'Atkinson. Hormis le traditionnel "Two sided story", Jon et Eric signent l’ensemble d’un répertoire qui baigne au sein d’un vintage blues sans artifice, comme il était pratiqué dans les années 50…
De toute bonne facture, "I've got time" ouvre l’elpee, un blues dépouillé tracé par la ligne de basse acoustique écrasante du vétéran Bill Stuve ; Eric s’autorisant un premier envol à l’harmonica. Van Herzen et Tony Delgado brillent aux cordes, tout au long de "Rumors", un blues lent introduit par la gratte aux accents acérés et dont la ligne de basse communique un sentiment de tristesse infinie. Enlevé, "My way back home" est imprimé sur le rythme du chemin de fer, une piste qui marche sur les traces des premiers musiciens du Delta Blues. Toujours bien soutenu, "Candy man" est un Chicago shuffle caractérisé par les interventions classieuses d'Eric, de Big Jon ainsi que de l'invité Scott Smart. Blues rythmé, "Two sided story" est un traditionnel fidèle à la belle époque de Chicago : celle des fifties ! Le notoire Bob Welsh siège derrière le piano tout au long du slow/blues "Vibrations". Van Herzen se déchaîne une dernière fois à la manière de Little Walter, lors de la finale "Back down south"…
L'Ellis Mano Band est une formation helvète dirigée par un duo, le chanteur Chris Ellis et le guitariste Edis Mano. Ils sont épaulés par une section rythmique constituée du bassiste Severin Graf (NDR : aka Mr Groove), et le drummer Nico Looser, un ex-membre du backing group de Tracy Chapman. Ellis et Mano signent l’ensemble d’un répertoire qui s’inspire du blues et du rock.
Une solide intro rockin' blues ouvre "Whiskey", une plage tapissée par l'orgue Hammond de Kico Bokic. Rappelant ici celle de David Coverdale (Whitesnake), la voix puissante d’Ellis en impose. Cette voix illumine l’ensemble de cet opus partagé entre morceaux rythmés ou ballades, parfois teintés d’une touche carrément pop. Des ballades comme "Bad water" et "Georgia". Mêlant cordes amplifiées et acoustique, la première trempe dans le roots rock et véhicule des accents ténébreux, alors que la voix de Chris adopte le caractère félin de Robert Plant. Davantage r&b, la seconde est enrichie d’une section de cuivres ; graveleux, le timbre d’Ellis se fondant naturellement dans ce style. Blues lent, "Bad news blues" libère une fameuse dose d’énergie. "Jeannine" nous entraîne du côté de la Nouvelle Orléans, un dixieland traditionnel propice à la bonne humeur qui clôt cet elpee de bonne facture…
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