A l'origine, le premier album solo de Malkmus devait s'intituler " Swedish reggae ". Il est tout simplement éponyme. Première constatation, les compositions sont davantage structurées, les délires sonores balisés, les dérapages expérimentaux prévisibles et les mélodies beaucoup moins capricieuses que chez le défunt Pavement, dont la séparation remonte à 1999 et chez qui Stephen partageait le leadership avec Robert Nastanovich. Seule la voix, capable de se muer en falsetto, a conservé le goût de l'aventure. Ce qui n'empêche pas Stephen d'avoir recours indifféremment aux samples, à la slide, à la flûte ou à l'instrumentation basique. On comprend mieux aujourd'hui le rôle joué par Bob au sein du symbole yankee de la lo fi. Hormis " Church on white ", chanson écrite en souvenir d'un ami décédé suite à une overdose d'héroïne, le ton adopté est beaucoup plus récréatif, humoristique, ou plus exactement ironique, voire sarcastique. Certains fragments frôlent pourtant l'univers de Lou Reed. Mais son pôle le plus optimiste (NDR : il ne doit pas être facile à détecter !), le moins glacé ( !?!?). Bref, un disque fort agréable à écouter, mais loin d'être indispensable à se procurer…

Plusieurs écoutes ont été nécessaires pour réaliser une évaluation plus ou moins exacte du contenu de cet album. En fait, sur les dix-sept titres du nouvel opus de Manic Street Preachers, cinq sont franchement dispensables et un sixième, " Miss Europa disco dancer ", adopte un profil funk tellement guindé, qu'il en devient ridicule. M'enfin, lorsqu'on sait que le disque frise les 75 minutes, on a pas le droit de se plaindre. D'autant plus que le reste vaut son lot de surprises. Depuis le single rugissant, stoogien, " Found that soul ", au remarquable et ténébreux " My Guernica ", réminiscent du Velvet Underground, en passant par le douloureux et déchiqueté " Ocean spray ", le crépitant, presque noisecore " Intravenous agnostic ", le surf (Beach Boys ?) " So why so sad ", le morbide, fallien, " Wattsville blues ", caractérisé par le passage de Nicky Wire aux vocaux, la rencontre hypothétique et glamoureuse entre Slade et Roxy Music de " Dead martyrs ", les auriculaires (NDR : donc inspirés par les Stranglers) " Epicentre " et " His last painting " et un titre caché au parfum garage sixties particulièrement marqué. Sans quoi, l'idéologie de MSP circule toujours à gauche, et les lyrics continuent de s'écrire à l'encre rouge. Pas pour rien que le trio a été, tout récemment, reçu par Fidel Castro à Cuba. Dans ces conditions, " Know your enemy " est un titre lourd de sous-entendus…

Je dois avouer que lorsque Lamb s'égare dans les élucubrations technologiques à caractère purement drum'n bass, il me pompe l'air. A contrario, lorsqu'il cherche à capter la beauté de la décadence urbaine, il est tout à fait impressionnant. Et c'est de nouveau le cas sur " What sound ", le troisième opus du duo insulaire. En fait la voix sensuelle, fragile et dramatique de Louise Rhodes, dont le timbre campe un hybride entre Björk et Mélanie, est un argument indispensable à leur trip hop dont l'originalité procède de cette capacité à fusionner mélodies romantiques et rythmes déchiquetés, hypnotiques, au sein d'un univers organique. Et ce n'est pas une raison pour passer sous silence le rôle joué par Andy Barlow, puisqu'il est quand même celui qui, à l'aide de toutes ses machines, bidouille tout ce qui a trait à l'emballage : la musique !

Mark Lanegan joue de la guitare acoustique en picking. Un peu comme Al Stewart, il y un bon quart de siècle. Il a le souci de rendre les sonorités de ses cordes, pures, limpides, tout en leur insufflant un énorme feeling. Mais ici (NDR : et heureusement !), s'arrêtent les comparaisons. Car, le vocaliste de Screamin' Trees a bien d'autres atouts. Tout d'abord, il possède une belle voix. Et de son baryton sombre, sensuel, voilé, nicotiné, trempé dans le whiskey, il chante avec un mélange de tristesse et de compassion des contes de folk blues américain. Sur " No easy action ", son timbre épouse même les inflexions sinusoïdales, orientalistes de Jeff Martin du Tea Party. Une habileté à ficeler les arrangements, ensuite. Simples, soignés et subtils, ils rendent le sens mélodique beaucoup plus puissant, plus intense. Ce qui ne l'empêche pas d'avoir recours à l'instrumentation basique. Que ce soit la guitare électrique, les drums, la basse ou l'orgue. Parfois même sous une forme psychédélique. A l'instar de " One way street ", " Resurrection song " ou encore " Fix ". Mais il la tapisse presque exclusivement en fond sonore. Sur cet opus, Mark interprète également une nouvelle version de " Kikimo's dream house ", une chanson qu'il avait écrite, voici quelques années, en compagnie de feu Jeffrey Lee Pierce, l'ex leader du mythique Gun Club. Un superbe album !

"Will the violins be playing" est un extrait du dernier album (" Angel youth ") de cette formation suédoise ; un disque qui était sorti au cours de l'automne 2000. Et cette saison correspond parfaitement à l'image que nous pourrions associer à la musique de Last Days of April. A l'écoute de cette chanson, on a même parfois l'impression d'entrevoir un rayon de soleil orangé qui filtre à travers les nuages… Leur émocore repose sur des arrangements complexes et des orchestrations somptueuses, parfois même symphoniques. Un style qui pourrait finalement être aux années 2000, ce que celui de Barclay James Harvest était aux seventies. Le single est enrichi d'un inédit, " Chainsaw Christmas ", fragment infiltré par un clavier aux sonorités désuètes, et davantage en phase avec l'univers de Mercury Rev…

A l'instar de Galaxie 500, Codeine, Slint ou encore de Slowdive, Low pratique une forme de slowcore, définie par la pratique d'une musique imprimée sur un tempo particulièrement lent et destinée à vous plonger dans des climats empreints de douceur et de mélancolie. " Things we lost in the fire " constitue le cinquième album de ce trio du Minnesota, de Duluth très exactement. Un disque qui a reçu le concours de Steve Albini, à la production. Et dans un style qui n'est pourtant pas sa tasse de thé, Steve a réalisé un travail absolument remarquable. Des chansons comme " Sunflower ", le superbe " Dinosaur act ", le final " In metal ", ou encore " Like a forest ", troublé par un quartette à cordes houleux, en sont les plus beaux exemples. Parce qu'il est parvenu à donner du mouvement à une expression sonore qui avait plutôt tendance à se nourrir de sa propre léthargie. Parce qu'il est parvenu à préserver l'émotion intacte tout en rendant les mélodies contagieuses. Des mélodies qui naviguent sur des harmonies dorées, où l'instrumentation minimaliste est fréquentée tantôt par une trompette (Bob Weston !), un violon, un violoncelle ou quelques samples, raffinée par le frémissement d'un vibraphone et caressée par le bruissement duveteux des drums. Des mélodies où les chuchotements hypnotiques, délicats, entrelacés d'Alan Sparhawk et de Mimi Parker se cramponnent aux notes et s'élèvent en crescendo avant de se dissiper dans l'éther vide…

Lowgold nous vient de Londres. Et contrairement à ce que la presse insulaire a pu raconter à son sujet, cette formation n'est ni un nouveau clone de Radiohead, de Muse, de Travis, et encore moins de Coldplay. Bien sûr, il y a de l'intensité électrique, dispensée par deux guitares, dont les cordes peuvent se faire tantôt douces, tantôt rageuses. Et puis, un climat propice à la mélancolie que ne désavouerait ni House Of Love, ni Unbelievable Truth. Mais la richesse et la sensibilité mélodique des chansons sont typiquement américaines. Proches de groupes comme Built To Spill, Wheat ou encore Rentals, lorsque le claviériste troque son orgue contre un moog. Pas de timbre vocal falsetto non plus, mais une voix mûre, plus souple, qui colle parfaitement à ce type de chanson. Lowgold possède, en outre, la particularité de compter deux leaders potentiels, en son sein. Darren Ford et Dar Simons. Ils composent, jouent de la guitare et chantent, même si le second n'assume que le backing vocal. Un atout considérable, il faut le reconnaître, pour toute formation qui espère devenir une des meilleures surprises de l'année 2001. Et c'est tout le mal qu'on leur souhaite. Pourvu que l'entente entre les deux têtes pensantes demeure au beau fixe. Dans le passé trop d'ensembles bipolaires se sont plantés, pour avoir vus un des deux leaders vouloir prendre le pouvoir. Et le remake de ce scénario essuyé chez Lowgold serait vraiment regrettable…

Cet opus réunit des extraits de trois concerts accordés au Club 9:30 de Washington DC, le 10 décembre 1999, et au Knitting Factory de New York, les 14 et 15 juillet 2000. Quatorze titres parmi lesquels figurent une adaptation du " 4th of July " de l'ex-groupe de Dan Wareham, Galaxie 500, ainsi que la cover du " Bonnie and Clyde " de Gainsbourg. Mais surtout épingle des standards comme " Chinatown ", " Tiger Lily ", " Lost in space ", " Pup tent ", " 23 minutes in Brussels " et bien d'autres, qui en version " live ", prennent une nouvelle dimension. Une dimension, n'ayons pas peur du mot, phénoménale.

Sur scène, c'est connu, Luna possède une pêche d'enfer. Mais Mario Salvati, qui avait déjà bossé sur l'album " Penthouse ", a réalisé un véritable travail d'orfèvre en matière de mixage. Résultat des courses, ce disque devrait figurer parmi les " musts " de l'exercice 2001. Si vous ne connaissez pas encore Luna (NDR : ce qui serait bien dommage, lorsqu'on sait que la formation américaine compte déjà 5 albums studio, à son actif), mais que vous êtes très friand de groupes qui parviennent à conjuguer intensité électrique et sensibilité mélodique, à l'instar de Neil Young flanqué de son Crazy Horse, du Velvet Underground ou encore de House Of Love, n'hésitez plus, allez décrocher la Luna…

En 1999, Jason Pierce, le leader de Spiritualized vire tous les membres de son groupe. Spiritualized ? Ce sera son projet personnel ! Sean Cook, Mike Money et Damon Reece décident de poursuivre l'aventure ensemble et fondent Lupine Howl. Ils recrutent cependant le batteur originel de Spacemen 3, Johhny Mattock, pour compléter le line up. Et quel type de musique ce Lupine Howl pratique-t-il, pensez-vous ? Et bien une musique proche d'un Spiritualized sous prozac. Autrement dit un psychédélisme atmosphérique, noisy, légèrement bluesy, plus proche du Spriritualized Electric Mainline que de Spiritualized ; un psychédélisme susceptible d'emprunter des accents au Ride de " Nowhere ", au " Screamadelica " de Primal Scream ou encore à " A storm in heaven " de The Verve. Fameux pedigree ! Et leur premier elpee correspond exactement à cette description. 9 fragments enduits d'une sensibilité pop au feeling incroyable. 9 titres qui cherchent constamment l'équilibre parfait entre l'excellence et l'excès. Ligne de basse pompée dans le funk, riffs de guitare obliques, gorgés de feedback, bourdonnants, viscéraux, claviers tourbillonnants, groove percussif, pulsant et un zeste d'harmonica dramatique alimentent des climats tour à tour caverneux, brumeux ou envoûtants. Deux titres m'ont cependant fait particulièrement flasher. Tout d'abord, le single " Vaporizer ", découpé dans le funk blanc ; et puis " Carnival " : plus de 10 minutes qui nous replongent dans l'univers du krautrock des mythiques Can et Faust. Un must !

Après avoir commis un cinquième album franchement consternant, puis ficelé une compilation plus que banale, Lenny semble en être revenu à de meilleurs sentiments. Tout d'abord, les ballades aux arrangements plus que mielleux ont pratiquement toutes disparues. Attention, pas que le sixième opus ne recèle plus de ballades, mais elles ont beaucoup plus de corps. Et je pense tout particulièrement au lennonesque " A million miles away ", sur lequel Lenny joue de la guitare acoustique ou encore au final " Let's get high ", un slow crapuleux qui aurait pu figurer dans le même bac de 45 trs que " Guitar man " de Bread, " Im not in love " de 10CC ou encore " All the young Dudes " de Mott The Hoople. La technologie moderne n'est cependant pas absente ; mais jamais envahissante, elle se résume à des bruitages, des collages, quelques samples et rythmes digitaux. La bonne nouvelle est tout bonnement électrique. Car Lenny a retrouvé toute la magie de son groove et le phrasé à la fois dévastateur et contagieux de sa six cordes. Des sensations qu'il puise, bien évidemment, en s'inspirant de Jimi Hendrix et du Led Zeppelin. Et une technique qui lui avait permis de concevoir des tubes comme " Mr Cab Driver " ou encore " Are you gonna go my way ? ". Single en puissance, " Battlefield of love" en possède toutes les caractéristiques. " Pay to play " est aussi saignant que " Cold turkey " du Plastic Ono Band, alors que vivifiant, décapant, carré et hymnique, " Dig in " nous replonge dans l'univers du Free. Enfin la frénésie virevoltante de " Bank robber man " nous réconcilie définitivement avec son soul rock. Dommage que tout l'album ne soit pas de cette trempe !