Les trois têtes chercheuses de Blonde Redhead n’en finissent plus de nous étonner en innovant constamment album après album. Le groupe new-yorkais a fortement adouci le ton depuis la sortie du superbe « Misery Is a Butterfly ». Une métamorphose coïncidant avec leur signature chez 4AD. Définitivement oubliées les dissonances et expérimentations noisy de l’elpee éponyme ou de « La Mia Vita Violenta » ? Il semblerait que ce soit le cas, car le combo persiste et signe dans la même direction tout au long de cette nouvelle livraison qui devrait décevoir les fans de la première heure, mais probablement en conquérir bien d’autres…
Si Kazu Makino et les jumeaux Pace aiment se faire violence en enfonçant de nouvelles portes, ils nous préservent de toute brutalité en décidant de nous cajoler les oreilles. Encore plus doux, « Penny Sparkle » épouse cependant une forme plus électronique et vaporeuse, probablement inspirée par les mois les plus froids de l’hiver new-yorkais ou par leurs nouveaux producteurs suédois (Henrik von Sivers et Peder Mannerfelt du duo Van Rivers & The Subliminal Kid). Si les 10 chansons synthétiques –au tempo parfois trop plat– concoctées par Blonde Redhead s’avèrent souvent un peu lisses par rapport à leurs productions précédentes (les soporifiques « My Plants Are Dead » ou « Penny Sparkle »), certains titres hypnotiques sont de toute beauté comme le plus énergique « Not Getting There » ou le très mélodique « Everything is Wrong ». Et puis malgré quelques baisses de régime, il y a la voix en apesanteur, toujours aussi mystérieuse et délicieuse de Kazu. Qui paradoxalement prend toute son amplitude lors d’un magnifique duo échangé en compagnie d’Amedeo Pace, sur « Black Guitar ».
L’excitation n’est toutefois plus au rendez-vous à l’écoute de cette dream-pop aux réminiscences cold-wave, déjà entendue en mieux chez The XX ou Cocteau Twins. On se demande pourquoi de si nombreux groupes s’évertuent à lisser leur son au fil du temps. Dans le cas d’un groupe aussi aventureux et défricheur que Blonde Redhead, on ne peut s’empêcher de regretter ce choix…
Lorsque Ron Wood prend le relais de Mick Taylor, pour assurer le rôle de guitariste chez les Rolling Stones, en 1975, la nouvelle ne surprend guère. Et pour cause, son look colle parfaitement à celui des Stones. Et puis, il jouit d’une fameuse expérience. Il a sévi comme bassiste au sein du Jeff Beck Group et milité comme guitariste chez les Faces, auprès du sémillant vocaliste Rod Stewart. Il sévit toujours chez la bande à Jagger/Richards, mais régulièrement, il se réserve l’une ou l’autre aventure en solitaire. Si son dernier elpee, "Not for beginners", remonte déjà à 2001, "I feel like playing" constitue déjà son septième long playing solo.
Le cd s’ouvre par "Why you wanna go and do a thing like that for", une ballade interprétée tout en décontraction, trempée dans le blues, nonobstant ses accents country. Elle semble sortir tout droit des sessions d'un album des Rolling Stones, époque "Sticky fingers", alors même que Ronnie n'avait pas encore rejoint le groupe. Une compo de bonne facture, caractérisée par des guitares superbement découpées par Ronnie et Slash. Dommage que la voix est un peu limite. Un peu comme si Ron forcer son timbre pour le calquer sur celui de Dylan. Trempé dans le pur reggae, "Sweetness my weakness" est un peu lourd, mais repose sur une jolie mélodie. Ronnie se charge des parties d’orgue et partage une nouvelle fois de bonnes lignes de cordes auprès de ex-Guns 'n Roses, Slash. Les choses sérieuses démarrent dès "Lucky man". Un rock solide, entraînant, joyeux, au cours duquel son ancien pote des Faces, Ian McLagan, siège derrière l'orgue. La plage est illustrée par des échanges royaux entre Ronnie et Bob Rock, un guitariste canadien qui avait autrefois bossé pour Metallica. Superbe ballade bluesy, "I gotta see" lorgne du côté du regretté Rufus Thomas. Ivan Neville (le fils d'Aaron des Neville Brothers) est préposé aux claviers. La guitare est bien réverbérée : c’est celle de Billy Gibbons. Billy embraie sur un boogie rock solide mais tempéré, "Thing about you". Les cordes du leader de ZZ Top sont bien mises en évidence. Le son gras de la Gibson Les Paul domine le sujet. Ronnie nage dans le bonheur et force sa voix de fausset, soutenu par Blondie Chapin (un ex-Beach Boys) et Bobby Womack, un vocaliste de soul particulièrement notoire. Ballade bien rythmée, "Catch you" est balisée par un riff de dobro acoustique. Classique du blues, le "Spoonful" de Willie Dixon était sensé nous ramener dans l’univers primaire du blues. Mais cette version est funkysante. Jim Keltner malmène ses fûts. Slash est revenu aux côtés de Ron pour partager une attaque de cordes virulentes. Le chant est largement appuyé par celui de l'ami Bernard Fowler. Une cover tout à fait détonante ! "I don't think so" baigne au sein d’une atmosphère torride. Proche du style des Stones, ce rock déménage littéralement. Les voix de Fowler, Chapin et Womack assurent l'essentiel. McLagan se déchaîne au piano, pendant que Wood décoche son meilleur solo. Plutôt hard, "100%" ne manque pas de détermination. Gratteur particulièrement doué, Waddy Wachtel est venu apporter son soutien. Traversées de sonorités orientales, les cordes se muent en invitation au trip psychédélique. Un autre grand moment! Notre Ronnie sort un harmonica pour aborder "Fancy parts"teinter, un blues/rock funky marqué au fer rouge par la slide de Slash. Et croyez-moi, le résultat est stupéfiant ! Tramé sur un riff acoustique et enrichi de vocaux féminins, "Tell me somethin" revient au style bluesy rock des Stones. De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Forever", une ballade lente, puissante, au cours de laquelle Slash et Ivan Neville étalent toute leur classe et leur talent…
Qu’on arrête de nous seriner la triste perte d’inspiration de Weezer depuis la sortie de « Pinkerton » ! C’est acquis, on le sait, et c’est même une certitude : les maîtres de la power-pop 90’s n’atteindront plus jamais l’intensité mélodique des compos proposées sur l’album bleu ni l’aspect sublimement obscur de son successeur. Lucide, et très second degré, le très prolifique Rivers Cuomo (3 albums en 3 ans !) a décidé de laisser son inspiration couler et il serait malvenu de s’en plaindre ; car si quelques morceaux sont dispensables, la plupart sont toujours aussi jouissifs ! La récente signature sur Epitath reflète de plus à merveille cette éthique stakhanoviste aux relents punks du groupe californien. « Hurley », leur 8ème long playing paru album à ce jour, n’est sûrement pas le meilleur de Weezer ; mais des morceaux comme « Rulling Me » ou « Run Away » ne pourront que réjouir les fans de « Buddy Holly » ou encore de « Half-Pipe ». Pourvu qu’ils négligent l’indigeste (recherché et parodié ?) « Where’s My Sex ? ». Mais honnêtement, on ne vous demande pas de décrocher la lune…
La pochette est très évocatrice : le sourire de José Garcia, aka ‘Hurley’, le héros bien portant de la série ‘Lost’, nous invite à profiter sans retenue de la musique fun et sans prétention d’un groupe culte continuant de diviser la blogosphère… Et ce n’est pas la participation aux chœurs du casting de ‘Jackass 3D’, sur le single « Memories », qui risque d’arranger la situation !
Noyé dans la masse dense des sorties de l'année, cet album mérite qu'on s'y attarde sur le tard et qu'on projette sur lui un halo de reconnaissance qu'il n'aura pas volé.
Le destin de Once again (Wan's) est pour le moins atypique. Né d'une première mouture formée dans les années quatre-vingt par Phil W et ChampX sous le nom de Lattice Work, le groupe connaît alors le parcours classique de nombre de combos belges à l'époque, à savoir galère et mépris total du peu de structures mises en place alors dans nos belles contrées pour ce genre de musique. Enregistrés par Luc Van Acker, ils sortiront néanmoins un 45t en 1989, sur une structure allemande. Dans l'anonymat et l'indifférence, le split est consommé peu de temps après ; ce qui n'empêchera pas nos deux lascars de continuer au sein de Snowy Red dès l'aube des années 90 et jusque 91 où dès lors, on n'entend plus parler d'eux. Il est amusant de noter que la bio du groupe commence d'ailleurs en 2004, quand au travers de différents line-up, ils finissent par trouver un certain équilibre dans une formule à trois qui leur permet de publier une démo 4 titres. Après un énième remaniement, Micky Mike, lui aussi ex-Snowy Red reprend le micro. Mais les rouages du destin jouent alors un cruel tour à Wan's, et atteint d'un mal fatal, le chanteur tire sa révérence dans le courant de l'année 2009. Saluons l'abnégation de la paire originelle qui allant de l'avant, a dû se trouver un nouveau chanteur, en la personne de Red Ced (ex-Temple Shade).
Cet « In a lifetime » au titre évocateur est donc leur premier essai dans cette configuration. Naviguant entre electro, new wave et pop, l'équation, si elle n'est pas franchement originale, marque quand même un certain savoir faire qu'il serait sot d'ignorer. En optant pour une approche léchée, le groupe rappelle qu'avant The White Lies, il y avait Front 242, et qu'après l'ère Factory, il s’est creusé un gouffre géant que nombre de jeunes ont tenté de combler en singeant Joy Division, mais qu'au sein de notre mère patrie, figuraient déjà nombre de pousses, parfois injustement négligées. A l'heure où Orchestral Manoeuvre In The Dark revient pour le pire, ne gâchons pas notre plaisir de découvrir ce disque sorti il y a déjà quelques mois.
Enregistré à Berlin, ces neuf titres valent le détour et signent, j'espère, la naissance d'un nouvel ordre.
Notre pauvre pays est dans l’impasse et nos politiciens ne savent plus quoi inventer pour justifier leur salaire. On nous balance des plans B et des scissions à tours de bras. On évoque le rattachement possible d’une communauté ou l’autre à la France, aux Pays-Bas, au Luxembourg ou même à l’Allemagne. Et, si l’on en est à échafauder des hypothèses aussi invraisemblables, ne pourrait-on pas aussi envisager de fusionner une partie de notre patrie défaillante avec le Portugal ? Et pourquoi pas après tout ? Si cette formule fonctionne chez Box, elle pourrait très bien réussir pour nous aussi.
Box est un quatuor indie-rock basé à Scherpenheuvel (Montaigu) dans le Brabant Flamand. Cette formation multiculturelle est conduit par le chanteur/guitariste portugais Bruno Rocha (NDR : déjà responsable d’un album intitulé « Self-Shot Soul », en 2009) et par trois de nos compatriotes : Bruno Goedhuys à la batterie, Gilles Verougstraete à la basse et Pascal Smets à la guitare.
Le premier Ep, mis en boîte aux Konkstudio de Londres, est désormais disponible en écoute intégrale sur la page MySpace du groupe http://www.myspace.com/boxbandmusic ainsi que sur son site officiel : http://www.boxband.net/ .
On y découvre cinq plages bourrées d’énergie, sculptées dans un indie-rock contemporain, souvent mid-tempo, au groove évident et qui ne cache pas ses influences blues (« Merciful Blade ») voire même rock sudiste (« Bullied By The Bears »). Box est parvenu à élaborer un son actuel, sans pour autant rejeter ses racines. Et c’est un coup de génie. Un concept dont pourraient s’inspirer ceux qui nous gouvernent…
En 1992 alors que la jeunesse mondiale déprime encore au son du grunge, Dave Wyndorf, lui plane. « Spine Of God », le premier album de Monster Magnet, (le cartel dont Wyndorf est le baron incontesté) est une véritable ode à la fumette interplanétaire. Mélange hallucinogène du heavy rock de Black Sabbath, du space rock d’Hawkwind, du garage rock des Stooges et de l’acid rock des Doors, « Spine Of God » est sans doute l’un des piliers de ce qui allait devenir le stoner rock. Si les substances illicites ont grandement contribué à rendre les compositions de Wyndorf aussi originales et uniques, elles ont aussi failli avoir sa peau en 2006. Sur « 4-Way Diablo » le dernier album en date, sorti un an après une ‘overdose accidentelle aux somnifères’, Wyndorf n’est plus que l’ombre de lui-même. L’opus, sombre et dépressif, ne laisse rien entrevoir de bon quant à l’avenir du groupe.
Mais il ne faut pas vendre la peau du ‘stone-rocker’ avant de l’avoir désintoxiqué. Et pour le ‘Space Lord’ comme pour ce vieil Arthur C. Clarke : 2010, c’est l’année de la deuxième odyssée de l’espace (NDR : là, il va falloir relire vos classiques de la SF). « Mastermind », le nouvel opus paraît fin octobre chez Napalm Records. Et, le moins que l’on puisse dire, c’est que Monster Magnet y tient une forme ‘hallucinolympique’.
Le vaisseau « Mastermind » décolle au son d’« Hallucination Bomb » ; une déflagration de basse qui introduit un riff plombé et renoue avec le doom rock psychédélique d’antan. Sur « Bored With Sorcery », Monster Magnet bat le fer tant qu’il est chaud en balançant un space-rock bien speedé. Le groupe semble vraiment chargé à bloc. « Dig That Hole », pour suivre, mélange heavy bourdingue à la Sabbath et rock psychédélique à des ‘hohos’ fédérateurs rappelant un peu Glen Danzig. « Gods And Punks » est un titre lent où les guitares, aussi distordues que celles des Stooges, nous replongent dans l’époque bénie de « Spine Of God ». « The Titan Who Cried Like a Baby » et « Time Machine » sont deux de ces ballades enfumées, spatiales et psychédéliques dont Wydorf s’est fait une spécialité. Elles s’apprécient probablement mieux si l’on est dans un état second. « Mastermind », le titre qui donne son nom à l’album est un heavy groove plombé qui génère une furieuse envie de headbanger. Le tempo s’accélère ensuite pour l’excellent « 100 Million Miles », mélange furieux de space et de garage rock. « Perish In Fire » est une ‘curiosité’ : un titre plutôt rapide, où des percussions marquent le rythme d’une manière étrange. Sans sa touche ‘spatiale’, « When The Planes Fall From The Sky » aurait définitivement pu figurer sur l’une des galettes doom métal de Saint Vitus ou de The Obsessed. « Ghost Story » et « All Outta Nothing » les deux titres de clôture n’apportent, quant à eux, pas grand-chose de transcendant à ce retour en force de Monster Magnet.
La production signée par Matt Hyde (Staind, Slayer, Hatebreed) est puissante et claire tout en restant fidèle au son typique de Monster Magnet. La pochette, quant à elle, a été dessinée par le mystérieux ‘Invisible Creature’ bien connu pour son travail opéré pour Wolfmother et les Foo Fighters.
C’est vrai, « Mastermind » ne réveille pas tout à fait l’extase psychédélique qu’avait provoqué « Spine Of God » (1992) et ne provoque pas non plus l’orgasme rock’n’roll que nous avait procuré « Powertrip » (1998). Cependant, Monster Magnet nous fait de nouveau prendre notre pied et ce, sans que nous nous sentions le besoin de simuler le plaisir (comme c’était malheureusement le cas pour « Monolithic Baby » en 2004 et « 4 Way Diablo » en 2007). Pour une relation qui dure depuis presque deux décennies, c’est plutôt remarquable !
Sur des terres sauvages encore mal défrichées au cœur d'un océan d'insondables tourments, se niche un trésor jusqu'à présent bien gardé. Battu en brèche par un vent de douce folie et jalonné de richesses sonores pertinentes, ce premier opus de ces Marquises voit se croiser toute l'intelligence d'une certaine electronica, et la beauté retenue de ce que certains appelleraient post-rock. Trio inspiré, formé de J. Geiger (Minus Story, Hospital Ship, Shearwater), J.S. Nouveau (Immune Recorded Home) et J. Grandcollot (Pan Pan Pan), ce groupe combine brillamment nombre d'influences diverses, mais habillement intégrées dans un style haut en tenue.
Tandis que les architectures (j’insiste sur ce terme, néologisme de circonstance) tissent une trame savante mais non dénuée d'âme, les éléments organiques insufflent vie à des morceaux qui sont autant de courts-métrages mentaux, sorte d'instantanés qui s'impriment en négatif sur les parois de notre imagination.
Alors que le premier titre « Only ghosts » s'attache déjà à teinter la pellicule de larmes d'aquarelles, « La terra trema » qui s'ensuit soulève des vagues dans l'âme, qui viennent s'écraser sur les lames de récifs perdus dans les brumes et l'écume. « Sound and fury » et sa rythmique asthmatique mariée pour le meilleur et non le pire à un orgue désuet, fige quant à elle, un fugace instant de grâce dans une envolée de trompettes propres à faire pleurer les anges, et « This carnival of light » glisse sous l'aile d'oiseaux qui migrent vers des horizons embués. Vient ensuite « Comme nous brûlons », titre incandescent jusqu'à folie. Enfin « Terrible horses » opère un retour dans un passé sépia, remontant les sillons d'un vieux vinyle sur un phonographe poussiéreux.
Un album mélancolique et pourtant haut en couleurs, suspend dans les airs du temps, teinté de surréalisme, dont le fil conducteur est tiré de la trame de l'œuvre de Henry Darger, artiste américain ayant dédié l'essentiel de son art (et de sa vie) à une œuvre épique, tant picturale qu'écrite.
Un album à contempler des deux oreilles.
PS : Grand Jacques, je suis très fier d'être parvenu réussi à chroniquer ce disque sans mentionner ton nom !
La presse est unanime, Bonaparte est un groupe à absolument voir sur scène ! J’attendais donc impatiemment de les découvrir ce mardi 26 octobre, à la Rotonde du Botanique. Coupons court à toute polémique, cette flatteuse réputation, la formation l’a gagnée à force de tourner à travers l’Europe ; elle n’est donc pas usurpée. D’ailleurs, il ne faut que quelques minutes pour que le public se rende compte qu’il se trouve face au groupe le plus fou et déjanté qu’il lui ait été donné de voir sur scène.
La salle est comble lorsque le Suisse Tobias Jundt et sa troupe berlinoise à géométrie variable, monte sur les planches. Juste après la projection d’un mini film présentant les divers personnages –bizarres et particulièrement décalés– qui seront mis en scène lors de ce spectacle. Est-ce du cabaret ou du cirque d’une autre époque ? Une chose est sûre, l’imagination est au pouvoir et elle ne souffre d’aucune limite. Elle est même totalement débridée. Durant plus de 120 minutes, les titres de leurs deux derniers albums s’enchaînent. Le groupe semble, en outre, prendre beaucoup de plaisir. Et le public également. Les riffs de guitares déferlent. Les musiciens sont masqués. Deux aimables demoiselles sont follement accoutrées. Les chorégraphes enchaînent des apparitions. Pour y faire, le plus souvent n’importe quoi. Certains sont déguisés. D’autres pas. Participent à ce spectacle drôle et trash, un cheval chef d’orchestre, un ‘homme-canon’, une femme de ménage joueuse, une none lubrique et défoncée, une danseuse indienne. Il y a même une baignoire ! C’est l’anarchie la plus complète, mais l’énergie est euphorisante et communicative. D’ailleurs, elle ne laisse personne indifférent. Les tubes (« Too Much » et « I Can’t Dance ») de leur deux derniers albums –un peu saoulant sur disque–enflamment une Rotonde parfaitement conçue pour ce type de show. Encore plus délirant que celui d’Of Montréal… et qu’importe si leur musique n’est pas toujours au diapason.
‘Do you want to party with the Bonaparte?’ Quelle question! Au vu de ce que la troupe nous a proposé ce soir, il serait insensé de les manquer, lors de leur prochain passage près de chez vous. Et la description de cette représentation, que je viens de vous brosser, ne reflète que le tiers du quart de ce à quoi vous devez vous attendre, lorsque vous irez les applaudir sur les planches. Le responsable de cet incroyable bordel rock d’une durée de deux heures ? C’est tout simplement Bonaparte. Et il nous mis dans sa poche…
(Organisation Botanique)
D’abord au sein de Tribag, puis seul aux commandes depuis la sortie de son premier album, « The Last Resort », paru en 2006, Anders Trentemøller a réussi à s’imposer comme une figure de proue de l’électro minimale. Au point de se produire aujourd’hui à guichets fermés dans des salles telles que l’Ancienne Belgique. Ce que peu de ses contemporains militant dans le genre sont parvenus à réaliser jusqu’ici. La salle du centre-ville bruxellois accueillait le Danois venu défendre « Into The Great Wide Yonder », son deuxième essai publié en juin dernier lors d’un show aussi jouissif pour les oreilles que pour les yeux.
Ceux qui, comme votre serviteur, s’attendaient à un show sobre du genre ‘DJ derrière ses platines et projections à l’arrière-scène’ auront été bien surpris ce soir. Trentemøller n’est manifestement pas homme à faire les choses à moitié. Pour accomplir sa plus grande tournée à ce jour, le Danois est accompagné de pas moins de sept musiciens. Un vrai ‘live’ en perspective. Le décor, créé par Henrik Vibskov, à la fois designer de mode et… batteur pour son comparse, est à la fois simple et impressionnant. La scène est parsemée de grillages s’élevant du sol, participant à une mise en scène rondement menée. Trentemøller prend place derrière ses platines, suivi de tous ses musiciens. « The Mash And The Fury », extrait d’« Into the Great Wide Yonder », ouvre le bal. Le talentueux Dj/musicien/producteur/remixeur construit son set crescendo. La tension dans le public monte au fur et à mesure que les titres s’enchaînent, soutenus parfois par deux demoiselles se partageant le micro à tour de rôle. « Sycamore Feeling », « Miss You », Something Better », « Silver Surfer, Ghost Rider Go!!! » agitent tour à tour le public de l’Ancienne Belgique.
Lors du rappel, le concert de Trentemøller s’achève en apothéose sur un « Take Me To Your Skin » qui met tout le monde d’accord. L’espace d’une petite heure et des poussières, le Danois a démontré par A+B que l’électro minimale et atmosphérique est la forme la plus classieuse et peut-être même la plus fédératrice du genre.
(Organisation : Live Nation)
Pour assurer la promo de son nouvel album "Brussld", Arno l’Ostendais (NDR : le Bruxellois ?) accomplit une tournée digne de ce nom, en alignant cinq dates en octobre rien que pour notre capitale belge : le 22 au Botanique, le 23 au Cirque Royal, le 25 à l'AB, le 27 au club de Vaartkapoen, et le 28 au VK. Pas d'excuse donc pour manquer ce chanteur mythique dont les concerts sont hauts en couleurs. Il serait un peu absurde de présenter Arno, musicien hors pair à la voix rauque, emblème de la scène belge, qui, à 61 balais, rencontre une reconnaissance internationale.
Ce samedi 23, accueilli dans un Cirque Royal bien rempli et heureusement libéré de ses sièges, Arno a donc été applaudi par un public chaud comme une baraque à frites. Pas de première partie. Il se pointe à 20h30 et attaque son show par "Brussels", morceau de son premier album presque éponyme. Dans un mélange d'électro et de rock fortement marqué du sceau des 80's, le titre démarre par ‘Let’s sing this song for Linda, Mustapha, Jean-Pierre, Fatima, Michel and Paul’. Après ‘L'union fait la force’, Arno lance au passage ‘Vive les moules’, et chante ‘Les Flamands et les Wallons’. La couleur est annoncée, et c'est dans un flawalland agrémenté d'anglais qu'Arno s'exprime une fois ce premier morceau terminé. Dans un style scénique proche de Brigitte Fontaine ou Higelin, oscillant entre provoc’ et grande sensibilité, Arno nous livre une vingtaine de chansons. Essentiellement en français et anglais, pas mal de titres sont issus de "Brussld", sorti en mars 2010, que le public connaît déjà ! De petits types aux gueules cassées chantent et semblent avoir studieusement révisé avant d’investir les lieux. Il y a des vieux, des légèrement moins vieux (la moyenne d'âge doit osciller autour des 45 ans ; mais le prix des places y est peut être pour quelque chose), du cuir et des crânes rasés ainsi que des gens chics qui dansent en tous sens...
Autant dire que ce que prône Arno, un joyeux mélange ou joyeux bordel, est ici plutôt bien incarné. Il présente ses musiciens dont le pianiste ostendais Serge Feys, son complice depuis l'époque de TC Matic (premier groupe d'Arno), la jeune choriste Sabrina, Ixelloise d'origine marocaine, son guitariste allemand, son batteur aux racines zaïroise, son bassiste issu d'ex-Yougoslavie...
Le contact avec le public est généreux, Arno n'hésite pas à s'arrêter au milieu d'une chanson pour discuter, et reprendre comme si de rien n'était. Ses présentations sont complètement décalées, foutraques, et le public, acquis à sa cause, rit aux éclats à la moindre boutade... surtout celles évoquant les gros roberts de sa grand-mère ! Le dernier album est bien représenté par "Mademoiselle", "God save the kiss", le frissonnant "Elle pense quand elle danse", l' excité "Ca monte" et ses harmonies vocales qui rappellent les Rita Mitsouko. N'oublions pas "Black dog day", "Quelqu'un a touché ma femme" et une reprise très étonnante de "Get up, Stand up" de Bob Marley, mélancolique et en mode mineur... Des morceaux plus anciens (mais toujours aussi délectables) sont aussi interprétés. Un "Watch out boy" orientalisant, entamé par Sabrina et sa voix envoûtante, "Françoise" dont le refrain ‘Allez danse, danse Françoise, comme une Bruxelloise !’ est repris en chœur par le public. " Nager", "Oh là là", et enfin, le meilleur pour la fin, "Putain putain" qui résonne drôlement dans le contexte politique, le superbe "Ma mère", et pour finir, la fameuse reprise des "Filles du bord de mer" d'Adamo, qui fait valser le public plus qu'il ne faut. Les 22 morceaux seront passés sans que l'on s'en aperçoive ; d’ailleurs on en voudrait encore et encore. Putain ! C'était vachement bien !
(Organisation : Live Nation)
J’avoue, le rap c’est pas trop ma came. Encore moins lorsqu’il s’agit de rap français. Mais il y a quelque chose chez La Caution qui rend ce duo plus captivant que les autres formations du genre. D’abord, à cause de ces textes plus raffinés que ceux de la plupart de leurs contemporains, puis de ses beats irrésistibles comme celui de « Thé à la menthe », leur plus gros tube publié à ce jour. Ce soir, La Caution mettait le feu aux planches du VK* sans la moindre allumette.
Arrivés sur scène après la prestation respectable de Azzili Kakma & Exodarap et celle un peu plus retentissante de Sidi Hoomam, les frangins Hi-Tekk et Nikkfurie prennent place sur la scène du VK*. La salle n’est comblée qu’à près d’un tiers de sa capacité ; ce qui n’empêche pas La Caution de chauffer à blanc l’assistance dès sa montée sur l’estrade. Le duo délivre un set partagé entre son double « Peines de Maures / Arc-en-ciel pour daltoniens » et des extraits d’un nouveau disque encore en préparation. Les deux gars, accompagnés d’un DJ, peignent, entre autres, le quotidien des jeunes et moins jeunes issus de la Seine-Saint-Denis à travers des morceaux percutants comme « Changer d’air », « Souvent », « Metropolis » ou encore « Je te hais », tout en évitant de tomber dans les clichés du genre. Et en servant d’un phrasé qui force le respect.
Pas besoin pour eux de se produire devant une salle comble pour assurer comme des pros. Les fans de TTC ou du Klub des Loosers étaient sans nul doute dans le coin tant les beats de la formation ne sont pas sans rappeler les débuts de ces derniers. Après une petite heure de show, La Caution effectue sa descente en rappel au son de leur fameux « Thé à la menthe », dégusté de la première à la dernière goutte par une assistance extatique. Le duo se retire alors après avoir délivré un show convaincant, même pour ceux qui n’adhèrent pas particulièrement au style.
(Organisation : Back In The Dayz / Vk*)
Pas d’homonyme ce soir sur les planches du Vooruit. C’est bien à Gand que l’immense acteur (« The Player », « Short-Cuts », « Mystic River »…), réalisateur et scénariste (« Bob Roberts », « Dead Man Walking »…) américain a finalement décidé de poser ses guitares. Une escale surprenante, entre Paris et Londres, au cours de laquelle le grand enfant de 52 ans s’est amusé à réaliser son rêve de gamin : jouer de la musique. Une occasion rêvée pour tout cinéphile fanatique de croiser le comédien sans devoir se farcir la montée des marches à Cannes. Pourtant, l’assistance était peu nombreuse ! Les absents auraient-ils écouté le premier long playing de Tim et son orchestre ? Visiblement, les âmes présentes s’étaient plutôt déplacées pour apercevoir l’acteur oscarisé que pour l’écouter murmurer. Une jonchée de zooms sur le parterre et les éclats incessants des flashs en témoignent amplement.
L’incursion de Tim Robbins dans le monde musical ne bouscule absolument rien. Dans la composition comme dans l’interprétation, le ton général reste neutre. Le charisme naturel sur grand écran s’efface, curieusement, sur scène. La voix est monocorde, les intermèdes introvertis. La prestation nous livre un americana sans aspérité et un country-folk maladroitement rabâchés. Imprégnés, tous deux, d’une profonde nostalgie de la musique américaine en col bleu. Quant aux lyrics, ils évoquent davantage de frêles poésies adolescentes dessinant les contours d’une Amérique paumée. Un folk politique, truffé de clichés, qui nous parlerait des Etats-Unis contemporains.
Globalement, Tim Robbins and the Rogues Gallery Band vont livrer un set exsangue, paisiblement sous influence. Une influence décuplée. Exercice d’égo où la star du box office prendrait les formes d’un homme juke-box pour chanter ses idoles. Principale victime : Bruce Springsteen. Omniprésent. L’ersatz de la voix du ‘Boss’ voile la majorité des titres (« Book of Josie », « Toledo Girl », « Lightning Calls The Dawn »...) Certes, les idoles qu’il incarne (Steve Earle, Bob Dylan…) ne sont pas particulièrement touchées d’une voix divine ; mais elles brillent cependant par le caractère, la gravité et la chaleur. Malgré le soutien d’une équipe de musiciens d’élite (Kate St John, Leo Abrahams, Roger Eno, Rory McFarlane…), le ‘jeune’ mélomane souffre encore, manifestement, d’une carence de personnalité musicale.
Les sept musiciens se révèlent enfin plus inspirés lors des diverses covers. Instants où le grand cinéaste décide d’affronter les grands noms de la musique. Dès lors, le combo étasunien arpente agilement les chemins tortueux tracés par « All The World Is Green » de Tom Waits, ose une version negro spiritual sur le « If I Should Fall From Grace » de The Pogues et clôture le spectacle par « What A Little Moonlight Can Do » de Billie Holliday. Rien de transcendant en soi mais la sélection de versions audacieuses redonne quelques couleurs à une performance bien trop pâle.
Epinglons finalement « Folsom Prison Blues ». Une reprise de Johnny Cash dont l’enthousiasme et la passion éclipsent un cadre général décidément trop linéaire et souvent démago. Un morceau qui recèle une introduction lugubre transpercée par une voix déchirée tissant une véritable atmosphère avant de sombrer dans un final rockabilly excité (NDR : moment particulièrement apprécié par de nombreux sexagénaires –et plus ! – présents dans l’assistance. Ça bouge ! La salle danse, les têtes virevoltent, les hanches se balancent, les genoux tremblent. Ô doux souvenirs de notre enfance !
La maladresse du débutant, la timidité sur scène touchent indéniablement. Le musicien, lui, ne parvient jamais vraiment à convaincre.
Vraisemblablement victime du syndrome d’ubiquité touchant une multitude de personnalités publiques qui pensent que leur talent s’accorde à toute forme artistique, l’acteur américain a emprunté, trop rapidement, des chemins qu’il ne maîtrise pas encore.
La performance laisse songeur. Et, soudain, nous sommes pris de vertige. Comme devant un miroir dont l’image réfléchie mystérieusement s’inverse, la carrière musicale de Tim Robbins reflète dangereusement celle, cinématographique, de David Bowie.
(Organisation Vooruit)
Johnny Clegg : Le grand Johnny en France, c’est lui !
A l’instar des années précédentes, Musiczine avait dépêché ses collaborateurs, pour couvrir une journée du festival ‘Roubaix à l’accordéon’ ; faut dire qu’il en est déjà à sa quatorzième édition. Cet événement hors du commun programme des artistes issus des quatre coins du monde. Mais ce qui fait son originalité procède de la dispersion des spectacles en divers lieux. Si une large place est réservée à la musette, donc à l’instrument fétiche d’Yvette Horner, d’autres styles sont également proposés, afin de diversifier l’affiche. Ainsi Jacques Higelin s’apprête à conclure le festival, ce samedi 24 octobre. Et ce mercredi soir, c’est Johnny Clegg qui honore la salle Wattremez de sa présence.
Deux semaines après la sortie de "Human", son nouvel opus, Johnny Clegg débarque dans le Nord. Et il faut croire qu’il apprécie la France, puisque la moitié des dates de sa tournée européenne passe par l’Hexagone. Il y a plus de 30 ans que le Sud-Africain roule sa bosse dans la World ; un best of "Celebrating 30 years of Johnny Clegg" vient d’ailleurs nous le rappeler.
Une mauvaise nouvelle tempère toutefois notre optimisme, en arrivant à Roubaix, ce soir. Et pour cause, le concert accuse un retard indéterminé. En outre la salle qui accueillera le spectacle (NDR : elle me fait un peu penser à l’Ancienne Belgique, de Bruxelles) a été limitée à 500 places… assises !
Le contraste est dès lors saisissant entre la fougue, l’ampleur et la notoriété de l’artiste, et la capacité de la salle. Bien que celle-ci confère aussi une proximité et une convivialité toute aussi surprenante.
Et vers 21 heures, une partie de ce public ‘ch’ti’ redevient chaleureux et enthousiaste, puisqu’enfin, le Sud-Africain et sa troupe montent sur les planches. Le set impressionne par la maîtrise des musicos. Très pros, il faut le reconnaître. La voix de la choriste est énorme. A l’image de son popotin. Le ‘Zoulou blanc’ s’exprime dans un français presque parfait, et entre chaque titre –ou presque– il parvient à nous communiquer sa bonne humeur et sa joie de vivre, en racontant des anecdotes les plus diverses sur ses chansons ou sur l’Afrique du Sud, en y ajoutant une certaine dose d’humour. Johnny Clegg nous signale, en outre, qu’il interprète « Love in the time of Gaza », pour la toute première fois, en live, un morceau issu de son tout dernier elpee.
Il faut toutefois attendre le rappel pour voir l’ensemble du public se décider (enfin) à se lever et à faire monter l’ambiance de plusieurs crans. Une réaction amplement méritée, mais qui a quand même mis du temps à mûrir. Le tube « Scatterlings of Africa », une compo qui avait servi de titre-phare pour la BO de “Rain Man”, met tout ce public d’accord.
S’il est loin le temps où il remplissait le Zenith ou Forest National, flanqué de ses acolytes de Savuka, le spectacle proposé ce soir n’est certainement pas celui d’un ‘has been’. Les musiciens, danseurs et choristes africains accompagnent Jonathan depuis de nombreuses années. Et le set est d’ailleurs bien rôdé. Le guitariste, particulièrement à l’aise sur son manche, n’hésite pas à teinter son jeu de notes bluesy. Et comme notre front-man le rappelle, certains instruments rencontrés en Afrique du Sud manifestent des connotations celtiques. Notre homme ne se déhanche plus en permanence sur les planches et ne nous réserve plus son fameux lancer de jambes à 180° (ou presque). Mais les chorégraphies zulu sont suffisamment contagieuses pour entraîner une grande partie du public à effectuer quelques pas de danse. Et le concert de se terminer par « Asimbonanga » et « Dela », sous une salve d’applaudissements et dans une ambiance empreinte de bonne humeur, propres aux concerts de World.
C’est sûr maintenant, on ne pleurera pas le jour où l’autre Johnny passera de vie à trépas ; la vraie légende c’est celui qui s’est produite, ce soir, à Roubaix…
Set-List :
Rolling Ocean
Africa
Jongosi
Tuff enuf
December African Rain
Gyani
Impi
Bullets for bafazana
Love in the time of Gaza
Your time will com
I call your name
Digging
The crossing
Great heart
Cruel, crazy, beautiful world
Scatterlings of Africa
Asimbonanga
(Organisation : La Cave aux Poètes – Caramba spectacles)
En 1989 naissait dans la commune de Leefdaal (près de Louvain) une jeune fille répondant au nom de Sanne Putseys. A peine après avoir soufflé ses 18 bougies, la demoiselle entame une carrière musicale, sous le sobriquet de Selah Sue. Les réactions positives sont instantanées. Milow la prend sous son aile et lui propose d’assurer ses premières parties. L’Ancienne Belgique renifle, à des kilomètres, son talent naturel et lui propose un stage d’un an. Un stage qui se solde par des concerts à guichets fermés, aux quatre coins du pays. Elle arpente ensuite quelques uns des plus gros festivals belges cet été (Dour, Les Nuits Botanique, Pukkelpop, Couleur Café, Lokerse Feesten…), seule ou soutenue par ses potes d’Addicted Kru Sound, gonflant à l’hélium sa base de fans. Et quelques mois après avoir mis le feu aux planches de la Rotonde, la success story belge de l’année passe à l’étape supérieure en s’appropriant une Orangerie pleine à craquer.
Du haut de ses 21 balais, Selah Sue est un véritable petit ouragan scénique. Normal, quand on possède une voix pareille. Une voix qui évoque tour à tour Erykah Badu, Amy Winehouse voire même Nelly Furtado. Bref, la jeune Louvaniste semble née pour briller en ‘live’. Il suffit à ses cordes vocales d’émettre le moindre son pour parvenir à scotcher l’assistance, sans le moindre effort. A ce stade de sa carrière, elle a bien de la marge pour évoluer scéniquement ; mais son jeu est tellement spontané et décontracté qu’elle semble ne plus rien avoir à apprendre, à ce niveau. Et ce, avant même d’avoir publié sa première œuvre.
Sanne ‘Selah Sue’ Putseys démarre d’ailleurs le set par deux morceaux tirés de son premier disque, dont la sortie est prévue d’ici quelques mois. Deux compos qui, une nouvelle fois, évoquent distinctement Erykah Badu. A l’instar du titre suivant, « Black Part Love », issu de l’Ep du même nom, et qu’elle présente dans une version à la frontière du Hip Hop. Elle est flanquée de quatre musiciens ; mais vu sa prestance, on l’imagine sans mal se produire en compagnie d’un ‘full-live-band’ et d’une poignée de choristes. Après avoir pris la température de la salle, manifestement partagée à part égale entre néerlandophones et francophones, elle s’exprime dans la langue de Shakespeare pour ne pas faire de jaloux. Une initiative unaniment applaudie. Les nouveaux morceaux se mélangent aux plus anciens. Les mieux accueillis sont l’intense « Crazy Suffering Style », une version vitaminée de « Fyah Fyah », son ‘nouveau’ single « Raggamuffin » ou encore « Explanations » et « Mommy », qu’elle interprète seule à la gratte. Bien que la petite Sue soit une singer-songwriter à la plume affûtée, certains textes, comme celui de « Crazy Vibes », trahissent un peu son jeune âge. Un détail, vu la maturité déployée par la demoiselle qui offrira deux rappels en guise d’au-revoir.
Selah Sue deviendra, à coup sûr, l’artiste incontournable de 2011. Et, après ce concert, qui diffusait comme un avant-goût de ‘Couleur Café’, nul doute que les grands festivals du pays lui dérouleront le tapis rouge de leurs ’Main Stages’. On la tient à l’œil, ‘Selah’…
(Organisation : Botanique)
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