« Sagara » est l’incarnation de l’esprit du zen, du calme et de la paix. Il ne faut pas deux minutes avant d’être pleinement plongé dans cette atmosphère qui nous pousse à laisser vagabonder notre aura plus loin que de coutume. Plus que bercé, on est, d’entrée, hypnotisé par l’air de « Golotrok ». Il allège nos pensées jusqu’à les rendre volatiles. Cette force-là, Diskjokke la tirerait de son apprentissage auprès d’une tribu indonésienne. Son album est largement empreint de ce voyage, il a tiré de ce dernier une puissance tranquille mais tellement efficace… Une de celles qui met tous vos sens en émoi et vous emmène à la découverte, au-delà des barrières érigées pas nos sociétés si bien ‘civilisées’. Les sensations se multiplient, papillonnent dans votre ventre et s’échappent finalement en vous libérant. Exacerbée, votre sensibilité a miraculeusement été multipliée par dix. La musique, si fine, si légère, si douce et si robuste en même temps, vous transperce. Elle s’infiltre par tous les pores de votre peau, elle se propage, parcourt votre organisme pour terminer son voyage dans votre boite crânienne. Là, elle nettoie votre cerveau de tous ses aprioris, évacue les travers dans lesquels on vous enferme depuis trop longtemps. « Sagara » ne se contente pas de vous faire revivre, elle vous fait renaître. Et pour le Norvégien, compte tenu des récents évènements dans son pays, je lui tire deux fois mon chapeau !
Formé en 2002, le quintet suédois The Horror The Horror nous propose un troisième opus studio, 3 ans après avoir gravé, « Wired boy child ».
Ce n’est un secret pour personne lorsqu’on s’intéresse un tant soit peu à la musique en général, la région scandinave regorge de talents ; citons par exemple Trentemoller, The Hives et Röyksopp. J’espérais donc tomber sur la dernière pépite venue du nord.
Malheureusement, après avoir écouté la dernière galette de The Horror The Horror, j’ai dû déchanter.
Certes c’est mignon tout plein, bien construit et cohérent du début à la fin ; mais écouter pendant près d’une heure le même riff, la même mélodie et la même voix faussement mielleuse, ne donne pas envie de donner une seconde chance à un album. Pourtant, je l’ai écouté à maintes reprises, essayant vaguement de me persuader qu’il y avait du potentiel et qu’une seconde, troisième, voire quatrième diffusion me permettrait d’entrer réellement dans l’univers dramatico-mélancolique des Suédois.
A chaque fois, le même constat affligeant et déprimant est revenu : on s’ennuie ferme ! Une horrible sensation de ‘déjà entendu des centaines de fois’ vous envahit immanquablement.
Maintenant, si vous accrochez directement au premières notes, vous apprécierez sans doute l’intégralité du long playing (normal, me direz-vous, les morceaux sont identiques). Mais si, au contraire et à l’instar de votre noble serviteur et rédacteur, vous grincez des dents à la simple audition de la voix nasillarde du ‘chanteur’, je vous invite fortement à passer votre chemin.
Rarement un groupe n’avait aussi bien porté son nom …
Honnêtement, je n’avais plus entendu parler d’Icarus Line depuis 1998. C’est-à-dire lors de la sortie de leur premier Ep, « Red & Black Attack ». Un disque bourré d’énergie, il faut le rappeler. « Wildlife » constitue pourtant déjà leur quatrième opus. Et fatalement, au fil du temps, leur style musical a quelque peu évolué. Il est demeuré toujours aussi diablement rock, mais il a mûri…
Quelle bonne surprise de retrouver, donc, ces Américains. Enfin, Joe Cardamone. C’est le leader, mais également le chanteur, le parolier, le producteur et l’ingénieur, quand il ne se réserve pas l’intégralité de l’instrumentation (« Bad Bloods »). Le long playing devait, au départ, s’intituler « Joe Cardamone Versus The Icarus Line ». De quoi renforcer l’image du leadership de cet artiste. Et puis, il ne doit pas être très commode le Joe, puisque depuis la naissance du combo, il a consommé la bagatelle de 6 drummers… Un type perfectionniste, intransigeant, mais responsable d’excellentes chansons. Et il le démontre à nouveau sur « Wildife », un disque qui sent bon la sueur du rock et du blues. La voix grave et envoûtante transcende les plages qui libèrent un groove irrésistible, digne des Stones (« Sin Man Sick Blues », « It’s Alright »), lorsqu’elles ne puisent pas leur énergie dans la sauvagerie des Stooges (« We Sick », « No Lord »). Absolument irrésistible, le titre maître clôture idéalement l’elpee, une petite bombe chargée rock pur et dur. « Widlife », un titre adéquat pour une œuvre qui réveille assurément l’animal rockeur qui est en vous…
En concert le 8 octobre au Trix, à Anvers.
La blondinette Becca nous vient des Cornouailles (NDR : c’est à l'extrême sud-ouest de l'Angleterre). Au cours de sa jeunesse, elle a beaucoup écouté Taj Mahal, Ray Charles et Aretha Franklin. Guère surprenant qu'elle ait opté pour le blues, la soul et le gospel. Elle rencontre, Vince Lee, le leader des Wildcards, en 2008. Un événement déterminant pour sa carrière. Vince tombe sous le charme de cette jeune femme. Il l’invite à accomplir une tournée en duo et à enregistrer un premier opus, "Big surprise", dans le studio de Plymouth. Lors de ces sessions, Becca est entourée de son backing band, mais a également reçu le concours de Vince, du bassiste des Wildcards, Martin Vowles, et du drummer Sebastian Boleslawski.
Les sources d’inspiration de cet elpee (NDR : très belle pochette !) sont multiples. Elles remontent même au blues du delta des années 20. L’opus s’ouvre par "I was born to cry", une compo signée Dion Dimucci, qui avait fait un tabac fin des fifties, et caractérisée par son chant doowop. Débordant d’enthousiasme, "King size papa" trempe dans un jump swing vigoureux. Lee étale son savoir-faire sur les cordes. Il est bien épaulé par l'orgue Hammond de Paul Harris. Le "While I wait for you" de Roxanne Potvin colle parfaitement à la voix atmosphérique de Miss Langford. Vince pince ses cordes de gratte acoustique dans le style manouche. Le "You're in for a big surprise" de Percy Mayfield constitue la réelle introduction de Becca au blues. Sa voix prend tout son relief tout au long de cet exercice de style accompli sans filet. Omniprésent, Mr Lee libère des notes particulièrement chatoyantes, sur ses cordes. La machine à remonter le temps défile ensuite. Tout d’abord pour aborder le répertoire du mythique Charley Patton. Lors d’un "Some these days I'll be gone" que Becca et Vince chantent en duo, soutenus par mandocaster, dobro, violon et percussions. Drôle, semblable à la B.O. d’un film muet, le "Do it this way" des Squirrel Nut Zippers est dominé par un ukulele et la trompette de Ian Pettit. Du pur ragtime ! Becca chante le "Love me like a man" de Bonnie Raitt, secondée par son paternel à l'harmonica, Ian Langford. L'orgue de Paul Harris et les cuivres entretiennent un climat jazz et swing tout au long de "Hot & cold running tears". Une ambiance envoûtante, très delta, envahit le "Lord, I just can't keep from crying" de Blind Willie Johnson. Becca injecte beaucoup de sensibilité tout au long de "Never no more", un autre blues d’une grande pureté. Mais sa plus belle performance vocale est incontestablement atteinte dans sa version soul du "Miss your water" de William Bell.
Mama Tokus est issue du Delta de la Tamise, terre brûlée qui a donné naissance à des artistes talentueux comme Dr Feelgood et Zoot Money. Elle adore la soul, le blues et le R&B, surtout lorsqu’il y a du rythme. Elle avoue pour influences majeures, Dinah Washington, Sarah Vaughan, Tina Turner et Sister Rosetta Tharpe, mais aussi les Rolling Stones ainsi que James Booker. Elle signe l'essentiel de son répertoire.
Pour enregistrer « On the ragtime », elle est épaulée par ses Sons of Bitches, en réalité quelques choristes ; mais également le saxophoniste/harmoniciste Tom Wildy et la flûtiste Anne Batson. Sans oublier toute une série d’invités, parmi lesquels on remarquera surtout la présence de Vince Lee, leader de son Big Combo et membre des Wildhearts.
Un orgue très mystique entretient une ambiance gospel tout au long de "That was it". Pourtant, le tempo est enlevé. Mama Tokus est très entourée. Par de multiples choristes, comme lors d’un grand office dominical. Le ton est donné. La densité de la musique est la conséquence d’une instrumentation riche, sur "Trouble with a lowercase T", un R&B implacable. Les cuivres assurent le rythme tandis que l'orgue Hammond de Paul Harris et les cordes de Vince Lee prennent leur billet de sortie. Excellent ! Le "Too much butt" des Uppity Blues Women nous entraîne dans le monde du blues, rythmé bien sûr, mais proche du son BB King de Memphis. Mama aime le rythme. Elle en use et en abuse. L'orgue et les cuivres sont à la fête. "If it don't fit" grésille comme un vieux 78tours, de manière à restituer l'ambiance des cabarets. A cette époque, le blues était largement teinté de jazz. Piano et trompette flirtent au sein d’un climat feutré. En 1938, Barrelhouse Annie avait traduit cette chanson en succès. L’ambiance devient franchement ténébreuse pour "Wifebeater". Nous sommes plongés au cœur d’une nuit sombre d’hiver. Miss Tokus s’érige en femme battue. L’harmonica blafard de Tom Wildy introduit ce blues lent. Une compo somptueuse alimentée par les sonorités d’orgue Hammond de Harris. Vince Lee n'y tient plus et délivre un solo de guitare royal! Des percussions syncopées et des samples ouvrent "Silver for fixation", une compo qui opère un mélange savoureux entre ska et Memphis southern soul. C’est Sebastian, le drummer, qui assure les percus, face aux interventions enchanteresses de Miss Batso, à la flûte. Fresque vocale divertissante, "Reproduce" baigne dans une atmosphère de music hall. Bien ficelé, "Packing for the promised land" constitue un nouvel exercice de style dans le gospel. "I just want some anarchy" est une parodie du célèbre hit des Sex Pistols, une piste sculptée dans le pur Chicago blues à la sauce Muddy Waters circa "Mannish boy". Autre r&b particulièrement dansant, funkysant, "500 nights" est illuminé par un solo de saxophone désopilant. Dans son style, cet opus est vraiment d’excellente facture. Un disque rafraîchissant et original également. Qui s’achève par un irrésistible et amusant pastiche du "Yes we can can" des Pointer Sisters.
Les organisateurs du Pukkelpop ont annoncé samedi leur volonté de lancer après le drame de jeudi dernier un fonds indépendant pour les victimes et leurs proches. Il va s'appeler "Fonds d'aide aux victimes du Pukkelpop". ‘Cette information va bientôt figurer sur la page d'accueil personnalisée du festival www.pukkelpop.be’, a déclaré l'organisateur, Chokri Mahassine.
Au cours d’une conférence de presse, la bourgmestre d’Hasselt Hilde Claes a confirmé le triste bilan des victimes de la tempête qui s’est abattue sur le Pukkelpop jeudi soir. 5 morts et 10 blessés graves pour 140 blessés au total. Les personnes qui ont succombé à cette catastrophe étaient toutes belges et âgées entre 15 et 59 ans.
Le chef des pompiers Bert Swijsen a expliqué le plan d’urgence et d’intervention. De ses dires, ‘en 3 minutes les sorties de secours étaient ouvertes et les festivaliers pouvaient rapidement être dehors. Il n’y a pas eu de réel moment de panique, personne n’a été piétiné.’
L’organisateur Chokri Mahassine a également apporté quelques précisions quant aux raisons qui ont poussé à l’arrêt complet du Pukkelpop. A l’origine, seuls les concerts de jeudi avaient été annulés. La décision d’une annulation définitive de cette édition 2011 du Pukkelpop était prise le lendemain matin.
De la même façon que « Comme à la maison » avait suivi la tournée de « Mon paradis », « On trace la route-le live » s’ajoute à la discographie de Christophe Maé. Celui-ci sortira le 26 septembre prochain. Le single associé s’intitule « Un peu de blues » dont les paroles ont été écrites par Christophe Maé lui-même et par le grand Jean-Jacques Goldman.
À 65 ans, David Lynch n’en a pas fini aves les nouvelles expériences. Il fait ses débuts musicaux en solo en sortant « Crazy Clown Time ». Celui-ci comportera quatorze titres produits et écrits par le célèbre cinéaste américain lui-même. Les critiques le décrivent déjà comme une étrangeté qui laissera son empreinte sur le monde de la musique. David Lynch avait déjà participé sur des projets musicaux d’autres artistes mais c’est la première fois que les projecteurs sont braqués sur sa seule personne (musicalement parlant bien sûr). Les chansons ont un caractère sombre, les mélodies un air hypnotique, les paroles sont énigmatiques. Rappelons qu’il y a 4 ans, David Lynch avait créé une société musicale à son nom. Un album somme toute très attendu autant par les fans que par le reste du monde de la musique.
Tracklisting:
"Pinky's Dream"
"The horror and sadness of losing someone to other dimensions."
"Good Day Today"
"About being sick of negativity."
"So Glad"
"This kind of feeling comes up from time to time in our lives. It doesn't always have to do with people…"
"Noah's Ark"
"About being saved by love."
"Football Game"
"This sort of story is probably more than a daily occurrence in our world."
"I Know"
"Facing the reality that comes as a result of our actions."
"Strange and Unproductive Thinking"
"Speaks for itself"
"The Night Bell With Lightning"
"A blues song…and the title comes a bit from a line in a Kafka story."
"Stone's Gone Up"
"Something has happened"
"These are my Friends"
"The ones I see each day"
"Speed Roadster"
"A story of unrequited love near the piney woods"
"Movin' On"
"The decision was so obvious…"
"She Rise Up"
"A modern story"
Le 26 septembre prochain, Rodney Smith, alias Roots Manuva, sortira son huitième opus intitulé « 4everevolution ». Tout juste sous la barre d’une heure et composé de 17 pistes, il est annoncé comme le meilleur travail du Londonien depuis « Run Save Come Save Me » en 2001.
http://www.myspace.com/rootsmanuva
Marketa Irglova sortira son premier album solo le 10 octobre prochain. Élevée en République Tchèque, elle a eu une formation de pianiste classique. Son passage à New York va fortement influencer sa musique puisqu’une grande partie de « Anar » y a été enregistré. Le titre de son premier opus, elle le tire d’une peinture de l’exposition ‘The Last Fall’ de l’artiste iranien Bahid Hagigat. Le contraste des couleurs avait frappé la musicienne tchèque : une grenade, rouge cramoisi, placée sur un fond brillant d’or. « Anar » est le mot persan pour ‘Grenade’.
Rappelons que Marketa Irglova avait reçu en 2008 l’Oscar de la meilleure chanson pour la chanson « Falling Slowly » tirée du film « Once ».
http://www.myspace.com/marketairglova
Martyn a choisi volontairement de s’éloigner de son dernier album « Great Lenghts ». Ce dernier était marqué par son expérience de la vie quotidienne. Le Hollandais n’est plus un débutant puisque son CV comporte 15 ans de mixes, 6 ans de production et 4 ans de management musical au sein de son label 3024. Il réside aujourd’hui à Washington. Une part de son inspiration est puisée dans la mentalité old-school. L’artiste avec lequel il collabore est le leader de Brainfeeder, Flying Lotus. Ce qui devrait laisser une certaine empreinte de musique expérimentale sur « Ghost People ». Car Martyn veut surprendre sans cesse. ‘J’ai créé une partie de mon album en ayant mon live en tête’ confie le musicien Hollandais. « Ghost People » sortira le 17 octobre 2011.
Tracklist:
01 Love And Machines (ft Spaceape)
02 Viper
03 Masks
04 Distortions
05 Popgun
06 I Saw You At Tule Lake
07 Ghost People
08 Twice As
09 Bauplan
10 Horror Vacui
11 We Are You In The Future
http://www.myspace.com/martyndnb
M83, qui sortira un nouvel album intitulé « Hurry Up, We’re dreaming », vient d'annoncer une première série de concerts, cet automne, en Europe, qui sera suivie d'une plus importante tournée début 2012. Le premier single "Midnight City" est sorti cet été.
Coproduit par le bassiste Justin Meldal-Johnsen (plus connu pour son travail avec Beck), mixé par Tony Hoffer (Air, Kooks) et bouclé en 13 mois, le nouvel album bénéficie de la participation des chanteurs Zola Jesus et Brad Laner et du collaborateur de longue date d’Anthony Gonzalez, alias M83, son frère, Yann. « Hurry Up, We’ra dreaming » sera double et comportera 22 titres.
Le Pukkelpop devait être une fête, il est pourtant devenu l'enfer sur Terre.
Comme on pouvait s’y attendre, la suite des festivités du Pukkelpop a été annulée. ‘Les mots manquent’. Les organisateurs n’auraient pas trouvé décent de laisser le festival se poursuivre. Les dégâts, occasionnés par le vent et la pluie, étaient sans doute aussi trop importants. Des chapiteaux écroulés, des scènes détruites, des tentes envolées… Le site du festival hasseltois ressemble aux ruines d’un champ de bataille. Les communiqués de presse insistent sur le caractère exceptionnel et imprévisible de cette catastrophe.
Selon la bourgmestre d’Hasselt, la tempête aurait tué au moins cinq personnes et fait des dizaines de blessés. Un numéro d’urgence a été mis en service pour les proches qui souhaiteraient prendre des nouvelles de personnes sur place : 011/23 97 11. Un centre de crise basé au hall sportif d’Hasselt accueille également les blessés et les festivaliers sous le choc. Des bus et des trains sont à disposition afin de rapatrier tout le monde chez soi. Certains habitants aux alentours du site du festival offrent aussi leur hospitalité.
Toute l’équipe de Musiczine présente ses plus sincères condoléances aux familles touchées par cette catastrophe apocalyptique et témoigne tout son soutien à toutes les personnes atteintes de près ou de loin par cette tempête.
Les grêlons et la pluie se sont abattus sur le Pukkelpop. La panique s’est emparée des festivaliers cherchant à s’abriter. Scènes et chapiteaux ont subi des dégâts considérables. On recense de nombreux blessés et même des morts. D'après les témoignages de personnes sur place, il s’agit d’une vue ‘apocalyptique’. Tous les concerts de ce jeudi ont été suspendus tandis que la décision concernant les jours suivants n’a pas encore été prise.
Lana a affronté l’imprévisible
Lana Paret, 18 ans, devait assister à une fête. Elle a été finalement une des témoins d’une démonstration de la puissance de la nature.
‘Il y avait déjà des éclairs depuis un moment avant que la pluie ne commence à tomber. Puis les premières gouttes ont arrosé le festival, suivies par une pluie infernale’ Infernal… Il semble bien que ce soit le mot le plus adapté pour qualifier la suite des évènements. ‘Au début tout allait encore bien, il y avait un groupe de personnes qui vérifiait les installations et il n’y avait apparemment pas de problème. Mais quand la tempête s’est intensifiée, le chapiteau a commencé à tanguer d’avant en arrière. La boule disco suspendue au milieu de la tente a commencé à s’agiter en décrivant les mêmes mouvements’. Le chapiteau n’était plus qu’une vulgaire barque malmenée par une mer déchaînée. ‘Tout a été arrêté pour protéger le matériel. On pouvait sentir le stress du public. Quand une fille est venue dans notre direction, elle était trempée, elle nous a raconté que la tente de la Boiler Room était entièrement détruite’. Lana prend alors conscience de sa chance. Elle vient d’échapper de peu au pire. Après la tempête, il ne lui restait plus qu’à constater les dégâts. ‘Tout était sous eau’. Si certains ont succombé, que d’autres ont craint pour leur vie, la jeune Avelgemoise n’avait pas conscience de la gravité des événements. Mais par la suite, des rumeurs circulant sur le champ du festival avancent un bilan de six morts.
Un retour aussi difficile
Le premier réflexe est de partir à la recherche des amis sur place et de tenter de joindre les parents proches pour les rassurer, intention qui, pour Lana, ne pourra se concrétiser que près de trois heures après la catastrophe. Dans le domaine de la sécurité, il n’y a pas de réelle défaillance à pointer. ‘Personne ne pouvait prévoir ce qui s’est passé. Les deux ou trois jours qui ont suivi le drame ont été moralement difficiles.’
Pour rentrer dans sa Flandre Occidentale, Lana a dû faire face à un parcours du combattant. ‘Nous avions décidé de retourner chez nous, le soir même. Après avoir longtemps hésité ; mais quand la pluie a recommencé à tomber, nous avons tout replié et nous sommes partis’. Mais arrivée à la gare de Kiewit, la jeune Flamande a une nouvelle mauvaise surprise : les trains ne roulent plus et il faut rejoindre la station d’Hasselt ! Elle va malgré tout réussir, en compagnie d’autres festivaliers tout aussi désemparés, à prendre place dans une navette. Un train plus tard, elle est enfin chez elle et peut, petit à petit, reprendre ses esprits.
Girls sortira, le 12 septembre prochain, son second album intitulé « Son, Father, Holy Ghost ». Il arrive 2 ans après leurs débuts et leur premier opus, et 1 an après l’EP qui avait suivi. Ce troisième enregistrement devrait être le travail le plus accompli du groupe.
Track Listing:
1. Honey Bunny
2. Alex
3. Die
4. Saying I Love You
5. My Ma
6. Vomit
7. Just A Song
8. Magic
9. Forgiveness
10. Love Like A River
11. Jamie Marie
« All Things Will Unwind » est le nouvel album de My Brightest Diamond et sortira le 18 octobre prochain. Derrière ce nom de scène se cache Shara Worden. Et la musique ça la connait puisque son père était accordéoniste et sa mère organiste. Cette jeune maman aborde des thèmes compliqués et délicats tels que la juxtaposition de la vie et la mort, la classe et la race, la politique, la complexité d’être mère…
Track-list :
1. We Added it Up - 4:05
2. Reaching Through to the Other Side - 3:42
3. In The Beginning - 4:20
4. Escape Routes - 3:28
5. Be Brave - 4:17
6. She Does Not Brave the War - 4:05
7. Ding Dang - 2:31
8. There’s a Rat - 4:09
9. High Low Middle - 3:34
10. Everything is in Line - 4:32
11. I Have Never Loved Someone - 3:39
http://www.mybrightestediamond.com
Collapse Under The Empire sortira son nouvel album « Giant & Shoulders » le 21 octobre 2011 via Sister Jack/Cargo. Le groupe allemand d’Hambourg avait sorti son premier Ep intitulé « Paintball » à l’été 2008. « Systembreakdown » et « Find a place to be safe » avaient suivi en 2009.
http://www.collapseundertheempire.com
http://www.myspace.com/collapseempire
Emika, jouant des clics de souris comme Andy Murray avec les balles de tennis, subit des influences de la musique techno. Née au Royaume Uni, elle vit aujourd’hui à Berlin, où elle travaille comme concepteur sonore pour Native Instruments. C’est aussi dans cette ville qu’elle a appris à côtoyer la légendaire boite de nuit Berghain. Les médias attendent impatiemment ce premier opus éponyme de l’artiste.
« Mirror Trafic », qui sortira le 22 août prochain, sera le cinquième opus de Stephen Malkmus & The Jicks. Cet album sera composé de quinze titres pop. Le musicien californien de 45 ans était autrefois membre du groupe de rock Pavement.
![[PIAS] et AIM ensembles pour faire renaitre les cendres](/media/k2/items/cache/c4e774ccf7914ff54dea787ca9bdc847_S.jpg?t=20110821_170357)
[PIAS] et AIM (Association de la Musique Indépendante) établissent un fond pour aider les labels et les artistes touchés par l’incendie qui a ravagé un entrepôt de Sony DADC. [PIAS] est un leader européen des divers services de la musique (ventes, marketing, distribution…). Son siège social se trouve à Bruxelles mais la société à un pied au Royaume-Uni, en Allemagne, en Irlande, en France, en Espagne, aux Pays-Bas mais aussi aux USA et en Australie.
Ce fond a pour but d’aider les labels et les artistes à reproduire leurs stocks au plus vite et ainsi à ramener les services de vente à la normale le plus rapidement possible. Sachant aussi que tous les labels n’auront pas de compensation financière de la part de leurs assurances. [PIAS] encourage pour l’instant les labels touchés à utiliser les ventes numériques. Ils veulent ainsi prouver ‘la solidarité dans la communauté de la musique indépendante’.
Toute compagnie ou organisation peut participer à cette aide octroyée aux labels dans la nécessité. Toute décision doit cependant être approuvée par [PIAS] et par l’AIM.
Le Canada est une monarchie constitutionnelle qui est encore sous les ordres symboliques de la Couronne d’Angleterre, aujourd’hui. Et Sloan, groupe de power pop canadien, originaire d'Halifax, en Nouvelle-Écosse, nous le rappelle indirectement. Car sa musique est plus ‘british’ que nature. Une démonstration ? Le titre « Your Daddy Will Do », qui aurait pu figurer au répertoire des Beatles !
La formation compte une dizaine d’albums à son compteur ; et pourtant, elle n’est guère notoire sur le Vieux Continent, alors qu’outre-Atlantique, elle cumule les ‘Awards’ depuis 1994. « The Double Cross » (2 fois ‘X’) célèbre le 20ème anniversaire de la sortie du premier opus live de Sloan, un patronyme inspiré du surnom d’un de leur ami, ‘The Slow One’, mal prononcé par un producteur français… Caractéristique essentielle du combo, tous les membres se partagent l’écriture. Ce qui explique certainement l’éclectisme de « The Double Cross », un éclectisme qui ne nuit cependant pas à l’homogénéité du long playing.
Le power pop de Sloan est de (bonne) facture. Bien produites, efficaces, ‘classiques, les compos sont hyper mélodiques. Les harmonies vocales sont soignées et les claviers fluides (« I’ve Gotta Know », « Beverly Terrace »). Les riffs, efficaces (ceux du single « Unkind », ont probablement été piqués… aux Stones). Bref, 33 minutes rondement menées… Consensuel ? Peut-être ; mais le rock ne l’est-il pas devenu ?
Si, comme votre serviteur, vous n’aviez jamais pénétré dans l’univers de Marnie Stern, avant d’écouter ce troisième recueil, la claque réservée par celui-ci vous prendra de revers sans demander son reste. Derrière cet artwork à priori très folkeux, se cache dix morceaux incandescents. Toutes guitares en avant, Marnie Stern propose un LP puissant et complexe, rehaussé par les grosses caisses de Zach Hill (Hella). Le disque s’ouvre par « For Ash », un hymne euphorisant, mené tambour roulant. La New-Yorkaise ne baisse jamais sa garde tout au long de son œuvre éponyme.
Elle en envoie plein les oreilles de ses auditeurs, plus particulièrement au sein de « Nothing Left » et « Gimme », gonflés… à la testostérone. « Marnie Stern » cogne et gratte dans tous les sens. La talentueuse guitariste clôture son œuvre par « The Things You Notice », seule plage de la plaque dévoilant une Stern posée, démontrant qu’elle peut jouer sur les deux tableaux, les doigts dans le nez. Si ce n’est pas encore fait, jetez-vous sur ce disque. En ce qui me concerne, il est grand temps d’aller fouiller dans le passé discographique de la blonde !
Premier album pour cette toute jeune formation francophone belge. Son titre ? « Orion ». Le line-up renseigne quatre membres : Yacine Souchane au chant et aux guitares, Benjamin Paulet à la basse, François Walravens aux guitares ainsi qu’aux claviers et Olivier Fontaine aux drums. Etrangement, ils ne sont que trois sur la photo de la pochette ! Où est donc passé le dernier mousquetaire ? Olivier Fontaine ne participant pas aux travaux d’écriture n’a-t-il donc pas eu droit à prendre la pose ?
Autodidactes, les jeunes gens se rencontrent sur les bancs de l’école et se décident à monter un groupe dès 2007. Seize ans à peine, mais bourrés… d’ambition.
Quelques compos sous le bras, Abyss écume les petits festivals et les concerts locaux à travers le pays. Leur set, énergique à souhait étonne et suscite l’intérêt de Moonzoo, filiale d’Universal Music.
Résultat des courses, Abyss publie un premier opus 10 titres, en mai dernier.
Emmené par leur single « Liquid Sky », titre électro-rock très énergique, Abyss exécute ses premiers pas dans le monde musical rock. Leur premier disque, sans casser des briques, est à la hauteur de leurs ambitions. Un rock inspiré (par Muse entre autres), des compos carrées, bien soutenues par une rythmique percutante et des guitares tranchantes aboutissent à un résultat plus que satisfaisant. Sans oublier des séquences de claviers qui apportent une dimension électro juste ce qu’il faut. Juvéniles, un peu naïfs et empreints de beaux sentiments où se croisent solitude, amour, mystère, les textes sont écrits en français. Pas évident dans ce style ; mais la langue de Molière a l’avantage de pouvoir être facilement reprise en chœur. Abyss réussit son pari et propose même quelques très jolies plages voguant allègrement entre rock progressif (« Index Expurgatorius », « Miroirs) » et variété française (« Balade au Paradis », « Orion », « Songes d’Automne ») que ne renieraient pas Mylène Farmer, Pascal Obispo ou Saez.
Les lyrics et la musique ne demandent qu’à prendre de l’ampleur et de l’indépendance. Abyss est donc sur la bonne voie et dispose de pas mal d’atouts dans son jeu pour percer et jouer un jour dans la cour des grands.
Jolie découverte à encourager !
BeardyMan nous à pondu un album ! Et quel putain d’album ! Le Londonien âgé de 29 balais s’est distingué en 2006 et 2007, années durant lesquelles il a remporté le tournoi british de Beatboxing. Depuis, il est devenu l’une des incontournables figures de proue de la discipline. « I Done a Album », son premier LP, affiche évidemment toutes les palettes de sa ‘boîte à rythmes’ mais révèle également un sacré talent de producteur. Darren Foreman, alias BeardyMan, peut faire avaler des couleuvres grosses comme des maisons (« Twist Your Ankal » caractérisé par ses chaleureux rythmes africains, suivi de près par « Vampire Skank », coupable d’un savant mariage entre Dubstep et rythmes balkaniques !), en demeurant incroyablement crédible.
Malgré sa tendance à vouloir déballer tout son savoir-faire en l’espace de vingt morceaux, BeardyMan propose une première œuvre terriblement efficace. Même le feu King Of Pop aurait pleuré de jalousie –ou de fierté, étant donné la source d’influence– en jetant une oreille à la mélodie de « When You See The Light ». Beatboxing, Hip Hop, Electro, Dubstep, Dub tout court, Acid Jazz, Drum’n’Bass… le Briton touche à tout et n’oublie rien. Les tubes se suivent sans se ressembler pour le moins du monde. « I Done a Album » s’écoute du réveil à l’after. ‘On repeat’ comme dirait le grand Murphy. 20 morceaux et (quasi) rien à jeter. « If Only » nous offre même un succulent intermède fantasmagorique, au cours duquel d’hypothétiques loups affamés mettent un terme aux élucubrations d’un certain Bieber.
« Oh ! », interprété en compagnie de Foreign Beggars, les trippants « Brighton Beach 04:20 » et « Sativa Steps », les sautillants « Where Does Your Mind Go? » et « U R Mine » ou encore « Vampire Skank » ainsi que « Twist Your Ankal » sont autant de petites pépites à introduire sans plus attendre dans le lecteur mp3. Si la musique adoucit bien les mœurs, que les politicards britons offrent immédiatement un exemplaire de « I Done A Album » à tous les gamins du pays. Ce qui devrait les occuper intelligemment…
A voir, sans excuses, le vendredi 19 août au Pukkelpop.
Circle est un groupe finlandais, né en 1991. Probablement un des meilleurs ambassadeurs de son pays, dans l’univers de l’underground. Et pour cause, non seulement il a publié toute une série d’albums, mais il s’est notamment produit, en première partie de grosses pointures, comme Isis ou Sunn O))). D’ailleurs depuis deux décennies, le combo scandinave a bourlingué, un peu partout dans le monde…
La musique de Circle embrasse des paysages sonores particulièrement amples, atmosphériques, oscillant du krautrock au folk. Une constante, l’art de rendre ses compos hypnotiques. Et c’est encore le cas pour ce nouvel opus. Les plages s’étirent toutes sur un bon quart d’heure, pistes au cours desquelles, le mélange de psychédélisme et de metal est couvert d’accents de drone et traversé de bruitages ainsi que de cris étranges, presque extra-terrestres. Le tout baignant dans un climat ténébreux, lugubre.
La musique de Circle est originale, c’est indéniable. Mais à moins d’être particulièrement réceptif au style, je ne vous conseillerai certainement pas l’écoute de cet « Infektio » d’une seule traite. Un exercice trop risqué. Susceptible de vous taper sur les nerfs.
La musique de Circle est expérimentale, atypique, pas toujours facile à assimiler. Elle exige plusieurs écoutes avant d’être appréciée à sa juste valeur. Mais c’est une expérience qui mérite d’être vécue…
Christopher Cross vit encore… promis, juré !
Plus de trente ans ont passé ; et personne n’a sans doute oublié « Ride Like the Wind », « Sailing », « Never Be The Same» et « Say You'll Be Mine», ballades baignées par le soleil californien, salées/sucrées, qui émanaient de son premier effort solitaire, réalisé en 1979. Six années plus tard, ce Texan d’origine remet le couvert en inondant les ondes, déjà, d’un dernier succès planétaire, « All right ». Depuis lors, silence radio. Rien de bien valable à se mettre dans l’oreille, malgré quelques tentatives peu concluantes, opérées jusqu’en 1998. Le succès, hélas, boude notre homme, nonobstant des compos de qualité, mais le brin de réussite en moins, sans doute.
Après avoir vécu une grosse dizaine d’années dans une semi-retraite, entrecoupée, business oblige, par la publication de l’une ou l’autre compile ou encore de l’un ou l’autre recueil de reprises acoustiques, Christopher revient à la surface. Il nous propose enfin un nouvel opus découpé en 13 titres qui ne feront pas tache dans son répertoire et devraient ravir ses fans nostalgiques.
La voix est inchangée, la même qu’à ses débuts, caressante, chaude, aussi efficace à 60 printemps qu’à 30.
La recette également est identique : des ballades soyeuses, alimentées par des accords de piano et des interventions de cuivres ainsi que de cordes subtiles.
L’accent a cependant été placé un peu plus sur les guitares qu’auparavant. Aucune autre surprise pour cet album qui aurait pu paraître n’importe quand entre 1981 et maintenant. En dehors de toutes modes, ce style musical est toujours aussi plaisant, empreint de fraîcheur et d’énergie.
Michael McDonald, complice depuis l’avènement de Christopher est toujours fidèle à son poste, en lui assurant les chœurs depuis plus de trente ans. « Doctor Faith », plage qui donne son titre à l’album, voit se reformer le duo pour une chanson particulièrement réussie, sans doute la plus aboutie de ce dernier elpee.
Comme à son habitude (très bonne d’ailleurs), Christopher Cross a soigné son travail. Rien ne laisse penser qu’il aurait bâclé l’un ou l’autre titre. Les 13 chansons sont toutes de qualité égale, aucune faiblesse n’est à relever. Le tout s’écoute sans fatiguer ni lasser un amateur de bonnes mélodies bien ficelées.
Pas de mal à ça !
Retour gagnant pour un sexagénaire qui a encore beaucoup de bonnes vibrations à faire partager.
Il faut l’avouer, à ce jour, je ne m’étais jamais frotté au hip-hop judaïque. Ephryme (prononcez ‘E-prime’), est un rapper étasunien qui le pratique. Après avoir macéré dans l’underground, à Olympia (c’est dans l’Etat de Washington), pendant une décade, l’artiste décide de déménager à Brooklyn. En 2009. Et « Dopestlyvesky » constitue son premier elpee. Un opus publié sur le légendaire label K Records, cher à Calvin Johnson, plus connu pour ses signatures indie-rock (Bikini Kills, Built To Spill, Modest Mouse).
Particulièrement engagé, Ephryme aiguise ses commentaires sociaux et religieux, en les truffant de références littéraires. Il est soutenu par un backing band talentueux : le Smoke of Oldominion. « Dopeslyvesky » mixe donc les beats électro et la musique live. Le ‘hip-hop’ pratiqué par l’Américain oscille du hip folk (le brûlot autobiographique « Poppasong », inspiré par Everlast) au carrément reggae-dancehall (« Blow Up the Block », plage pour laquelle il a reçu le concours des rappeurs juifs DeScribe et Y-Love) en passant par le klezmer (« Better in the Dark », « Divine by Devine »). Ce qui n’empêche pas l’artiste yankee de nous réserver un titre hyper épuré digne de Sage Francis (« Grind Toroughly ») ainsi que des morceaux old-school au parfum West-Coast, proches de l’univers de Snoop Dog (« Life Sentence », « Elements of Style »).
Lors de ce grand recyclage, Ephryme revisite des pans entiers de la crème du hip-hop des années 90, tout en en les tapissant de considérations religieuses et sociales. Et malgré le poids des références inégalables, il réussit à tirer son épingle du jeu. Un fameux talent, en perspective…
Pour enregistrer son cinquième elpee, Jolie Holland a reçu le concours des Grand Chandeliers. Pourtant, malgré son titre sanglant (« Pint of Blood »), l’Américaine ne change guère de registre. Son country folk empreint de délicatesse n’a donc pas encore cédé le relais au Death Metal nourri à l’hémoglobine.
L’artiste a toujours la tête plongée dans les années 60 et 70. Ce qui lui permet, tout au long de cet elpee, de varier les climats. Arpèges électriques dispensés tout au long de « Little Birds », slide colorant un « Lod and Yellow » dans l’esprit de Neil Young ou encore cover du classique de Townes Van Zandt, « Rex’s Blues » ; manifestement, la Texane ne manque pas de talent. Et puis surtout, son timbre vocal légèrement rauque et unique en son genre, fait la différence.
Shahzad Ismaily coproduit ce disque. Et tout au long de l’elpee, il y apporte également ses interventions si particulières à la six cordes. « The Devil’s Sake » est une superbe plage, une piste au cours de laquelle Jolie échange des notes ‘bluesy’ en compagnie de Marc Ribot. Un exercice de style très technique, mais empreint de douceur. D’ailleurs, lorsque Jolie Holland aborde « Honey Girl », on en déduit que c’est le miel qui alimente cet opus, et pas le sang qui l’éclabousse…
Six titres sur l’album de JeFF Maurer, seul à bord de son navire qui navigue sur des eaux electro-indus-psychédéliques. Des références ? Difficiles à cerner. Brian Eno ? Pierre Henry ? Peut-être. Une chose est sûre, son style est vraiment original. Chaque titre de cet elpee dévoile une facette du Messin, dont l’esprit doit être complètement tordu pour créer une telle musique. « Candlemass », compo hypnotique traduite en clip vidéo, est même balisée par une ligne de basse cotonneuse. Sans quoi, instrumentales, les plages sont alimentées par des accords de piano et de guitares, des sonorités électroniques et des bruitages insolites. Mais le tout tient bien la route, même si les longues pistes mettent un certain temps avant de trouver leur vitesse de croisière, un peu comme si elles cherchaient à envoûter le mélomane, très progressivement, et sans qu’il ne parvienne à s’en rendre compte.
Loin de tout conformisme et des conventions, la musique de JeFF se mérite. Au final ça passe ou ça casse. Une certitude, ce type d’album ne laisse pas indifférent.
Les très jeunes rappeurs de Nine 11 Theasaurus appartiennent au collectif ‘Representing NYC’, un réseau d’artistes issu de Brooklyn impliquant les artistes hip-hop du cru et les milieux culturels professionnels dans le cadre d’un programme social visant à les épauler pour la production, le marketing ou les aspects financiers… Fortement marqués par les évènements du 11 septembre, ces adolescents devaient être encore enfants lorsque ces attenants ont éclaté ; mais plusieurs d’entre eux y ont perdu des proches ; ce qui ne les a pas empêchés de vouloir transcender leur malheur en énergie positive, à travers le collectif Nine 11 Theasaurus!
Leur hip-hop est radical à l’instar de celui ‘West-coast’ des hyper médiatisés Odd Future. Il rappelle les premiers pas de leurs illustres aînés de Wu Tang Clan… C’est dire le niveau. La production, très moderne et asphyxiante, a été confiée à Time Dewit (ex-Gang Gang Dance) et Matt Mehlan (Skeketons). « Ground Zero General » libère des beats froids, sombres et précis, boostant à merveille le flow assez fou des 6 MCs décrivant des paysages urbains chaotiques. Les rythmiques épileptiques de « 16 Bars » ou de l’imparable single « Rookie of the Year » constituent les sommets de l’album. Les New-yorkais pratiquent un hip-hop proche de celui de Shabazz Palaces ou Cannibal Ox, pour les connaisseurs.
« When the Towers Fell We Rose » scandent-ils fièrement… Ah, si Ben Laden avait prévu que ses terribles attentats auraient finalement entraîné des retombées positives…
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