Dans le jargon journalistique, il y a, en matière d’interviews, les bons et les mauvais clients. A ces derniers, il faut tirer les vers du nez, poser 15 questions pour obtenir 10 malheureuses lignes écrites. Neil Hannon, alias Divine Comedy, lui, est un des meilleurs clients! Il suffit de lui lancer quelques mots en pâture et ce sera toujours intelligent, pertinent et drôle... Car le bonhomme ne se prend jamais au sérieux et il semble toujours hésiter entre une belle formule ou un bon mot. A Paris, peu avant un excellent concert au Trianon, il a parlé de « Casanova », bien sûr, son nouvel album, mais aussi des précédents et de son désastreux concert au Botanique, accordé en septembre dernier.
Scott Walker, mon grand fan
Pour « Promenade », le précédent album, tu avais avoué avoir beaucoup écouté Philip Glass et Mychael Nyman. Qui cette fois?
Je ne prends jamais la décision consciente d'écouter quelqu’un de bien précis pour ensuite le copier : ce serait lamentable. Mais il y a toutefois des influences évidentes: Burt Bacharach, John Bany et... Scott Walker, comme toujours. C'est mon grand fan.
Vraiment?
C'est ce que tu es censé écrire (rires). Il a dit des choses assez gentilles à mon sujet. Des journalistes ont dû l'acculer dans un coin et lui demander de citer un artiste contemporain qu'il aime! Et comme il a reçu tous mes CD, il a dû citer mon nom. Il a dit ‘Divine Comedy, ils sont très bons. Je ne les ai jamais entendus, mais ils sont excellents.’
Que dirais-tu de ta vie?
Quand je réécoute « Promenade », je repense à tous ces jours passés au lit dans le flat de mon frère à Ealing. J'avais écrit toutes les musiques mais je n'avais aucune idée pour les textes. Je suis juste resté couché des semaines entières. Et j'ai rêvé le tout. L'idée que des gens écoutent ce disque et pensent la vie merveilleuse que je mène, est vraiment absurde: j'ai vécu une époque épouvantable. Parfois, les plus belles choses naissent des pires! Ce sont des expériences rêvées bien plus que vécues. D'ailleurs, il faudrait un certain culot pour affirmer avoir volé (« Tonight We Fly »). J'aurais peut-être dû me jeter par la fenêtre?
« Tonight We Fly » terminait « Promenade ». Est-ce à dire que pour toi, le dernier morceau d'un disque est très important ? Est-ce le cas encore cette fois?
Sur la dernière chanson, je tiens à finir sur une note plus positive. Il est de mon devoir de ne pas déprimer les gens. Mon problème, c'est que j'ai beaucoup de chansons pour la fin de l'album et peu pour le début! Alors, cette fois, j'ai essayé d'écrire un morceau dans le but spécifique de commencer le disque... De là, ce « Hellooo », un peu ridicule ! « Casanova » est un album sérieux, mais ridicule aussi, par certains côtés. C'est toujours marrant de voir à quel point certaines personnes peuvent se prendre au sérieux. Moi, je ne rate jamais une occasion de me rendre idiot, de me tourner en bourrique. « Theme from Casanova » en est un exemple parfait : partir du rigolo pour arriver au divin. Les deux notions sont indissociables, comme le Ying et le Yang. Tu dois être sérieux, ce qui forcément te fait marrer. Et tu dois être sérieux quand il s'agit de rigoler. Cela dit, je ne suis pas un comique: je me contente de montrer du doigt le côté ridicule de la situation. Si je veux vraiment bien rire, je n'ai qu'à me prendre pour une popstar. C'est tellement absurde. Je suis juste ce petit bonhomme, fils d'un homme d'église. Je devrais sans doute suivre les traces de mon père mais je ne suis pas sûr que ce choix soit judicieux.
Sur ce morceau, « Theme From Casanova », tu donnes les crédits de l’album. As-tu hésité avant de te décider ?
Un peu et puis je me suis dit merde, allons-y! Il vient après « Through a Long and Sleepless Night » dont la fin est énorme et pompeuse. On dirait presque la musique de « Rocky ». Il fallait quelque chose de plus léger. Il y aura sûrement des gens très sérieux qui diront ‘Tu ne peux pas t’autoriser ça sur un disque. Tu es un artiste!’ M'en fous... Une précision au passage: ce n'est pas ma voix qui énonce les crédits, mais celle de mon claviériste.
Ce morceau commence comme de la musique d'ascenseur pour ensuite prendre une autre direction…
Oui et je suis assez content de ce titre. Il y a d'abord ces deux parties très ‘easy listening’ et un peu idiotes mais je ne savais pas comment conclure. Un ami s'est occupé des arrangements de cordes de cette finale. Ceux, stupides, du début sont de moi. On a ajouté ce bruit de tonnerre, ce qui communique ce sentiment de progression, de quelque chose qui grandit, grandit, pour soudain s'évanouir. Il fallait aussi que je case ma référence à « Pet Sounds »: de là, les aboiements de chien! Après, il y a encore cette chanson enregistrée en live avec un grand orchestre. Comme je ne cesse d'y dire ‘Goodbye, goodbye’, c’était difficile de la mettre au début... Et puis, je ne pouvais quand même pas finir sur ce « Theme From Casanova », cela aurait été trop nul.
Vraiment bizarre
Le texte de « Through a Long & Sleepless Night » est vraiment bizarre. Comment est-il né?
C'est une mélodie qui existait depuis 4 ou 5 ans. J'en ai toujours beaucoup qui me trottent dans la tête et dont je ne sais pas trop quoi faire. Apparemment, celle-ci attendait cet album-ci. Cela dit, je n'arrivais pas à lui trouver un texte, alors que tous les autres titres de l'album avaient le leur. Alors, j'ai rouvert mon carnet de notes de l'année dernière et j'ai mis ensemble tous les petits bouts que je n'avais jamais utilisés. Le procédé peut sembler paresseux mais il est intéressant... Je ne sais pas ce que j'ai à être aussi satisfait de moi. Dans les autres interviews, je n'ai cessé de trouver mes idées stupides. Pour celle-ci, je suis redevenu ce mégalomane égocentrique que je suis habituellement.
En fait, « Through... », c'est comme la traversée d'une nuit blanche et…
Au petit matin, tu allumes la radio, il y a un de ces stupides ‘Breakfast Shows’ où ils passent « Theme From Casanova». Le soleil se lève, tu entends les chiens aboyer dans les jardins... c'est affreux. C'est un concept-album! En fait, non, pas du tout, c'est un album qui respecte un thème, mais pas un concept-album.
Estimes-tu important qu'un album soit cohérent ?
Oui, pour moi, ce n'est pas qu'une collection de chansons que j'aurais, par hasard, écrites pendant une certaine période. Toutes les chansons font parties d’un tout ; c'est pourquoi il m'a toujours été difficile d'en extraire des singles. Enfin, cette fois, on le fera, parce qu'on veut faire rentrer un peu d'argent (rires). Il y aura sans doute « The Frog Princess » mais je ne suis pas sûr. Il faudra attendre... Mais tu en feras une excellente critique, tiens, voilà de l'argent...
A propos de cohésion, tu ne crois pas qu'elle est automatique quand les chansons ont été écrites au cours d’une même période ?
C'est sans doute le cas pour la plupart des artistes. Et pour moi aussi, vraisemblablement. Les textes sont le reflet des sujets de préoccupation réunis à un moment précis de l’existence. Quant à moi, j'essaie que ce soit un processus plus conscient. Le seul ennui, c'est que pendant l'écriture de cet album, je ne pensais qu'à une chose: au sexe !
Et comment te sentais-tu?
J’ai vécu pas mal de bon temps, à tourner en Europe. Mais je finissais toujours par me retrouver à Londres... sans argent! J’avais, comme toujours, tout dépensé. J'ai écrit la plupart des textes dans une piaule minable à Brixton. C'était assez déprimant. Je traversais des périodes où je me trouvais génial, et d'autres où je me trouvais à chier!
Quand écris-tu?
Il semble que ce soit toujours en hiver... Mais ce sera sans doute différent la prochaine fois, parce que je voudrais sortir un disque plus vite. Je n'aime pas disparaître deux ans, les gens ont tendance à m'oublier.
En concert, tu sembles toujours vouloir désamorcer une chanson trop sérieuse par une vanne. Par pudeur?
Je ne sais que répondre à cette question. Je suppose qu'il faut préserver une part de mystère. Tu as raison... Je ne peux pas me taper une dépression nerveuse chaque soir quand ma chanson devient trop personnelle… Comment Mark Eitzl d'American Music Club parvient-il à survivre, lorsqu’il part en tournée? Il semble à chaque fois déchirer son âme. Je ne pourrais jamais faire comme lui, je finirais en épave.
Ta musique est étonnamment ambitieuse pour quelqu'un de ton âge (25 ans). Vieillir te fait peur?
Non, non, au contraire, je suis impatient. Je pense avoir le cerveau d'un vieil homme (rires). Et donc, plus j'avancerai en âge, plus je me sentirai en accord avec moi-même. Du moins, je l'espère. En tout cas, je suis persuadé que mes meilleures années sont encore à venir. A moins que ça ne marche pas. Peut-être faut-il que je sois jeune? C'est vrai que cet album est terriblement ambitieux. Parfois, je me demande ce qui a bien pu me passer par la tête. Il y a quelque chose de trop gros, de presque boursoufflé. Mais si tu places la barre très haute, tu as peut-être une chance d'accomplir au moins la moitié du chemin. Parce que les contraintes sont si grandes, de temps et d'argent, qui te tirent vers le bas. Mais tu dois essayer. Plus c'est difficile, plus c'est intéressant.
(Article paru dans le magazine MOFO n°43 du mois de mai 1996)
Mike Timmins est le frangin de Margo, la belle crinière des Cowboy Junkies. Ce grand frère –aussi noir qu’elle est blonde ou rousse– compose les chansons délicates qu'elle susurre. Si la guitare que se réserve Mike est plus présente sur « Lay It Down », elle est tout de même loin d'être galopante... Une évolution due au changement de label, aux luttes intestines de la famille ou à une tournée opérée en compagnie de ce blueseux de Townes Van Zandt qui a d’ailleurs dédié une chanson aux CJ ?
Nous avons toujours été de grands fans de Townes. Nous ne le connaissions pas à l’époque mais nous appréciions déjà sa musique. On s'est dit que ce serait formidable de partir en tournée avec lui. Nous l'avons simplement appelé et l'idée de nous accompagner lui a plu. Il s'est joint à nous pendant les 4 mois de la tournée US. Vraiment une expérience extraordinaire parce qu’évidemment on a davantage découvert sa musique mais aussi le personnage qui est très attachant.
C’est marrant parce qu’on a souvent l’impression qu’il n’y a pas vraiment de relations entre le groupe qui ouvre et la tête d’affiche…
Tout dépend du groupe vedette. En général, en ce qui nous concerne, nous choisissons nous-même ceux qui ouvrent pour nos concerts. Parce que nous les apprécions et que nous voulons les faire connaitre. Mais il n’est pas toujours possible de se voir durant la tournée. Les premières parties viennent, accomplissent leur set et doivent faire place nette tout en pensant au spectacle suivant, alors que la tête d’affiche se prépare. Mais lorsqu’on est ensemble pour un bon moment, il est toujours bon d’échanger des idées.
Vous n’en avez pas marre de cette sempiternelle référence à votre reprise du « Sweet Jane » de Lou Reed ?
Ah ! Ah ! Bien sûr que j’en ai marre. Mais ceux qui connaissent bien la musique savent que nous avons fait autre chose. Le grand public, lui, n’a entendu que cette reprise. Pas grave, il vaut mieux qu’il la connaisse plutôt que rien du tout …
Ne croyez-vous pas qu’au moment de sa sortie, votre version de « Sweet Jane » a déclenché un déclic chez Lou Reed. Il aurait été en quelque sorte inspiré pour enregistrer à nouveau de bons albums, comme « New York » ?
J’ai le sentiment qu’au moment où nous avons sorti notre « Sweet Jane », Lou Reed était déjà bien avancé dans l’écriture des chansons de « New York ». Désolé, mais je ne peux pas nous créditer cette étincelle. (Il rit) Comme beaucoup d’artistes, Lou traverse des cycles ; pour l’instant, il est dans un très bon. « New York » est un album prodigieux. Je n’ai pas encore entendu le nouveau.
Margot dit ‘fuck’
Je me trompe peut-être mais il me semble que sur « Just Want To See », on entend Margo jurer, elle dit ‘fuck’, non ?
Oui, tu as bien entendu. Simplement, ces mots font partie des paroles de la chanson. Margo jurait aussi sur l’album précédent donc…
Est-ce un problème de lui demander d’adopter un tel langage ?
Elle aime ça ! Margo n’est pas une petite fleur, elle ne rougit pas chaque fois qu’elle dit un gros mot (il rit).
N’a-t-elle pas peur de tenir son image ?
Je ne pense pas que ce genre de considérations la touche énormément.
Cet album semble un peu plus remuant qu’à l’accoutumée, surtout au niveau des guitares…
Il est certainement plus orienté vers ma guitare. Parce que nous voulions nous concentrer davantage sur l’impact créé par les quatre instruments des Cowboy Junkies : une guitare, une basse, une batterie et le chant. Et c’est vrai que la guitare ressort plus ici, parce qu’elle remplit enfin l’espace qui lui est normalement dévolu. Il y a une évolution, mais ce n’est pas réellement neuf pour nous. Sur le premier album, « Whites Off Earth Now ! », je jouais en fait beaucoup plus de guitares qu’ici. La seule chose qui change, c’est le style.
Tu te sens proche de quels musiciens canadiens ?
Neil Young, Leonard Cohen, The Band, ce sont les trois grandes influences qui m’ont affecté musicalement.
Dans ta jeunesse, tu as pourtant milité au sein d’un groupe de new wave qui reprenait les chansons de Joy Division et Siouxsie & The Banshees…
Je crois que c’est venu plus tard. Une influence ne signifie pas nécessairement dire copier, à l’aide de ta propre expression, ce que d’autres ont fait. Une influence peut émaner d’une source d’inspiration, de quelqu’un qui te donne envie de te mettre à la musique, la peinture ou écrire un livre ? Heureusement, tu ne joues pas la même musique que cette personne !
Et Daniel Lanois, par exemple, est-ce vrai qu’il t’a influencé ?
Pas vraiment, je ne suis pas un grand fan… Je sais qu’il existe des points communs entre notre musique et la sienne mais je n’achèterai jamais un de ces disques.
Tu écoutes parfois de la musique québécoise ?
Il y a très peu de musique québécoise qui parvienne dans la partie anglophone du Canada. Ce que j’ai entendu ne m’intéresse pas beaucoup. Peut-être est-ce trop traditionnel pour moi ?
Petites chamailleries
Crois-tu que les groupes canadiens sont plus ouverts que les américains, vu l’existence de deux communautés dans ton pays ?
En général, nous sommes plus liés à l’Europe. Ce qui donne une plus grande tolérance aux gens. Un autre goût, aussi. C’est vrai pour la musique, mais pour tous les autres domaines, aussi.
L’esprit familial est-il important pour un groupe comme les Cowboy Junkies dans lequel on compte deux frères et une sœur ?
Oui. Dans un groupe, il est très important de communiquer, personnellement et musicalement. Et je crois que ce côté familial est d'une grande utilité sur ces deux plans. On se connaît très bien. Au niveau musical, notre compréhension mutuelle, le sens inné du rythme et de ce que nous aimons nous aide vraiment à communiquer ensemble.
Qu'en est-il pour Alan Anton, la 4ème roue du carrosse? Il ne sent pas oppressé par la domination de la famille Timmins?
Je le connais depuis l'âge de 4 ans, depuis plus longtemps que mon jeune frère Pete, en fait. Il fait donc aussi partie de la famille.
Y a-t-il souvent des disputes de famille, des querelles de frères et sœurs?
Non. Enfin, oui mais sans grande importance. On ne se bat pas. Nous ne sommes plus des enfants, nous avons nos petites chamailleries mais elles n'ont aucune influence sur la vie du groupe. D'un autre côté, puisque nous sommes frères et sœurs, nous disposons de plus de liberté que si nous étions étrangers l'un à l'autre. On peut vraiment se parler franchement. S'il y a un problème, on ne marche jamais sur des œufs.
Croyez-vous qu'il existe un plus grand sens de la famille au Canada qu'aux Etats-Unis?
Je ne sais pas. Tout dépend des familles. On ne peut pas généraliser ainsi. La nôtre compte six enfants et est très unie. Nos parents sont toujours ensemble. Il existe entre nous un lien vraiment très fort.
L’album recèle deux versions de « Come Calling ». Une rapide et une lente (qui rappelle d'ailleurs celle de « Sweet Jane » par rapport à celle de Lou Reed). Explication?
Nous avons d'abord écrit une version rapide. En fait, nous cherchions un nouveau rythme pour cette chanson. Nous aimions bien la version rapide mais en l'enregistrant, nous sommes passés par une phase de déconstruction du morceau : c'est-à-dire que nous l'avons ralenti pour voir comment il sonnait. On a vraiment savouré ce ralenti qui donnait en plus une nouvelle connotation aux paroles. Au final, les deux chansons étaient différentes. Quand nous les avons enregistrées, nous adorions les deux versions. On s'est dit qu’il pourrait être intéressant d’inclure les deux sur le disque. D'une certaine façon, nous avons réalisé une reprise d'un de nos propres morceaux. Mais d'un autre côté, les paroles traduisent deux points de vue de la chanson, un masculin et un féminin. Le morceau rapide constitue la vision masculine des événements et la lente, la féminine. Ce sont donc les mêmes événements et les mêmes paroles, mais leur côté émotionnel est différent.
C'est pas un peu cliché? La masculine est rapide et plus ‘violente’, la féminine est lente et plus ‘délicate’...
Peut-être mais il n'existe pas de clichés qui ne contiennent pas une partie de vérité. (Il rit)
N'êtes-vous pas à l'étroit dans le style musical que vous avez créé?
Non. Nous avons un son très distinct et spécifique. Pour des raisons étranges, certains estiment que c'est un inconvénient, alors que perso c'est un avantage! C'est en tous cas très inhabituel pour un groupe comme le nôtre. Dès qu'on nous entend, on peut dire que c'est nous! Devrions-nous sonner comme tous les autres? Les Cowboy Junkies ont leur son. Si je veux créer autre chose je monte un projet parallèle ; c'est d'ailleurs ce que concrétise dans les musiques de films. Et je travaille avec d'autres groupes... Mais je n'ai pas l’intention d’enregistrer un album solo: je fais ce que je veux dans le contexte des Cowboy Junkies, puisque je suis le responsable de l’écriture des chansons. Je n'ai donc aucune frustration musicale.
Important pour vous, le changement de label?
D'un point de vue business, il était temps de prendre cette décision. Nous pensions qu'il serait judicieux de travailler en compagnie d'autres personnes, de compter sur un label plus motivé à l'idée de collaborer avec nous. Le temps était venu de changer, après avoir réalisé 4 albums chez RCA.
Es-tu toujours satisfait de la façon dont Margo interprète tes chansons?
Oui, parce que je n'ai pas d'idées préconçues sur la manière dont elles doivent être interprétées. Le plaisir qu'elle a de chanter émane de la latitude dont elle dispose pour y mettre sa propre expression. Cela me fascine toujours de l'entendre interpréter une de mes compositions. Il n'y a pas une chanson où je me suis dit: ‘C'est tout à fait faux’. Si ça arrivait, on en parlerait et on arriverait à se mettre d'accord sur la façon dont elle doit l’être.
Est-ce qu'un jour vous réenregistrerez un disque dans une église comme vous l’avez effectué pour le 1er album?
M'étonnerait... On pourrait recommencer des sessions à l’aide d’un seul micro, mais ça m'étonnerait qu'on retourne dans une église pour le faire... D'accord, les conditions permettent de communiquer une certaine atmosphère au disque. Parce que c’est une église d'abord ; et puis à cause de la réverbération qu'elle produit.
(Article paru dans le magazine MOFO n°42 d’Avril 1996)
Il commence sa carrière à 18 ans, en 78, comme bassiste de Public Image Limited. Les deux albums enregistrés en compagnie du groupe de Johnny Rotten ("First Issue" et "Metal Box"), avant de le quitter, ouvriront les portes à la new-wave. Dès les premières lignes de basse concédées à PIL, on se rend compte qu'il s’agit d’un bassiste d'exception. Jah Wobble le prouvera en solo (en publiant des long playings comme « Betrayal » ou « Snakecharmer ») et aujourd'hui, chez ses Invaders of The Heart. Son dernier opus (« Take me to God ») est un des ses meilleurs disques ; il y utilise la recette de la world music pour mitonner sa spécialité du chef : d'excellentes chansons chargées d’atmosphères. Le premier sujet abordé par Jah concerne la longue éclipse qui l'a éloigné des studios et des scènes...
Je n'ai jamais été quelqu'un de très régulier. Je ne suis pas comme ces musiciens qui réalisent un album tous les ans, tels des métronomes. Je suis plus dissipé. Je ne reste jamais à rien faire. Je me déplace d'un endroit à l'autre, sans toujours me soucier de mon emploi du temps. J'aimais aussi bien aller boire un verre, plutôt que de travailler. Et puis un jour, je me suis rendu compte que j'étais devenu alcoolique. Oh, rien d'extraordinaire, juste un alcoolo comme il en existe beaucoup...
Alcoolo
Tu en parles volontiers?
Pourquoi pas? Ce n'est pas un problème qui sort du commun... Il y a des tas de gens qui ont des problèmes avec l'alcool ou la cocaïne, peut-être plus encore dans le rock business... Sans doute à cause de la pression terrible qu’il fait subir aux rockers. Le rock bizness encule les gens! (rires) La conséquence de la frustration. Ce qui n'est pas neuf, ni spécifique aux musiciens : les mineurs de fond connaissaient aussi des problèmes d'alcool ! Mais finalement, je crois qu’il est bénéfique d’être confronté à un tel danger. Bien sûr, il faut arriver à s'en tirer. Mais en ce qui me concerne, c'était devenu si grave, que je devais trouver une solution. Obligé.
Tu as donc arrêté la musique. Tu as eu un autre job?
Oui, des petits boulots. Et je me suis désintoxiqué, je suis redevenu sobre. Camionneur… J'ai aussi été conducteur de métro à Londres. De retour à la vraie vie... Il a dû se passer 3 ou 4 ans pendant lesquels j’ai décroché de la musique. De 84 à 88, même si un album est paru pendant cette période. Mais là, je m'étais laissé bouffer par la drogue et l'alcool. Et puis, une fois clean, j'ai ressenti que l'envie revenait
Tu acceptes de parler de ce passé?
Ca m'est égal !
Quel souvenir gardes-tu de l'époque de Public Image Ltd?
Très, très amusant ! C'était une période un peu folle. Des tas d’événements dingues me sont arrivés. Et je suis très heureux de les avoir vécus, et surtout d’y avoir survécu, bien sûr. Après avoir quitté le groupe, je me suis dit que l’aventure PIL n’était guère extraordinaire, que des tas de groupes partageait un même concept, revendiquaient un même son. Un an plus tard, je me suis rendu compte que ce n'était absolument pas le cas. Pour l’époque, nous étions vraiment des marginaux. Notre créneau était totalement spécifique ; mais c'était aussi quatre types qui prenaient quatre drogues différentes à des moments différents…
C'est la raison pour laquelle tu as claqué la porte?
Non. Il y a un aspect qui me dérangeait. Trop de monde tournait autour de PIL. Des coiffeurs, des gens du style ; et de moins en moins de paramètres retenaient mon attention. Perso, j'ai toujours apprécié, sur le moment, ce qui pouvait se produire d'intéressant autour de nous. Et là, j'avais l'impression qu'il ne se passait plus rien ou en tout cas, pas suffisamment d’événements. Trop peu de concerts, par exemple. Il me semblait qu'on pouvait en accorder davantage et bien meilleurs... Mais au fil du temps, on a tendance à ne retenir que le positif, même si la période était difficile, même si les egos étaient surdimensionnés, les disputes débiles et la tension permanente... D'une certaine manière, je garde une image parfaite de cet épisode. PIL, je n'y suis resté que deux ans, mais au cours de cette période on a enregistré deux albums importants, deux disques qui ont permis d’ouvrir des voies...
Ensuite, tu rencontres Holger Czukay, de Can. Tu le considères comme un professeur?
Je l'ai rencontré à Londres vers 78, grâce à un ami commun. Je connaissais quelques bribes du répertoire de Can, et je n’en connais pas davantage aujourd'hui. Je ne me considère pas comme un grand fan de Can, mais j'aime bien certains trucs. Les plus bizarres, les plus allumés. Un morceau comme « Hallelujah », j'adore! Mais le reste, ce qui est davantage orienté rock'n'roll, me semble moins intéressant. Bref, je préfère le répertoire le plus expérimental, surtout quand Jaki étale sa technique incroyable à la batterie. Les bandes live que j'ai entendues m'ont semblé excellentes. Pour en revenir à Holger, il est devenu un professeur, car il est parvenu à faire ressortir des capacités qui existaient déjà en moi, mais à l'état latent. J'avais déjà en mon for intérieur, cette suspicion vis à vis de la musique. Holger m'a aidé à la formuler. Il a été une grande inspiration pour moi, et j'aime les gens qui m'inspirent. Aujourd'hui, à mon tour, c'est une grande fierté de rencontrer des gens qui me disent qu'ils s'inspirent de moi. A ceux-là, jamais je ne dis : ‘Tu dois faire ci ou ça’. Je préfère les discussions sur les principes généraux, pour les aider à se positionner comme interprète ou musicien. Je n'ai jamais cherché à copier Holger, mais bien à appliquer ses principes à mon cas personnel. Je travaille dans son esprit, mais pas comme lui. Il y a aussi chez lui un côté ‘Jouons d'abord, réfléchissons ensuite’ qui me plaît beaucoup.
A quelle musique tu t'intéresses aujourd'hui?
Parmi les formes modernes, je dirais la techno. C'est très naïf mais très énergisant, ça me plaît bien. Je crois qu'il y a un parallélisme avec la musique punk de l'époque où j'ai débuté.
Ta musique reflète-t-elle, d'une certaine façon, une ‘prise de position politique’?
Oh, tout est politique, si on veut. Le comportement de chacun a une signification, donc c'est de la politique à la limite. Mais je veux éviter la politique avec un grand P, parce que j'estime que c'est de la merde ou quasi. J'essaie de me construire une vie la plus efficace possible. Et pour y parvenir, à mon avis, il faut chercher une sorte de spiritualité. Donc, la politique... Attention, j’admets que cette manière de vivre n'est valable que pour moi et pas pour les autres. Je comprends bien qu'on se passionne et se batte pour une cause comme la préservation de la forêt amazonienne ou quelque chose de ce style-là. Mais, ma propre vie est guidée par une spiritualité et par la musique, bien sûr.
Tout est jeu
Tu es marié?
Non, divorcé, j'ai deux gamines.
Qu'as-tu appris d'elles?
Une ouverture d'esprit. Je les regarde comme celui que j'étais à leur âge. Chez les gosses, il y a, à la fois, folie et spontanéité. Je me dis qu'elles représentent l'équilibre que j'ai cherché pendant des années... Il suffit de les observer jouer. Pour elles, tout doit être merveilleux, tout est jeu, tout est joyeux : qu'elles s'imaginent être dans le cosmos ou soient simplement dans le jardin… Une ouverture d’esprit qui m'a aidé à voir les choses différemment.
John Wobble, c'est ton vrai nom?
Oui, oui.
Sais-tu que la drummeuse d'L7 a appelé son chien Jah Wobble?
(très pince-sans-rire) Génial, excellent. Il doit effectivement y avoir quelques chiens, quelques chats qui portent mon nom. J'en suis heureux.
Tu portes toujours ce béret?
Non, pas toujours. Des chapeaux ausi. J'aime revêtir de beaux costumes et les assortir d’un couvre-chef. J’adore les grands chapeaux. En général, je suis très, très bien habillé.
Tu imagines ta carrière future?
J'ai l'intention de rester longtemps dans la musique. Et c'est bien, j'y suis à ma place et il y a une place pour moi, je ne dois pas trop me tracasser. Je ne peux pas imaginer un jour en avoir marre au point d'arrêter d’en jouer ou ne plus avoir suffisamment d'idées pour pouvoir continuer. Bien sûr, c'est comme tout le monde, il m'arrive d'être un peu las, surtout quand il s'agit de faire la promo d'un disque. Je t'assure. Par exemple, je déteste accorder des interviews par téléphone. Quelle horreur! Bref, c'est comme quelqu'un qui prend le train chaque jour pour aller au travail, il lui arrive d'en avoir ras-le-bol. Mais, je ne crois pas que je puisse être complètement dégoûté de mon métier au point d'arrêter de le pratiquer.
(Article paru dans le magazine Mofo n°27 de septembre 1994)
Trois ans de silence radio pour Siouxsie & The Banshees et enfin s'annonce le successeur de « Superstition », dernier effort studio du groupe, à ce jour. Rencontrée dans un grand hôtel parisien, Siouxsie Sioux, grande prêtresse du band, évoque ses projets, la musique en général et sa collaboration avec John Cale, qui produit le nouvel album, « The Rapture ».
Confortablement installée sur un sofa moelleux, ses longs cheveux noirs ramenés en chignon, le visage couvert d'une couche épaisse de fond de teint (elle est tombée dedans, à mon avis), ses grands yeux fixant vos moindres mouvements et vos plus discrètes réactions, Siouxsie Sioux se confie paisiblement. Elle avoue une grande admiration pour John Cale et explique le choix de ce dernier comme producteur.
Nous avons terminé l'enregistrement de l'album, au cours de l'été 93. Peu de temps après, nous devions nous produire dans plusieurs festivals. Avant notre départ, je suis allée à Paris pour vivre le concert du Velvet Underground : un des meilleurs shows auquel je n’ai jamais assisté. Ensuite, nous nous sommes embarqués pour cette tournée de festivals : Reading, le Portugal, la Grèce etc... Quand tout s’est terminé, j'ai réécouté « The Rapture ». Il comptait neuf titres à l'époque, et j'ai eu le sentiment qu'il n'était pas achevé. Je voulais y ajouter d'autres morceaux. La firme de disques était prête à sortir le CD, mais j'ai refusé. Je voulais disposer d’un peu plus de temps, écrire d'autres chansons, et peut-être rencontrer quelqu'un susceptible de le finir, parce que jusque-là, nous l'avions produit entièrement nous-mêmes.
6 mois de recherches
Vous avez cherché longtemps?
Pendant six mois! La maison de disques nous suggérait des titres... débiles! Ils prenaient la liste des hit-parades et disaient: " Voyons un peu... qui s'en sort bien? ". Les noms étaient suggérés en fonction du classement!! Bref, on commençait à devenir nerveux... A la même époque, Budgie et moi devions nous rendre à Paris. Nous avions été invités par Hector Zazou (Sahara Blue) pour participer à quelques sessions de son nouveau disque, « Songs From the Cold Sea », une œuvre consacrée à des chants lapons norvégiens, de la mer des pays nordiques... Une très belle idée à laquelle je prête ma voix. Un dimanche de février, nous étions en studio. Et là, nous avons appris que John Cale devait venir chanter sur un des morceaux. Nous l'avons approché.
Sa réaction?
Il était très flatté, mais il désirait d'abord écouter une cassette avant de s'engager. Nous nous sommes rendu compte qu'il était fort occupé : musiques de films, composition d'un opéra, réalisation d'un nouvel album... Il a écouté la cassette et a conclu: ‘Je serais enchanté de produire votre disque, mais tentons d'abord de trouver un moment pour s’y mettre’. Il a débarqué à Londres fin mars, début avril. Nous avons opéré les réenregistrements et mis en boîte les chansons que nous avons composées avec lui. En une semaine, tout était terminé! Puis nous nous sommes repartis à New-York où John connaissait un studio pour remixer les morceaux enregistrés, ainsi que « Fall From Grace » qui demandait à être retravaillé. Voilà pour l'histoire...
Quels sont les avantages et les inconvénients de l'autoproduction?
J'avais l'impression que nous avions perdu une partie de notre âme sur « Superstition » : trop de computers, de mixages, etc. Cette succession de traitements avait fini par dénaturer notre musique ; et puis je ne voulais plus entendre parler de boîtes et de machines. En 92, j'ai définitivement quitté Londres pour m'établir en France. J'ai emmené avec moi tout le groupe et nous nous sommes installés dans ma nouvelle demeure. J'avais des idées très précises sur la façon dont je concevrais ce nouvel album. Nous l'avons produit nous-mêmes, nous avons pu faire sonner les morceaux exactement comme ne le souhaitions. Le problème, c'est que lorsqu'on travaille intensivement sur un projet, on ne peut plus le mettre en perspective et prendre le recul nécessaire. Nous avons compris qu'il nous fallait quelqu’un d’extérieur pour superviser le travail. C'est la raison pour laquelle nous avons demandé à John Cale de nous épauler. C'est quelqu'un que nous respectons et qui a engendré chez moi une confiance que je n'aurais ressentie avec personne d'autre. Je crois qu'on peut dire qu'il y avait entre nous une vraie complicité : il était très facile de lui expliquer ce que nous voulions.
Facile d'intégrer des instruments comme le violoncelle et l'accordéon dans votre musique?
Oui, parce que Martin est accordéoniste de formation. Il s’était surtout chargé des synthés sur « Superstition ». Je lui ai demandé de jouer du violoncelle, parce que c'est un instrument plus physique: on peut facilement entendre les cordes et l'archet ; et de plus il peut être utilisé de façon très agressive. Sa place est importante dans la construction du son de l'album.
Ce projet semble plus calme et reposé ?
Il est certainement plus relax. Nous nous sentons beaucoup plus en paix avec nous-mêmes qu'avant. Mais cet album a ses humeurs; il commence de façon très innocente et stupide (« O Baby ») mais il évolue ensuite au fil du voyage au pays des sentiments, des dilemmes sur la vie et l'amour…
Avez-vous déjà pensé à changer complètement le style de votre musique?
Non, parce que je ne conçois pas Siouxsie & The Banshees comme un concept limité par ses influences… Nous n'avons jamais prétendu être un groupe de jazz, de rock ou une formation punk ou blues. Nos goûts sont très éclectiques. Si nous entendons quelque chose d'intéressant, nous essayons de le réinterpréter à notre façon: nous reprenons à notre compte plusieurs styles sans jamais les parodier.
Creatures
The Creatures, est-ce une sorte d’échappatoire aux Banshees ?
Perso, The Creatures est un projet beaucoup plus simple et dépouillé que les Banshees : c'est un croquis par rapport à une peinture à l'huile. C'est rapide, ce sont des percussions et des voix, c'est instantané ; l'approche est plus simple, on s'embarrasse moins de détails.
Mais un croquis peut être très réussi?
Oui, bien sûr. Je ne donne pas l'avantage à l'une ou l'autre formule. Mais The Creatures est un travail spontané et vite fait.
Peut-on espérer un nouvel album des Creatures?
Oui, mais je ne sais pas quand, dans un an ou deux...
La musique des Creatures utilisait des ingrédients de la world music...
Les Creatures intégraient des influences espagnoles, et des séquences de tambours japonais, dont Budgie est grand amateur.
Comment jugez-vous la musique actuelle de Robert Smith ?
Je ne l'écoute pas. Je ne juge personne.
Vous n'aimez pas ce qu'il fait?
Je ne connais pas son emploi de temps. Il a été guitariste des Banshees durant quelques mois, il y a très longtemps. Je n'ai plus de contacts avec lui.
Vous jouez de la musique depuis longtemps... N'y a-t-il, à vos yeux, pas quelque chose d'injuste dans le statut de musicien rock confirmé? En comparaison avec le blues, le jazz et la musique classique, plus un rocker dure, plus les gens ont tendance à se méfier de lui...
C'est une ‘disposable attitude’. Sans doute parce que le culte de la jeunesse est très important ! Pour ceux qui baignent dans la musique rock, le fait de vieillir pose problème: ils n'acceptent pas que ce qu'ils écoutent vieillisse aussi. Donc ils mettent une date de péremption sur tous les produits musicaux qu'ils écoutent. Ils refusent d'évoluer. Mais c'est leur problème.
Sur l'un des morceaux, « The lonely one », on remarque la présence d’un accordéon et puis d’une voix qui s’exprime en français. Un hommage à la France, pays où vous vivez à présent?
Non pas vraiment. En fait, c'est John Cale qui a suggéré l'idée. Elle s'intégrait bien au morceau, il n'y a pas d'autres significations. C’est un peu cliché, mais il était amusant de jouer avec cette fausse image de la France qu'ont les Anglo-Saxons.
Pauvre scène anglaise
Quel regard portez-vous sur la scène anglaise actuelle?
Je crois que la presse britannique est un élément destructeur. Les journaux musicaux y tentent désespérément de trouver ‘the next big thing’, la prochaine sensation. De jeunes groupes se retrouvent ainsi à la une alors que leur premier single vient à peine de sortir. Le poids à porter subir pour ces artistes est énorme pour la suite de leur carrière qui vient à peine de commencer. Ils sont portés au pinacle instantanément pour être aussitôt descendus en flammes et oubliés au plus vite.
C'est dommage, parce que la scène anglaise a toujours joué un rôle important dans la musique rock?
Oui, mais plus maintenant! Le public écoute plus volontiers des formations ou des artistes américains, aujourd’hui. Et c'est inévitable. Pour deux raisons: d'une part, aux States, il existe la tradition des ‘colleges radios’ ; d'autre part il faut analyser la façon dont les maisons de disques et la presse musicale anglaises se comportent. J'espère que les Anglais se réveilleront bientôt et mettront fin à ce phénomène. Les groupes eux-mêmes doivent être assez intelligents pour prendre leurs distances vis-à-vis des médias et se protéger.
Un nouveau courant, baptisé nouvelle vague de la nouvelle vague, serait occupé de prendre la relève, en Angleterre. Votre opinion?
C'est un signe d'appauvrissement, je pense. Mais ce phénomène renvoie à mon opinion sur la presse musicale anglaise qui veut être la première à dénicher la nouvelle ‘hype’ et pouvoir annoncer que c'est à la mode. C’est le résultat de la compétition entre les magazines. Si j'étais un de ces groupes, je détesterais cette appellation, comme d'ailleurs je détestais qu'on nous définisse comme un groupe punk. Qu'est-ce que cela signifie? Trop limité et si pratique pour les paresseux qui manquent d'imagination. On ne laisse pas les gens décider eux-mêmes, j'ai horreur de ça!
Pourquoi le public accepte-t-il très difficilement qu'un artiste change de style, non pas par pur intérêt commercial, mais simplement parce qu'il vieillit et que son approche musicale change au fil du temps?
Les gens, bien qu'ils vous conseillent d'évoluer et de changer, sont coincés par leurs habitudes, ont tendance à écouter ce qu'ils connaissent et n'aiment pas trop l'inconnu. C'est une sorte de filet de sécurité. Ils sont, en fait, très conservateurs. C'est comme ceux qui voyagent : un Anglais au Maroc veut trouver un endroit où on vend des fishs & chips, un Français, un restaurant de cuisine française... C'est incroyable et triste à la fois : l’être humain a peur de l’inconnu. Cette réaction appartient sans doute à la nature humaine.
(Article paru dans le magazine Mofo n°30 de février 1995)
De son véritable nom Hosford, Mockasin est néo-zélandais. Il avait publié un superbe album l’an dernier, « Forever Dolphin Love ». En fait, il s’agit de son second opus, une version retravaillée de « Please Turn into the Snat », qu’il avait sorti en 2010. Juste avant de monter sur les planches de l’Orangerie du Botanique, ce 26 mars 2012, il nous a accordé une interview. Peu loquace, timide et le plus souvent évasif, déblatérant dans un anglais à couper au couteau, il se révèle néanmoins sympa et souriant. Et finalement, il me fait penser à un ado qui a décidé de s’enfermer dans sa bulle pour n’en sortir que lorsqu’il se produit en ‘live’. Il va d’ailleurs le démontrer, un peu plus tard, tout au long de son set… L’entretien ? Il ne m’apprendra pas davantage que je ne savais déjà. Vu le contexte, cet article a donc été rédigé sous une forme beaucoup plus descriptive que d’ordinaire…
Avant d’entamer une carrière ‘solo’, Connan a milité au sein d’un groupe de blues, Connan & The Mockasins. Un cheminement qui semble logique puisque tout gosse, il écoutait les disques de son paternel, et en particulier ceux de BB King, Hendrix, Clapton et Buddy Guy. Le trio a même tenté de se faire une place au soleil (?!?!) en Angleterre, mais sans grand succès. Et puis, Mockasin n’était pas tellement convaincu par cette aventure. Si bien qu’il est retourné dans l’hémisphère sud.
C’est la maman de Connan qui va jouer un rôle important dans sa carrière. C’est elle qui l’a poussé à sortir un disque. Elle s’inquiétait de voir son fils incapable de décrocher un job et de gagner sa vie. Alors, elle lui a conseillé de foncer. Et le fiston d’enregistrer dans une petite maison en bois à côté de celle de ses parents.
Donc à l’origine, il a réalisé cet album, pas pour le grand-public, mais pour satisfaire à la demande de sa mère. Il l’a conçu comme un live. En solitaire, suivant l’inspiration. Les rares collaborations extérieures se limitent à quelques drums. « Chaque chanson a été écrite puis enregistrée, l’une à la suite de l’autre, sans jamais chercher à donner un ordre bien précis aux morceaux ».
Hormis Crowded House, groupe préféré de sa maman, et les bluesmen notoires qu’écoutait son père, on ne peut pas dire qu’il soit très réceptif à l’histoire de la musique pop/rock et même à la scène contemporaine. Lui parler de Syd Barrett et de Robin Hitchcock ? Pour le premier, il n’y voit aucune affinité. Quand on second, il n’en a jamais entendu parler. Enfin, le label Flying Nun qui a notamment donné naissance, au cours des eighties et des nineties, à des groupes ou des artistes comme The Bats, Bailter Space, The Chills, The Clean, Jean-Paul-Sartre Experience, David Kilgour, Chris Knox et les Verlaines, il en a entendu vaguement parler. Mais cette scène pourtant aussi remarquable qu’injustement méconnue ne l’a absolument pas touché. Ariel Pink constitue quand même une référence. En fait, il puise ses principales influences dans les B.O. de films. En particulier celles réalisées par Joe Hisaishi et Jonny Greenwood.
Connan est également peintre, dessinateur et avoue être très branché sur les visuels. Ses dessins, il les réalise en papier mâché avant de les peindre. Ces poupées lui ressemblent. Ou alors à Andy Warhol ! « Je ne sais pas ! J’ai dessiné avant de jouer de la musique. Je me demande si je ne suis pas meilleur en dessin, d’ailleurs. » Ce sont les circonstances de la vie qui l’ont poussé à privilégier la musique. Il estime également que dessiner une pochette apporte une valeur supplémentaire à un disque. Plusieurs de ses figures illustrent ainsi le booklet de ‘Forever Dolphin Love’. Pour lui, il existe cependant un lien entre la peinture et la musique. Car ces deux formes d’art ne demandent pas nécessairement de la réflexion, mais du feeling. Un peu comme quand on se produit en public. Il estime également l’aspect visuel de ses compos très important pour accompagner sa musique ? Mais ce n’est pas lui qui réalise ses clips…
Mais pourquoi Mockasin est-il retourné en Angleterre ? Tout simplement parce qu’il estimait que le public n’était pas assez réceptif à sa musique en Nouvelle-Zélande. Au départ, on ne peut pas dire que l’accueil ait été plus chaleureux en Grande-Bretagne. Jusqu’au moment où Erol Alkan, boss du label Phantasy ne découvre l’artiste et décide de publier l’elpee. « Erol est simplement quelqu’un en qui j’ai confiance ». Est-ce pour autant, son ami ou son guide. La réponse fuse : « Non, c’est mon boss ! »
Charlotte Gainsbourg a demandé à Connan Mockasin d'écrire un titre pour son nouvel opus, ‘Stage Whisper’. Et puis ce dernier va participer à la prochaine tournée de la fille de Gainsbarre et Jane. Qui passera par les Nuits Botanique ce 19 mai 2012 dans le cadre de leur périple commun baptisé justement ‘Stage Whisper’. « Elle m’a rejoint sur scène, hier à Paris (NDR : c’était à la Cigale) et on est souvent en contact, en ce moment. Via le ‘chat’, notamment »
Connan a également d’autres projets. Dont celui qu’il partage en compagnie de Sam Dust, le leader de Late Of The Pier. Et un album devrait paraître. Quand ? C’est une autre histoire, puisque le tandem bosse dessus depuis plus d’un an. Mockasin s’explique : « Mais Sam est présent ce soir. Il a rejoint mon groupe pour cette tournée. L’album est presque achevé. On est content du résultat. J’espère qu’on pourra le sortir cette année encore. Mais il n’a pas encore de titre. ‘Soft Lizard’, peut-être ? »
Mockasin envisage quand même graver un nouvel opus personnel. Il voudrait qu’il soit plus accessible, plus simple que le précédent. Mais n’est-ce pas risqué de le souhaiter plus abordable ? Il réagit au quart de tour « Non, ça ira, je gère. Même pas peur, j’assure… »
La musique de Mockasin est contagieuse. Lorsqu’une mélodie entre dans votre tête, difficile de s’en débarrasser. Elle peut même trotter plusieurs jours dans votre tête. Il semble étonné : « J’essaie toujours de composer des chansons qui sont agréable à écouter. Mes mélodies sont contagieuses ? C’est bizarre. Enfin, perso, je ne le suis pas ! » (rires) Sa musique est également atmosphérique. Parfois on se demande même si elle ne s’adresse pas davantage aux âmes qu’au corps. Aux esprits plus précisément. Mais notre interlocuteur croit-il aux fantômes, lui qui vit aujourd’hui en Grande-Bretagne où les histoires de revenants sont légion. Au cours de son enfance, dans son patelin natal de Te Awanga, un petit village sis au Nord de la Nouvelle-Zélande, il avait, en compagnie de quelques copains, joué aux fantômes, une histoire qui avait failli mal tourner. Et puis, en Angleterre, il avait aussi commencé à enregistrer son premier opus, dans une maison au sein de laquelle s’étaient produits des phénomènes paranormaux. Connan feint de ne jamais avoir entendu parler de cet épisode : « Oui, il doit exister quelque chose de surnaturel sur cette terre. En Angleterre et en Ecosse, je suis étonné de ne pas rencontrer plus de fantômes. A cause de ces nombreuses vieilles bâtisses. Mais il est vrai que ce sont des expériences complexes et mystérieuses… »
Chaque hiver, Mockasin retourne chez lui. Enfin depuis quatre ou cinq ans. Ce n’est pas pour y vivre l’été. Il n’aime d’ailleurs pas trop la chaleur. Il préfère l’automne. Serait-il nostalgique voire mélancolique ? Il l’était et déclare avoir tourné la page, même s’il aime toujours autant les couleurs de cette saison… sans doute un peu comme Robin Proper Sheppard de Sophia. « Sofia ? C’est ma tour manager. Elle est française » Elle entre à cet instant dans la loge en compagnie de l’attaché de presse, pour me signifier que le temps imparti pour l’interview touche à sa fin…
Juste le temps de sortir les planches destinées à un kamishibaï, illustrant l’histoire des babouches d'Abou Simbel. Et soudain de voir le visage de Mockasin s’illuminer. Comme un enfant, à qui on allait raconter une histoire…
(Merci à Vincent Devos)
La voix haut-perchée, au timbre si particulier, une guitare ou un piano pour l’accompagner, Elvy est un ‘singer/songwriter from Belgium’ tel qu’il se définit lui-même. En publiant ‘The Home and the World’, son troisième opus, sorti en mars 2012, Lionel Vanhaute alias Elvy n’en est pas à son coup d’essai. L’artiste folk/rock avait déjà sorti un premier album intitulé ‘Farwest’, début 2004. Vient ensuite ‘Home recordings’, un recueil de 24 morceaux composés entre 2005 et 2010, tout au long duquel Elvy nous dévoile un univers teinté d’un subtil mélange de douceur, de tendresse et de mélancolie.
Ce qui frappe à la première écoute de ‘The Home and the World’, c’est cette voix en ‘falsetto’ dispensée un peu à la manière de Neil Young, version acoustique. Elvy commente : « J’ai appris à chanter vers 17 ans. Je suis né en 1980. 1997 est l’année d’‘Ok Computer’. Ainsi, j’ai été, en partie, marqué par Thom Yorke. Neil Young dont j’apprécie les premiers albums acoustiques, constitue également une référence. Je ne sais si c’est ma voix naturelle, elle est venue ainsi. »
Bien que francophone de Belgique, Elvy chante en anglais. Il justifie ce choix : « La culture anglophone, par son omniprésence, est également devenue la nôtre. Nous avons donc une double culture et il est aussi légitime de s’en référer autant à l’une qu’à l’autre. C’est une question de penchant. Certains adeptes d’identité culturelle le regrettent, mais je pense que nous ne pourrons pas revenir en arrière et que cette situation nous donne au final une plus grande richesse intellectuelle. »
Elvy n’est pas uniquement un chanteur-compositeur doué. C’est également un multi-instrumentiste talentueux. En effet, il joue de la guitare, de la basse et du clavier. Tous les autres instruments entendus sur ses albums, comme la batterie et les violons, sont en fait des instruments virtuels interprétés au clavier. ‘The Home and the World’ comporte par ailleurs deux morceaux instrumentaux. Elvy s’en explique « J’ai toujours aimé la musique instrumentale, que ce soit la musique classique, le post-rock ou même la musique de film. En composant, il arrive parfois que les doigts jouent des accords sur la guitare et que le chant n’arrive pas à s’intégrer. On sent qu’on tient un truc instrumental et que mettre de la voix n’aboutirait à rien. C’est ce qui s’est passé pour ces deux morceaux ».
A l’écoute de la plupart des compos, à l’instar de ‘Sandflower’ et de ‘The Storm’, on remarque l’omniprésence de la guitare acoustique, le plus souvent jouée en picking. Elvy nous confie : « Je n’ai pas de maîtres dans le sens ou j’ai longtemps été mauvais en picking. J’ai appris seul, parce qu’il le fallait bien pour étendre les possibilités. J’aurais voulu être aussi doué que Ron Sexsmith ou Leonard Cohen ». Excepté une base de solfège acquise auprès d’un professeur, Elvy a vite abandonné le classique pour s’adonner à la musique folk, sans être un féru de jazz pour autant. Et d’ajouter : « J’apprécie certains arrangements mais le swing n’est pas trop mon truc. »
Le jeune trentenaire n’a pour le moment plus de lien avec une quelconque maison de production (NDLR : autrefois, il relevait de l’écurie JauneOrange). Au contraire, faute de label, il a choisi la voie de l’autoproduction. Ainsi, quarante-sept morceaux issus de ses trois albums sont téléchargeables sur son site elvy.bandcamp.com. Elvy concède : « Je n’ai que très peu de chansons en réserve car, bizarrement, je valide tout ce que je fais. Au lieu de composer trente chansons à la va-vite et en garder douze, j’en écris douze que je peaufine jusqu’à ce qu’elles puissent être utilisables. J’ai bien sûr des chutes mais elles ne représentent qu’un quart des 47 morceaux sur bandcamp. » Cependant, pour l’artiste bruxellois, les chansons non publiées peuvent toujours être réutilisées, réarrangées, désossées pour reprendre un refrain, un accord voire un son.
S’il s’est déjà produit au Botanique et à l’AB, ce sont cependant les petites salles où Elvy partage son univers particulier, notamment lors de showcases ou de concerts privés ou en tant que support artist. Cet admirateur de Léo Ferré et de Salvador Allende plaide pour une vision artistique globale, ce dont on peut prendre la mesure en parcourant la rubrique ‘extra’ de son site internet elvy.be . Il confesse cependant : « Il y a certainement un engagement dans ces chansons mais il n'est présent que comme part de moi-même. Je n'ai pas l'envie de composer des morceaux dont l'essence même est la lutte sociale. Je suis quelqu’un de bien plus triste et désabusé qu'engagé. »
Elvy s’est construit progressivement un monde à part dans le milieu de la chanson folk. Ses mélodies légères, éthérées et sa voix aérienne et délicate forment un tout indissociable, qui devrait plaire à ceux qui sont à la recherche d’une atmosphère paisible telle que celle qui se dégage de chansons comme ‘Childhood’, ‘Landfall’ et ‘Unwise’.
Elvy, un artiste à découvrir d’urgence pour les amateurs du genre.
Il aura donc fallu 8 albums en 14 ans de galère (et de distribution alternative) avant que Chumbawamba ne parvienne à sortir la tête de l'eau, ou du lot, si vous préférez. Le groupe de Leeds, après avoir milité dans un punk anarchiste, rebelle et intello, s'était pourtant converti à la pop, en 1990. Mais ce n'est qu'aujourd'hui, après avoir rejoint une multinationale (EMI) qu'il décroche enfin un hit single avec « Tubthumping ». Pourtant, les paroles des chansons sont restées très révolutionnaires... La ‘contradiction’ méritait les explications du chanteur Danbert ‘The cat’ Nobacon et du bassiste Paul Greco. Et c’est ce dernier qui prend d’abord la parole…
P.G. : En fait, nous nous sommes un peu brouillés avec notre ex-label One Little Indian. Ces gens s'étaient mis en tête de contrôler notre création. Ils ont complètement saboté la promotion d'un album que nous avons enregistré après « Anarchy ». Et lorsque nous leur avons proposé les démos de « Tubthumper », ils nous ont suggéré de plutôt sortir... un ‘best of’. Nous sommes donc partis, finançant nous-mêmes ce CD. Finalement, nous avons conclu un accord avec EMI-Allemagne, mais il ne porte que sur une période de 6 mois. Après quoi, nous prolongerons notre collaboration, si ça colle toujours ».
Collectif Anarchiste
Chumbawamba compte huit membres. Pas trop difficile à vivre?
P.G. : Pas vraiment. Tout au long de notre histoire, nous avons été un collectif anarchiste: quelle que soit la décision à prendre, aussi bien dans le domaine de l'écriture que des concerts, le choix des morceaux, nous nous mettons toujours autour de la table pour en discuter. Nous fonctionnons comme une démocratie réaliste et l'argent est réparti équitablement entre nous.
D. N. : Bien sûr, nos opinions sont parfois divergentes et des problèmes personnels peuvent surgir. Mais nous sommes ensemble depuis plus de 15 ans, la période est suffisamment longue pour bien se connaître.
Pourquoi Chumbawamba est-il devenu un groupe pop après avoir été punk?
D.N. : C'est le mouvement punk qui nous a donné envie de monter un groupe. Notre premier album était très punk, mais nous n'avons jamais perçu le punk uniquement comme un style musical: c'est plutôt une attitude et un moyen de véhiculer nos idées contestataires. Ainsi après nos disques initiaux, nous avons sorti un album a cappella, constitué de chansons anglaises révolutionnaires. Jamais nous n'avons misé sur l'immobilisme, au contraire, nous avons cherché à atteindre d'autres publics. Aujourd'hui nous jouons de la musique pop, qui contient des éléments dance, punk, folk, etc. Nous essayons de brasser un maximum de styles.
P.G. : Les puristes punk pensent que nous avons ‘décroché’, mais pour nous, le punk des 70s symbolisait surtout l'opposition à l'autorité. C'est encore le cas de la musique que nous faisons à présent.
Couverture a la Benetton
Vous avez déclaré un jour que l'évolution de la musique s'était achevée avec Crass. Vous qui venez de Leeds, vous n'avez jamais cru à la scène gothique de votre ville?
D.N. : Je comprends que cette scène gothique ait pu frapper certains, mais pour nous, la scène de Leeds, c'était les Mekons et Gang of Four, plutôt que Sisters of Mercy et Mission.
Sur la pochette de votre album « Anarchy », on voyait un enfant sortant du ventre de sa mère. Encore un coup de provoc, en particulier à l'égard des puritains?
D.N. : C'était un peu une couverture à la Benetton censée susciter un choc. Tout le monde est venu comme ça et la naissance est un moment fort. Bien sûr, nous savions que certains petits esprits seraient outrés, qu'il y aurait un petit scandale.
Chumbawamba se sent-il investi d'une fonction sociale?
D.N. : Nous pensons que la musique a une force colossale. Les gens écoutent davantage la musique que les hommes politiques. Bien sûr, c'est devenu un business, ce n'est pas nouveau et il existera toujours des gens qui feront du fric à partir de quelque chose qui devient populaire. J'espère quand même conserver une certaine intégrité. La musique reste un moyen de contestation. En même temps, c'est un moyen d'évasion...
Rien à voir avec le chaos
Quel est le système politique idéal pour Chumbawamba?
P.G. : Le rêve serait d'adopter un système anarchiste au sens étymologique du mot: sans autorité. Les gens se réuniraient et travailleraient ensemble, de leur propre initiative. Il n'y aurait pas besoin de leader pour dire ce qu'il faut faire. Il ne serait pas nécessaire de créer une police répressive ou même un système judiciaire. Evidemment, c'est l'utopie... Et nous avons compris qu'il fallait vivre dans le monde réel. En fait, nous croyons beaucoup à une méthode basée sur la décision collective, à l'instar de ce que nous pratiquons au sein du groupe. Nos systèmes politiques mettent l'accent sur le parti, et surtout sur leur propre intérêt, c'est-à-dire le pouvoir. Ils sont plus intéressés par l'argent que par le peuple. Dans un sens, nous sommes des socialistes avec un ‘s’ minuscule.
D.N. : Nous gardons les pieds sur terre, mais il faut insister : l'anarchie qui est le mode de vie auquel nous adhérons n'a rien à voir avec le chaos. C'est une lutte pour un monde meilleur. Nous n'avons pas la prétention de prôner un modèle, nous décrivons simplement les choses telles que nous les percevons. Et ce qu'on voit n'est pas franchement joli.
Vous combattez le fascisme, mais en même temps, vous n'appréciez pas plus le communisme. Explication?
P.G. : le totalitarisme des stalinistes et des nazis étaient fort proches, deux régimes d'oppression, des millions de gens sont morts! Nous n'avons aucune sympathie envers quel que régime totalitaire que ce soit.
D.N. : Les régimes fascistes et communistes ont un profond mépris envers les individus. La différence? Le nazisme affiche son idéologie vis à vis de groupes ethniques, sexuels, alors que le communiste ne l'affiche pas, mais a le même sentiment à l'égard des pauvres ou des groupes ethniques qui ne s'intègrent pas.
Vous ne semblez pas satisfaits du retour des travaillistes à la tête de l'Angleterre. Pourtant, vous vous étiez prononcés pour le départ des conservateurs...
P.G. : Non, l'état de grâce est fini pour Tony Blair. Les travaillistes se sont déjà attaqués au système de la sécurité sociale. Les citoyens vont devoir souscrire leur propre assurance en cas de chômage. Les étudiants vont devoir payer pour fréquenter l'université. Les promesses électorales sont passées à la trappe. Tony Blair a la même idéologie que son prédécesseur, mais avec un plus grand sourire. Il y a peu de différences, entre le parti conservateur et le parti travailliste. Résultat des courses: de nombreux étudiants rencontrent d'énormes difficultés financières. Ce n'est pas normal! Nous en revenons au régime qui était d'application avant 1940. Le gouvernement britannique est occupé à démanteler le système social mis en place après la seconde guerre mondiale. Et ce sont des prétendus socialistes qui y contribuent!
Merci à Vincent Devos
(Article paru dans le n°60 du magazine Mofo de février/mars 1997)
Quand j'écris une chanson, il y a effectivement une conscience du temps. Chaque seconde, chaque battement de cœur, c'est un peu de temps passé. Je perçois de plus en plus cette dimension. Et si j'en tiens compte, ce n'est pas à la suite d'une décision consciente. C'est plutôt dans la nature même de la musique. Je suppose qu’une telle réflexion en 1995, c'est vraiment quelque chose de spécial, parce que la plupart des autres groupes n'y prêtent guère attention. Dans le blues, c'est très important, dans la country également. On vient d'enregistrer une reprise de « Funny How Time Slips A way » de Willie Nelson pour un 45trs (NDR: un vrai vinyle).
La longueur des chansons, c'est souvent un problème pour les radios?
Oui, aux Etats-Unis, les radios ne passent pas une chanson si elle excède les 3 minutes 30. Nous avons donc malheureusement dû prévoir des versions brèves, des ‘radio edits’, pour « Dreaming of Love » et « I Lied ». J’essaie de ne pas y penser parce que ce système n'a plus rien à voir avec ma démarche, à l'origine. C'est vraiment débile. Je ne vois vraiment pas pourquoi un auditeur changerait de station à cause d’une chanson plus longue que les autres. Pour ne pas déprimer, j’essaie d’y penser comme une autre manière de l’arranger, une autre façon de formuler les choses. Live, on peut jouer une compo pendant 15 ou 20 minutes. En tout cas, il me serait très difficile d'en écrire une courte.
Tu parles de blues, tu ne crois que les musiques les plus intéressantes aujourd'hui sont celles qui empruntent aux vieux genres américains en les actualisant, comme chez Mazzy Star ou les Palace Brothers?
Oui, on pourrait ajouter Beck et Spiritualized. En 1988 ou 1989, un ami m'a fait découvrir Spacemen 3 et ce fut une révélation pour moi. Ils attachaient tellement d'importance à des formes classiques de musique tout en restant très contemporains. Ils étaient de notre génération. Je n'avais jamais vu aucun groupe jouer aussi intensément et en même temps intégrer des genres musicaux plus anciens comme le blues ou la country. C'était mon groupe préféré. Aujourd'hui, j'aime bien Spiritualized mais ce n'est plus pareil. La dynamique entre Jason Pierce et Sonic Boom apportait vraiment quelque chose de très fort. C'est dommage qu'ils n'arrivent plus à travailler ensemble. Je pleurerais de joie si leur collaboration pouvait recommencer.
Alors que penser de tes sœurs qui composent des chansons très courtes pour That Dog?
J’adore. La première fois que j'ai assemblé des chansons pour Spain, je craignais que personne ne veuille les écouter. Elles ne présentaient aucun passage bruyant, qui t’explose à la figure. Or, ce sont bien ces chansons ‘en colère’ qui plaisent surtout aujourd’hui. Au début de That Dog, Anna (la 3ème That Dog) venait à la maison de ma mère, chez qui j’habitais à l’époque. Elle montait dans la chambre de mes sœurs, et toutes ces filles assises par terre en cercle, jouaient des trucs très lents à la guitare acoustique, comme sur leur premier album. Je les écoutais dans un coin et c’est ce qui m’a incité à m’y mettre aussi. J’ai donc un grand respect pour That Dog et pour le talent de songwriter d’Anna. Elle a vraiment son style propre et n’accepte pas facilement un compromis. Aucun groupe ne leur ressemble.
La pochette de « Totally Crushed Out » est formidable aussi, non?
Oui. C'est un concept imaginé par Anna et Tony (le 4ème et dernier That Dog). Ils aiment tout ce qui tourne autour de la littérature romantique, un peu à l'eau de rose.
L'ordre des titres est important sur ton album?
Je ne savais pas très bien quel ordre choisir, mais j'étais sûr de deux choses: « It’s so True » devait ouvrir l'album et « Spiritual » le refermer. Je ne voulais pas en faire une histoire de chute et de rédemption. Trop cliché ! Même si « Spiritual » (qui s'ouvre par les mots ‘Jesus, oh Jesus, l don't wanna die alone...’) peut donner ce sentiment de rédemption, en permettant à l'album de se refermer sur une note positive. Mais la chanson peut aussi être interprétée tout autrement. Finalement ce qui m’intéresse, c'est de savoir si Dieu existe et je ne pense pas que ce soit la conclusion qu’on puisse en tirer. Je laisse ouvertes mes chansons à l'interprétation puisque tout y est d'ailleurs sujet dans la vie.
Soigner la fin d'un album, c'est un peu comme prendre soin de raccompagner à la porte son invité, l'auditeur en l'occurrence?
Je n'y avais jamais pensé sous cet angle, mais ce raisonnement se tient. Il faut soigner son invité. En même temps, la porte reste ouverte, pour qu'il puisse revenir. Si on ne peut pas sortir quand on veut de la maison, on ne voudra jamais y entrer. L'intérieur et l'extérieur sont indissociables. Dans ce sens, « Spiritual » est effectivement la bonne chanson pour clore le disque.
Il parle beaucoup de confiance et de trahison?
De foi aussi. Ces thèmes sont récurrents. Et aussi la manière dont une trahison nous affecte. A se demander d'ailleurs comment on peut avoir foi en Dieu. Regarde l'état du monde. Il y a tant de souffrance. Il me serait vraiment difficile de croire en une puissance supérieure. Si Dieu existe, il a trahi la foi de ses fidèles. Si c'est un Dieu chrétien, en tout cas. Finalement, presque tout l'album ne traite que de ce sujet.
La confiance, donnée ou reçue, c'est fondamental aussi non ?
Un dicton dit que le meilleur moyen de connaître quelqu'un est de faire l'amour avec cette personne. Rien n'est caché. Mais je ne suis pas sûr du bien fondé de ces paroles. Il y a tellement de gens qui savent si bien mentir rien que pour pouvoir se mettre au lit avec quelqu'un.
Peut-il y avoir un moment où on ne cache rien?
Non, il y a simplement des moments où on cache moins.
(Article paru dans le n° 38 du magazine Mofo de novembre 95)
En 1989, Faith No More décrochait un hit :’Epic’, un rap-metal imparable. Trois ans plus tard, ‘Angel Dust’, album riche et complexe brouille les pistes sans altérer la popularité des Californiens. Mieux encore, tous leurs 1eurs concerts européens affichent sold-out. Pour en parler, place à Bill Gould, le bassiste ‘qui tue les enfants’. Sujet de la conversation également abordé : Guns’N’Roses, Metallica et Richet Said Fred. Après avoir joué aux Etats-Unis en lever de rideau, justement de Metallica et Guns’N’Roses, Faith No More s’est lancé dans une longue tournée européenne en compagnie d’L7 et sous le patronage d’MTV. Entre Glasgow et Paris, le quintet de San Francisco faisait escale à Deinze, pour la 2ème fois en un mois, dans un Brielpoort plein à craquer. Après avoir publié 4 albums, Faith No More s’installe parmi les forces majeures de ce début de décennie, aux côtés de Nirvana, Metallica et Red Hot Chili Peppers. Voués malgré eux à un succès planétaire, ces groupes produisent tous un rock féroce, viril et sans compromis.
« La musique, les goûts du public et l'industrie du disque ont évolués, mais je me demande si cette situation va durer ou si ce n'est que provisoire. Il est difficile d'analyser le succès d'un groupe comme Nirvana, tout comme le nôtre. Pourquoi sommes-nous si populaires? Je n'en sais rien. Le 45tours ‘Epic’ a servi de détonateur ; auparavant, personne n'avait entendu parler de Faith No More. Ce qui nous a permis de toucher un public plus large. Jane's Addiction et Red Hot Chili Peppers ont connu le même succès. Nous avons certainement ouvert des portes. C’est plus facile aujourd'hui pour un groupe de rock d'entrer dans le Top 40 qu'il y a 3 ou 4 ans. Les maisons de disques ont compris qu'il y avait une demande pour notre musique. Les radios américaines ont également changé leur fusil d'épaule: elles n'hésitent plus à passer du rock radical »
Maisons de disques et stations de radio ne sont pas les seules à avoir favorisé le succès de Faith No More. Il y a aussi la télévision, MTV plus précisément. La chaîne musicale sponsorise la tournée européenne du groupe et pour promouvoir celle-ci, elle n'a pas lésiné sur les moyens : interviews et clips chaque semaine, pendant un mois, dans le cadre de l'émission ‘Post Modern’.
« Je n'ai pas vu ce programme, précise Bill. On a réalisé toute l'interview en un seul jour. Elle a été découpée en plusieurs tranches pour le programme en question. Oui, je sais, il est agaçant de nous voir constamment à la télé? C’est du matraquage, je partage ton point de vue ; et à la longue, ça devient lassant. Toujours les mêmes questions qui reviennent. Mais bon, on n'a pas touché d'argent pour cette promo. Au contraire, c'est moi qui ai payé MTV: 3 heures de mon temps! Le tournage s’est déroulé en Finlande ; et franchement, j'aurais préféré me balader dans les rues d'Helsinki plutôt que de rester à l'hôtel pour me taper cette saloperie. »
Publics Ennemis
Depuis la sortie du single ‘Epic’ et la confection de l'album ‘The Real Thing’, est paru l’elpee ‘Angel Dust’, décrit en termes laudatifs par l'ensemble de la critique bien qu'étant moins accessible que le précédent opus, tant par la forme que par le fond. Etait-ce le seul moyen de se débarrasser des kids pubères et branchés?
« On ne veut pas enregistrer le même disque à chaque fois. Dès lors, il est normal qu'on touche plusieurs publics en même temps. Parmi nos fans, il y a la phalange pure et dure et puis les petits jeunes qui viennent au concert pour ‘Epic’, parce qu'ils l'ont entendu à la radio. Ceux-là, dans un an, aimeront probablement un autre groupe. Mais ce n'est pas notre problème. On a tourné en compagnie de Guns'N'Roses et Metallica, devant une bonne partie de leur public. Ce n’est pas nécessairement dérangeant. Les gens ont de mauvais goûts musicaux, de toute façon. Il faut être débile pour aimer Faith No More! (rires). Mon boulot ne consiste pas à analyser les motivations de nos fans mais plutôt de leur vendre des T-shirts! (rires) ».
Les reprises du groupe sont particulièrement significatives à ce sujet. « Lors de nos premiers concerts accordés à San Francisco, on nous reprochait de jouer du Black Sabbath, c'était impopulaire, un truc de hippies. Pour emmerder le monde, on a continué à en interpréter. Mais par la suite, les hard-rockers ont commencé à s'intéresser à notre musique et réclamaient constamment ‘War Pigs’. A leurs yeux, on était devenu heavy metal, simplement parce qu'on reprenait ce morceau. C’est pour faire chier ceux-là qu'on joue désormais ‘Easy’ des Commodores. C’est un clin d'œil. Et lorsqu'‘Easy’ aura fait son chemin, on choisira une autre chanson. On aime bousculer les habitudes. »
Sur les Roses
Pour Faith No More, la tournée américaine accomplie en compagnie de Guns'N'Roses et Metallica constituait avant tout l'occasion rêvée de se produire dans des stades, devant la toute grosse foule. Toutefois, Bill garde un souvenir amer de cette expérience: « Avec les Guns, on a joué devant 80 000 personnes en un seul jour. Il nous aurait fallu 40 concerts pour attirer une telle foule. Ce qui nous paraissait être une bonne idée au départ ; mais on s'est vite rendu compte que le public s'était déplacé uniquement pour voir Guns'N'Roses et Metallica. C’est un peu frustrant. En Europe, ce périple nous a aidés, parce qu'on y est moins connus. Le principal, c'est qu'un maximum de gens nous écoute. D'un point de vue humain, cette tournée s'est bien déroulée pour la simple raison qu'on ne s'est pas souvent côtoyés. Je n’ai rencontré Axl qu'une seule fois. Au début, on était attentifs à ce qu'on disait ; mais par la suite, on s'en foutait royalement. On les regardait jouer, sur le côté de la scène, en se payant continuellement leurs têtes. Après, il y a eu un froid. Ils avaient probablement lu dans la presse ce qu'on pensait de ces cons! »
Metallica, par contre, est un groupe que Bill apprécie énormément: « Ce sont de bons amis et j'aime ce qu'ils font. Au niveau metal, il n'y a que 2 groupes qui nous ont influencés: Slayer et Metallica. Avant qu'ils n'apparaissent, j'avais toujours détesté le heavy metal et ses hordes de poseurs. Je préférais le punk rock. Je ne supportais pas Led Zeppelin, par exemple, parce que c'était le groupe favori de mon père. Je l'associais à une certaine forme d'autorité. Moi, j'écoutais Black Flag et les Sex Pistols. Aujourd'hui, j'aime bien Led Zep parce que ce n’est plus une menace pour moi. »
Rumeurs
Les membres de Faith No More possèdent un sens de l'humour hors du commun. Ils adorent faire des blagues ou dire le contraire de ce qu'ils pensent. Malheureusement, leurs gestes et paroles sont souvent interprétés au premier degré. C’est le cas de cette histoire où Jim Martin, le guitariste expliquait à un journaliste anglais comment il avait fait sauter sa chambre d'hôtel à l'aide d'un flingue. Ce que le journaliste en question avait oublié de mentionner dans son papier, c'est qu'il s'agissait d'un pistolet en plastique! Bill a d'ailleurs un message à l'adresse de ceux qui liront cette interview: « Ne croyez pas ce qu'on raconte dans les journaux, ce n'est qu'un tissu de mensonges. Beaucoup de journalistes exploitent les musiciens afin de se rendre intéressants, en inculquant aux lecteurs des mythes qui n'existent pas! »
Ainsi, les choses sont claires. Quand on vous révèle que Bill a pour hobby d'uriner du haut d'un pont, on ne cherche qu'à se rendre intéressant. Mythe ou pas mythe, tentons d'élucider la question. Avec beaucoup de bonne volonté, Bill lève le voile sur les rumeurs qui entourent le groupe. Il est de notre devoir de signaler que certains passages sont susceptibles de choquer les âmes sensibles. Vous êtes prévenus.
Tout d'abord, cette collaboration avec Right Said Fred. Est-ce vrai ? Bill nuance : « C'est davantage une blague, mais si l’occasion se présentait, pourquoi pas? Bien que je n'ose imaginer le résultat! (rires). On serait peut-être les seuls à trouver ça drôle! Ils sont cools, Right Said Fred, pas prétentieux pour un sou ».
La maison de disques de F.N.M. s’est-elle finalement remise des frayeurs causées par le dernier album? Réponse de notre interlocuteur : « On a laissé supposer pendant longtemps que l'album s'intitulerait ‘Crack Hitler’ (titre d'un morceau) pour lui faire peur. Ce n'était qu'une blague de plus. Un autocollant a quand même été appliqué sur la pochette, pour mettre en garde les parents qui se soucieraient du contenu. »
Les musicos de F.N.M. seraient des misanthropes ! Réaction : « Ceux qui prennent tout ce qu'on dit au premier degré doivent nous prendre pour des misanthropes ; mais c’est parce qu’ils n’ont aucun sens de l'humour. Je ne pense pas qu'il faille toujours donner des explications sur tel ou tel morceau. Chacun y trouve ce qu'il cherche et tant pis pour celui qui est incapable de comprendre une blague. Je n'aime pas lever l'ambiguïté, mais je vais quand même avouer que personne parmi nous n'est misanthrope. Tu me trouves méchant, honnêtement? On aime bien jouer avec les pieds des gens, c'est tout. Ca nous amuse. Je trouve que les Européens perçoivent plus facilement notre humour que les Américains… »
Et clôturons cet entretien par la polémique sur les armes. Bill serait-il armé ? « Pas encore, mais je pense m’acheter un flingue dès mon retour aux USA. A San Francisco, il est moins dangereux d'avoir une arme que de ne pas en avoir. Ainsi si tu peux aussi tuer quelqu’un au volant d’une voiture ! » Ah bon, et quelle cervelle aimerait-il faire sauter ? « La mienne (rires). Non, sérieusement, celle d’un petit bébé. Et après, je lui pisserais dessus! » (rires) Et d’en remettre une couche : « Je tue des nourrissons, tant que je ne me fais pas prendre. Personne ne m’a encore jamais attrapé! (rires) La justice est impuissante, tu sais… »
Article paru dans le n° 8 du magazine Mofo de décembre 1992
La réussite d’EMF a été très rapide. Elle a donc rendu le groupe suspect. Plan ‘plaqué or’ du business, accident de passage ou groupe crédible et sincère? On n’a pas lésiné sur les interrogations. Normal après tout, il faut bien qu’il y ait une rançon à la gloire. Cette gloire, EMF l’a parfaitement assumée et digérée. Faut voir le professionnalisme exacerbé de ces jeunes types pour le croire: Zac (pour Zachary Sebastian Rex James Foley), le bassiste, tâche déjà de vous vendre, en interview, sa ‘camelote’, avec un désintérêt feint qui égale celui des habitués de ce genre d’exercice…
« Si je crois que ‘Stigma’ (le nouvel album sorti chez EMI) représente une progression ou une confirmation pour EMF par rapport à ‘Shubert Dip’ ? Ben, une progression oui, enfin, j’espère ! Mais demande plutôt au public qui vient nous voir ! Il peut mieux juger que moi. »
Bien, signalons quand même à Zac, pour le cas où il ne l’aurait pas perçu directement, que ledit album est tout de même sensiblement plus sec, plus heavy, que le précédent, tout illustre soit-il. « Je pense que l’explication est simple : nous avons beaucoup tourné depuis la sortie de ‘Schubert Dip’. » Il ne faut pas oublier que ce groupe est très jeune. « Nous n'avions accordé que quelques concerts locaux quand EMI nous a signés. Well, on a tout de suite commencé à enregistrer et on a appris des trucs en méthode accélérée. Le fait d'avoir joué beaucoup a raidi assez sensiblement notre son. C'est normal! On a voulu retrouver sur le disque celui que nous dispensons en ‘live’. Ou, en tout cas, nous en rapprocher au maximum ».
A l’instar de leur premier opus, ‘Stigma’ mélange les styles. On y rencontre à la fois du heavy, du pop, du punk, du progressif (les claviers de ‘They're Here’ évoquent ceux d'Hawkwind voire d'Eloy époque ‘Metromania’). Est-ce ce qui constitue leur marque de fabrique. Soignent-ils cet aspect des choses? Zac s’explique : « Je ne peux pas dire qu'on le soigne parce que tout cela est parfaitement naturel pour nous. Nous ne calculons rien. Nous n'écrivons jamais de chanson en nous disant ‘on va mettre dix pour cent de ceci, vingt pour cent de cela, etc.’ Ce sont les journalistes qui établissent le relevé de ces dosages, plutôt! Nous, en fait, à partir du moment où une chanson nous paraît bonne, qu'elle plaît au groupe, OK, on la classe dans le tiroir du dessus. Mais il faut qu’elle reste naturelle et spontanée, sinon on va se casser la gueule, je pense. On n'est pas des types à jouer aux apprentis sorciers! Le business nous laisse froids de toute manière. Merde, on sait ce que c'est ce business. C'est la musique qui nous botte, sinon on se contenterait de vendre des disques et on ne ferait pas des concerts tant qu'on peut. C'est pas facile tous les jours ces grosses tournées, je peux te le dire! » Ces périples justement, sont-ils accomplis, parce que le groupe a quelque chose à prouver? « Qui peut dire qu'il n'a rien à prouver? A partir du moment où tu proposes quelque chose, tu as quelque chose à prouver! On n'a rien à justifier, ça c'est certain. OK, je vais te donner un exemple: je me souviens parfaitement de notre précédent concert en Belgique. Eh bien on veut démontrer aux gens d'ici qu'on est meilleurs encore qu'alors. Et pourtant, on a été bons, la dernière fois ».
Les lyrics des compos ne sont pas imprimés sur le booklet. On imagine dès lors facilement qu’ils n’ont guère d’importance pour le combo. Réplique : « Ils n’ont pas plus de valeur que nos mélodies. Cela dit, nous n'imprimons pas non plus les partitions de nos chansons! Nos textes sont importants pour nous. On ne dit pas n'importe quelle ânerie. Mais bon, on ne défend aucune cause, non plus. Il ne faut pas que cela devienne une obligation… »
Article paru dans le n° 8 du magazine Mofo de décembre 1992
De son véritable nom Dennis Leigh, John Foxx était le chanteur original d’Ultravox avant qu’il ne soit remplacé par Midge Ure, quand il s’est décidé d’entamer une carrière solo. C’était en 1979. Ce soir John Foxx et son groupe accorderont un concert à Aarschot. Et je suis très heureux de pouvoir rencontrer un des mes héros juste avant ce set. En dépit de son statut d'artiste légendaire, il est très modeste, voire même timide, un vrai gentleman à l'anglaise. Ecoutez ici l'interview complète réalisée avant le concert (audio). Ou lisez ci-dessous un résumé des idées maîtresses.
"La nostalgie, ça ne m'intéresse pas". La voix de John Foxx est profonde et douce. De nostalgie, il n'est en effet pas question. S'il a repris, il y a trois ans, le chemin des studios et de la synth-pop, après une longue période d'introspection, c'est pour prendre une nouvelle direction, donner une dimension moderne à la musique qu'il avait imaginé à la fin des années '70. Cette décision, il l'a prise après avoir rencontré Ben ‘Benge’ Edwards, un magicien des claviers, qui a rassemblé dans son studio à Londres une collection inouïe de synthés vintage analogiques. Dans cette caverne d'Ali Baba, on trouve les dinosaures électroniques grands comme des armoires utilisés à l'époque par Tangerine Dream, mais également les premiers Moog Modular, des ARP 2600, Yamaha C360 et autre Korg Trident.
"Travailler en compagnie de Ben est génial car il m'a permis de retrouver le plaisir de se servir de synthétiseurs analogiques. En fait, ils n'ont jamais été pleinement exploités depuis leur création il y a 30, 40 voire 50 ans. Pourquoi? Simplement parce qu'ils ont été très rapidement remplacés par les instruments numériques. Donc, dans le studio, nous les amplifions et les enregistrons à l’aide de technologies modernes et nous découvrons des sons qui n'avaient jamais été révélés auparavant."
Rien d'étonnant donc à ce que ce studio soit devenu le point de ralliement de toute une nouvelle génération de DJs, compositeurs et autres claviéristes, pressés d'explorer cette nouvelle ‘forêt amazonienne’. On pense bien sûr à Ladytron et plus particulièrement à Mira Arroyo, la seconde chanteuse et claviériste du groupe, qui s’illustre sur un des morceaux de John Foxx & The Maths. Ont également participé aux sessions, le duo new-yorkais Xeno & Oaklander, Gazelle Twin, et le DJ français Jean-Gabriel. Mais surtout deux jeunes chanteuses/compositrices/multi-instrumentistes qui militent maintenant au sein du groupe : Hannah Peel et Serafina Steer. "Ce sont deux excellentes musiciennes, chacune avec un univers et une personnalité propres. Serafina, par exemple, est la seule personne que je connaisse qui soit capable de jouer une mélodie complexe au synthé et une ligne de basse en même temps ; le tout en assurant les 'backing vocals'. Elle enregistre actuellement en compagnie de Jarvis Cocker (Pulp). Quant à Hannah, elle a notamment fait appel une chorale de 36 personnes, pour participer à la confection d’un album. Elle écrit aussi des musiques de film et de pièces de théâtre." Notons au passage que cette dernière sera à l'affiche des Nuits Botaniques en première partie de Lisa Germano.
A ce moment de l'interview, une question me brûle les lèvres. J'ai toujours voulu prouver le caractère véritablement ‘pionnier’ de la musique de John Foxx. Et les indices que j'ai relevés me sont confirmés par l'intéressé: dans l'histoire du rock, le tout premier morceau de new-wave synthétique (synth-pop), un style qui sera popularisé plus tard grâce à Gary Numan, Depeche Mode, Human League et autres Simple Minds, est bel et bien ‘Hiroshima Mon Amour’, qui figure sur ‘Ha! Ha! Ha!’, l'album d'Utravox! datant de 1977. Mais par qui John a-t-il lui même été influencé? On a souvent cité Roxy Music, David Bowie et bien sûr Kraftwerk mais il existe d'autres influences bien plus notables. "Je pense surtout à Neu! et à la scène électronique allemande des années septante. Il y avait aussi The Velvet Underground, et tout le mouvement qui gravitait autour d'Andy Warhol. Sans oublier les Beatles. Leur producteur, George Martin, est un génie. Il est le premier à avoir utilisé le studio comme un instrument à part entière. Il expérimentait à l’aide de loops, de samples et de bandes passées à l'envers. Cet esprit a ensuite débarqué en Allemagne et a été repris par Tangerine Dream, Kraftwerk, Can, Neu! et toute cette génération rassemblée autour de Conny Plank, le George Martin de Düsseldorf."
John est largement en faveur de ces échanges d'influences. Il n'est nullement amer de voir que des tas d’autre artistes ont largement puisé dans ses créations, récoltant même davantage de succès. "Et s'ils gagnent de l’argent grâce à ça, tant mieux, de toute façon l'argent n'est qu'un produit secondaire. Vous savez, c'est Picasso qui disait: 'Un artiste moyen reprend, par contre un véritable artiste vole!' Aujourd'hui, des gens comme SKRIILEX ou encore Justice coupent en morceaux toute l'histoire de la musique et les réassemblent à leur manière. C’est très intéressant! En outre, les Etats-Unis viennent de découvrir la musique électronique –mieux vaut tard que jamais– ouvrant d’énormes perspectives à la nôtre."
A propos de futur: quels sont les projets de John Foxx And The Maths? "Un nouvel opus sort le 19 mars prochain : ‘The Shape Of Things' ; et, ensuite, un Ep début juin, sur lequel figurera des remixes et diverses collaborations. Ensuite, nous travaillerons sur de nouveaux morceaux. Nous ne savons pas encore très bien quelle direction nous allons prendre, car nous procédons de façon très instinctive. En fait, ce sont les machines qui nous dirigent. Quand vous captez un ‘arpeggio’ sur un Moog, par exemple, c'est tellement rythmique et structuré harmoniquement qu’immédiatement une chanson est suggérée ; et donc je me mets à chanter spontanément. C'est tellement irrésistible qu'il serait pervers de résister à une telle tentation! Une chose est sûre, nous sommes maintenant dans la période 'post-digitale' et la musique analogique a encore de beaux jours devant elle!"
Pas de doute, ce John Foxx-là est tout sauf nostalgique: il est bien de ce siècle : le 21th Century Foxx...
Lisez ici la chronique du concert de John Foxx And The Maths à Aarschot.
La nouvelle a fait des heureux sur toute la planète, dès sa publication. Oui, 14 ans après la séparation, Jimmy Page et Robert Plant, les leaders du légendaire Led Zeppelin, se sont retrouvés et retravaillent ensemble. Mais attention, il n'est nullement question ici d'une reformation de Led Zeppelin.
Cette résolution, Plant et Page l'ont clairement rappelé à ceux qui, comme nous, avaient eu l'honneur et l'avantage d'être conviés à une conférence de presse parisienne précédée de la projection en avant-première du film ‘Unledded’ (NDR : il a depuis été diffusé sur MTV, dans le cadre d'un week-end consacré à Led Zeppelin). Le film est assez extraordinaire et c'est cette expérience qui est à l’origine de la collaboration nouvelle entre les deux ex-divorcés. Même qu’ils donnent aujourd'hui, en public, l'image un peu idéale du couple parfait. La conférence de presse, sera folklorique. Robert Plant maniant l'ironie (NDR : parfois un peu grinçante) avec beaucoup de savoir-faire, notamment à l'égard de quelques confrères européens dont il jugeait les questions un peu bateau. En avançant timidement le nom de Deep Purple, le téméraire a été mouché et retourné comme une crêpe.
Au Maroc et au Pays de Galles
Plant et Page ont donc réalisé un document extraordinaire. ‘Unledded’ a été filmé partiellement au Maroc, mais aussi au Pays de Galles. Il recèle aussi certaines séquences enregistrées live dans un studio de télévision anglais. Il met en exergue la grande ouverture d'esprit et la recherche évidente de nouveauté –et d'une nouvelle personnalité!– dont ont fait preuve les deux protagonistes dans le cadre de leur collaboration nouvelle.
Le cd ‘No Quarter’, dont la sortie est prévue le 7 novembre, est le prolongement purement musical de l'expérience et bénéficie, également, des mêmes qualités. Ce disque a toutes les chances de surprendre –et même très fort– ceux qui, à travers les retrouvailles de Robert Plant et Jimmy Page, n'imaginaient qu'un redécollage en bonne et due forme d'un dirigeable, avec les mêmes plans de vol. Même si ‘No Quarter’ épingle quelques chansons qui ont fait la gloire de Led Zep, il y a une marge.
Plant s’explique à ce sujet : « En ce qui concerne le choix des chansons du répertoire de Led Zeppelin que nous avons retravaillées pour ce disque, je suppose que nous l'avons effectué en fonction de nos possibilités actuelles, du confort physique que nous pouvions éprouver à les jouer, de leur compatibilité avec le projet dans son ensemble. II est clair qu'il y avait des chansons dont nous ne voulions pas ».
Mais venons-en à la genèse du concept que Bob commente : « MTV m'a jadis proposé de participer à une émission ‘Unplugged’. Je n'imaginais pas du tout assumer ce type de projet et jouer, dans le cadre d'une illustration de mes activités passées, des chansons de Led Zeppelin, sans la présence de Jimmy. Je lui en ai donc parlé. C'était en novembre 93. Et nous avons étudié la possibilité de réaliser cette aventure ‘acoustique’. Immédiatement, nous avons réagi de la même manière en nous disant qu'il serait vraiment dommage de nous limiter à interpréter, en version ‘débranchée’, des titres de Led Zep. Plutôt évoluer que revenir simplement sur ses pas. C'est ce que nous avons donc fait ».
Avec un beau résultat à la clé. A vrai dire, pour ‘No Quarter’, le duo a carrément ouvert la porte de son inspiration à la world. Certains morceaux ont été enregistrés à l’aide de musiciens marocains, égyptiens (NDR : ceux-ci utilisant leurs instruments, quelquefois cocasses). Sans oublier la participation du London Metropolitan Orchestra. Des plages aussi légendaires et imposantes que ‘Kashmir’ ou ‘The Battle of Evermore’ ont été complètement repensées en fonction du nouveau contexte de travail. Sans parler de celles spécialement écrites pour l'occasion. A propos de ‘Battle’, la version réservée à ‘No Quarter’ est magique, notamment grâce à la participation de Najma Akhtar, une chanteuse au timbre vocal absolument ahurissant, qui communique à la compo une dimension encore supérieure. Il y a aussi, dans ‘Kashmir’, un lumineux solo de violon...
Un bootleg japonais
Plant tient toujours le crachoir : « Nous voulions aller de l'avant et je suis fier du travail accompli. Mais l'ouverture que Jimmy et moi-même avons manifestée envers les colorations musicales orientales ne date pas d'hier. En 71 déjà, nous étions allés enregistrer en compagnie d’un orchestre local à Bombay, en Inde. Cet épisode est reproduit sur un très bon bootleg sorti au Japon ; je vous le recommande! Jimmy et moi avons été très marqués par la musique orientale. Je la trouve très belle car hypnotique, incantatoire, séduisante. Il en émane aussi cet esprit particulier lié au fait que, pour les gens qui la jouent, elle incarne une célébration. Elle ne nait pas d'un souci d'exploitation commerciale mais bien à l'occasion d'événements, de fêtes du calendrier, de mariages, etc. »
Au printemps dernier, Plant et Page se sont donc rendus au Maroc, à Marrakech. Ils ont rencontré les Gnaoui, membres descendants d'une population noire africaine jadis emmenée de force au Maroc pour y être exploitée comme esclaves. De leur collaboration sont nées trois chansons, ‘City Don't Cry’, ‘Wah wah’ et ‘Yallah’, des morceaux qui portent évidemment les larges marques de la culture musicale locale ; un retentissant mélange de culture orientale, de rock et de blues. Page commente : « Nous avons joué dans la rue à Marrakech. Au début, on voyait bien que les gens étaient surpris, amusés. Finalement, ils sont rentrés dans le jeu. Pour eux, peu importait qui faisait le ‘bruit’, ils se contentaient juste de ressentir ou pas ». Plant embraie : « Les gens des montagnes là-bas, qui jouent de la musique, utilisent des micros aussi performants que ceux que nous connaissons. Mais ils ont vraiment cette foi, en plus. Je crois que notre disque ne transmet pas l'aspect ‘sérieux’ qu'on attribue généralement à la world. D'ailleurs, ce serait bien qu'on arrête de considérer tout musicien qui ne parle pas anglais ou français comme un gourou extatique. Nous avons d’ailleurs aussi eu recours aux boucles sonores de Martin Meissonier (NDR : le mari d'Amina!) La musique orientale me remue à l'intérieur bien plus que la musique brésilienne, par exemple. J'aime beaucoup la samba, mais ce n'est pas la même chose ». Et il insiste : « II était très intéressant d'intégrer des musiciens d'origines et de cultures diverses à ce projet. Certaines chansons sont ressorties complètement changées. Certains musiciens nous ont apporté des choses très significatives. Ils nous ont aussi dégagé, Jimmy et moi, d'une partie de l'intensité, de la pression ».
Le duo ne s'est cependant pas contenté de cette coloration musicale particulière. Il a aussi cherché à retrouver certaines sonorités de la musique celtique. Ainsi, trois chansons, là-aussi, ont été composées pour l'occasion et bénéficient de la présence, entre autres, d'un joueur d'orgue de barbarie…
‘No Quarter’ est donc le travail d'un duo retrouvé mais que l'on dirait aussi presque libéré par près de quinze années de séparation. Etonnant! Pourtant peu disert jusqu’alors, Page en a rajouté une couche : « J'ai adoré la façon dont nous avons géré et conçu le projet. Je pense aussi qu'il nous ouvre des portes vers l'avenir! »
L’avenir ?
Les rumeurs de reformation de Led Zeppelin, qu’en pensent-ils ? Plant ironise « Pourquoi John Paul Jones n'est pas avec nous? Oh, on l'a oublié dans la voiture! Ha Ha... Que nous soyons capables de rejouer à trois, n'implique pas que tout le monde doit être présent pour une raison de nostalgie pure. Au début du projet, on était juste un chanteur et un guitariste qui comprenaient très vite si telle ou telle chose était bonne ou mauvaise. A trois, les prises de décision auraient été moins évidentes, moins confortables ». On chuchote que si tournée il y a, John Paul Jones pourrait quand même en être... Il poursuit : « Et puis, je n'imagine pas de rejouer sous le nom de Led Zeppelin en regardant un batteur dans les yeux et en ayant l'impression de voir quelqu'un d'autre qui n'est plus là ! ». A cet instant, bien sûr, il parle du possible remplacement envisagé, si reformation il y avait, de feu John Bonham par son fils Jason. *
Quant à savoir si le duo souhaite partir en tournée, Robert qui n'a visiblement aucune envie de s'éterniser sur le sujet, allez savoir pourquoi, avoue quand même : « Oui, nous comptons tourner, si nous ne nous séparons pas avant! Ha ha... Non, nous n'avons encore rien fixé ».
A Paris, DVH
*NDLR : une situation qui va quand même se produire le 10 décembre 2007, lors d’un concert caritatif accordé à l’Arena O2 de Londres.
Rétrospective…
A l'heure du retour en force de Jimmy Page et de Robert Plant, alors que John Paul a opéré un comeback avec Diamanda Galas, il nous a paru intéressant d'effectuer un bref retour en arrière sur la cellule familiale qui a permis leur explosion. Retour vers le futur, en quelque sorte !
Résumer l'histoire de Led Zeppelin revient à dresser le constat d'une grande partie de l'histoire du rock en général et de ses mécanismes. Un type comme Jimmy Page a, par exemple, débuté sa carrière en 62 (il est donc actif derrière sa gratte depuis 32 ans ; et vous quel est votre âge?), or la carrière de Led Zep a été marquée par un incroyable succès autant que par une aura de mystère savamment entretenue, qui n’a jamais quitté le groupe. Plus près de nous, une association de ‘dangereux’ hard rockers (NDR : à quel point de vue?) nommés Guns N’ Roses (NDR : mais par pitié, n'allez pas comparer les deux groupes sur le plan de la qualité, hein !) ne s’y est pas prise autrement pour se payer un méga-succès planétaire. CQFD donc, et basta pour la théorie...
Tout le monde, dans l'univers du rock en général et du hard en particulier (même David Mustaine, c'est dire!), se plait à le reconnaître : Led Zeppelin a eu sur l'évolution du rock une emprise incontournable. Pour en être convaincu, il suffit simplement
1) de constater quel ramdam médiatique (là aussi organisé, hein bon, on ne jette pas, sans bonne raison, les bonnes recettes) cause aujourd'hui, la ‘nouvelle’ association Jimmy Page/Robert Plant)
2) de voir avec quelle vigueur le public s'est jeté sur les fameux "Remasters" livrés en pâture il y a quatre ans à peine.
3) de se dire que, des années durant, une radio aux States n’a émis que pour diffuser des chansons du Led Zep uniquement.
4) de jeter un œil aux chiffres (tous les albums de Led Zep ont été certifié disque de platine aux USA et en Angleterre)
et 5) rappeler à quel point les punks de 76 se sont démenés, sans succès, pour déboulonner les dinosaures du type de Led Zep. Le ‘dirigeable’ a eu, sur l'existence de toute une série de groupes, une influence majeure, c'est évident : les Black Crowes, Blind Melon, Alice ln Chains et autres Queensryche leur vouent, aujourd'hui une admiration sans borne et nous ne citons que quelques noms pour éviter de noircir la page...
Cocktail parfait
Au départ, le groupe formé par Jimmy s'appelle les New Yardbirds. La légende veut que ce soit Keith Moon (le batteur des Who pour lesquels Page a d'ailleurs été ‘sessionman’) qui ait trouvé le nom de Led Zeppelin. Dès le début, le cocktail est parfait : un guitariste fabuleux qui avait déjà fait l'unanimité autour de lui, au sein des Yardbirds (groupe dans lequel deux autres guitar heroes, Eric Clapton et Jeff Beck, se sont succédé); un chanteur véritable sex-symbol au déhanchement scénique très suggestif et au timbre vocal orgasmique (Robert Plant); un bassiste relativement effacé mais important élément régulateur du groupe (John Paul Jones) et un batteur qui martelait si fort sa batterie que la frappe à la baguette est devenue, depuis, un sport olympique (comment ça, je rêve?). Le tout sur un fond de rock/blues/rhythm'n'blues qui, rapidement, installera son rayonnement. Il ne faudra, de fait, guère plus d'un album (le premier, en toute logique, sorti en 68), à Led Zeppelin, pour marquer le terrain. "Good Times, Bad Times" et c'est parti pour une gloire monstrueuse. Gloire bien gérée dès le départ. Led Zeppelin ne donne pas –ou très peu– d'interviews, ne passe pas à la télé, ne veut pas sortir de singles (à l'époque, c'était encore très important, demandez à Sheila et Ringo!), n’attribue même pas de titre à ses albums...
Rumeurs dingues
Le groupe s'entoure d'une espèce d'aura énigmatique qui, bien entendu, renforce encore la curiosité du public... mais qui finira quand même par lui jouer des tours lorsque cette curiosité se muera en frustration médiatique. Puisque cette attitude ouvrira la porte aux rumeurs les plus dingues, On ira jusqu'à affirmer que Jimmy Page est un adepte des messes noires, et on lui imputera tous les malheurs qui se sont abattus sur le groupe, au milieu des années 80 : l'accident de voiture de Plant, la mort de son fils Karac, des incidents multiples lors de concerts, et bien sûr, le décès de John Bonham, le batteur, retrouvé mort au domicile de... Jimmy Page, le 25 septembre 1980...
Né dans l'allégresse à la fin des années 60, Led Zep connaitra donc une fin de carrière (liée au décès de ‘Bonzo’), un brin difficile. Dommage car le groupe était encore plus que valable, comme l’a démontré son dernier concert belge, accordé le 20 juin 80 à Forest National, et l'album "ln Through The Out Door" (au titre évocateur) paru quelques mois plus tôt. Entre 68 et 80, Led Zeppelin a donc accompli des prouesses plus souvent qu'à son tour. Révélé sur un mode blues rock frondeur qui contrastait un peu avec les velléités bluesy ‘puristes’ des grands défenseurs du genre de l'époque (style John Mayall), Led Zeppelin a rapidement évolué, appuyant les riffs, et en alourdissant les tempos ("Led Zep II" contient "Whole Lotta Love", une des plus grandes pièces hard jamais commise ; et nous ne sommes qu'en 69).
Touches folk
Dès "Led Zep III" (en 70), à côté du génial "Immigrant Song", le groupe assène des touches plutôt folk**. Une approche qui trouvera son idéale matérialisation sur "Led Zep IV", le chef-d’œuvre inégalable de la discographie du groupe. Sur ce disque, figure notamment "The Battle Of Evermore", une merveille ultime que l'actuel "No Quarter" remet magnifiquement en selle. Là, c'est plus que clair, Led Zeppelin offre une nouvelle dimension au hard-rock –c'est ce qui offre au groupe un ‘plus’ évident par rapport à un Deep Purple, bien plus conformiste– une dimension que le splendide double "Physica1 Graffiti" (successeur d'un "Houses of The Holy'' trop méconnu pour sa valeur intrinsèque) transforme en véritable institution. Il recèle notamment "Kashmir" une pièce maîtresse de l'histoire du rock en général (là aussi, "No Quarter" fait joujou avec).
Nous sommes en 75 et Led Zeppelin a mangé son pain blanc discographique. Dès "Presence", le groupe perd un peu le fil, semble connaître une période creuse... Il ne s'en remettra jamais vraiment et disparaîtra donc à l'aube des années 80, laissant l'image d'un groupe de musiciens extrêmement doués, inventifs, novateurs qui ont réussi à utiliser à bon escient tous les artifices du rock'n'roll. La vague punk (un tout petit peu) et la grande faucheuse (surtout) auront raison de Led Zep... Robert Plant et Jimmy Page s'orienteront vers des carrières inégales. Plant a réalisé de superbes choses en solo et il a mieux vendu que son compère. Page qui, jusqu'en 83 a eu des problèmes avec l'héroïne, a été moins efficace au sein de The Firm, en solo ou en duo avec Coverdale récemment. John Paul Jones s'est fait oublier mais semble rependre du poil de la bête (il a travaillé en compagnie de REM et plus récemment Diamanda Galas).
Quatorze années après leur séparation, Plant et Page se sont donc retrouvés. Qu'ils le veuillent ou non, à travers leur union retrouvée, c'est un peu Led Zeppelin qui revit. Les temps ont changé, le rock s'est transformé mais il restera toujours de la place pour les gens talentueux, quels que soient les contextes et les modes. In through the opened door?
(Articles parus dans le n°28 de novembre 1994 du magazine Mofo)
** NDLR : sur cet opus figure de véritables perles comme "Gallows Pole", "Friends" ou encore "Bron-Y-Aur Stomp". Cependant, cet elpee ne rencontrera pas l’adhésion du public des métalleux. A contrario il va devenir une référence à toute une vague de groupes ou d’artistes décidés à expérimenter les sonorités des guitares acoustiques électrifiées. Depuis le début des 80’s à aujourd’hui. Pensez à The Dodos. Mais il y en a bien d’autres…
A lui seul, Iggy Pop incarne plus de vingt ans de rock'n'roll. Ses folies, ses excès, et aussi sa générosité sans faille constituent le fonds de commerce de son job numéro un : performer / songwriter!
Inutile de reprendre la liste des superlatifs existants ou de se plonger dans les encyclopédies, pas la peine de rédiger une bio-express qui mentionnerait son aventure chez les Stooges, le soutien de David Bowie, ses participations au cinéma et la confection d’une quinzaine d'albums : Iggy reste un cas à part dans le music-business. Et pourtant, il nous a accordé une interview après son concert, au festival Pukkelpop...
Que penses-tu de ta prestation, ce soir?
Je me suis vraiment bien marré. En plus, j'étais vachement excité : vingt minutes avant de monter sur scène, je ne savais même pas que mon album était déjà sorti ici! C’est un type qui est venu me dire qu’il avait aimé mon album. J'étais plutôt surpris et je n'ai pu que lui demander où il avait pu l’entendre…
A propos de concert, depuis une dizaine d'années, tu n'interprètes plus de compos issues de "Soldier", "The Party" ou même de "Zombie Birdhouse". Tu ne les aimes plus ou quoi?
Non, pas du tout (sourire embarrassé). Je vais y réfléchir pour la prochaine fois, promis.
Ton nouvel album s'intitule "American Caesar". Si tu es César, qui est Brutus? Et Cléopâtre?
(Rires) Yeah, j'y ai tout de suite pensé! Je rencontre des tas de Cléopâtre dans ce job. Presque chaque nuit... Elles viennent se balader dans ma loge (NDR : il mime une pétasse légèrement en rut). Et pour Brutus... eh bien, il faut toujours se méfier.
Pour réaliser "Brick by Brick", tu as reçu le concours d’un tas de collaborateurs (NDR : dont Slash et Duff des Guns et David Lindley). Ton dernier est plutôt un album solo?
Ecoute, il est solo, mais j'ai également eu beaucoup de soutien. Pas de grosses personnalités, mais des gens qui ont effectué une carrière en solitaire, mais susceptibles de m’apporter de bonnes idées. Pour créer de la bonne musique, il est préférable de se débarrasser des personnalités un peu trop notoires. En fait, pour faire du bon boulot, tu dois avoir une relation plus intime avec tes collaborateurs. Certains, dont les noms ne te diront pas grand-chose m'ont apporté une aide précieuse. Le producteur Malcolm Brun, par exemple, est un jeune type qui a énormément de talent.
"American Caesar" baigne dans un état d’esprit très proche assez proche de "Kill City" et "New Values". D’accord ?
Oui, comme à l’époque où je prenais pas mal de risques. Et j'en ai aussi pris beaucoup pour le dernier, car il y avait des idées auxquelles je tenais absolument. J'ai donc pris des risques à ma façon. La chanson "Caesar" en est un bel exemple.
C'est la première fois que tu évoques aussi ouvertement tes rapports avec la dope sur une chanson. "Perforation Problems", c'est une chanson thérapeutique?
Elle a une histoire. J'étais au Liquor Store du coin et je tombe sur le cd d’Alice ln Chains. Je mate les titres du disque qui... parlaient tous de came. C’est le point de départ des textes que j’ai écrit pour ce titre. Je n'ai plus besoin de thérapie pour aborder le sujet. Je ne me souviens pratiquement plus de mes problèmes. Et quand ils reviennent à surface, je ne me sens pas très bien, mais ils disparaissent assez vite.
Tu as des regrets quand tu penses à cette période de ton existence ?
(En riant) Si je n'avais pas fait cette expérience, j'en aurais. Je me demanderais comment c'est, et je ne le saurais pas. Ainsi, au moins, je le sais (rires).
Tu as de nouveau composé "American Caesar" à la guitare. Tiens-tu à cette méthode de travail ?
Cette interview va se terminer. Cette lumière va s'éteindre (il désigne les spots), la télé va sauter, il n'y aura plus... Et s'il n'y avait plus de fusées, ni de bombes, ni de télé, ni de films? Et si tout s'arrêtait? On dépendrait alors de nouveau des ressources humaines. Que pourrions-nous faire pour jouer de la musique si nous ignorons comment utiliser une guitare et jouer un truc avec? On serait incapable de faire quoi que ce soit ! Je trouve donc qu'il est important de pouvoir s’en servir. Si on se prétend bon musicien, on doit être capable de composer une chanson très simple sans avoir recours à la technologie. On devrait, en fait, pouvoir y parvenir sans le moindre instrument. Ecoute si je ne venais pas de monter sur scène, j’aurais pu (léger sourire) te chanter une chanson ici en direct, a cappella. C’est important de commencer à la base. Aujourd’hui, il existe de la musique qui déprime et rend malade. Ce n'est que de la merde et c'est chiant.
Lorsque tu montres ta bite sur scène, ne crains-tu pas de devenir auto-parodique, ridicule et prévisible?
Non, d'abord ce n’est pas systématique et puis je n'ai pas peur de ce que pensent les gens. Franchement, tout le monde se fiche de ce que les critiques disent, non ? Tu peux dire ce que tu veux, moi, je m’en fous. C’est personnel ce que je fais. Si tu préfère un orchestre philarmonique, c’est ton droit.
Le Velvet de ton vieil ami Lou Reed s’est reformé cette année. Des promoteurs t’ont déjà proposé de remonter les Stooges ?
(Sèchement) D’où tiens-tu cette info ?
De nulle part, c’était juste une question…
(Rassuré) C’est un fantasme de journalistes, non ? C’est bon pour les publicitaires.
Et le cinéma ? As-tu tourné récemment ?
Oui, j’ai fait un chouette truc pour la série « Coffee & Cigarettes » de Jim Jamush, en compagnie de Tom Waits, comme partenaire.
(Article paru dans le n° 17 de novembre 93 du magazine Mofo)
La Belgique ne manque pas de jeunes musiciens brillants et deux d’entre eux ont retenu mon attention par leur maturité et l’enthousiasme qu’ils mettent à transmettre l’héritage de l’École belge du violon et du violoncelle. Il s’agit de Vincent Hepp, violoniste et altiste ainsi que de Sarah Dupriez, violoncelliste. Ensemble, ils forment le Duo Volta Subito. Après une enfance remplie de musique, ils ont tous deux brillamment obtenu le diplôme du Conservatoire Royal de Bruxelles avant de se perfectionner à La Chapelle Reine Élisabeth pour Hepp et au Conservatoire de Toulouse ainsi qu’à l’Académie Sibelius d’Helsinki pour Dupriez. Leur excellence musicale respective a déjà été récompensée par plusieurs prix et l’on peut entendre les jeunes musiciens se produire en soliste ou en formation de musique de chambre. Tant en Belgique que dans l’Hexagone. Egalement épris d’enseignement et soucieux de transmettre l’héritage de la grande école belge du violon, ils sont aujourd’hui assistants au Conservatoire de Bruxelles.
La naissance en 2007 de la formation Volta Subito découle d’une envie commune des jeunes interprètes à parcourir l’intégralité du répertoire pour violon et violoncelle ensemble. Le duo défend une curiosité et une affection particulière pour la musique contemporaine, et en bons Belges, les interprètes avouent un faible pour les compositeurs du pays. Lors du choix du répertoire d’un programme de concert, Vincent Hepp avoue chercher avant tout le dialogue potentiel des œuvres entre elles qui par ce métadiscours s'enrichiront les unes les autres. « Cette faculté des œuvres de dialoguer entre elles, de transgresser leur propre finalité, quand on y pense, c'est une donnée absolument fantastique et mystérieuse! » s’enthousiasme le jeune homme. Et d’ajouter : « L'interprétation d'une œuvre va souvent plus loin que l'observation stricte du style ou du langage musical d'une époque et la préparation d'un programme est un exercice subtil ».
Pour les musiciens de Volta Subito, la musique est une évasion, une délivrance, un ‘ilot de grâce’ dans la vie quotidienne. Cette même vie quotidienne pourtant enrichie inspire leur art. Hepp confirme : « Nous sommes entourés d'un monde si riche en impressions, en informations, tout est potentiellement musique ». Il est donc du devoir de l'artiste de chercher, sentir et sublimer ce que le quotidien donne à offrir pour ensuite le partager avec le public. Il faut se questionner et chercher sans cesse. Car bien que son rôle soit de rendre le plus fidèlement possible les intentions d'un compositeur, l’artiste-interprète fait en somme entendre ce qu'il comprend d'une œuvre, ce qu'il ressent par rapport à une œuvre. Hepp l’explique par un proverbe flamand qu'il traduit littéralement ainsi : « Le sang rampe là où on l'empêche de marcher ». C'est-à-dire qu'une chose vivante ira où elle veut aller malgré les obstacles. Il est légitime pour les deux interprètes d'être généreux vis-à-vis de son public et intime et sincère à l’égard de la musique. Dupriez déclare : « Si le public me fait l'honneur de venir m'écouter, je lui dirai ce que je pense en musique. La franchise me joue parfois des tours dans la vie de tous les jours, mais sur scène, jamais ». Les jeunes musiciens nourrissent ensemble l'espoir que plus un interprète est personnel et vrai avec sa musique plus il se rapproche de quelque chose d'universel et d'absolu.
En duo, Vincent Hepp et Sarah Dupriez n’ont pas de projets dans l’immédiat, mais ils se sont associés à un troisième musicien, le violoniste Bence Abraham, pour former un trio à cordes : le Omega Trio. Ils présenteront cet automne les Fugues de Bach transcrites pour trio à cordes par Mozart ainsi que Divertimento que Mozart à écrit pour cette formation. Sarah précise : « Ce sera un peu le pendant baroco-classique de notre duo Volta Subito essentiellement dévoué à la musique romantico-contemporaine ». D’ici là, ils vous donnent rendez-vous lors des divers festivals de musique de chambre qu’offre l’été afin de vous faire partager leur belle philosophie et leur amour inaltérable de la musique.
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