Bien qu’autoproduit, le premier album solo de l’Américain Josh Allen débarque en Europe ! Une traversée qui n’est peut-être pas synonyme de succès, mais démontre que cet artiste a sans doute du potentiel. Faut dire qu’il est également membre des Meanwhiles, en compagnie de son frère Todd
Composé dans sa chambre à New York, « Wonder City » est censé représenter l’état d’esprit de l’artiste plongé dans l’atmosphère de cette mégalopole grouillante dont il n’hésite pas à laisser telles quelles les sonorités émanant des rues ou du métro, qu’on entend depuis sa fenêtre… Et son humeur, à l’époque, ne devait pas être particulièrement guillerette, tant cet elpee est ténébreux. Le folk de J. Allen est mélancolique. Mais aussi nébuleux, affranchi et déconstruit à la fois. On a parfois l’impression que les compos observent un cheminement fait de méandres, dans l’esprit des œuvres de Bradford Cox pour son projet Atlas Sound ou du cerveau embrumé de DM Stith. Les complaintes de « Wonder City » sont psalmodiées (« Afterglow ») ou chuchotées (« Heavy Head ») et rarement la solitude des grandes villes contemporaines modernes n’aura été si justement mise en son ; même si l’écoute de ce disque se révèle souvent éprouvante…
Parmi les 16 artistes ou groupes (voir le tracklisting ci-dessous) sélectionnés pour alimenter cette compile, la moitié sont d’illustres inconnus. Mais le mérite en revient à Kristoffer Rygg, alias Garm, le chanteur d’Ulver, qui a eu la bonne idée exhumer ces titres issus de la scène psyché/garage des sixties. Et d’avoir proposé au combo norvégien d’en réaliser ses propres versions. Qui se sont déroulées en deux temps et en compagnie de deux drummers différents. La première en 2008 et la suivante en 2011. Des adaptations pour la plupart très réussies, même si elles n’atteignent pas toujours la quintessence des originales. De quoi vous inciter peut-être à aller creuser dans cet univers si riche et si méconnu de l’histoire de la musique rock et au sein duquel de nombreux artistes ou formations puisent leurs sources encore aujourd’hui.
A cet égard, si le psychédélisme vous branche, je vous invite à vous procurer d’urgence (NDR : à moins que ce ne soit déjà fait) les fantastiques compiles « Nuggets » ou encore « Pebbles ».
N’empêche, ce « Childhood’s end » constitue un bel hommage à ce mouvement, et devrait ravir tous les mélomanes du style,
Tracklisting
Bracelets of Fingers (The Pretty Things)
Everybody’s Been Burned (Byrds)
The Trap (Bonniwell’s Music Machine)
In the Past (Chocolate Watchband)
Today (Jefferson Airplane)
Can You Travel in the Dark Alone (Gandalf)
I Had Too Much to Dream Last Night (Electric Prunes)
Street Song (13th Floor Elevators)
66-5-4-3-2-1 (Troggs)
Dark is the Bark (Left Banke)
Magic Hollow (Beau Brummels)
Soon There Will Be Thunder (Common People)
Velvet Sunsets (Music Emporium)
Lament of the Astral Cowboy (Curt Boettcher)
I Can See the Light (Les Fleur De Lys)
Where is Yesterday (United States Of America)
Il est bien triste de découvrir le nouvel album d’un artiste, quelques jours après sa mort… Tony Sly, leader emblématique du groupe de skate-punk californien No Use For A Name, fondé en 1987, est donc disparu à l’âge de 41 ans. Le Californien avait mené jusqu’alors une belle et longue carrière et avait, entre autres, décidé de se lancer dans une carrière en solitaire, dès 2004. Tony et Joey Cape, la tête pensante de Lagwagon, avaient partagé un split album ‘unplugged’, au cours de cette même année. Les deux artistes avaient publié leur propre opus, par la suite.
Cette expérience commune a néanmoins un prolongement aujourd’hui, puisque 8 ans après le premier projet initial, Fat Wreck Chords nous propose un second volet. Il réunit 5 reprises de morceaux issus du répertoire de leurs gangs respectifs (Notamment « Black Box » et « Soulmate » pour Tony ainsi que « I Must be Hateful » et « Know it All » pour Joey), et réserve pour chacun d’entre eux une compo originale. Les fans devraient apprécier ces versions ‘light’, conduites par l’accordéon, le piano ou même les violons, et soutenues par les voix si caractéristiques des deux songwriters. Frank Turner et Dashboard Confesional ne sont pas loin. Les deux acolytes offrent une seconde existence à des titres qui, c’est une certitude, survivront au décès du leader de No Use For A Name ; même si je vous conseille vivement de vous tourner plutôt vers le répertoire le plus électrique du combo, bien meilleur à mon goût. Sur l’ultime morceau, Tony Sly chante « Liver Let Die ». En fin de parcours, ses amis scandent « One More Song ! ». Vu le contexte, c’est particulièrement émouvant…
Féru de musique et touche à tout, l’Allemand Ulrich Schnauss s’associe ici au leader d’Engineers, Mark Peters pour proposer une extrapolation synthétique du shoegaze.
Un concept, certes pas novateur, mais qui a déjà porté ses fruits dans le passé.
Dans la forme, cependant, le projet manque d’audace et sans doute d’un brin d’originalité.
Le paysage ainsi dressé est certes vaporeux à souhait, mais il manque néanmoins cet éclat lumineux qui transporterait l’univers de ces deux comparses sous des cieux plus excitants.
Agréable, cet album s’évapore dans l’espace sans teinter celui-ci d’une trace indélébile.
Les référents ne manquent pas au rendez-vous des mémoires alimentées il y a deux décennies par ces groupes qui choisissaient encore en ce temps là, entre guitares ou programmations.
Mais « Underrated Silence » s’avère tout simplement trop révérencieux, trop poli et trop propre sur lui.
Il est un rien ennuyeux, en somme.
Depuis la sortie de « Strawberry jam », Animal Collective est devenu un groupe presque culte. Un statut qu’a confirmé « Merriweather Post Pavilion », leur disque le plus accessible à ce jour. Puis, lassé par une interminable tournée, le groupe a décidé de prendre une pause, histoire de se ressourcer. Nous étions en 2009. Le come back du band a donc incité Deakin à rentrer au bercail.
La formation new-yorkaise opère un mélange unique, versatile et avant-gardiste entre psychédélisme et free folk. Alimentée par des synthés, bruitages, jingles, bleeps, percussions et vocalises triturées ou pas (NDR : stridulantes ou flottantes, selon), sa musique est à la fois nerveuse et empreinte de charme. Elle nous entraîne, le plus souvent, au cœur d’un voyage étrange, hanté à la fois par les Beach Boys, les Flaming Lips, le Mercury Rev originel et Yeasayer.
Lors de l’enregistrement de cet opus, le quatuor a voulu en revenir à une expérimentation plus pointue. Et s’il parvient à communiquer une belle intensité aux différentes compos, tour à tour contagieuses, accessibles, ambitieuses, capricieuses, déjantées, discordantes ou intrigantes, l’ensemble se révèle quand même plutôt bordélique et ne vous laisse que peu de temps pour reprendre votre souffle. Bien sûr, lorsqu’ils sont trempés dans le dubstep et la techno, les beats et loops électroniques sont parfaitement soutenus par la ligne de basse et dessinent un trip de danse hypnotique. Et puis, il y a cette rythmique. Tantôt doucereuse, tantôt agitée. Mais au final, en gravant « Centipede Hz », Animal Collective a décidé de redevenir un groupe défricheur. Et à ce titre, il mérite qu’on leur tire son chapeau…
Le 30 juin dernier, le groupe bruxellois Les Panties accordait un concert remarqué au T.A.G. de Saint-Josse (Bruxelles), dans le cadre des Fantastique.Nights. Une prestation fascinante, hypnotique, dominée par la voix grave et envoûtante de Sophie Frison. Sophie était surtout connue pour ses animations à la RTBF ; mais au sein de ce nouveau projet, elle dévoile un véritable talent de chanteuse et de compositrice. Il n'en fallait pas plus pour nous donner envie de rencontrer cette formation prometteuse.
L'histoire commence à la fin des années 80 lorsque les trois fondateurs, Xavier Fernandez (basse), son frère Hugo Fernandez (batterie, production) et Vincent Lachenal (guitare), décident de faire de la musique ensemble. "On était très influencés par la vague Cure, avec un peu de retard certes", précise Xavier. "On a acheté des instruments pour apprendre à jouer en autodidactes. On avait entre 14 et 17 ans. C'était un petit groupe d'ados. On a juste enregistré des démos sur cassettes sans se produire en concert ni enregistrer d'album." Après quelque temps, l’aventure est abandonnée et ce n'est qu'en 2008 que les trois acolytes décident de déterrer les cassettes et de recommencer à bosser ensemble.
Au bout de quelques mois, ils se rendent compte qu'il manque une 'vraie' voix sur les morceaux et demandent à Sophie Frison, la compagne de Xavier à la ville, de tenter quelques essais. "C'était ma première expérience dans un groupe", se rappelle Sophie. "Auparavant, j'avais juste suivi des cours de chant classique. J'ai improvisé des lignes de chant, puis des paroles et chacun a amené ses suggestions de façon très démocratique, comme tout ce que nous décidons d'ailleurs." Le timbre de Sophie est très particulier ; il évoque Siouxsie dans les aigus mais c'est surtout dans les graves qu'il assied sa spécificité ; et là, on pense surtout à Nico.
Le combo puise ses sources dans la new-wave et le post punk, et en particulier chez Joy Division et Cure, mais en combinant les spécificités de chacun des musiciens. "Vincent apporte une touche 'power-rock' par son approche ‘Magazine’", précise Xavier. "En fait, nous partageons des goûts très éclectiques, qui englobent aussi des groupes comme Velvet Underground, Justice, A Place To Bury Strangers, Crocodiles, KVB ou The Soft Moon."
Il y a neuf mois, un jeune claviériste, Pony Bambinelli, a rejoint le line up. Passionné par les synthés et les ordinateurs, il apporte une couleur plus moderne, plus 'branchée' au son général. "Mon groupe préféré est Soulwax", confie Pony. "Mais j'aime aussi Justice, Late Of The Pier, etc. "
On l'aura compris : en combinant des musiciens issus de générations différentes, Les Panties dressent un pont entre les musiques du passé et une véritable modernité. Une approche 'rétro-futuriste', en quelque sorte. "Au départ, le son était plus brut, plus postpunk", nous dit Xavier. "Au fur et à mesure, il est devenu plus riche, plus complexe." Cette évolution se retrouve dans les deux compositions ‘Eno Vision’ et ‘Post Eno Vision’, qui font référence au claviériste et producteur notoire Brian Eno. "Les morceaux commencent dans un style typiquement postpunk, mais petit à petit, on déconstruit la structure pour évoluer vers un style plus orienté synthés, plus hypnotique, un peu à la Suicide".
Si le band avoue une passion pour les instruments analogiques, leur démarche n'est pas intégriste. "Nous utilisons beaucoup des émulateurs de sons analogiques sur PC ou MAC", explique Hugo. "C'est plus pratique et également plus économique!"
Une approche très ‘Do It Yourself’ qui a poussé le team à produire lui même son premier single, qui comprend deux faces A : ‘Porkshop’ et ‘Westie’. C'est un 45tours vinyle pressé en 300 exemplaires numérotés. Rétro-futuriste ici aussi ? "Complètement! Nous aimons les beaux objets. Nous avons donc tout conçu nous-mêmes : l'enregistrement dans notre home studio, le 'mastering', la pochette (design par Spike and Jones). L'esthétique est résolument vintage."
Le groupe va même plus loin et envisage de sortir une cassette audio consacrée à deux nouveaux titres. Un code permettant de télécharger les morceaux via internet lui sera attribué : vintage mais adapté à l'époque! Les morceaux sont intitulés provisoirement ‘Endless Day’ et ‘DSK’.
Après des concerts donnés aux Halles de Schaerbeek, La Maison du Peuple, Madame Moustache, à l'Atelier 210 (en première partie de Birdpen), au festival de Bourgeois, aux Fantastique.Nights et au London Calling, le combo se produira au Magic Mirror le 8 septembre prochain. Ne les manquez pas : Les Panties ont promis d'enlever le bas...
Deux extraits vidéo de leur concert aux Fantastique.Nights: ‘Call’ http://youtu.be/b6DZ6Cw_7dQ et ‘Post Eno Vision’ http://youtu.be/cZJG-GJ0Wjw
Les Panties sur Facebook https://www.facebook.com/LESPANTS et Soundcloud: http://soundcloud.com/les-panties
John Hiatt figure parmi les meilleurs auteur-compositeurs, dans l’univers du roots, aux States. Il est aujourd’hui âgé de 62 balais. Il passe toute son enfance à Indianapolis ; mais après avoir terminé ses études, il part s'installer à Nashville où il opte pour une carrière d’auteur musical professionnel. Ce qui ne l’empêche pas de se produire sur scène, seul ou flanqué de son groupe, White Duck.
Il publie son premier elpee, "Hangin' around the observatory", en 1974, chez Epic. Découpé en trois disques, ce recueil nous en réserve deux plages, dont "Sure as I'm sittin' here" que Three Dog Night traduira en hit.
En 1978, il émigre à Los Angeles. Il y est signé par MCA, pour lequel il grave "Slug line". De cet opus paru en 1979, "Sharon's got a drugstore" en est extrait.
L'année suivante, il sort "Two bit monsters", dont a été sélectionné "It hasn't happened yet", que chante Hiatt d’une voix chargée de passion.
En 82, il passe chez Geffen. Il leur consacre alors trois long playings, dont "Riding with the King". Le titre maître sera repris bien plus tard par BB King, une version qui avait alors bénéficié du concours d’Eric Clapton. Sur l’originale, John avait reçu celui de spécialistes du pub rock anglais ; en l’occurrence, Nick Lowe, Paul Carrack et Martin Belmont. Ils participent également à "The love that harms", une compo pop empreinte de délicatesse. Cet elpee se réserve une belle part du gâteau, puisque six plages ont été retenues.
Commis en 1985, "Warming up to the Ice age" jouit d’une excellente production. Sur cette anthologie, y figurent le très électrique "The usual", un morceau couvert d’accents blues rock, caractérisé par le recours à un riff largement amplifié et le renfort d’une section de cuivres imposante ; mais aussi la cover du "Living a little, laughing a little" des Spinners, une bien jolie ballade à laquelle Elvis Costello participe aux chœurs.
John rejoint A&M en 1987. C'est le déclic. "Bring the family" est l’œuvre de la reconnaissance. Sept pistes ont d’ailleurs été retenues pour ce box. Quatre figurent sur le premier cd et trois ouvrent le deuxième. Pour la première fois un album de Hiatt entre au Billboard américain!
Pour concocter ce disque, il s’est entouré de musicos de gros calibre. Soit Ry Cooder, Jim Keltner et Nick Lowe. Les compositions sont très soignées. A l’instar de "Memphis in the Meantime", un bouleversant "Lipstick sunset", transpercé par la slide gémissante de Cooder, "Have a little faith on me" balisé par John au piano et "Thank you girl" dynamisé par un riff très ‘rollingstonien’.
L’année suivante paraît "Slow turning". Le climat y est totalement différent. Parmi les guests, on identifie la présence du notoire Sonny Landrreth aux guitares et James Hooker à l'orgue. Difficile de passer à côté de "Georgia Rae". C’est d’ailleurs le sommet de cette compile. Un morceau au cours duquel l’attaque vocale est redoutable, l’orgue Hammond savoureux et la national steel de Sonny, souveraine. Et elle est encore à l’affût tout au long de "Tennessee Plates". Enfin, John chante le brûlant "Already loved", d’un timbre chargé de passion et de sincérité.
L’artiste commet "Stolen moments", en 1990. Le titre maître lorgne manifestement vers les Stones. La même année, il publie un single. Un rockabilly intitulé "Already loved".
En 1992, il bénéficie à nouveau de la participation de Cooder, Keltner et Lowe. En résulte « Little Village », un long playing qui ne récolte que peu de succès. L'expérience n'aura plus de lendemain.
L’année suivante, c’est l’enchantement lors de la sortie de "Perfectly good guitar". Les compos sont superbes et en particulier le morceau qui donne le titre à l’œuvre, une piste très électrique, fustigée par des cordes de guitare saturées…
Hiatt grave son premier elpee live en 1994 : "Hiatt comes Alive at Budokan". Trois fragments ont été retenus pour figurer sur le troisième compact disc : "Icy blue heart", "Angel eyes" et "You dad did".
Il publie "Walk on" chez Capitol, en 1995 ; ce qui lui permet de décrocher une première nomination aux Grammy Awards.
De "Little head" paru en 98, "Graduated" en a été retenu.
Cette collection recèle encore trois plages acoustiques extraites de ‘2 Meter Sessies’. Elles remontent à 1995. Et sont inédites. De quoi rendre justice à l'artiste.
Cette anthologie n’entre pas au XXIème siècle. Pourtant, l’artiste continue de se produire en ‘live’ et d’enregistrer. Depuis le début de ce siècle, il a signé de nouveaux albums chez Vanguard et New West. Son tout dernier, "Mystic pinball", vient de paraître. Et il est excellent !
Latin Concrete réunit 17 titres assemblés et mixés par Chris Read, un DJ britannique. Pour concocter cet elpee, l’artiste a opté pour un set unique sans véritables césures entre les morceaux. En général, je ne suis pas spécialement adepte de cette technique ; mais il faut avouer que sur cette compilation, le choix est judicieux, tant l’ensemble est homogène.
Comme son titre l’indique, la musique dispensée sur ce disque privilégie les rythmes latinos. Vous pensez au soleil, au rhum, au coca et à la salsa. Et vous avez entièrement raison ! En écoutant cette compile, on ne peut que penser aux vacances. Aux moments privilégiés qui nous permettent de fuir le quotidien. Et comme l’électro est de bonne facture, pourquoi bouder notre plaisir ? Une électro épicée de tambours, trompettes, sifflets en tous genres et tutti quanti…
Tout n'est évidemment pas irréprochable. Certaines plages souffrent de longueurs inutiles. A l’instar de « Ritmos Colombianos ». Choisir la version ‘extended’ n’était pas une bonne idée. La plus courte est bien plus efficace. Il y manque également des refrains entraînants ; de manière à rendre les compos plus contagieuses…
Reste que le mixing est vraiment remarquable. De quoi imaginer aisément un voyage exotique, rafraîchissant et multicolore, en terres latines, pour le plus grand plaisir de tous nos sens…
Bienvenue dans ce périple opéré à bord du ‘Big Easy Express’, train qui traverse les Etats-Unis, en partant d’Oakland pour rejoindre la Nouvelle-Orléans, en passant par le Colorado et le Texas, en compagnie de trois groupes : Mumford & Sons, Edward Sharpe & Magnetic Zeros et Old Crow Medicine Show. Trois formations qui partagent un même goût pour le folk et la country, mais également une même philosophie de vie. Emmet Malloy a suivi et filmé, pendant une semaine et demie ce ‘Road Trip’ néo-hippie (NDR : sorte de « Sur la route » musical). Il s’agit cependant davantage qu’un simple documentaire musical, puisque si les arrêts concerts ont bien été immortalisés, ce « Tour of Dream » relate les événements de la vie quotidienne des musicos, l’ambiance qui règne et les idées qui circulent entre eux tout au long de ce périple. Un périple qui traverse des paysages somptueux.
Old Crow Medicine Show est la formation la moins connue ; et pourtant elle rivalise facilement avec les deux autres ensembles. Lors des extraits de concerts, deux titres accrochent immédiatement l’esprit. Tout d’abord le « Home » d’Edward Sharpe & Magnetic Zeros et « Little Lion Man » de Mumford and Sons. Logique ce sont leurs hit-singles. Mais ce sont surtout les bœufs improvisés qui se révèlent les plus intéressants. On retiendra ainsi la collaboration entre Mumford and Sons et l’orchestre d’un collège texan, des sets impromptus accordés au sein du bus ou dans le désert, ainsi que le morceau final, composé au cours de la tournée, et interprété par tous les musiciens. Le tout est bien sûr, émaillé d’interviews…
Ode à la liberté, ce type de documentaire est une invitation à voyager à travers le territoire américain, mais une incitation à jouer d’un instrument, à se lancer dans la musique. Dommage que le dvd n’ait pas été doublé d’un cd audio. On l’aurait bien écouté plein pot dans sa voiture !
Joss Stone est née Jocelyn Ene Stoker. Agée à peine de 25 ans, cette Anglaise est une bien jolie chanteuse de soul. Elle est aussi actrice et auteur-compositeur. Elle a démarré sa carrière très jeune. Ainsi, en 2003, elle avait publié son premier volume de "The Soul sessions". Depuis, elle a gravé plusieurs elpees, chanté une version d’"Unchained melody" aux cotés de Johnny Halliday, pour l’album "Ca ne finira jamais", paru en 2008, et participé à la nouvelle aventure de Mick Jagger, en 2011, baptisée Super Heavy. Elle a déjà vendu plusieurs millions d'albums. Pas pour rien que l’an dernier, une compile lui a été consacrée, "The best of Joss Stone 2003 – 2009".
Pratiquement dix années séparent le premier tome des ‘Soul sessions’ de ce second chapitre. Confessons de suite que Joss est une chanteuse populaire qui ne manque pas de talent ; cependant, elle ne dispose pas du charisme naturel de la malheureuse Amy Whitehouse. Cette dernière était hantée par sa musique, une musique qu’elle transcendait de son organe vocal. Joss se contente ici de rendre hommage à la soul qu'elle adore. Aucune compo n’est donc de sa plume ; elle se limite donc à interpréter les standards du style qu’elle a choisis.
Enrobée dans un ensemble de cordes, "I got the…." ouvre la plaque. Une compo signée par Labi Siffre, une Nigériane établie en Angleterre. Cette plage baigne dans le Philly sound ; et a souvent été samplée par des artistes de hip hop. Sa voix est beaucoup mieux mise en évidence lorsqu’elle aborde da soul plus classique. A l’instar du "Give more power to the people" d’Eugene Record (NDR : des Chi-Lites), une piste dont le funk naturel incite au déhanchement. Pour la circonstance, le notoire Texan Delbert McClinton se réserve l'harmonica! Elle interprète brillamment "Sideway shuffle", une ballade dansante immortalisée par la Londonienne Linda Lewis, en 1973. Sa voix passe également bien la rampe sur la cover du "I don't want to be with nobody but you" d'Eddie Floyd, l'un des tous grands du Southern soul chez Stax ainsi que sur une autre ballade empreinte de tendresse, "The love we had". Enfin, on épinglera encore son excellente version de "The high road", un hit des Broken Bells qui date seulement de 2009. Le reste de l’elpee trempe dans une soul pop légère, agréable à l’oreille, mais sans grande consistance
Trois morceaux en à peine 8 minutes et trente secondes. Dans ces conditions, difficile de se forger un avis bien tranché sur la musique de ce groupe lillois. Dès le premier larsen qui ouvre la première plage, « Sous Terre », le ton est donné : le son sera brutal. Derrière les fûts, le drummer s’agite. Les guitares alimentent l’intensité des compos. Les accords sont lourds et violents, quoique prévisibles. Les vocaux sont hurlés, mais les chœurs allègres. Les lyrics sont exprimés dans la langue de Molière et sont excellents ; cependant, pour comprendre ce que le chanteur raconte, une seule solution, consulter le booklet. Troisième morceau, « Pour qui préside l'effroi » reprend quelque peu son souffle. Bref, un Ep court mais percutant. Quelque part entre punk, stoner et hardcore, l’expression sonore de Mörse vise rapidement et en plein dans le mille. Faudra maintenant attendre la sortie de leur album pour se faire une idée plus précise de leur potentiel. Mais vu (entendu ?) ce que ce condensé nous propose, la suite est chargée de promesses…
Willie McBlind n'est pas le nom d'un artiste mais bien le patronyme d’un blues band, un quartet qui réunit la chanteuse Meredith ‘Babe’ Borden, le guitariste Jon Catler, le bassiste Mat Fieldes et le drummer Lorne Watson. Ces musiciens souhaitent faire revivre les légendes du Delta blues primaire ; celui de Charley Patton, Blind Willie Johnson ou encore Fred McDowell, tout en adoptant leurs propres arrangements. Et le résultat est plutôt original. Ces New-Yorkais puisent des tonalités intermédiaires dans la gamme musicale classique pour dispenser ce qu'ils appellent du ‘blues harmonique’. Le spécialiste de ces expérimentations ? Le gratteur Catler. Il n’hésite ainsi pas à se servir des techniques à 64 tonalités ou plus modestement à 12 tonalités. En outre, la voix de Babe relève facilement le défi, puisqu'elle s'étend sur trois octaves!
La formation comptait déjà deux opus à son actif, "Find my way back home" publié en 2007 et "Bad thing", en 2009. Pour enregistrer ce troisième essai, elle a choisi un thème : le train. Un elpee qui recèle neuf compositions personnelles et une seule reprise.
Le chef de gare annonce l’arrivée du convoi. "Sittin' in the train station" est imprimé sur un rythme vif. La voix de Babe est secondée par celle de Catler. La guitare nous interpelle. Le son est singulier, légèrement déjanté mais entièrement sous contrôle. "Living long day" embraie sur un mid tempo. Les deux voix dominent à nouveau le sujet ; mais dès qu’elles libèrent un espace, les cordes se mettent à cracher le feu! "Anywhere" est une excellente composition. La combinaison des vocaux me rappellent les prémices du Jefferson Airplane ; en outre les cordes affichent une créativité acide digne de Jorma Kaukonen. Blues presque classiques, "Slow moving train" et "One thing" se distinguent par la performance vocale de Babe qui couvre les fameux trois octaves. "Mighty long time" nous entraîne dans un voyage psychédélique, un blues qui circule à une cadence hypnotique. "Down the road" est un country blues classique. Une seule cover, la lecture toute personnelle du "Love in vain" de Robert Johnson. Boogie (NDR : of course !), "Boogie train" conjugue impeccablement cordes électriques et acoustiques ; et lorsqu’elles se mettent à délirer, on est totalement conquis. "The train that never came" clôt le long playing est une compo de 13’ qui s’ouvre sous une forme surannée, avant de glisser vers un très long interlude consacré à la musique contemporaine. De quoi étonner, mais aussi peut-être décourager le mélomane lambda.
Cet album dépasse largement le cadre du blues. Primitif, il est ouvert à des tas de styles différents, comme le rock, le jazz (Coltrane ?), le psychédélisme et la musique indienne. Une œuvre complexe, étonnante, à écouter et à réécouter, mais bien sûr aussi, un groupe à suivre…
Réunissant Emam Ruth Rundle, Clifford et Greg Burns de Red Sparowes, ce mariage embrasse le feu et la glace dans une étreinte somptueuse.
Annonçant la couleur sombre d’un album prochain, ces six titres augurent l’excellence à venir.
La puissance et la subtilité, la rage et la quiétude se rejoignent ici pour le meilleur, ignorant qu’il puisse exister un pire.
Depuis l’ouverture angoissante de « Ride In My Place » à la respiration claustrophobe d’un « Part The Dark Again », les sonorités s’écorchent sur les lames tranchantes d’un Rock Emo(tionnel).
On retrouve bien sûr le noir ramage de Red Sparowes ; cependant, il ne s’agit pas ici d’une simple variante, mais bien d’une extrapolation du groupe de L.A.
Sensuel, sombre et intriguant, cet Ep a été enregistré sous la houlette de Toshi Kasai (croisé un temps du côté des Melvins et… de Red Sparowes) ; et il a fiel allure.
Labasheeda est une formation amstellodamoise qui compte déjà 8 années de carrière. Elle puise cependant ses racines dans les nineties, et en particulier chez Sonic Youth. Pas étonnant, puisqu’elle raffole des épopées bruitistes à la Sonic Youth. Et c’est manifeste dès le morceau qui ouvre l’opus, « Castfat Shadows » ou encore tout au long de l’excellent « 14 », titre sur lequel la chanteuse Saskia van der Giessen s’en donne à cœur joie, un peu à la manière de Karen O des Yeah Yeah Yeahs ! Mais la demoiselle possède plus d’un atout dans son jeu. Non seulement elle possède et maîtrise une voix puissante, mais se révèle une excellente violoniste. Elle le démontre ainsi sur « Double Exposure ». Si Labasheeda excelle dans son aptitude à faire sonner ses guitares dans un pur registre noisy, il ne parvient pas à fixer des mélodies inoubliables. Ce qui explique sans doute pourquoi il éprouve toutes les peines pour sortir de l’anonymat…
A l’An Vert de Liège le 29 septembre 2012.
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