Après avoir gravé un premier Ep intitulé "Landscapes", fin septembre 2022, June Road est parti en tournée européenne à l'invitation du mythique groupe anglais Marillion. Le 28 avril dernier, il a sorti un premier single baptisé "Wish I could Stay" qui évoque les sensations que le groupe a pu connaître en tant qu'artistes : jouer dans des Zéniths et vivre cette tournée incroyable, hors norme pour un projet aussi neuf.
Un titre qui, comme le premier single, "Stay Warm", paru en février, figure donc sur son second Ep "Embers" qui signifie ‘braises’, comme une métaphore sur la chaleur des moments, des rencontres, des expériences et des souvenirs nés de cette tournée magique !
"Stay Warm" est à voir et écouter ici
STPH a sorti son premier single, accompagné d'un clip, afin de vous faire patienter un peu avant la sortie de son Ep.
Le titre "Les Bleuets" est à son image : gentiment décalé et volontairement à double-sens dans les textes. Car, derrière cette chanson douce, ses sifflotements et cette guitare sèche, se cache en réalité le récit d'une partie de jambes en l'air BDSM.
"Les Bleuets", premier single à la mélodie accrocheuse et au texte faussement désuet envoyé en éclaireur de son premier album, "Maintenant que je suis grande", sortira à l’automne 2023.
A découvrir sous forme de clip là
Trois mois après la sortie du titre "Vitriol" et de son premier album "Metamorphosis", Asia nous propose son second single.
Intitulé "Changes", il parle lui aussi de ces besoins de fracture avec le passé, de métamorphose et de changement par rapport à des événements anciens sur lesquels on n'a pas forcément de prise.
Pour découvrir le clip, c’est ici
Ladylike Lily est de ces artistes qui ne s’arrêtent jamais de créer et de nous surprendre. Entre deux tournages de clips, elle nous invite à nous plonger dans une bande son qui l’inspire.
On y découvre ses ami.e.s, ses coups de cœurs, ses coups de foudres de tournée et quelques indispensables à sa vie, à travers une playlist qui parle d’amour, du printemps, d’oiseaux, de rivières, de ruptures et de renouveau.
Intitulé « Les graines oubliées », le nouvel opus réunit 17 titres superbement arrangés. Dès les premières notes, on reconnait l’empreinte et la voix douce, veloutée, de Ladylike Lily.
Chacun de ses morceaux nous conte une histoire, se teintant d’électro, de pop, de chanson et d’arpèges de guitare. Un album-voyage plein de poésie, à l’adresse des grands comme des petits.
Le clip d’animation de « La pluie d’automne » est à voir et écouter là
Quatre années séparent « Collision », le nouvel album de RIVE, de « Narcose », acte fondateur du duo mixte bruxellois paru en mars 2019.
En quatre années, Juliette Bossé et Kévin Brieuc sont passé.es par toutes les émotions. L’accueil élogieux de la critique et l’enthousiasme du public. Une tournée riche de voyages et de rencontres. Mais aussi un repli sur soi forcé par la pandémie. Et, pour Juliette, une histoire d’amour tumultueuse dont elle est ressortie métamorphosée, avec de profondes envies d’ailleurs.
Toutes ces expériences ont nourri les onze chansons de « Collision », qui ont été composées, écrites et produites en binôme à Bruxelles.
L’album s’enrichit des collaborations de l’artiste suisse Sandor, du pianiste prodige Sofiane Pamart et du trompettiste québécois Jipé Dalpé. Signe de l’ambition artistique de RIVE, le mixage de « Collision » a été confié à Lionel Capouillez, magicien de la console qu’on retrouve notamment derrière les productions de Stromae.
‘Mon écriture a évolué. Elle est moins abstraite que sur « Narcose ». Les chansons de Collision sont plus personnelles. Nous avons souhaité mettre la voix davantage en avant sur le mix final tout en respectant les productions initiales de Kévin, catchy et plus frontales’, explique Juliette.
Tout au long de « Collision », RIVE ne se cache plus, se montre plus accessible tout en restant exigeant et engagé, féministe, dans son questionnement sur le monde qui l’entoure. Une démarche qui nous invite à apprendre de nos collisions, à traverser nos séismes, nos rages et nos larmes pour s'élever à hauteur de rêve.
Là où, comme le chante Juliette sur « Rêver grand », ‘Tout est plus beau à l'horizon’…
Extrait de cet LP « A-m-o-u-r- » est disponible sous forme de clip ici
Second clip en une semaine pour le groupe belge Recorders, qui opère son retour après 6 ans d'absence !
Son dernier opus, "Coast to Coast", remonte à 2016 ! Après une pause solo accomplie sous la forme du projet OKAMY, le chanteur et compositeur bruxellois Gordon Delacroix a pris le temps de composer une dizaine de nouvelles pistes qui prendront à l'automne la forme d'un nouvel album, le troisième du groupe. Il s’intitulera "Unsent Letters to a Sympathetic Monster".
Un opus enregistré à Bruxelles par Charles de Schutter et masterisé par le producteur américain Dave Kutch (The Strokes, Billie Eilish, Beyoncé, etc.)
Pour patienter jusque-là, "Let You Go" est disponible sous forme de clip là
Il a été réalisé par Gordon Delacroix, tourné en compagnie de la talentueuse actrice et cinéaste belge Sophie Maréchal au Maroc, et plus précisément à Essaouira.
L'idée était de montrer les deux facettes d'une rupture, ici représentée par l'orange et le bleu que chaque protagoniste va porter différemment…
DALTON serait-il l’un des secrets les mieux gardés du rock indé français ? L’un des plus étonnants, les plus originaux ? Ce trio parisien de garage pop (mais on pourrait aussi parler de pop bizarre ou de rock arty à son sujet) propose en ce mois de mai son deuxième album, “Soleil Orange”.
Et le moins que l’on puisse dire est que ce soleil s’avère rafraichissant. Un paradoxe de plus pour ce combo qui en est friand. On y retrouve, comme dans son précédent opus, un mélange de guitares abrasives venues du punk et des débuts de la new wave et des paroles en français à l’humour absurde et poétique. Mais le tout avec un son plus puissant, plus tranchant et qui s’aventure parfois judicieusement dans les sonorités électroniques (“Laure”, “160”).
On retrouve dans cet elpee une poignée de pépites, mi-pop, mi-hargneuses, qui sont autant de mini-hits en puissance. Fétichiste du détail qui cloche (“Pull sans Manches”), sociologue de la lose (“Station Total”, “Abandonne”), obsédé par la route et les Audi A3 (“160”, “Des Eblouissements”), le chanteur-guitariste, Patrick Williams, promène son parler-chanté avec son habituelle élégance sur les rythmiques nerveuses et millimétrées de JB Kiwiboy (basse, synthé) et Constant Popot (batterie, machines). Il balance des textes inquiétants et pince sans rire, où la catastrophe n’est jamais loin, mais chantés avec un lyrisme sec. A moins qu’il n’épingle les tics de l’époque et fasse la nique à Civitas (“Cours de Poterie”). Un peu comme si Nino Ferrer croisait The Fall à Belleville. Ou comme si Patrick Coutin (“J’aime regarder les filles”) s’acoquinait avec Sonic Youth ou Television.
Échappant aux classifications, cassant les poncifs, DALTON verse dans nos oreilles fatiguées une fraîcheur jouissive, une liberté de ton juvénile…
DALTON fait mentir le vieil adage qui veut que, dans le domaine du rock’n’roll, la magie s’estompe avec les années. Ici, elle se fortifie. Et si vous vous laissiez happer ?
Pour découvrir le clip d’animation consacré à “Connexion”, c’est là
Tristan Gouret aka FYRS a sorti « A Big Dream », son premier album, après avoir gravé l’Ep « Lost Healing », au printemps 2021.
On découvre un LP qui fait la part belle aux émotions, tel un journal intime enivrant qui se veut aussi bien sensible que solaire et que sublime des arrangements d’une douceur sans nom. Se consacrant au violoncelle, à la clarinette, à la guitare et au piano, le talentueux multi-instrumentiste parvient à enrichir l’expression sonore tout en laissant voguer une ambiance éthérée, presque enchanteresse.
Bercé par des sonorités anglo-saxonnes ce jeune talent a mûri son univers entre Bristol, où il a effectué un court mais prolifique séjour, et la côte ouest de la France, voguant entre Nantes, où il a composé une grande partie des morceaux, le Morbihan et sa ville natale, Saint Nazaire.
Pour l’artwork de la pochette, FYRS a fait appel au peintre-plasticien brésilien Eduardo Sancinetti dont la palette de couleurs superposées correspond à la richesse et aux diverses facettes de sa musique. Entre indie pop et folk, les compositions racontent son histoire avec sincérité et humilité. Un véritable poète des temps modernes !
Le clip d’animation consacré à « Fake Fake Fake » est à découvrir ici
Quiconque suit la carrière de Magon sait qu’il aime travailler vite et qu’il est super prolifique produisant, album après album, des airs pop psychédéliques et des morceaux de rock garage ‘scuzzy’. Sa toile s’agrandit et sa palette de couleurs s’élargit au fil du temps…
L’été dernier, l’auteur-compositeur et interprète israélien, qui s’est forgé un nom sur la scène rock parisienne, a rangé son studio et s’est installé avec sa femme et ses enfants au Costa Rica où il a enregistré son 6ème long playing dans son studio portable au milieu de la jungle des Caraïbes.
Ses nouvelles chansons naviguent quelque part entre une ré-imagination hallucinogène du soft rock des années 60, des jams outsider bizarres et des univers indés décontractés. Les morceaux étaient en quelque sorte à la fois mélodieux et subtilement antagoniques, et Magon a facilement basculé entre les personnages du stoned joker et du chanteur de ballades…
Extrait de “Did You Hear The Kids? ”, le clip d’animation consacré à “Onie Was A Kid” est disponible là
Le 31 mars 2022, Th Da Freak annonçait la parution surprise d'un nouvel elpee, « Indie Rock », pour le lendemain. Vrai-faux poisson d'avril puisque le 1er avril 2022, l'album sortait bien, sur bandcamp uniquement et en téléchargement gratuit... pour 48H seulement, avant d'être retiré définitivement de la plateforme.
L'histoire aurait pu s'arrêter là et le long playing condamné à exister en pointillés dans une discographie déjà particulièrement complexe. C'était sans compter le coup de cœur d'un tout jeune label bordelais, ‘Les Disques du Paradis’, qui propose alors à Thoineau Palis de vraiment" publier le disque et d'inaugurer son catalogue en gravant « Indie Rock ». Banco !
« Indie Rock » a été enregistré seul par Thoineau Palis parallèlement aux sessions de l’album « Coyote ».
L'opus s’inscrit dans ce que le musicien considère comme sa discographie parallèle, et témoigne une fois encore de son besoin irrépressible de créer et offrir de la musique, sans enjeu ni arrière-pensée, avec autant de bonne humeur et de fun qu’une blague du premier avril.
A l’instar de certains elpees de Jad Fair ou Guided By Voices, « Indie Rock » évoque une chambre en bordel, où l'on trouve un peu de tout, mais surtout des découvertes et de vraies bonnes surprises.
Le clip de « Young Bro » est disponible là
Rarement un groupe aura aussi bien porté son nom qu’Empty Head. Cinq jeunes Liégeois qui combinent énergie garage, riffs acérés aux allures stoner et mélodies infectieuses avant de transformer le tout en un cocktail explosif, brut mais subtil, viscéral et imprévisible. Bref, le rock ardent que livre Empty Head est un véritable appel au lâcher-prise.
Empty Head émerge de la scène alternative liégeoise en 2020 et enregistre son premier Ep, un éponyme, la même année en suivant une approche entièrement DIY grâce à son batteur, Thibault Schouters, qui assure le rôle d’ingénieur.
Après avoir écumé les scènes de Wallonie et remporté un prix de la Province de Liège fin 2022, Empty Head est de retour en 2023 avec un nouveau single et vidéo clip, « Modern Man », un titre dansant, lumineux et empreint d’ironie.
‘L’Homme moderne avec un grand ‘H’ est un être supérieur, à la pointe de la technologie et au sommet de la chaîne alimentaire. Nous avons voulu tourner cette image en dérision, la démanteler’, explique Simon Galloy, chanteur du groupe. « Modern Man » livre un jugement saturé sur le monde contemporain et son mode de pensée, un miroir sur les mystères de l’esprit humain et l’absurdité de l’existence.
Le clip de « Modern Man » est à découvrir ici
Actif depuis 2012, le quintet limbourgeois The Guru Guru s'est progressivement forgé une solide réputation sur la scène rock nationale et internationale. A ce jour, il a gravé deux albums et deux Eps. Mais ce sont surtout ses prestations ‘live’ frénétiques et hautement survoltées qui lui ont permis d’atteindre une telle notoriété, des concerts qui prennent une dimension particulière grâce aux attitudes de son charismatique chanteur Tom The Bomb, toujours à la limite de la folie scénique, alors que les quatre autres musicos balancent une tornade de décibels…
Il nous propose son nouveau single "Lotta Tension", premier extrait de son troisième opus studio, "Make Less Babies", qui paraîtra en octobre 2023.
Le clip du titre 'Lotta Tension' est à découvrir ici
Le fil conducteur de ce nouvel LP traite de la façon dont nous détruisons peu à peu la planète et surtout de notre comportement, envers et contre tout, tout en étant parfaitement conscients des conséquences de nos actes. L'argent qui dérégule tout, la surpopulation, les inégalités sociales, le changement climatique, et comme ici, sur ce premier single, "Lotta Tension", la pression de la performance, de la productivité à outrance et le flot constant d'informations provenant des nouveaux médias !
Un énième coup de pied flanqué dans la fourmilière par The Guru Guru qui livre une nouvelle démonstration de son subtil et foutraque mélange d'indie-math-pyscho-noise !
Chanteuse, autrice et compositrice, Mahrnie a sorti son nouveau single, « Scarlet », ce 5 mai 2023.
Cette chanson mêle sensualité et mystère, évoque le désir et la sexualité féminines.
« Scarlet », c’est le premier extrait d’un Ep dont la sortie est prévue pour ce 9 juin 2023. Dans une vidéo très réussie qu’elle a réalisée elle-même (scénario, montage, étalonnage), Julie Gauvrit (NDR : c’est son vrai nom) se met en scène en privilégiant la couleur rouge sur des images qui donnent parfois le vertige.
Entre pop indé et chanson française aux sonorités urbaines, le clip de « Scarlet » est à découvrir ici
C’est sous la forme d’un trio fondé en 2017 que KNTC a gravé deux Eps. Lorsque le bassiste quitte le navire pour se consacrer à d’autres projets, le chanteur/guitariste et le drummer décident de poursuivre l’aventure sous la forme d’un duo. Enregistré pendant le confinement de 2020, « The Great escape », son premier elpee, sortira en juin 2023.
KNTC pratique un power rock dans l’esprit de formations issues d’outre-Manche, comme Royal Blood, Frank Carter & the Rattlesnakes ou encore Biffy Clyro. Mais ses influences ne s’arrêtent pas là, elle naviguent à la frontière du rock, de la pop, de l’électro et de la musique classique, flirtant même parfois avec le métal. La musique de KNTC est tantôt explosive, tantôt contemplative, mais toujours empreinte de mélancolie.
Issu de ce long playing, « Melatonin » est à découvrir sous forme de clip ici
Bandit Voyage est né un soir dans la mythique salle du Sugar Shake à L.A., dans le cadre de la fête mexicaine du Cinco de Mayo.
Anissa Cadelli et Robin Girod forment depuis ce duo aventureux, sans limite musicale si ce ne sont celles de leurs goûts. Explorant la simple ballade inspirée de Petula Clark ou les harmonies théâtrales des Sparks, branchant l’auto-tune dans la voix d’Anissa (lui rappelant les mixtape de sa mère algérienne) et multipliant les drums machines analogiques, Bandit Voyage s’exprime à sa manière depuis bientôt 7 ans.
Sympathisant avec Catherine Ringer qui reconnait en Bandit Voyage l’énergie rudimentaire des débuts des Rita Mitsouko, elle les invite à ouvrir pour elle en Suisse.
Entre messages universels et confidences privées, son 3ème opus est ample. Son titre ? « Was Ist Das ». Et il paraîtra ce 29 septembre 2023. La basse de Robin est plus ronde et gronde alors que la voix d’Anissa fanfaronne.
Le clip de « Love Nowhere (feat. Léon Phal) » est disponible là et celui de « Was Ist Das », là
Paulette est un power trio qui pratique ce qu’il a appelé du de Rock Parpaing. Ce groupe dévoile des textes chantés en français et harmonisés à deux voix.
C'est après avoir trouvé, dans une cave, un mannequin féminin qu'ils baptisent Paulette, que les musiciens choisissent, alors, d'en faire leur patronyme et de se produire sur scène en sa compagnie.
Soudés par les riffs de guitare empruntés à la profondeur du stoner, l’envoûtement des synthétiseurs, la puissance du synthé basse, l’ensemble est mis en valeur par une batterie bûcheronne sensible.
C’est ce ciment qui solidifie le mur de son du combo influencé par Deftones, Queens of The Stone Age, Lucius ainsi que les derniers albums de Jack White et RATM…
Mais au-delà de sa musique, Paulette est une muse parée d’or et de bleu, présente sur scène et au centre des textes, ce mannequin exprime sa vision emplie de hauteur, elle aime parler de liberté d’être, d’agir et de grandir.
Eponyme, son premier elpee est paru ce «31 mars 2023.
Le clip du titre maître est à voir et écouter ici
Clara Ysé, c’est une énergie, un diamant brut qui se taille petit à petit devant nos oreilles émerveillées.
Nous l’avions découverte en 2019, lorsqu’elle a publié son titre « Le monde s’est dédoublé », dont le clip surréaliste, à découvrir ou redécouvrir ici, nous avait déjà marqués.
Son timbre de voix évoque Barbara et véhicule des textes aussi forts que poétiques.
Si sa musique agrège pop-rock, classique (à l’instar de sa magnifique version live à savourer là)
) et sonorités Klezmer, ses compos sont interprétées tantôt en français, tantôt en espagnol.
Sa folie douce, sa détermination et son désir de liberté sans frontières reflètent une personnalité bien trempée.
Ses titres mélancoliques et envoûtants nous incitent à voyager dans des univers oniriques.
Baptisé « Douce », son nouveau titre est un hymne féministe qui rappelle « La Grenade » de Clara Luciani, mais en un peu plus sombre et dans un registre plus lyrique.
Elle clame que la puissance féminine, les forces, les désirs et l’animalité sommeillent en nous. On ressent ce combat entre force et fragilité, sa frustration, ce sang qui bout dans ses veines. C’est un cri de ce que les femmes peuvent encore ressentir face à une masculinité encore imbécile.
‘« Douce parle » de la puissance et de l’irrévérence du désir’ raconte Clara Ysé. ‘C’est une chanson sur les forces qui sommeillent en nous, la beauté des contradictions qui nous creusent, la douceur comme alliée, et la liberté. On dit souvent des femmes qu’elles sont des chiennes quand elles sont jugées trop désirantes. Et si cette animalité secrète était notre plus belle arme pour agrandir le monde ?’
Dans son clip, elle apparaît d’abord accroupie dans une grotte, telle une sorcière des temps modernes, puis au sein d’un endroit magistral, auprès d’un cheval blanc symbolisant ici la liberté et le combat de l'héroïne (NDR : la vidéo est disponible ici)
On a hâte de découvrir son premier album dont la sortie est prévue pour septembre 2023.
En 2010, Elisabetta Spada remportait le Concours Circuit grâce à son projet Kiss & Drive. En 2013, elle avait sorti un Ep 5 titres baptisé « My Mood Changes ». Après 7 ans d’absence elle nous revient sous son propre nom et est très fière de vous présenter son premier vidéoclip, réalisée par Alice Khol : « Sister ». Il est très sincère, simple, mais puissant, avec un final surprenant pour les plus curieux de sa profonde intériorité... Ames sensibles s'abstenir !
Le second extrait « I Go, I Go, I Go » est plus profond, sucré, pop. Sautillant à souhait. Quel bonheur de retrouver cette artiste attachante qui devrait sortir son album au cours de cet automne
La vidéo de « Sister », c’est ici : https://youtu.be/sY2ZB5I40zo
Il n’y a pas encore de vidéo pour « I Go, I Go, I Go », mais elle est sur toutes les plateformes, dont Spotify et Deezer…
C’est le vingt-cinquième concert soldout d’Arsenal à l’Ancienne Belgique. Il y est un peu chez lui et s’y produit à quatre reprises, du 1er au 4 juin 2023. Chacune de ses prestations se transforme systématiquement en grande fête de la danse aux rythmes de son incroyable discographie. Les 2 frontmen, Hendrik Willemyns et John Roan, sont passés maîtres dans la confection de titres fédérateurs. Pour ces quatre sets, baptisés ‘Jungle Hotel’, le hall d’entrée a été transformé en jungle tant visuellement (reproduction d’arbres, lumières) que d’un point de vue sonore (les cris d’oiseaux, l’ambiance), un parcours tout au long duquel on s’y perdrait, presque…
‘Jungle Hotel’ raconte l’histoire d’un homme qui veut quitter sa femme, mais qui, par suite d’une tempête, échoue dans une chambre d’hôtel hantée par des fantômes. Dix ans plus tôt, ‘Dance ! Dance ! Dance !’ traitait déjà des spectres, un ciné-concert basé sur l’album « Furu ».
Le rideau rouge est tiré, fait rare à l’Ancienne Belgique. A 20h30 il s’ouvre et on découvre la scène divisée en trois pour autant d’estrades, mais disposées sur toute la longueur. Pas un seul végétal en vue, mais le sigle de ‘Jungle Hotel’ qui figure à côté d’une sorte de dindon stylisé, sur le côté gauche, deux éléments de couleur blanche. Le line up de base est inchangé, mais pour ces quatre shows, il a été renforcé par quelques invités. Dont Dada Ravalison (Suarez) qui se consacre aux percus et tout particulièrement les djembés ainsi que Edaoto & The Afrogenius Band, quatre percussionnistes africains qui avaient déjà assuré le supporting act d’Arsenal.
Le set s’ouvre par une nouvelle compo, la très percussive « A Volta ». John et Hendrik manifestent déjà leur enthousiasme. Et tout particulièrement ce dernier qui mêle judicieusement beats électro et world (africaine, brésilienne, etc.), combinaison hypnotique qui alimente généreusement les morceaux du band, depuis deux à trois ans. Felix Machtelinckx, le chanteur et frontman de Tin Fingers (NDR : il prêtre régulièrement sa plume à la formation) se réserve le micro pour deux titres, « Amelaka Motinga » et « Tigerwoods » et y participe pour « Animal » et « Heavy Heart ». Mais en général, ce sont Léonie et surtout John qui se chargent des leads vocaux. De plus en plus jolie, elle accompagne circonstanciellement Dada aux percus.
La foule est d'humeur à faire la fête, danse ou gigote et reprend en chœur les paroles –en portugais– de « Saudade », un titre jadis chanté par le regretté Mario Vitalino Dos Santos. De quoi se remémorer une époque dorée du band. Paulien Mathues, une des choristes, reprend le flambeau pour deux chansons et met en exergue sa voix puissante, soul, mais un peu sableuse. Tout d’abord « Heavy Heart » ; et puis telle une sirène, « Temul (Lie Low) », rôle qu’elle a brillamment repris à Lydmor.
Plus paisibles, « Sometimes » et « Whale » baignent au sein d’une ambiance feutrée.
Au fil de « Longee », la foule se met à danser. Faut dire que la chorégraphie langoureuse de Leonie l’y incite. Elle chante dans la langue de Luís de Camões, et pourtant l’auditoire reprend à nouveau les paroles en chœur. Elle nous prend à la gorge et enflamme le public tout au long d’« Amplify ». Il est chauffé à blanc et John en profite pour danser et bondir sur le podium pendant « Black Mountain », tout en savourant le moment présent. Le set s’achève par « Melvin ».
Arsenal a le bon goût d’accorder un long rappel. Pour « Afrodisia », l’un des percussionnistes du quatuor africain se réserve le micro et exécute de remarquables danses africaines. Il finit même par nous flanquer le tournis. Malheureusement, il ne parvient pas entraîner la fosse pendant « Bend In The River » et le long « How Come ? ». Mais ce sont les tubes dansants de la bande à Roan qui vont l’embraser, grâce à « Estupendo », « Lovesongs (Propaganda) » et « Lotuk ». Et le show de se terminer par « Stick and Groove », après deux heures de show. La formation est prête pour les festivals d’été…
Setlist : « A Volta », « Amelaka Motinga », « Tigerwoods », « Saudade, Pt. 1 », « Saudade, Pt. 2 », « Amplify », « Animal », « Heavy Heart », « Sometimes », « Whale », « Temul (Lie Low) », « Longee », « Black Mountain (Beautiful Love) », « Melvin ».
Rappel : « Afrodisia », « Bend in the River », « How Come ? », « Estupendo », « Lovesongs (Propaganda) », « Lotuk », « Stick and Groove ».
Pour les photos, c’est ici
(Organisation : Live Nation + Ancienne Belgique)
Claire Parsons est une compositrice et musicienne luxembourgeoise d'origine britannique. Après avoir étudié le piano classique et jazz, la guitare classique et électrique ainsi que le chant classique, elle a obtenu son master en Jazz au Conservatoire Royal de Bruxelles, sous la supervision du chanteur de jazz belge David Linx et du pianiste Diederik Wissels.
Claire Parsons nous dévoile son nouveau projet et deuxième album « The Aquatic Museum », un disque inspiré par les œuvres de Sufjan Stevens, Emiliana Torrini et Agnes Obel. Ce projet collaboratif invite les auditeurs à se plonger dans les secrets des mondes aquatiques inexplorés. Les cordes, les instruments électroniques, les chœurs, les enjeux de piano délicats et les riffs de guitare captivants créent un son qui évoque une plongée dans les profondeurs marines.
Pour cet opus hors norme, Claire Parsons s'est entourée du musicien luxembourgeois Laurent Peckels, de l'altiste américaine et chef du trio à cordes bruxellois Nicole Miller, de la violoniste belge Maia Frankowski, de la violoncelliste luxembourgeoise Annemie Osborne, du batteur et pianiste franco-luxembourgeois Jérôme Klein, du guitariste israélien Eran Har Even, ainsi que du big band belge Q-Some Big Band.
Après nous avoir fait découvrir « Large Pleasure Watercraft », « Trash Tub » et « Entrance », « The Aquatic Museum » nous invite à explorer les fonds marins à travers « Trapped Air Bubbles », emmené par les incroyables images marines de la photographe Audrey Cudel.
Sa participation à de nombreux projets en tant que musicienne et compositrice lui a ouvert de nombreuses scènes et festivals nationaux et internationaux qui lui ont permis d'être remarquée par des professionnels, magazines et radios du monde entier.
Après la parution de son premier Ep « OnOff, enregistré flanquée du Eran Har Even Duo en 2019, elle a sorti son premier elpee, « In Geometry », en compagnie de son quintet, en mai 2020
Paisible, épuré et magnifique ce long playing, paru ce 25 mai 2023, s’adresse aux amoureux de grands espaces et de biodiversité.
Pour découvrir les 4 vidéos suivantes, il vous suffit de cliquer sur leur titre
« Entrance »
« Trash Tub »
Bassiste, leader et seul membre originel encore présent au sein des Stranglers, Jean-Jacques Burnel publie son autobiographie sous forme d'interview… qu'il a accordée par ailleurs en… franglais !
C'était le plus jeune, le plus frenchy de la formation anglaise, le plus punk sans doute. De parents normands, Il avait ‘la folie’ (morceau qu'il chantait en français dès 1980 sur l'opus éponyme). Devenu maître karatéka, il descendait dans la foule pour régler le compte des emmerdeurs. Il a donc publié, sous forme de dialogues avec Anthony Boile, déjà auteur d'un ouvrage sur les Stranglers, son autobiographie en douze chapitres : douze morceaux qui évoquent notamment son identité duale franco-britannique, son amour des motos, de la bagarre ou son engagement pro-européen.
Maniant la provocation et l'humour (on peut être maître de karaté et de la provocation, ceinture humour noire) dans le livre comme dans l'interview qui suit, Jean-Jacques Burnel laisse poindre sa rancœur face à la trahison de son binôme Hugh Cornell –le chanteur qui a quitté le groupe voici trente ans, et son amour sincère et indéfectible pour un étrange territoire : la Belgique et les belles personnes qui la peuplent…
Chez les Stranglers, vous ne composiez pas beaucoup de chansons politiques, pourtant vous vous intéressez à la géopolitique, le livre le prouve, notamment à travers ce point de vue visionnaire à l’égard de ce qui se déroule actuellement en Europe…
C'est vrai, je m'intéresse à ce qui se passe dans le monde et je constate que beaucoup de gens ‘are sleepwalking in the fucking disaster’.
Oui, je m’y intéresse parce que je fais partie du monde ; et nous, petites personnes, nous pensons que nous incapables de changer les évènements. Mais pour l'Ukraine, c'était évident : nous avons eu un comportement hypocrite vis à vis de la Crimée, à l'époque. Et la suite le démontre lors de la Coupe du monde de football en Russie que nous n'avons pas boycottée. On a donné la Crimée à ‘Putain’ (sic !) et ensuite, hypocritement, tout le monde est allé jouer la coupe du monde en Russie. Déjà, à ce moment, on aurait dû dire stop. Personne ne l'a fait et le fric a gagné de nouveau, ainsi que la lâcheté.
Pourquoi y a-t-il dès lors proportionnellement peu de textes politiques dans le répertoire des Stranglers ?
Je ne suis pas d'accord. Souvent on a manifesté un engagement politique, ni de gauche ou de droite, mais en observant, à la manière des journalistes. Et puis c'est à l'auditeur d'en tirer ses propres conclusions.
On parlait de la Russie, il y a eu "Curfew" sur l'elpee "Black and White" en 78, qui évoquait une possible invasion de l'Angleterre. "Shah Shah A gogo", juste avant l'arrive de Khomeiny au pouvoir en Iran… il y en a beaucoup en fait. Mais on ne peut pas prendre au sérieux un groupe musical ; nous n'avons pas plus de crédibilité que n'importe qui ou quoi… que ‘Ça plane pour moi’ (rires).
Mais nous avons autant droit à une opinion que quiconque. Mais bon, ce n'est pas publié dans un journal sérieux ; c'est juste les Stranglers… de vieux punks ! (rires)
Cependant, il est judicieux de poser la question, car elle fait ressortir le boulot d'un artiste vivant dans la culture moderne. Il est assez flatteur que vous me la posiez. Merci (rires) !
L'apport des Stranglers a souvent été sous-estimé au sein du mouvement punk, comparativement aux Sex Pistols et aux Clash, vous en parlez dans le livre. En éprouvez-vous de l’amertume ?
Je n'ai pas le temps d'en avoir. De toute façon, ce n'est pas complètement vrai. Shakespeare a dit ‘He who laughs last, laughs longest’.
Et ‘we are laughing the last’, n'est-ce pas (il sourit) ?
Humour noir
Votre musique était déjà plus élaborée, la provocation se produisait sur les planches et en dehors ?
J'espère lire entre vos lignes qu'entre guillemets nous étions plus raffinés que les autres ?
Exact !
Merci !!!!
Vous êtes les hommes en noir, mais surtout humour noir ?
Quel humour (rires) ?
Depuis tout petits, nous avons été biberonnés aux Monty Python et au reste… L'humour britannique est parmi les plus fins et les plus subtils. Ce n'est pas toujours Benny Hill vous savez… (rires)
Ou Mister Bean ?
Qui a d'ailleurs tout pompé chez Monsieur Hulot !
L'humour noir que vous pratiquez est très britannique et finalement pas si courant dans le punk ?
Soyons honnêtes, les Britanniques ont beaucoup d'atouts, d'autodérision, et se foutent de leur propre gueule, ce qui les rend attrayants. Car il n'y a rien de moins attirant que quelqu'un qui se prend très au sérieux ou des gens qui sont imbus d'eux-mêmes.
Ce noir que vous portez sur scène exprime ce côté puritain que vous revendiquez dans le livre, mais, en même temps, le puritanisme c'est le politiquement correct qui nous domine désormais…
Ah non ! La cancel culture, tout ça c'est du bullshit ! Je suis puritain dans le sens cromwellien.
Pensez-vous que l'on accepterait encore aujourd'hui la provocation dont vous faisiez preuve sur les premiers elpees ?
Il y a certainement un morceau, et j'essaie d'ailleurs de convaincre les autres membres du groupe de le rejouer, sur le deuxième album, qui s'intitule "Bring On The Nubiles", dont les paroles sont choquantes au regard d'aujourd'hui.
Je crois qu'il y avait plus de liberté d'expression à une certaine époque que de nos jours…
Ceinture… noire
Vous êtes champion de karaté. Je me demandais, vu vos rapports désormais exécrables, si vous aviez Hugh Cornell en face de vous ; lui casseriez-vous la figure ?
Non ! Ce serait trop facile (rires).
Quand vous avez le niveau de karaté (NDLR : 7ème dan) que j'ai atteint, bien que je ne sois plus de ce niveau, vu mon âge, vous respectez ce que vous avez appris et ce que vous êtes capable de faire.
J'allais dire : ce serait comme si la Russie envahissait un petit pays comme l'Ukraine… (il rit)
C'est un peu David contre Goliath…
Concernant Hugh non, je n'ai pas besoin de lui casser la gueule parce que j'ai perdu tout respect pour lui. D'ailleurs, il s'est cassé la gueule tout seul… (il sourit)
Mais tout au long du livre, on vous sent…
Déçu !
Oui, un peu comme si votre amie vous avait quitté…
Oui, et surtout quitté pour une autre fille (il rit) !
Hugh nous a quittés pour devenir une méga star, pour grandir ; cela n'a pas marché. Résultat : il est devenu aigri et amer et me descend chaque fois qu'il peut.
C'est petit et méchant.
De ma part aussi d'ailleurs… d'en parler (il rit) !
Au cours des entretiens repris dans ce livre, vous exprimez votre amour de Bruxelles et de la Belgique ?
Aaah ! C'est un magnifique endroit. D'abord, Bruxelles est une belle ville du point de vue architectural, le côté flamand de l'architecture. Par ailleurs, les Belges sont très conviviaux. Ce n’est pas pareil aux Pays-Bas, notamment. J'ai passé de super bons moments en Belgique. Nous avons enregistré trois albums à Bruxelles, et j'ai même présenté une émission sur radio 21, le jeudi soir, pendant quelques semaines. Gratuitement, car ils ne pouvaient pas me payer. Mais ils me filaient tout de même une bouteille de vin. Bizarrement, l'émission se désintégrait vers la fin… (rires)
C'est un beau pays qui est le mien comme dit Brel, qui possède beaucoup d'atouts et n'est pas très connu. Bon, ce n'est pas un vrai pays, il a été un peu créé par les Anglais.
C'est ‘understated’ ; il y a de beaux villages, on y est bien accueilli et elle est peuplée de très jolies filles. Ce mélange ADN wallon et flamand est un bon mix !
Mais ce que je trouve très rigolo en Belgique c'est la devise : l'union fait la force… C’est une blague !
Et puis, les Belges sont les premiers au monde à avoir prouvé qu'un pays peut bien fonctionner sans gouvernement.
Ne seriez-vous pas un peu belge, puisque vous êtes une sorte d'’homme-tampon’ entre la Grande-Bretagne et la France, dont les parents sont français, mais qui a toujours vécu en Angleterre ?
Oui, je prends ! Si vous essayez de me provoquer, cela ne marchera pas !
N'essayez pas de provoquer un maître provocateur… (il se marre)
Et comme karatéka, vous pourriez vous appeler Jean-Jacques ‘Burnes’ ?
Oui j'ai des couilles énormes (rires) !
C'est vous qui auriez dû écrire "Never mind the bollocks", car vous avez des ‘balls’. Vous descendez dans le public pour casser la gueule à quelqu'un quand il vous emmerde…
(Il chante "My Way de Frank Sinatra") ‘Regrets, I've had a few, but then again, too few to mention…’
Oiseau… noir
La formation a choisi comme symboles le rat et le corbeau –et c’est toujours le cas– deux animaux qui sont mal aimés et pourtant très intelligents, ce qui est aussi le cas des Stranglers…
Je prends cette comparaison comme un compliment.
Le rat est un animal qui s'adapte très aisément, comme les… morpions ! Si une guerre nucléaire se déclenchait demain, en une génération, les rats s'adapteraient.
Le corbeau est-il vraiment mal vu ? Si l'on évoque Hugin et Munin les corbeaux d’Odin dans la mythologie viking, ce sont les plus grands des corvidés, et les plus forts. Ce sont eux qui informent Odin de ce qui se passe dans le monde : ils sont ses yeux. Raison pour laquelle je les ai pris comme symbole.
Cela me touche et fait écho en moi, qui suis d'origine normande.
Qui voyez-vous comme héritier des Stranglers, actuellement ?
Je ne vois pas, pour l’instant, de groupe aussi mélodique, rythmique et brillant… chiant (rires) et très bon sur scène.
Vous reconnaissez, apparemment, l’existence d’extraterrestres. Mais, croyez-vous aux reptiliens ?
C'est plus ou moins la même chose.
Les scientifiques tentent de trouver le chaînon manquant et même le darwinisme ne l'explique pas. Désormais, le gouvernement américain a rouvert une section consacrée aux ovnis, car il s’est produit trop d’événements inexpliqués observés par leurs pilotes d'avion.
Stephen Hawking a prouvé qu'il existait d'autres dimensions. Peut-être vivent-ils en même temps que nous dans une autre dimension. Il existe parfois des ouvertures sur ces autres dimensions, si est branché sur la bonne fréquence.
Par ailleurs, nous sommes une petite planète où il y a de la vie près d'une étoile. Vu les milliards d'étoiles qui peuplent l’univers, mathématiquement, la probabilité qu'il y ait une planète semblable à la nôtre, est grande.
Quelle est l'influence du Japon sur les Stranglers ?
Elle est énorme. D’abord, parce que je suis karatéka depuis 50 ans ; et sous d'autres aspects également.
J'ai produit le band japonais, Lizard, et j'ai joué dans un grand groupe de là-bas, ARB, à une certaine époque (NDLR : en 1984 !). Difficile pour moi de déterminer exactement l'influence, mais elle appartient à ma vie.
"La folie", c'est tout de même une chanson qui raconte l’histoire d’un Japonais qui a dévoré sa fiancée ?
Oui. Issei Sagawa a d'ailleurs accompli une carrière sur le thème du cannibalisme à la télévision japonaise. Cette pratique n'a pas exercé une grande influence sur moi, heureusement (rire sardonique) ; le morceau peut-être… je veux dire, de musique (il rit).
Jean-Jacques Burnel. Strangler In The Light : Conversations avec Anthony Boile (Le Mot et Le Reste)
Enorme coup de coeur pour Aziza, le projet éponyme de la jeune chanteuse/bassiste bruxelloise Aziza François. Sa musique est à l'image de son passé dans différents pays et de ses origines tchado-belges. Elle puise son inspiration dans de nombreux styles, que ce soit la musique traditionnelle africaine, la soul, le rock, le hip-hop ou le funk. Par moments, on décèle même des touches de grunge et de jazz-rock. Quant à la voix, c'est une véritable découverte. Elle possède la volupté de Sade, le côté mystérieux de Tanita Tikaram (souvenez-vous de “Twist In My Sobriety”) et les tonalités graves de Nico: une alchimie étonnante.
Savons-nous aimer véritablement malgré les traces d'un conditionnement sociétal, culturel et familial complexe? C'est la question que pose Aziza dans son 1er single. "Maggoty", qui signifie “véreux” en français, c'est comme un mariage raté qui sublime le chaos par la musique. La voix douce de la chanteuse/bassiste navigue entre les guitares de Diego Higueras et les rythmiques inattendues du batteur Théo Teboul. On n'oubliera pas la touche orientale qui rehausse discrètement la composition.
A la limite entre le chant et le 'spoken word', Aziza nous raconte que même nos pires expériences sont transmutables, pour un mieux. Un univers singulier à découvrir avec ce 1er single, sorti il y a quelques jours.
Après des concerts remarqués lors du Concours Circuit et à la Maison du Peuple, on pourra découvrir Aziza en solo le 23/06 dans le cadre des Fêtes de la musique à l 'Abeille Blanche (Bruxelles).
Ecoutez "Maggoty" ici.
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Crédit Photo: Burezi Mugemana - @burezi
Auteur, compositeur, poète et interprète français, Jean-Louis Murat, de son véritable nom Jean-Louis Bergheaud, est décédé ce jeudi 25 mai 2023, à l’âge de 71 ans.
Paradoxalement, son tout premier ‘Best of’ sort demain.
Considéré comme un des plus prolifiques musiciens et artisans de la chanson française, cet Auvergnat a tout d’abord milité chez le groupe de rock Clara, avant d’entamer une carrière solo. En 1981, il grave un premier 45 tours intitulé « Suicidez-vous, le peuple est mort ». En noir et blanc, la pochette est signée Mondino. Mais le titre est censuré. Ce ne sera pas la dernière fois qu’il suscite la polémique, ses coups de gueule et ses provocations vont d’ailleurs très souvent lui conférer une image de personnage acariâtre.
C’est l’album « Cheyenne Autumn », sur lequel figure « Si je devais manquer de toi » et « Te garder près de moi », qui lui permet d’acquérir une certaine notoriété.
Bien qu’il ait toujours évité le showbiz et Paris, c’est pourtant grâce à un duo avec Mylène Farmer, pour « Regrets » qu’il se fait connaître du grand public en 1991.
Au cours de ses 40 ans de carrière, bien servi par son baryton suave, il a publié 22 elpees, dont le dernier « La vraie vie de Buck John », titre extrait d'une BD de sa jeunesse, dessinait un autoportrait en clair-obscur, au cœur d’une ambiance américaine qu’il affectionnait particulièrement.
Déjà en 1999, il était allé à New York et à Tucson (Arizona) pour enregistrer « Mustango », et avait reçu le concours de musiciens de Calexico, d’Elysian Fields et du guitariste Marc Ribot.
En 2007, l’opus « Charles et Léo » recèle des poèmes des ‘Fleurs du mal’ de Baudelaire autrefois mis en musique par Léo Ferré.
En 2014, il publie un triple elpee en compagnie des Clermontois de The Delano Orchestra.
‘Le Parisien’ a révélé que Jean-Louis Murat était mort d’une phlébite. Ce trouble cardiovasculaire résulte de la formation d’un caillot de sang dans une veine. Dans les formes les plus graves s’ensuit une embolie pulmonaire. Les journaux ‘Libération’ et ‘L’Equipe’ affirment que c’est ce qui lui est arrivé.
RIP
Ce soir, l'AB Club accueille des artistes qui possèdent plusieurs cordes à leur arc ! Et pour cause, le violon est omniprésent, grâce à Catherine Graindorge et son groupe Nile On waX mais aussi, Rodolphe Coster, programmé en première partie, qui propose de nombreux arrangements de cordes.
Figure connue de l'underground bruxellois, Rodolphe Coster a sorti, il y a quelques mois, un premier elpee solo qui a fait grand bruit. Gravé par Capitane Records, "High With The People" a été enregistré à New-York dans un studio légendaire et on y retrouve une palette internationale de musiciens exceptionnels. La musique est inclassable. Naviguant quelque part entre no-wave, post-punk, shoegaze, noise, post-rock et avant-garde, elle évoque autant Tuxedomoon, John Maus et Molly Nilsson que Radiohead, Nine Inch Nails et les Pixies. Excusez du peu ! Ce soir, Rodolphe est seul sur scène, pour un set semi-acoustique au cours duquel il revisite les chansons de son album. Certains titres, comme le single “Seagulls Fly on Highways”, sont interprétés de manière dépouillée, à la guitare sèche mais sur d'autres compos, on découvre des arrangements de cordes préenregistrés véritablement époustouflants. Rodolphe le précise : ils ont été élaborés par Atsuko Hatano, l'artiste japonaise qui avait précisément contribué à la confection de l'opus. Mentions particulières également aux superbes “Dolls Her Maps” et “Burglar Blames Shadows”. C'est apparemment en voyant HTRK en concert que Rodolphe a décidé de concevoir cette formule intimiste et minimaliste. Visiblement ému, l'artiste révèle, ce soir, cette fragilité et cette sensibilité à fleur de peau qui le rendent si attachant. Une invitation à acheter son LP et à aller le découvrir en compagnie de son groupe au grand complet le plus vite possible !
Après quelques minutes de pause, c'est au tour de Nile On waX de grimper sur le podium. Le trio implique la violoniste Catherine Graindorge, le bassiste David Christophe et le batteur Elie Rabinovitch. Pour rappel, Catherine jouit d'une réputation internationale, comme en témoignent ses collaborations avec Iggy Pop, John Parish, Nick Cave, Hugo Race et bien d'autres. Après trois albums, des compositions pour la danse et le cinéma, le trio vient présenter un tout nouvel LP, “After Heaven”, paru sur le label allemand Tonzonen Records.
Dès les premières notes d'”Eternity”, on reconnaît le style musical unique de la formation, qui oscille entre post-rock, 'ambient', jazz-rock, psyché et musique de film. Le violon de Catherine Graindorge tisse des volutes sonores, tantôt chatoyantes, tantôt stridentes, pour créer un univers cinématographique totalement hypnotique. Par moments on pense aux productions du label ECM, ou à la musique du film ‘La Dernière Tentation du Christ’ de Peter Gabriel. Dans “More Icon”, un hommage au compositeur italien, l’expression sonore répercute un écho lointain aux envolées d'un Max Richter ou aux harmonies écorchées d'un Warren Ellis.
Si on connaissait toute l'étendue du talent de la violoniste belge, on est tout aussi impressionné par la maestria affichée par les deux autres musiciens. David Christophe utilise sa basse de façon très versatile, lui conférant tour à tour des sonorités d'un synthé, d'une guitare électrique, voire d'un instrument à cordes. Quant à Elie, le compagnon de Catherine, c'est un batteur d'une finesse et d'une justesse remarquables. Il émane de lui une impression de puissance, d'élégance et de sérénité.
Après “Improbable”, un single… improbable, comme l'annonce avec humour David Christophe, le groupe s'autorise un détour par son 3ème album, “Bell Dogs”, pour offrir “Rhapsody” et “Pixelated Dream”. Après des applaudissements nourris du public, nous aurons droit, en rappel, à un magnifique extrait de la bande originale du film “L'Œil Silencieux”, du réalisateur belge Karim Ouelhaj, qui a été composée par le trio.
Le plaisir aura été trop court. Pendant quelques instants, nous avons vécu un voyage interstellaire et tellurique, suspendus hors du temps, la tête dans les étoiles et le corps enraciné dans la terre-mère, au sein d’un espace onirique vibrant et d'une déchirante beauté...
Setlist:
ETERNITY (Intro)
IN HEAVEN
MORE ICON
AUGUST 4
ASCENSION
HUIT (Part 2)
IMPROBABLE
SLOWDOWN
RHAPSODY
PIXELLATED DREAMS
BELL DOGS
Rappel:
L’ŒIL SILENCIEUX
Pour en savoir davantage sur Catherine Graindorge et Nile On waX, cliquez sur son nom dans le cadre réservé aux informations supplémentaires, ci-dessous. Vous pourrez même écouter et acheter leurs albums et Eps via leur Bandcamp
Pour lire l'interview de Catherine Graindorge, c'est ici
Crédit Photo : Axel Tihon - Branchés-Culture (Branchesculture.com)
Ce soir, l'AB Club accueille des artistes qui possèdent plusieurs cordes à leur arc ! Et pour cause, le violon est omniprésent, grâce à Catherine Graindorge et son groupe Nile On waX mais aussi, Rodolphe Coster, programmé en première partie, qui propose de nombreux arrangements de cordes.
Figure connue de l'underground bruxellois, Rodolphe Coster a sorti, il y a quelques mois, un premier elpee solo qui a fait grand bruit. Gravé par Capitane Records, "High With The People" a été enregistré à New-York dans un studio légendaire et on y retrouve une palette internationale de musiciens exceptionnels. La musique est inclassable. Naviguant quelque part entre no-wave, post-punk, shoegaze, noise, post-rock et avant-garde, elle évoque autant Tuxedomoon, John Maus et Molly Nilsson que Radiohead, Nine Inch Nails et les Pixies. Excusez du peu ! Ce soir, Rodolphe est seul sur scène, pour un set semi-acoustique au cours duquel il revisite les chansons de son album. Certains titres, comme le single “Seagulls Fly on Highways”, sont interprétés de manière dépouillée, à la guitare sèche mais sur d'autres compos, on découvre des arrangements de cordes préenregistrés véritablement époustouflants. Rodolphe le précise : ils ont été élaborés par Atsuko Hatano, l'artiste japonaise qui avait précisément contribué à la confection de l'opus. Mentions particulières également aux superbes “Dolls Her Maps” et “Burglar Blames Shadows”. C'est apparemment en voyant HTRK en concert que Rodolphe a décidé de concevoir cette formule intimiste et minimaliste. Visiblement ému, l'artiste révèle, ce soir, cette fragilité et cette sensibilité à fleur de peau qui le rendent si attachant. Une invitation à acheter son LP et à aller le découvrir en compagnie de son groupe au grand complet le plus vite possible !
Après quelques minutes de pause, c'est au tour de Nile On waX de grimper sur le podium. Le trio implique la violoniste Catherine Graindorge, le bassiste David Christophe et le batteur Elie Rabinovitch. Pour rappel, Catherine jouit d'une réputation internationale, comme en témoignent ses collaborations avec Iggy Pop, John Parish, Nick Cave, Hugo Race et bien d'autres. Après trois albums, des compositions pour la danse et le cinéma, le trio vient présenter un tout nouvel LP, “After Heaven”, paru sur le label allemand Tonzonen Records.
Dès les premières notes d'”Eternity”, on reconnaît le style musical unique de la formation, qui oscille entre post-rock, 'ambient', jazz-rock, psyché et musique de film. Le violon de Catherine Graindorge tisse des volutes sonores, tantôt chatoyantes, tantôt stridentes, pour créer un univers cinématographique totalement hypnotique. Par moments on pense aux productions du label ECM, ou à la musique du film ‘La Dernière Tentation du Christ’ de Peter Gabriel. Dans “More Icon”, un hommage au compositeur italien, l’expression sonore répercute un écho lointain aux envolées d'un Max Richter ou aux harmonies écorchées d'un Warren Ellis.
Si on connaissait toute l'étendue du talent de la violoniste belge, on est tout aussi impressionné par la maestria affichée par les deux autres musiciens. David Christophe utilise sa basse de façon très versatile, lui conférant tour à tour des sonorités d'un synthé, d'une guitare électrique, voire même d'un instrument à cordes. Quant à Elie, le compagnon de Catherine, c'est un batteur d'une finesse et d'une justesse remarquables. Il émane de lui une impression de puissance, d'élégance et de sérénité.
Après “Improbable”, un single… improbable, comme l'annonce avec humour David Christophe, le groupe s'autorise un détour par son 3ème album, “Bell Dogs”, pour offrir “Rhapsody” et “Pixelated Dream”. Après des applaudissements nourris du public, nous aurons droit, en rappel, à un magnifique extrait de la bande originale du film “L'Œil Silencieux”, du réalisateur belge Karim Ouelhaj, qui a été composée par le trio.
Le plaisir aura été trop court. Pendant quelques instants, nous avons vécu un voyage interstellaire et tellurique, suspendus hors du temps, la tête dans les étoiles et le corps enraciné dans la terre-mère, au sein d’un espace onirique vibrant et d'une déchirante beauté...
Setlist Rodolphe Coster:
Oh the candy clouds
Dolls Their Maps
Seagulls Fly on Highways
Plante
Dogstroke
Burglar Blames Shadows
Pour en savoir davantage sur Rodolphe Coster, cliquez sur son nom dans le cadre réservé aux informations supplémentaires, ci-dessous.
Pour acheter son album, c’est ici
Pour écouter l'interview de Rodolphe Coster dans l'émission WAVES, c'est là
Crédit Photo : Axel Tihon - Branchés-Culture (Branchesculture.com)
Tina Turner, star du rock, de la pop et du r&b, est décédée à l’âge de 83 ans des suites d’une longue maladie.
De son véritable nom, Anna Mae Bullock, elle était née en 1939 à Brownsville, dans le Tennessee. Elle chante le gospel, dès son plus jeune âge, dans les offices pentecôtistes. A 16 ans, elle rencontre Ike Turner et devient chanteuse chez les Rhythm’n Kings, avant que le duo n’entame une carrière en duo. Période au cours de laquelle, il va décrocher quelques hits, dont « River deep mountain high », en 1966, un titre produit par Phil Spector, et « Proud Mary », en 1971, une reprise du Creedence Clearwater Revival. Tina et Ike se marient, mais leur union ne sera jamais un fleuve tranquille. Au cours de leur vie commune, elle est battue par son mari drogué et de plus en plus violent (NDR : elle aura même des côtes cassées). Mais en 1976, elle s’enfuit et finit par se cacher chez Maria Shorter, la femme de l’illustre saxophoniste Miles Davis.
Divorcée, avec quatre enfants à charge, elle doit se reconstruire. Et elle y parviendra, bénéficiant de coups de pouce de tas d’artistes, dont Rod Stewart, Mick Jagger, Lennon/McCartney, David Bowie, Mark Knopfler, Martyn Ware ainsi que Ian Craig Marsh de Heaven 7, et bien d’autres. Dont certains lui écrivent des chansons. Mais c’est sur scène qu’elle exprime le mieux son talent. Sur les planches, ses spectacles sont électriques et littéralement explosifs. Elle en met plein la vue grâce à sa chorégraphie (NDR : ses déhanchements et ses longues jambes de danseuse y contribuent), mais aussi les oreilles, de son contralto légèrement rauque et puissant.
Elle va alors aligner les tubes, dont « Private dance » en 1984, « We don’t need another hero », en 1985, qui a servi de B.O. pour le 3ème volet des films de ‘Mad Max’ et au sein duquel elle joue le rôle d’Aunty Entity, « The best », en 1989 et « Goldeneye », en 1995, chanson générique du 17ème épisode des aventures de James Bond, et la liste est loin d’être exhaustive.
En même temps, à travers ses compos, elle devient la porte-parole des femmes victime des violences conjugales. Elle leur a également ouvert la voie dans le rock, qu'elles soient noires ou blanches. Elle a été la première femme à faire la couverture du magazine Rolling Stone.
Mariée au citoyen allemand, Erwin Bach, en 21 juillet 2013, elle s’était établie en Suisse, et y avait pris la nationalité. Victime d'un accident vasculaire cérébral en 2013, d’un cancer de l'intestin, en 2016, elle avait subi une greffe du rein l’année suivante.
Celle qui aimait être appelée ‘la reine du rock’ est décédée ce 24 mai 2023 à Küsnacht (Suisse) à l'âge de 83 ans.
The Marshals n’a jamais lâché un idiome précieux : le blues dans son essence, qu’il soit de Moulins dans l’Allier (d’où il est originaire) ou de Jacksonville dans le Bayou. Ce nouvel album a été enregistré comme d’habitude, coupé du monde, isolé de la civilisation et surtout de la tentation, pour mieux renouer avec ses origines et la terre de ses ancêtres.
Laurent Siguret souffle dans l’harmonica, Thomas Duchézeau siège derrière les drums et Julien Robalo se charge de la guitare et du chant. Ils sont désormais devenus des légendes du blues hexagonal. Car le vent qui souffle dans la musique de The Marshals est celui de l’Allier, du Massif central, tous ces territoires d’oubliés. Mais son aridité est celle du blues du Delta. Le trio se l’est réapproprié. Le suivant avec passion depuis presque dix ans, on refuse obstinément de le comparer aux Black Keys, même à leurs fantastiques débuts. Son identité rustique est plus puissante. On est loin des interprétations ampoulées à base de sections de cuivres et de choristes gospel. Oui, la France dispose d’une formation de blues-rock incroyablement authentique, et elle n’a aucun rapport avec un fantasme caricatural du Blues de Chicago.
Le clip vidéo de « Howl », extrait de l’album « Le Ptit Cham Session », est disponible ici
bar italia est une formation londonienne qui aime entretenir le mystère. Jugez plutôt. A la base, il s’agit d’un trio réunissant les guitaristes/chanteurs Jezmi Tarik Fehmi et Sam Fenton ainsi que la chanteuse Nina Cristante. Comme cette dernière est née à Rome, on pourrait croire que le patronyme s’inspire de la botte. Ce n’est pas le cas. En fait s’agit d’un titre de l’album de Pulp, « Different class ». La formation est responsable de trois elpees, à ce jour ; soit « Quarrel », en 2020 et « Bedhead » l’année suivante, deux mini-elpees sortis chez World Music, le label de Dean Blunt, et puis « Tracey denim », paru ce 19 mai 2023 chez Matador, écurie sur laquelle elle vient de signer. Enfin, si la (brève) carrière solo de Nina est ponctuée d’un LP et d’un Ep, celle de Fehmi et Fenton s’épanouit également chez Double Virgo, auteur d’un long playing et de plusieurs Eps, à ce jour.
Depuis sa création, le groupe s’est enveloppé dans un voile de mystère, en se limitant à un minimum de photos, en ne livrant que des bios laconiques et en n’accordant aucune interview. À notre époque où les mass médias et tout particulièrement les réseaux sociaux sont considérés comme incontournables par les artistes, cette attitude est déconcertante et reflète peut-être une nouvelle perception du rock alternatif...
Il revient à Driving Dead Girl d’assurer le supporting act. Fondé en 2003, le band a déjà connu quelques changements de line up. Quatre elpees à son actif, dont le dernier, « Rupture », est paru en 2021. On débarque au beau milieu du set, que le quintet semble mener de main de maître. Le claviériste, le drummer, le bassiste et les deux guitaristes, dont l’un d’eux, chapeau mou enfoncé sur le crâne, double au chant. Il s’agit de Dimitri Rondeau qui est manifestement en pleine forme. Il descend dans la fosse, remonte sur le podium, et finit par grimper sur un retour de scène sis à l’extrême droite. De ce qu’on a pu entendre, la musique de DDG oscille entre cold wave, garage et shoegaze, mais surtout, elle ne manque ni de charme, ni de punch…
Place ensuite à bar italia. Mais avant ce concert, les haut-parleurs diffusent plusieurs titres de l’album des Fab Four, « Abbey Road ». Et puis, afin d’ajouter une couche à l’occulte, ce n’est pas un trio qui débarque sur l’estrade, mais un quintet. Les trois membres fondateurs sont bien présents, mais ils sont soutenus par une section rythmique impliquant un drummer ainsi qu’une jeune bassiste, à la longue chevelure rousse… en short.
Plutôt jolie, Nina Cristante semble avoir opté pour une mini-jupe de couleur rouge et un tricot de teinte blanche. Mais après quelques titres, elle ôte sa petite laine pour laisser apparaître une mini robe écarlate, retenue par de fines bretelles et laissant apparaître, lorsqu’elle se retourne, un dos nu. Elle a une taille de guêpe (NDR : pas étonnant, puisqu’elle est aussi nutritionniste) et pourrait aisément participer à un défilé de mode. Elle se déhanche sensuellement, nonchalamment, le plus souvent les mains dans le dos. Tel un chuchotement, sa voix est fragile, frémissante et presque enfantine. Celle de Fehmi (chaussé de grandes lunettes rondes, il a un petit côté à Lou Barlow) est plutôt capricieuse, empruntant tour à tour les timbres de King Krule, Tom Verlaine ou David Byrne, alors que celle de Fenton est claire et soyeuse. Ils chantent alternativement, un peu comme s’ils se répondaient, mais parfois construisent ensemble, de superbes harmonies. Ce qui permet de soigner le sens mélodique. Les chansons sont courtes (NDR : elles dépassent rarement les 2 minutes). Cependant, les textes abordent des thèmes aussi sérieux que l’anxiété, la solitude, les ruptures, l’amour non partagé, le désir de solitude. Pas de présentation. Pas d’interaction avec le public (estimé à plus ou moins 120 personnes). Pas de merci. Juste les compos et un petit intervalle entre celles-ci, comme si on écoutait l’intégralité d’un album. L’expression sonore se nourrit de slowcore, de noisy et de shoegaze. Cependant, lorsque les morceaux montent en intensité, le spectre Thurston Moore se met à planer.
Tramé sur une ligne de basse profonde, « My kiss era » recèle quelques réminiscences du « If I only could remeber my name » de David Crosby, avant que le morceau ne se charge d’intensité. Des guitares qui deviennent tintinnabulantes tout au long de « Changer » et finissent par s’enflammer lors du final bien électrique, presque crazyhorsien, « Banks ». Et puis, au bout d’une heure de prestation, bar italia se retire, sans un mot, laissant la place à la suite de l’album des Beatles, « Abbey road », signifiant ainsi au public qu’aucun rappel ne serait accordé…
Un excellent concert, mais glacial. On est quand même resté sur sa faim…
Photos Ludovic Vandenweghe ici
Setlist
Skylinny
Nurse
Harpee
Rage Quit
Yes I’ve eat
Fob
Punkt
Friends
Mrs Morality
Best in show
My kiss era
Changer
Polly armor
Clark
No cd
Banks
(Organisation Aéronef)
A l’origine baptisée The Dirty MA's, DMA’s est une formation australienne fondée en 2012. Elle est considérée comme la plus british du plus grand pays d’Océanie. Son quatrième elpee, « How many dreams », fait suite à « The Glow », paru en 2020.
L’univers de DMA'S est celui de l'acceptation, de la liberté d'expression, de la bienveillance et ce sont ces thèmes qui sont développés sur long de cet opus.
Dès les premières notes du morceau maître, qui ouvre le long playing, le trio libère des sonorités rave. Cette rencontre très intéressante entre instrumentation rock et EDM emprunte cependant la théâtralité d'Empire Of The Sun tout en conservant un pied (voire les deux) dans la ‘dance’. Pensez à Orbital voire à Underworld.
Les influences britpop sont cependant légion tout au long de cet LP, et notamment sur « Everybody’s Saying Thursday’s The Weekend » et « Dear Future », deux plages absolument addictives abordées dans l’esprit… d’Oasis.
DMA’s fait grimper la tension au fil du long playing, grâce aux ensorcelants « I Don’t Need To Hide », « Fading Like A Picture » et « Jai Alai ». Si « Get Ravey » et « Forever » manifestent des moments d’accalmie, les pulsions rave reprennent progressivement le dessus en fin de parcours et tout particulièrement sur « Something We Are Overcoming » et le final « De Carle » qui adresse un clin d’œil au Jagwar Ma originel. Sans oublier « Something We Are Overcoming », au cours duquel on retrouve ces sonorités électro si chères à New Order (NDR : le clip de ce single est disponible là).
The Cleopatras est un quatuor féminin qui nous vient de Toscane, en Italie. Il avait ouvert le dernier festival ‘Roots & Roses’ de Lessines. Ses débuts remontent à 1998, et « Bikini Grill » constitue son cinquième elpee. Mais son premier, « Dame tu amor », il ne l’a enregistré qu’en 2008. En fait, jusqu’alors, il n’avait gravé que des singles et des Eps. Et puis, le line up s’est stabilisé.
Le son des Cleopatras est influencé par le punk, le garage rock, le pop punk, le glam, le surf, l'indie et la new wave ; des Ramones aux Cramps, en passant par Devo, Blondie, New York Dolls, Buzzcocks, etc., tandis qu'au niveau de l'attitude, ils sont inspirés par d'innombrables groupes et artistes féminins (Joan Jett, Bikini Kill, The Bangles, The Trashwomen, The GoGos, etc.) Le titre de ce long playing adresse d’ailleurs un clin d’œil au groupe de riot grrrl, Bikini Kill.
La formation aime les reprises. Dans le passé, elle avait adapté « Amoureux Solitaires » de Lio, « Can Your Pussy Do The Dog ? » des Cramps, « Real Wild Child » d'Iggy Pop et « Walk Like An Egyptian » des Bangles. Sur cet LP, elle propose trois covers. En l’occurrence, « You're Standing On My Neck » du band américain Splendora, « Maldito » de l'artiste mexicaine Jessy Bulbo et « Kiss Kiss Kiss » de Yoko Ono. C’est ce dernier titre qui est paru en single avant la sortie du long playing. Et la vidéo qui traite de l'amour, l'égalité des sexes, la redécouverte de l'art produit par les femmes et la paix, a été partagée sur les médias sociaux par Ono en personne.
Sur cet LP, le band opère cependant des incursions dans la dream pop (« The Unicorn »), le surf contemporain (« Laura Palms »), la new wave (en adaptant le thème de l'émission ‘MTV Daria’ dans un style réminiscent de Devo), le pop punk (« Cabot Cove ») ou même l’expérimentation, à l’instar du fameux « Kiss Kiss Kiss » ou de « Dai Dai Dai ». Il y a aussi de la place pour des questions plus sérieuses, comme l'autonomie des femmes (« We Strike ») et le paradigme bien connu du rock ‘féminin’ opposé au rock « masculin » (« We Don't Play Like Men »). Il y a aussi une dimension d'autodérision (le groupe plaisante sur le manque de préparation athlétique dans « (I'm) Fit Like Mick Jagger » et l'hypocondrie dans « Traveling Drugstore » …
Déjà 15 albums et pas moins de 2 ‘Grammys’ décrochés par Bjørn Berge, qui est en quelque sorte devenu le héros du blues acoustique européen ! Le succès a peut-être mis du temps à se dessiner mais le Norvégien est aujourd’hui une véritable institution dans son pays comme hors de ses frontières. A l’aide de sa guitare à 12 cordes, qu’il joue en picking, il transcende le genre et s’est, cette fois, offert le service de quelques grands musiciens locaux pour concocter ce très beau « Heavy Gauge » rehaussé par ce timbre si particulier qui semble émaner d’outre-tombe (rappelant Sean Rowe voire Tom Waits, bien entendu). Son blues teinté d’un esprit rock indéniable et au groove étonnant (« Alone Again », « Rip Off ») vous fera passer 30 minutes de bonheur…
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