Paru courant de l’année 2010, le dernier album de Tunng, « …And Then We Saw The Land », constitue une étape décisive au sein du parcours de ce groupe anglais ; puisque l’un de ces membres fondateurs, Sam Genders, venait alors de quitter la formation, laissant ainsi une plus grande marge de manœuvre aux autres musiciens. Principal changement enregistré : la quasi-disparition des samples ; et puis une nouvelle ligne de conduite tracée par Becky Jacobs, même si le folk du combo est toujours teinté d’électronique.
Vers 20h, Alice Lewis monte sur les planches. Elle assure le supporting act. Pas de collaborateur. Elle s’accompagne aux claviers et puis tire parti de sonorités issues d’un ordinateur. La jeune artiste française est venue présenter les compos de son nouvel elpee « No One Know We’re Here ». Son univers sonore jouxte celui de Björk. Atmosphérique, il ne maque pas d’intérêt ; mais bien de relief. Si bien qu’au fil du temps, le public finit par décrocher. Et après une bonne demi-heure, elle se retire dans l’indifférence presque générale...
A peine le temps de se réhydrater que le quintet londonien, Tunng, entre en scène. Au cours de l’après-midi, le combo avait accordé un mini-concert destiné aux enfants âgés de 3 à 12 ans, accompagnés de leurs parents ou de leur famille, dans le cadre de goûters-concerts organisés régulièrement dans les salles du Nord de la France. Une très belle initiative, sans doute destinée à familiariser cette génération à la culture musicale…
Le quintet se partage drums, percus, guitares acoustiques, un ordinateur et les vocaux. Les harmonies vocales –féminines et masculines– sont particulièrement suaves. Conjuguées en harmonie. Empreintes de douceur et de tendresse, les mélodies accrochent instantanément. Et la délicatesse des cordes acoustiques accentue cette sensation. Tout au long de ce set, on a l’impression de partager une bulle, au sein de laquelle le combo nous a invités à pénétrer. Excluant toute forme de violence pour nous communiquer une forme de paix intérieure. La setlist privilégie les plages issues du dernier opus ; et en particulier le single « Hustle » ou encore l’excellent « October ». Sans pour autant négliger leurs classiques, à l’instar de « Bullets ».
Après une bonne heure trente de spectacle, la formation prend congé de son auditoire. La foule se retire peu à peu. Mais elle quitte les lieux des rêves plein la tête. Un peu comme si elle n’était pas encore totalement sortie de cette bulle si réconfortante. D’ailleurs, si vous êtes soumis au stress, n’hésitez pas à vous enfiler une bonne tranche du dernier opus de Tunng. C’est idéal pour décompresser…
Organisation Grand Mix
Roland Van Campenhout est de nationalité belge. C’est un vétéran du blues. Mais surtout un artiste complet, généreux et talentueux. Il arpente les scènes depuis tellement longtemps, qu’on a peine à croire qu’il ne va bientôt entrer dans le club des septuagénaires. Si à une certaine époque, il a drivé ses Blues Workshop, il a surtout privilégié une carrière individuelle, souvent marquée de collaborations marquantes. Ami de feu Rory Gallagher, il a bossé en compagnie d’Arno chez Charles et les Lulus, dans les années 90.
Steven De Bruyn est un jeune harmoniciste. Révélé d’abord à la tête d'El Fish, ce musicien talentueux, doublé d'une personnalité forte et d'une sensibilité hors normes, est le digne successeur de Toots Thielemans, même s’il n’évolue pas dans le même registre.
Steven est également impliqué chez les Rhythm Junks tout comme Tony Gyselinck, un batteur particulièrement notoire dans le monde du jazz belge
Lorsque Filip Casteels, le guitariste originel, a quitté El Fish, Roland est souvent venu renforcer le line up, sur les planches. C’est dire si Gantois et le Louvaniste étaient nés pour se rencontrer et partager leurs valeurs musicales. Ils ont d’ailleurs enregistré un album ensemble, "Waterbottle"!
Ce nouveau trio s'était produit lors de la dernière édition du festival Roots & Roses de Lessines, le 2 mai dernier. Un set qui avait littéralement médusé l’audience. Les trois compères se sont réunis, en studio, au cours des mois de mars et juillet 2010. Ils maîtrisent parfaitement leurs instruments. Ce qui explique pourquoi leur musique est impeccable, mais aussi aventureuse. Atmosphérique également. Difficile d’ailleurs de lui coller une étiquette, puisque les différents partenaires cherchent à explorer de nouvelles voies en tirant parti, tour à tour, du blues ou du jazz. En fait, on a même l’impression que ces nouvelles sonorités, ils les découvrent au fil des sessions.
Plage récréative, "Allumeuse Bayan" ouvre l’elpee. Imaginez un Toots Thielemans évoluant au cœur d'une world music parcourue d’effets électroniques. Steven joue de l’harmo d’une manière assez classique. Jazz bien sûr. Face aux percussions profilées comme un raga indien. Le tout traversé de bruitages électroniques. Avant que Roland n’y injecte des sonorités de cordes un peu particulières, entre dobro et sitar! "Reinvent yourself" intrigue davantage. Steven récite ses mots dans un monde bien étrange. L'harmonica adopte un profil discrètement lyrique. Lorsque les trois instruments jouent de concert, l’expression sonore baigne au cœur d'un blues subtilement funky. L'intro de "She knows how" est chaotique, presque déjantée. Le climat est pourtant hispanique. Une compo qui atteint cependant sa pleine puissance. Le chant frêle et délicat de Steven est bientôt rejoint par la voix graveleuse et tellement profonde de son comparse. Le résultat est étonnant, insolite mais toujours séduisant. Une vague électronique déferle sur "Boots & bitches". De quoi provoquer un climat de transe, rappelant à nouveau les ragas indiens, que soutiennent les percussions de Tony. L'harmonica de Steven divague dans le décor sonore, tandis que les cordes de Roland écrasent tout sur leur passage. Torturées, elles ne cessent de gémir tout au long de cet exercice de style d’une durée de près de 5'. Ballade relaxante et d’une grande pureté, "Tiny tiny" détermine une sorte de trêve instrumentale. Le timbre de Steven est serein, empreint de douceur. De Bruyn s’accompagne à la guitare résonator tandis que Roland se réserve les claviers, afin de communiquer au morceau une ambiance lugubre et cosmique à la fois! "King Kong in the Lunapark" macère dans un climat blues. Roland chante d’une voix grave. Elle pourrait émaner outre-tombe. Un certain effroi nous parcourt l’échine, tandis que Steven nous divertit de petites phrases claires et lumineuses. "Teeth grinder" adopte un tempo fort proche. Une longue fresque qui se développe très lentement. Tony balise la compo de ses fûts. Il double aussi aux claviers tandis que Steven arrache des sonorités pas possibles de son instrument. L’atmosphère ne respire pas la joie. Plutôt même un mal-être que cherche à tempérer les cordes de Roland, inspirées par cette texture minimaliste. Rien ne peut atteindre la sérénité de Mr De Bruyn. Même pas une araignée dans la figure. Il conserve son calme et son assurance tout au long de ce "Spider on my face" qui achève la première œuvre de ce trio. Sa voix est soutenue par les deux guitares. Le rythme s'accélère cependant progressivement. Le chant se dédouble. Les sonorités des cordes acoustiques sont limpides. Impressionnant ! Un bien bel album !
Le deuxième album de Troy Von Balthazar était fort attendu par tous les adeptes de son univers intimiste. Et puis par celles est ceux qui ont suivi son parcours tout au long de ces cinq dernières années ; en particulier lors de sa pérégrination européenne (l’Hawaïen confesse se sentir bien sur le Vieux Continent, où les tournées sont peut-être plus humaines et moins éprouvantes qu’aux États-Unis). Ces derniers se sont sans doute autant réjouis de la sortie de son nouveau disque solo que du retour de son groupe Chokebore, en compagnie duquel il a tourné tout l’été. Et pas en vain. Troy Von Balthazar n’aurait pas pu choisir un titre plus évocateur pour résumer sa vie d’artiste nomade, une humanité dans toute sa modeste condition, ses futiles joies et, parfois, son profond désespoir. L’homme est sa musique et il est prêt à conquérir également les néophytes.
Le danger d’un tel album aurait été pour monsieur Von Balthazar de devenir le cliché de lui-même ; heureusement, si ses mimiques scéniques réchauffées étaient les prémices dangereuses d’une formule éculée, « How To Live On Nothing » nous envoûte d’une nouvelle fraîcheur et préserve l’intégrité de l’auteur sans tomber dans le stéréotype du songwriter un brin cinglé, désabusé et plaintif.
Certes, on retrouve avec réjouissance la boîte à rythmes lo-fi et l’oversampling qui offre un son analogue sur scène ; la douce Adeline Fargier, pour la French Touch (ou pour rappeler que toute sa production, si réalisée à Los Angeles, est éditée en France où il connaît principalement son succès, même s’il est pour l’instant installé à Berlin).
L’album ouvre par les rugissements d’un félin : annoncent-t-ils la tonalité générale basée sur le titre « The Tigers », vilains fantômes, phobies et remords qu’il souhaite exorciser ou dénotent-ils un monde apparemment enfantin truqué de boîte à musique et de paroles faussement naïves ? « CATT » prend le relais. Un morceau fantomatique, tel son clip en pâte à modeler légèrement glauque, où apparaît déjà la voix spectrale d’Adeline. Le joli duo se retrouve également sur « Communicate » et l’irrésistible « Dots and Hearts », dont la vidéo tournée dans les rues berlinoises évoque légèreté et insouciance.
Certains titres plus conceptuels (« In Limited Light ») suggèrent leurs homologues du premier album (« Numbers »). Moins présent sur l’elpee précédent, le son ‘chokeborien’ refait circonstanciellement surface (« Happiness and Joy », « Mt Balthazar », « Santiago », influence de leurs retrouvailles ?) ainsi qu’une sonorité des années 1970 (« Mt Balthazar »), sans doute suscitée par le vieil orgue électrique absent auparavant. La délicieuse corrélation entre sa musique et celle de Sparklehorse (« Communicate ») est déconcertante ; mais elle est plus que surprenante, surtout lorsqu’on apprend que Troy n’a jamais écouté le moindre disque de Mark Linkous.
Les mots se condensent en métaphores surréalistes lourdes de sens et résonnent tels des regrets, désolations et confessions. Ils permettent, par leurs images subtiles, d’aborder de sombres thèmes (l’alcoolisme, le manque d’amour, l’avidité, la ‘carrière’ au sein de Chokebore qui n’a jamais complètement décollé) ; pourtant, Troy est quelqu’un d’élégamment simple, dont la vie d’itinérant moderne ne semble être pour lui qu’une succession de bons et de mauvais moments. Les quatorze tracks terminent sur un générique de fin, en mode choral rêveur et confortant.
« How To Live On Nothing » exprime la confirmation des choix de vie de l’artiste, qu’il avait douloureusement remis en question, ces dernières années. Cet album expiatoire révèle un tourment latent étouffé par une lumineuse candeur sur toile de bonheur ‘delermien,’ et a déjà été considéré comme meilleur que son précédent ; un univers dont les connaisseurs continueront à se délecter, ce qui prouve que Troy a pris la bonne décision.
Sept mois à peine après la sortie de l’écrasant « Eparistera Daimones », Tomas Gabriel Warrior se rappelle à notre bon souvenir en publiant un nouvel Ep hyper plombé de Triptykon, son nouveau gang démoniaque.
D’une durée approximative de 28 minutes, « Shatter (Eparistera Daimones Accompanied) » est un brûlot sulfureux partagé en cinq déflagrations métalliques inédites : trois titres studio mis en boite lors des sessions d’enregistrement d’« Eparistera Daimones » et deux classiques de Celtic Frost (NDR : le combo métal-avant-gardiste dont Tom G. Warrior était le leader), interprétés live par Triptykon lors de sa performance en tête d’affiche du Roadburn Festival de Tilburg aux Pays-Bas, au début de cette année.
Si vous avez apprécié le doom métal oppressif distillé par Triptykon sur « Eparistera Daimones », vous apprécierez forcément « Shatter » et « I am The Twighlight », les deux titres ultra-plombés qui ouvrent cette galette malsaine. Les guitares y sont conduites, en manifestant la même vélocité et l’entrain d’un gastéropode suicidaire. Constitué de bidouillages électroniques déprimants, « Crucifixus », sert d’interlude. Un instrumental tout à fait inutile.
La très bonne surprise de l’Ep, vous vous en doutez, procède de la présence de « Circle Of The Tyrants » et « Dethroned Emperor ». Issues du répertoire de Celtic Frost, les deux bombes peuvent enfin s’apprécier pleinement. A cause de la puissance du son, bien sûr, mais surtout de sa transposition contemporaine. Plus qu’appréciable ! Surtout que Warrior accueille sur « Dethroned Emperor » un invité de marque en la personne de Nocturno Culto, l’un des leaders du groupe black métal culte Darkthrone.
« Shatter » sera disponible en divers formats : Cd, téléchargement digital et Ep vinyle. Avis aux collectionneurs !
Agé d’une vingtaine d’années, ce jeune Tokyoïte relève du label japonais Noble (Films, Yasushi Yoshiba, …) « Vent » constitue son deuxième opus, mais le premier publié chez Noble. Il fait suite à « Accidental Tourist », paru l’an dernier.
A la première écoute de « Vent », on est stupéfait par la maîtrise du jeune artiste. Son mélange d’électronica, de jazz et de lounge est particulièrement homogène. Les nappes de piano (NDR : le musicien n’en jouerait que depuis trois ans !) se fondent parfaitement dans les rythmiques électroniques. Le xylophone (« Pen On Stapler »), les cuivres (March ») et d’autres instruments encore, enrichissent circonstanciellement la solution sonore. C’est propre, apaisant, typiquement asiatique. Parfait pour sonoriser les scènes du cinéma japonais contemplatif. Idéal pour décrire de sublimes paysages. Des morceaux tels que « Feather » ou « Iceyedit » en sont d’excellents exemples. Mais malheureusement, à force de jouer sur le contemplatif et la mélancolie, la musique de Serph se transforme petit à petit en musique d’ascenseur. Et finit par nous précipiter dans le plus profond ennui.
Dommage, car le jeune Nippon ne manque pas de talent. Faudrait peut-être qu’il injecte un brin de folie et d’énergie dans sa création, afin de la rendre plus vivante…
Issu d’un mariage belgo-corse, Saint André est né en 2004, sur les hauteurs de Liège. Seul ‘étranger’ de la formation, le chanteur Jean-Charles Santini, également préposé aux guitares et au piano, a rapidement opté pour la naturalisation ‘noir-jaune-rouge’, à l’instar des trois autres membres, Jérôme Mardaga (NDR : ex-Jeronimo !) aux six cordes également, Cyrille Nobilet à la basse et Thomas Jungblut à la batterie.
Six ans déjà que Saint André dispense son art, issu d’un pop/rock teinté de chanson française bien huilée. Très bien emmené par le single « Un autre que moi », le quatuor liégeois s’est fait une belle place au soleil, dès la sortie de son premier et excellent elpee, « Le grand soir », paru il y a tout juste 3 ans. Il aura donc fallu près de 36 mois pour que le second ouvrage tombe enfin dans les bacs. Mais le jeu en valait la chandelle…
Ce second opus transpire de classe et de maturité. En 11 chansons, Saint André révèle toute l’étendue de son talent. Jean-Charles Santini, au four et au moulin, responsable de la quasi-totalité de l’écriture, démontre toute sa parfaite maîtrise des mélodies et des rythmes. C’est un véritable petit collier de perles qui nous est ici proposé.
« Bleu de toi » ouvre magnifiquement ce petit ‘chapelet’. Petite chanson d’amour sans prétention, loin d’être niaise, elle prouve que Les Innocents ne sont pas les seuls capables de nous régaler de cette ‘variété française’ de qualité. S’en suivent toute une série de titres développés de même façon. L’accent est placé sur la musicalité, l’accessibilité. Les refrains sont faciles et accrocheurs. On a même envie de les fredonner, lorsqu’on ne bat pas du pied, en mesure. Une véritable ‘opération fraîcheur et qualité’ au rayon francophone de votre meilleur disquaire ! Il suffit de tendre l’oreille vers « Le roi des infidèles », « Le monde ne tourne pas », « Ne t’en fais pas »,…
En fait, l’œuvre ne souffre d’aucune faiblesse. Aucun morceau ne vous incite à zapper vers la plage suivante. On écoute l’intégralité de la plaque en éprouvant, à chaque titre, le même plaisir. Un gage de qualité ! Disponible ce 25 octobre, cet elpee propose quelques unes de ses plages en écoute sur leur hébergement ‘Myspace’. Ne vous privez pas d’un tel plaisir…
Rendons, pour terminer, à César ce qui lui revient, car si le combo se revendique bel et bien belge, c’est le natif de l’île de beauté qui est la source principale d’inspiration de cette excellente formation !
Frankie Rose n’est pas exactement une inconnue. Jouissant d’une solide réputation au sein du microcosme brooklynien, la jeune New-Yorkaise exploite le minimalisme de Maureen Tucker et joue de sonorités modernes pour construire sa propre identité musicale. Une présence emblématique qui vient naturellement habiter les cocons de Crystal Stilts, Dum Dum Girls et Vivian Girls. Fers de lance d’une scène indie en effervescence, ces groupes usent de tout matériau pour tisser un univers onirique : un son garage lo-fi, une réverbération additive, une expérience ‘spectorienne’, une esthétique sonore empruntée à Jesus And Mary Chain, un esprit ‘velvetien’… Et, surtout, une solide éthique DIY (NDR : l’étiquette ‘Do It Yourself’ englobe les formations musicales qui assurent la réalisation d’un disque dans son intégralité, de la production au concert). Démarche artistique qui a influencé toute une génération de groupes à travers le monde (NDR : en particulier The Raveonettes). Similitude inquiétante que l’on retrouve d’ailleurs sur « That’s What People Told Me ». Titre dont la ligne de basse et les guitares frôlent incestueusement le « Gone Forever » du groupe danois.
Le premier opus de Frankie Rose and The Outs est éponyme. Et la dream-pop n’a jamais aussi bien porté son nom. Un voyage hautement atmosphérique qui se projette bien au-delà du mur du son. Une traversée épique qui oscille entre rêve et nostalgie. Entre hier et demain. Epoque atemporelle qui ne se borne pas à ressasser les airs sur lesquels vos parents ont perdu leur virginité mais les réinvente. Un non lieu aux paroles énigmatiques : ‘Bordel ! Parfois, je ne sais même pas ce que signifient mes chansons !’
Lorsque « Candy » et « Girlfriend Island » revisitent les fantomatiques golden-oldies, le battement des pédales de « That’s What People Told Me » nappe le ciel de sons à vous couper le souffle. C’est comme si Cocteau Twins et Shangri-Las étaient montés, ensemble, dans une machine à remonter le temps pour réaliser un elpee fraîchement produit par Phil Spector.
Frankie Rose and the Outs (guitare : Margot Bianca – basse : Caroline Yes – batterie : Kate Ryan) parviennent globalement à ériger de splendides cathédrales de dream-pop sombre. Onze titres totalement voilés de reverb qui transcende le genre et s’enrichit d’une juxtaposition complexe d’influences. Des pistes ornées de claviers éthérés, de grelots frissonnants et de mélodies mélancoliques (« Hollow Life » et « Lullabye For Roads and Miles ») croisent des ballades étrangement désincarnées (« Save Me » et « Memo »). Le quatuor féminin réussit alors à créer une atmosphère aseptisée, une imagerie mentale qui ouvre les portes d’un no man’s land onirique que nulle âme n’habite.
Un bricolage savant qui passe facilement des symphonies de réverbération de « Little Brown Haired Girls » aux élans garage tordus de « That’s What People Told Me » et « Don’t Tread ». Soulignons, pour finir, l’excellente reprise de « You Can Make Me Feel Bad » d’Arthur Russel.
Un long playing que tout amoureux de musique indépendante peut dégoter dans les bacs depuis le 11 octobre 2010. Aux amateurs du genre, je conseille vivement de se hâter car aucun concert n’est prévu en Belgique pour promotionner ce disque.
Les anges sont asexués, tout le monde le sait. Ils ne peuvent en principe donc pas se reproduire. L’Eglise étant opposée à toute insémination artificielle et encore plus au clonage, les membres d’Ortie devraient donc se voir excommuniés dans un futur proche. Car Ange a un fils ou une fille, c’est selon. Ou alors, autre alternative, c’est p’tête (NDLR : prêtre ?) bien Marc Seberg qui est passé par là, comme Gabriel autrefois dans la chambre de Marie… En un mot, on sent clairement une filiation vers ce genre d’artiste qui a sévi, il y a une vingtaine d’années ; un peu plus peut-être même pour Ange (NDLR : groupe que Christian Décamps a d’ailleurs reformé en 2009 !)
Faisant suite à « Zéro », un mini-elpee cinq titres publié en 2008, « Un » constitue la seconde réalisation d’« Ortie ». Dan, Ben, Martin et Béo ont enregistré un album complet. 12 morceaux au total. Toujours dans la même lignée, dans un style qui leur est propre.
C’est un rock intellectuel voire cérébral qui nous est proposé par la formation grenobloise, même si, bien évidemment, le son a évolué. La musique baigne davantage dans l’électro rock que dans la chanson française dispensée, dans le passé, par le quatuor. Encore que la façon d’interpréter quelques titres (plus parlés que chantés) nous rapproche à nouveau du genre premier. Des textes tantôt noirs, profonds et même parfois, ben oui, d’amour, sont soutenus par des mélodies brutes, assez carrées et intenses. Ortie utilise même le terme ‘Noisy’ pour qualifier son style musical. Et il est vrai que l’on a parfois l’impression de visiter des sous-sols glauques, à l’écoute de certains titres assez ‘bruyants’. Mais puisqu’ils le revendiquent…
Bref, cet opus est sombre, difficile à ‘pénétrer’, et ne concède que trop peu d’‘d’accroches’ pour séduire un public non averti. Certes, le titre maître ou encore « In The Crowd » et « What Do You Want » (seuls morceaux interprétés en anglais) sont assez accessibles, mais ce sont les rares exceptions qui confirment la règle. Difficile donc d’écouter d’une seule traite les 12 titres, dont un très bon instrumental, « Ø », qui lui, fait un peu penser au Cure de la grande époque.
A découvrir, certainement, mais à doses homéopathiques. Pour les curieux, surtout !
Après avoir enregistré, en 2009, aux côtés du roi du jazz éthiopien Mulatu Astatke, le collectif The Heliocentrics (NDR : le line up réunit 14 musiciens chevronnés !), s’est tourné vers le grand compositeur de jazz, Docteur Lloyd Miller. Né en 1938, ce Californien commence très jeune à pianoter tout en suivant très vite son père, lui même clarinettiste professionnel au sein du New Orleans Jazz. Après avoir accompli un voyage en Iran, auprès de son paternel, Miller s’intéresse de plus près à la musique issue d’Asie et du Moyen Orient. Il séjourne ensuite en Europe où il commence à faire ses armes en jouant auprès des plus grands : Eddie Harris, Don Ellis ou encore Jef Gilson. C’est cependant sur le Vieux Continent qu’il apprend à jouer de la musique iranienne et vietnamienne. Durant les 70’s, Miller s’installe à Téhéran. Il devient docteur en musique iranienne et y présente un show télévisé qui récolte un grand succès.
La géniale écurie Strut régale donc à nouveau en nous proposant ce brillant essai fusionnant jazz contemporain et sons ethniques. The Heliocentrics laisse place au maître sur des tracks où les instruments atypiques se succèdent les uns à la suite des autres. Riche en musicalité, cette galette brille par sa consistance. Les mélomanes voyagent en terre inconnue où les sonorités nous plongent dans un agréable moment de léthargie. On en ressort apaisé et tranquille. Un disque particulier qui plaira très certainement aux amateurs de jazz en quête de nouvelles sensations.
Originaire de Poitiers, Microfilm vient de publier son troisième album. Comme son patronyme l’indique, l’expression sonore de cette formation française est étroitement liée au septième art. En 2003, ces musiciens, issus de divers groupes, ont tenté de donner une nouvelle dimension à leur carrière, en développant un projet musical associé à des dialogues de films ou documentaires. On passe du film de série B au documentaire social. Le concept leur a d’ailleurs déjà permis de se forger une certaine notoriété dans le milieu, puisque le combo a déjà eu l’occasion d’ouvrir pour Enablers, Trans Am ou encore Hrsta. Musicalement, Microfilm propose un post-rock évoluant quelque part entre Mogwai et Explosion. Si l’originalité ne constitue pas leur préoccupation majeure, Microfilm parvient néanmoins à faire monter la sauce lorsque les samples entrent en osmose avec la musique. De cet elpee, j’épinglerai le superbe « Blood Sample ». Le band parvient à traduire l’ambiance malsaine et inquiétante du film (totalement inconnu soit dit en passant !) dans la compo. Terne et monotone, « Devant nous, rien » décrit magnifiquement l’aliénation du travail à la chaîne. Malheureusement certains morceaux sont moins pertinents, et perdent alors leur spécificité et donc de leur intérêt.
Microfilm réexplore un genre que l’on pensait, pourtant, tombé complètement en désuétude. Et finalement, il ne se débrouille pas trop mal. Par conséquent, je conseillerai surtout ce long playing aux cinéphiles amateurs de post-rock…
Lorsqu’on se ballade en Finlande, on se les pèle. Et quand il fait froid et qu’on se prend une grosse claque, ça pique et ça fait mal ! K-X-P illustre parfaitement cette métaphore. La musique de ce quatuor finnois (NDR : issu d’Uusimaa, très exactement) nage (glisse ?) entre electronica et krautrock. En alignant deux batteurs, le combo ne risque pas de tomber en panne de rythmes. Et le disque éponyme en est une parfaite illustration. Pourtant, les synthés sont aussi glaciaux qu’un iceberg. Mais ce mélange savant et meurtrier est digne des mythes kraut teutons comme Neu ! ou encore Can. Timo Kaukolampi est le cerveau du combo ; et cet esprit ténébreux, torturé est responsable de l’intégralité de l’écriture et des lyrics.
« Elephant Man » ouvre l’elpee. Il démontre que dans le Grand Nord, les autochtones sont capables de construire autre chose que des bonhommes de neige. La froideur synthétique et les beats écrasants de « 18 Hours (Of Love) » nous figent instantanément. K-X-P nous en met plein les oreilles et on en redemande ! Ca tombe bien, « Aibal Dub » nous propulse dans un univers hallucinogène, quelque part entre Subway et Harmonia. Enfin le chapitre se clôt sur le ténébreux « Epilogue » où les voix traitées par le vocodeur et les chœurs se permettent de faire saigner les tympans. K-X-P c’est du lourd, et cette claque qui pique, on la prend volontiers, sans discussion !
Une certaine osmose entre King’s X et son public londonien a toujours existé. En 1988, alors qu’il venait à peine de publier son premier opus, « Out Of The Silent Planet », et qu’au pays, il se produisait encore devant une audience limitée, le trio texan remplissait déjà le Marquee de Londres. En hommage à ces fans qui l’ont toujours soutenu, King’s X s’était promis d’enregistrer son premier live officiel dans la capitale britannique. C’est désormais chose faite. « Live Love In London », qui sort chez Inside Out Music aux formats Dvd et double Cd, a été immortalisé en janvier 2009, lors d’un set accordé dans un Electric Ballroom londonien complètement sold-out (NDR : Il existe un Dvd intitulé « Gretchen Goes To London » publié en 2008 qui, bien que repris dans l’onglet ‘discographie’ du web site de King’s X, n’est pas considéré comme une sortie officielle).
Bien que nous soyons privés d’images (nous n’avons malheureusement reçu que la version audio promotionnelle), nos oreilles nous permettent d’apprécier le véritable culte que les Anglais vouent aux trois Texans. Leur entrée triomphale sur « Groove Machine » est saluée d’une salve de cris et d’applaudissement par un parterre qui répond comme un seul homme à chaque injonction de Ty Tabor (guitare et chant) et de Doug Pinnick (basse et chant). Le lien qui unit le public à ses idoles est palpable à chaque instant. L’Electric Ballroom ne se contente pas de regarder et d’écouter, il participe et vit son concert. Sur « Summerland », par exemple, la foule heureuse, reprend le refrain à tue tête. Sur « Over My Head » Tabor et Pinnick transforment l’audience en une immense chorale qu’il fait vibrer de superbes ‘Music Music I hear Music’. Mais c’est tout au long de « Goldilox », que Tabor, Pinnick, Jerry Gaskill (batterie) et leur auditoire prennent littéralement leur pied (et nous aussi par la même occasion). Le titre phare du premier opus est chanté dans son intégralité par un public au comble de l’extase, et ce, sans aucune intervention des vocalistes du groupe. Nous assistons là à un pur instant de bonheur.
Comme nous l’avons signalé dans le premier paragraphe, l’enregistrement date de janvier 2009 et la setlist fait la part belle au dernier album en date (NDR : « XV » sorti en 2008) dont pas moins de cinq titres sont interprétés. Cependant, les classiques ne sont pas oubliés : « Pleiades », « What Is This », « Black Flag », « Dogman », « Visions », « Moanjam ». Au total 19 plages qui mélangent groove ultime, harmonies vocales superbes et émotions incandescentes.
Plus qu’un live, « Live Love In London » est la célébration d’une histoire d’amour entre trois artistes et leurs fans. Un must si vous êtes au nombre d’entre eux.
La pochette relève de l’énigme. Qui est ce jeune homme à la coupe afro entouré de power rangers ? Un visuel plutôt disco pour un son totalement folk. Chercher l’erreur. Néanmoins ceux-ci ont leur importance. Le premier porte un turban, le second une tiare papale, le troisième un keffieh arabe et on termine par Judenhut. Il s’agit bien d’un rébus ! Qu’ont-ils en commun ? Leur multiculturalité.
Derrière Jil Is Lucky se cache un jeune Parisien qui écrit et compose ses propres morceaux. Jil voyage énormément et nous propose, sur cet album éponyme, un univers empli de sons venus d’ailleurs. Tantôt russe, tantôt afro et même une pointe texane. Résumer Jil Is Lucky à un simple son folk relèverait de l’aberration.
En plus de mélanger les styles, l’album dégage une flopée de sentiments : la mélancolie, le bonheur et la folie. Certains morceaux nous font même penser à des réunions de famille où tout le monde, guitare à la main, chante joyeusement. Même lorsque le groupe part en sucette sur des titres comme « When I am alone », il garde un son impeccable ! « The Wanderer », premier titre et single de l’album séduit par sa sonorité entraînante. En décembre 2009, il est choisi par Kenzo pour sa campagne de publicité mondiale ! Cependant, un petit bémol. A trop mélanger les couleurs, on part dans tous les sens et on finit par perdre en cohérence.
Difficile cependant d’en dire plus, car cette version sampler ne compte que 6 titres, alors que l’album en propose 12.
‘The perfect soundtrack pour se perdre en forêt la nuit’ disait on en 2006 quand la première mouture de cet album est sortie. A l'écoute de cette version remasterisée, de prime abord, il semble que la demoiselle active au sein du Nix Noltes Big Band et officiant régulièrement chez Mum ou Pan Sonic n'a toujours pas retrouvé le sentier de la clairière. Et ce même si le titre d'ouverture s’intitule « Light », on est en droit de se demander de quel type de lumière ténébreuse il est bien question.
Dans ces bois obscurs, il fait froid ; les pas crissent dans la neige, le vent glace les ossatures et les stalactites qui pendent des arbres carillonnent tristement. La folie comme seule compagne d'infortune, et la lune qui nargue par dessus les branches.
Errant de plages en plages à la recherche d'une éclaircie dans ces paysages désolés et sombres comme l'intérieur d'une tombe, l'imagination dessine bientôt des images palpables d'un film inexistant. Fantômes, spectres, et autres créatures fantasmagoriques venant peu à peu peupler les visions de ce conte en noir et blanc. Les cordes pleurent et se fondent en longues complaintes, conférant à l'ensemble de ce disque une aura pesante comme une tenture de velours dressée dans la neige durcie d'un froid hiver islandais. Mais à mi chemin, « Self » et son cortège de notes dissonantes (mais qui du zither ou du gamelan est cet instrument fascinant d'où émanent de si ensorcelantes vibrations?) empruntent une voie sous le couvert des branchages lourds de secrets jalousement gardés. En une gracieuse procession, se dressent alors les premiers feux dansants de souvenirs figés.
Beau, mais terriblement sinistre, froid, mais superbement brodé, ce disque continue sa progression virevoltante et le contraste saisissant entre les instruments graves et cristallins accentue le sentiment d'hébétude face à tant de subtilité. S’achevant dans un scintillement suggérant subtilement l'espoir et l'issue à emprunter pour sortir de cette forêt oppressante. Pris par la main d'Hidur Ingveldardóttir Gudnadottir, passants, trouvez votre chemin.
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