Ce lundi 8 octobre, l’Orangerie s’attendait à trembler sous les coups de butoir de A Place to Bury Strangers (APTBS), un groupe issu de Brooklyn, dont le volume sonore dispensé lors de ses concerts, est considéré comme un des plus élevés, sur la scène rock. Une réputation qui n’est pas usurpée, et on va pouvoir le vérifier, ce soir…
Il revenait à la formation gantoise, Räpe Blossoms, d’ouvrir les hostilités. Le quatuor, monte sur l’estrade vers 20 heures. Leur set ne durera qu’une bonne demi-heure. Une prestation au cours de laquelle, ils sont venus défendre leur premier Ep, « Starving Vultures at 7-eleven ». Et manifestement, ils ne font pas dans la dentelle. Pourtant, on ne peut pas dire que les quatre musicos ont le physique de leur musique. Une musique bien dans la lignée d’APTBS. Pas pour rien que le combo a été choisi pour assurer le supporting act. Le show tient bien la route et intéressé, le public semble réceptif. Une belle découverte et surtout un groupe à suivre…
C’est donc vers 21h que les choses sérieuses débutent. Oliver Ackermann (guitare/chant), Jay Space (batterie), Dion Lunadon (basse) débarquent sur le podium. Dès les premières notes ou plus exactement les premières sonorités, le trio new-yorkais annonce la couleur. Une coloration sombre, très sombre. Une chose est sûre, ils ne sont pas là pour rigoler. Leur musique est lourde, accablante, voire écrasante. Certains spectateurs ne parviennent pas à résister à ce mur de son, et désertent les lieux, parfois même soutenus par des proches. Pendant une bonne heure, nos tympans vont être mis à rude épreuve. Le climat est ténébreux, malsain. Stroboscopes, faisceaux lumineux ou projections d’images irradient le podium en alternance. Le tout est fréquemment voilé par un écran de fumée. Pas ou peu d’éclairage en front de scène. Si bien qu’on n’entrevoit les visages des musiciens que très épisodiquement. Pas de communication entre les musicos et la foule. Ils vivent dans leur trip. A Place to Bury Strangers enchaîne essentiellement les morceaux issus de « Worship », leur dernier elpee paru en juin. Les coups assénés par le drummer sur ses fûts sont meurtriers et hypnotiques. Les accords de guitare ainsi que la voix sont noyés sous des vagues de reverb’. Ackermann et Lunadon n’hésitent pas à se lancer dans des exercices de style bruitistes et expérimentaux, moments au cours desquels, ils se déchaînent en brandissant leurs grattes dans tous les sens, quand ils ne leur réservent pas un mauvais sort. Manifestement, ils ne sont pas trop attachés à leurs instruments. Et si on peut parfois leur reprocher d’en remettre une couche, les rares moments d’accalmie ont quand même permis quelque peu de souffler. Avant que l’expression sonore ne remonte en décibels…
Dévastateur, ce concert a confirmé la notoriété du groupe, comme un des plus puissants de sa génération. Ce qui ne les a pas empêchés de nous délivrer une excellente prestation…
(Organisation Botanique)
Skip The Use, vous connaissez ? Ben perso, pas vraiment ; jusqu’au jour où ma fille m’a invité à écouter sur son PC quelques morceaux de leur second elpee. Boum ! « Can’t Be Late » me colle une droite au foie, « Ghost » une gauche à l’estomac et « Give me Your Life » m’achève d’un uppercut au menton. KO debout ! Faut que j’en sache plus. Direction le net !
D’abord, j’apprends que le groupe est français, ch’ti très exactement, et qu’il nous vient juste de l’aut’côté de not’ frontière. Ben m**** alors. J’étais à un million de kilomètres d’imaginer cette proximité. Faut dire que les textes sont exprimés en angliche sur cd (sur scène, pour le public, c’est différent) et que leur accent franchouillard –comme beaucoup de leurs compatriotes qui veulent chanter dans l’idiome de Shakespeare– ne transparaît quasi pas.
Ensuite, ils ont été nominés aux Victoires de la Musique dans la catégorie ‘Révélation Scène’. Comme je ne suis pas très TV, je l’ignorais totalement aussi. Tout comme l’existence de cette formation, alors qu’elle vient à peine d’une vingtaine de bornes de ma région.
Faut qu’j’en sache encore plus et là, y’a plus qu’une solution, c’est d’aller les voir de mes propres oreilles… (NDR : c’est de moi, je viens de l’inventer). Direction Bruxelles et son merveilleux Botanique. Petit, d’accord mais tellement chaud et accueillant.
En préambule aux Lillois, ce sont les Popopopops qui ont pour mission d’entamer les hostilités. Sachant que les 650 tickets ont trouvé preneur, on peut estimer à l’auditoire alors présent, à un ‘bon’ 400 personnes, pour cette ‘ouverture’, malgré la buvette qui jouxte la salle de concert. Et le public a bien raison d’investir les lieux dès le début de la soirée. Car les Popopopops méritent le détour. Ces quatre garçons ont vraiment belle allure et une personnalité bien à eux. Leurs compos sont fouillées, bien rythmées, accrocheuses et originales. Même la reprise des Doors, « Break On Through (To The Other Side) », passe très bien la rampe, alors qu’il faut faire marcher un peu ses neurones, au départ, pour identifier le morceau. Une toute bonne entrée en matière qui n’a hélas duré qu’une petite demi-heure. Le démontage de leur matos sera assuré par les musicos, avant de laisser la place aux roadies du groupe vedette de la soirée.
Il est un peu plus de 21 heures quand, toutes lumières allumées, Mat Bastard et sa bande envahissent les lieux et entament leur set par une petite intro électro suivie d’un « People in The Shadow » énergique à souhait. Le ton est directement donné et nous ne sommes pas au bout de nos ‘peines’. Saluant ensuite son public en français, c’est avec beaucoup d’humour (toujours à prendre au second degré) que Mat explique qu’il veut voir ses fans ; car c’est pour eux qu’il se produit. Il n’y a pas de raison que nous puissions le voir et pas l’inverse ! CQFD !
Mêlant punk, hardcore, afro, hip hop et électro, « Antislavery » la plage inaugurale du disque fait encore monter la température de quelques degrés, si c’était encore possible… Sautant, dansant, courant d’un côté à l’autre de l’estrade, Mat est vraiment une boule de nerfs et évidemment, sa frénésie devient vite contagieuse. Les 650 personnes qui assistent au spectacle se plient dès lors à ses 4 volontés tout au long de la (petite) heure et quart de concert. Quand il ne s’agit pas de taper dans les mains, bras en l’air, Mat nous demande de s’asseoir, chanter, déambuler de gauche à droite, le tout au sein d’un espace à peine plus grand qu’un (grand) mouchoir de poche. Un vrai délire !!!
Les musiciens ne sont pas en reste, et vu qu’ils prétendent tous se prénommer Mathieu (humour), pas difficile (NDLR : facile ?) de s’y retrouver…
Chacun sachant, outre son instrument, se servir de façon optimale du micro qui lui fait face, ce n’est pas un seul chanteur qui se réserve le crachoir, mais tous les membres du band, dont le bassiste qui ressemble très fort à Gad Elmaleh, en version plus comique. Mais aussi le public, telle une chorale, sous la direction d’un animateur de cirque qui assure l’ambiance, multiplie les jeux de mots et nous sert des blagues bien frenchies.
« Give me Your Life » déchaîne une fois de plus les foules tout comme « Pil » et un « Fallin’ » dédié au plus connu des français sur la planète : DSK of course…
Pendant une grosse heure, la folie est au rendez-vous ; et ce n’est pas à un concert que l’on assiste mais bien à un numéro burlesque grandeur nature. Ainsi, dès le troisième morceau, Monsieur Loyal, au sommet de sa forme, se la joue torse-nu, tout comme son batteur, autre clown scénique du même acabit. Au milieu du show, Mat nous propose une ‘déconnade’ de la meilleure veine ; et on a droit à 3’30 –il nous l’avait promis– de rock endiablé, mélange de punk/ska/rockabilly d’une intensité dingue. Fous, ils sont complètement fêlés ces gars-là. Et ce n’est pas tout…
Les cinq membres de Skip The Use disparaissent alors dans les coulisses, sans doute pour s’éponger et boire un coup plus que nécessaire avant de réapparaître pour le plus grand plaisir d’un bon papy bedonnant, planté au premier rang, qui sera même invité sur le podium pour danser en compagnie de Mat sur un « Hell Parade » qui déchire ! Avant de clôturer une soirée de ‘ouf’, on aura encore droit à deux derniers morceaux canons, « Bullet », issu de leur premier elpee, et pour terminer en beauté et nous achever, « Bastard Song », écrit par qui vous devinez…
Quittant le ring de manière définitive, Skip The Use laisse son public dans les cordes, complètement sonné par un spectacle qui s’est déroulé à 200 à l’heure sans temps mort et sans avoir le temps de respirer.
Une tornade est passée sur le Bota jeudi dernier ! J’y étais et j’en suis sorti.
J’en veux encore !!! Ils reviennent à l’AB le 29 mars 2013. J’y retourne, sûr !
(Organisation Botanique)
Voir aussi notre section photos ici
C’est au Botanique que les Australiens de Van She sont venus défendre leur deuxième galette publiée en juin dernier et intitulée “Idea of Happiness”. Retour sur la première date bruxelloise du quatuor et ce, malgré une décennie de carrière.
Hissé au rang de star sur leur terre natale, le groupe ne rencontre pas le même succès sur le Vieux Continent, bien que les critiques soient dithyrambiques à leur égard. C’est donc assez logiquement que les organisateurs du Botanique les ont confinés dans la discrète mais agréable salle du ‘Witloof Bar’, cadre intimiste et idéal pour une première.
Le supporting act était confié à Villa, duo de Dj bruxellois réputé pour ses prestations éclectiques et énergiques. Au programme, une heure de set house sous forme de ‘best of’ (mention spéciale au “Your Everything” de Danny Daze, divinement placé) dans le seul et unique but de mettre en jambes une audience passablement mollassonne en ce début de soirée. Mission réussie haut la main pour les locaux.
Avant toute chose, une petite présentation s’impose. Van She c’est un quatuor aussie composé d’un batteur hyperactif adepte de grimaces improbables, un claviériste tout droit sorti d’un film classé X allemand de la fin des années 70, un guitariste sobre et élégamment nonchalant et d’un chanteur à la voix aigue, archétype d’un surfeur reconverti.
Le public trépigne d’impatience. Pas étonnant qu’il réagisse au quart de tour, lorsqu’à vingt et une heure précises retentissent les premières notes de “Radio Waves I”. La suite ne se fait pas attendre, un enchaînement frôlant la perfection sur papier : “Idea Of Happiness”, “Changes” et “Strangers”.
Cette succession aurait pu, et même dû, lancer les Kangourous sur les chapeaux de roues et les propulser sur une autre planète. Néanmoins l’application pratique se révèle plus douteuse et douloureuse. La faute à des inégalités sonores entre les instruments (NDR : surtout les drums !) et la voix, cette dernière se retrouvant horriblement étouffée par le boucan produit par les trois autres comparses avant que l’ingénieur son ne se reprenne et mette fin à ce carnage auditif. Les séquences décalées sur « Talkin » auraient d’ailleurs pu entacher et gâcher une partie du concert.
Fort heureusement les talentueux Antipodaux ne se laissent pas abattre par cette entrée en matière scabreuse et font déferler leurs délicieux morceaux pop synthétisés à souhait dans les tympans des quelques trois cents spectateurs présents. Petit à petit, les membres se relâchent, les corps dansent et les sourires envahissent les visages, la bonne humeur est de mise et l’été se permet même une dernière incursion, du moins dans les têtes, en ces prémices automnales.
Le reste de la setlist épingle principalement les pistes du dernier opus ; elle est cependant enrichie de quelques pépites issues de “V”, publié il y a quatre ans déjà.
Un concert haut en couleur et en énergie ponctué en apothéose par “Jamaica” (dernier titre de l’album, tout un symbole). Et cerise sur le gâteau, le combo a même accordé un rappel, aussi inattendu pour lui que pour le public avouons-le, mais ce genre de prolongations est toujours appréciable, spécialement quand on ne dispose pas d’une discographie à rallonge.
Malgré quelques aléas et approximations, Van She a brillamment réussi ce premier test dans la capitale européenne, ravissant son public et prenant visiblement beaucoup de plaisir en ‘live’. Il ne nous reste plus qu’à espérer qu’ils se fassent moins discrets dans notre plat pays à l’avenir, que l’Europe cesse de les sous-estimer et qu’ils prennent le galon scénique nécessaire pour enflammer de plus vastes salles de concerts. Une chose est sûre, dites à Van She qu’un retour dans le plat pays serait des plus appréciables après ce premier passage bruxellois remarqué.
(Organisation : Botanique)
Voir aussi notre section photos ici
Le titre du tout récent elpee, "Anastasis" (‘Renaissance’ en grec) avait annoncé la couleur. C'est bel et bien à une renaissance que nous avons assisté le 29 septembre dernier, lors du concert archi-soldout accordé par Dead Can Dance, au Cirque Royal. La précédente visite de la formation datait de 2005 (au Bozar) et au niveau discographique, la dernière production originale remontait à 1996 (“Spiritchaser”). Il était donc grand temps de tirer le moribond de son sommeil profond et de l’inviter à réintégrer la danse...
Très bel oxymoron ‘Dead Can Dance’ (‘Le Mort Peut Danser’) est symbolisé par l’image figurant sur la pochette du premier album éponyme du combo. Il date de 1984. On y voit un masque guinéen en bois, un objet qui prouve que ce matériau noble, bien que mort, peut continuer à danser lorsqu'il est utilisé dans le cadre de cérémonies rituelles. Emmené par l'Anglo-irlandais Brendan Perry et l'Australienne Lisa Gerrard, Dead Can Dance est, au début de sa carrière, soit début des eighties, un des fers de lance du label 4AD, à l’instar de Bauhaus et Cocteau Twins. Au fil de leur longue carrière et de leur succès sans cesse croissant, ils ont glissé progressivement de la cold-wave vers des musiques d'inspiration classique, gothique et médiévale aux sonorités incantatoires voire occultes, pour aboutir enfin dans une ‘fusion world music’, empruntant des sonorités aux musiques traditionnelles nord-africaine, sud-américaine et asiatique.
En lever de rideau du spectacle, nous ne sommes donc pas étonnés de découvrir un autre duo spécialisé dans la ‘world music’, en l’occurrence Vladiswar Nadishana, multi-instrumentiste sibérien et David Kuckhermann, percussionniste berlinois. A l’aide de leurs instruments traditionnels, ils nous emportent dans un univers sonore suscitant l'évasion. L'instrument central du duo est un ‘hang’ ou ‘hangdrum’, une sorte de ‘steel drum’ ovale, épousant la forme d’une soucoupe volante. Cette première partie pleine de finesse et de sensibilité nous prépare idéalement au voyage qui va suivre...
Quand Dead Can Dance prend possession du podium, un tonnerre d'applaudissements remplit le Cirque Royal. Avant même d'avoir joué une seule note, la formation reçoit une véritable ovation. Les premières nappes de synthé de “Children Of The Sun” résonnent alors et c'est le premier morceau d'« Anastasis », une composition réminiscente du mouvement ‘flower power'. Majestueux et autoritaire, le baryton profond de Brendan Perry remplit l'espace. Il a le visage buriné et une barbichette grisonnante. On dirait un sage habité par son art. Lisa Gerrard est magnifique. Elle est drapée dans une robe en velours marron ; un brocart brodé d’or et d’argent flotte sur ses épaules.
Dès le second morceau, “Anabasis”, nous retrouvons précisément sa voix sublime de contre-alto, probablement la plus belle, féminine, au monde. Enchanteresse, vibrante, ample et sombre, sa tessiture est chaude et ronde. Comme dans la plupart de ses compositions, Gerrard chante dans un langage propre qu'elle a développé dès l'âge de 12 ans, une ‘idioglossie’ étrange et hermétique, aux consonances arabiques. Une atmosphère envoûtante baigne alors la salle ; touché, le public frissonne de bonheur.
Dans l'ensemble, la setlist est composée majoritairement d'extraits d'« Anastasis » mais le groupe opère quand même quelques incursions dans sa très riche discographie. Un son de triangle et quelques notes de yangqin, le dulcimer chinois, résonnent enfin. Le public applaudit car il a reconnu “Rakim”, extrait de “Toward The Within”, l'opus ‘live’ publié en 1994. C'est principalement Perry qui chante sur ce morceau aux accents africains. Même tonalité chez “Kiko”, peut-être la plus belle plage d'« Anastasis ». La voix hypnotique de Gerrard y répond aux lignes répétitives de bouzouki dispensées par Perry. Au milieu de la compo, un magnifique moment éclot quand la rythmique très singulière (une 'time signature' 4/4-5/4) associée aux superbes harmonies et au solo de bouzouki, crée comme une marche ténébreuse d'une profonde intensité. D'une poignante splendeur...
Brendan Perry présente ensuite “Lamma Bada”, une vieille chanson traditionnelle de l'Andalousie mauresque. Ecrite dans une langue arabe ancestrale, elle relate la peine de quelqu’un qui souffre de l'amour qu'il porte à une autre personne qui se trouve de l'autre côté d'une pièce. Perry y étale toute sa maestria à la guitare fretless 12 cordes.
Après « Agape » et « Amnesia », deux autres nouveaux titres, un peu moins puissants, vient un autre moment clé du concert, le sublime « Sanvean », interprété de maîtresse façon par Gerrard. Elle l’avait composé en 1993, en compagnie d’Andrew Claxton, pensant à sa famille, qu'elle avait laissée en Australie. Sur le tapis de violons dessiné aux claviers par Jules Maxwell, elle entame cette mélodie belle à pleurer. On n'entend pas une mouche voler et le moment est magique. Le public est crucifié par la perfection mélancolique qui se libère d’une expression sonore qui tient en son sein tout l'amour du monde. Voir la vidéo: http://www.youtube.com/watch?v=ZxpBsb4Nojw
“Nierika” reprend le chemin de l’Afrique. Extrait de “Spiritchaser”, c’est un des trop rares moments au cours desquels le couple échange leurs voix. Perry y révèle également ses talents de percussionniste, un tambour serré entre ses jambes. Ensuite, place à “Opium”, dont les tonalités asiatiques sont enrichies par les douces notes de hangdrum.
Soudain, des coups de timbale déchirent le voile d'un orgue solennel. Nous sommes le “Host Of Seraphim”, emprunté à “Serpent's Egg”. On est à nouveau replongé dans la période gothique de DCD, qui restera pour de nombreux fans la plus marquante. Notamment parce que les deux protagonistes étaient alors un couple à la ville et que leurs compositions étaient marquées du sceau de la passion. Voir la vidéo: http://www.youtube.com/watch?v=BlehmMmzOlI. Notons d'ailleurs que “Host Of Seraphim” est un des morceaux les plus connus du combo, car il a servi pour de nombreuses musiques de films.
On quitte quelque peu l'ambiance grave pour la légèreté de "Ime Prezakias", une Rembetika, un genre musical de la Grèce des années 30. Le titre signifie ‘Je suis un drogué’ et sous le rythme persan et chaloupant du morceau, les lumières jaunes et or dansent sur le voilage de carreaux noirs qui drape le fond de la scène.
Lisa Gerrard prend le relais pour nous réserver son morceau solo le plus couronné de succès, « Now We Are Free », composé avec Hans Zimmer pour la bande originale du film Gladiators (2000), une musique qui avait valu au duo un ‘Golden Globe Award’. Les mains posées sur son pupitre, elle ferme les yeux pour contrôler chaque souffle que produit sa voix. Un break aux accents africains laisse ensuite place à la complainte finale, sublime.
Le spectacle se termine ensuite tout en douceur par « All In Good Time », une lente mélopée de Perry, peut-être pas le morceau idéal pour terminer un set ; mais lorsque les musiciens se retirent, c'est un véritable vacarme qui gronde pour imposer un rappel.
Revenus sur l’estrade, ils jouent le très indien "The Ubiquitous Mr. Lovegrove", tiré d''Into The Labyrinth” (93), suivi du vibrant "Dreams Made Flesh", un morceau créé par Perry et Gerrard pour l'album « I'll End In Tears » du collectif 4AD, This Mortal Coil. Perry rejoint maintenant Lisa Gerrard pour l'accompagner au yangqin et on est touchés de voir l'ancien couple à nouveau côte à côte (voir la vidéo http://www.youtube.com/watch?v=iryLWYBJ4mQ ).
Lors du second rappel, cet album enregistré en 1984 est à nouveau mis en exergue. A travers « Song To The Siren », que Perry interprète également lors de ses concerts en solitaire. Sa version est plus proche de l'originale de Tim Buckley et Larry Beckett (1970) que celle de This Mortal Coil... Superbe ! Enfin, empreint d'une élégance toute celtique, « The Return Of The She-King » permet à Astrid Williamson, préposée aux claviers et backing vocals, de révéler la pureté de sa voix qui répond en écho à Gerrard. A ce moment, les spots dessinent des arabesques de lumière sur la scène et on se sent comme dans un rêve médiéval. Perry rejoint ensuite les deux chanteuses pour former un chœur qui clôture la chanson dans un magnifique a capella. Voir la vidéo: http://www.youtube.com/watch?v=SowPy3CSMkM
En point d'orgue à ce concert inoubliable, Lisa Gerrard reviendra pour interpréter « Wandering Star », une plage qui figure sur son dernier elpee solo, « The Silver Tree » (2006).
Au moment de quitter le Cirque Royal, on a la gorge serrée tant l'émotion était intense. Bien sûr, on aurait préféré écouter une majorité d'anciens morceaux. Bien sûr, la setlist aurait pu privilégier davantage de titres rythmés, surtout en fin de parcours ; mais force est de constater que Dead Can Dance a tout à fait réussi son come-back. Après avoir assisté à un de leurs concerts en 1993, dans le cadre de la tournée « Into The Labyrinth », je puis affirmer qu’ils n'ont rien perdu de leurs aptitudes. Duo divin, Dead Can Dance est de retour ; et c'est comme s'il n'était jamais parti...
Setlist
Children of the Sun
Anabasis
Rakim
Kiko
Lamma Bada
Agape
Amnesia
Sanvean
Nierika
Opium
The Host of Seraphim
Ime Prezakias
Now We Are Free
All in Good Time
Encore:
The Ubiquitous Mr. Lovegrove
Dreams Made Flesh (cover of This Mortal Coil)
Encore 2:
Song to the Siren (cover of Tim Buckley)
Return of the She-King
Encore 3:
Wandering Star
En me rendant à ce concert, mon objectif était double. D’abord, compenser une grave lacune : celle de ne jamais avoir mis les pieds à l’Eden à Charleroi. Cette salle est capable d’accueillir 750 personnes, en configuration debout, lorsque les gradins sont accessibles. Mais ce soir, le groupe a demandé de se produire en formule ‘club’. La capacité est donc réduite à 312 places assises. Ce qui confère aux lieux une ambiance intimiste tout en favorisant la communion (?!?!?!) entre le band et le public. Ensuite, c’était l’occasion de revoir Wovenhand sous une autre formule ; le concert accordé en compagnie des Muzsikas, en 2010, ne m’ayant guère convaincu. Enfin, le moment était idéal, puisque le nouvel opus de la formation étasunienne, « The laughing stalk », bien que plus musclé, tient parfaitement la route…
La prestation s’ouvre par la plage finale de cet elpee, le très bruitiste « Glistening black ». Faut dire que l’opus est nettement plus rock que folk. Appuyés, les riffs de guitare évoluent même à la limite du punk. Le départ de Pascal Humbert a été compensé par l’arrivée de deux jeunes musicos chevelus et tatoués. Un guitariste et un bassiste. Ce dernier a la tête enserrée par un superbe bandana rouge. Il ressemble à un Apache (Cochise ? Geronimo ?). Des nouveaux collaborateurs qui apportent inévitablement du sang neuf à l’expression sonore. Et ce changement est aussi perceptible sur scène : David Eugene Edwards (DEE) ne reste plus vissé sur sa chaise, mais se produit bel et bien debout. Un détail qui a toute son importance. Car cette situation communique davantage d’énergie au show. Pas moins de cinq titres du dernier album s’enchaînent sans temps mort (NDR : dont « Closer » et « Long horn »). Avant que « Sinking hands » et un peu plus tard « Speaking hands » ne contentent les fans de la première heure. L’ambiance au sein de l’auditoire demeure paradoxalement paisible. Ce qui n’est pas plus mal. Pas de chahut intempestif. Pas de lourdaud qui vous cache la vue en filmant la scène à l’aide de son gsm ou de groupie adolescente gesticulant aux premiers rangs. Fin de cette première partie de spectacle, Wovenhand nous réserve le point d’orgue du spectacle : un « Holy measure » de toute beauté. On est comme transporté au cœur des montagnes Appalaches. Et tout au long de l’intermède précédant le rappel, des percussions indiennes (NDR : comme avant le début du concert d’ailleurs) prolongent cette vision de cette région de l’Amérique profonde, autrefois peuplée de Creeks, Cherokees et Iroquois. Ces rythmes tribaux finissent par envoûter une partie des spectateurs dont certains commencent à se lever. Avant que DEE et sa bande ne reviennent pour interpréter deux titres. Dont en finale, un « As wool » particulièrement puissant. A l’instar des compos figurant sur leur dernier long playing, faut-il le rappeler…
En tournée pour l’instant, Wovenhand a un agenda particulièrement chargé. Pour la Belgique, il s’agit déjà du cinquième concert accordé dont quatre au Nord du pays. Un privilège lorsqu’on sait que cette date était intercalée entre les deux seules prévues pour la France, soit à Paris et Rouen. Et DEE sera également de retour chez nous, le 29/10 au Vooruit de Gand, en compagnie du groupe mythique australien Crime and the City Solution.
L’Eden de Charleroi accueillera ce 9 novembre Stupeflip (NDR : des provocateurs en puissance !) et Reptile Youth ce 8 décembre. La formation danoise que l’on compare déjà aux explosifs Friendly Fires se produira cependant dans la brasserie, local d’une capacité de 250 places.
(Orgnisation : CC de Charleroi – Eden)
Programme complet sur : www.pba-eden.be
Voir aussi notre section photos ici
On attendait impatiemment le retour de Dan Deacon en Belgique, ce doux-dingue qui avait littéralement retourné le Botanique le 7 juin. Il se produisait donc ce lundi 24 septembre, à même adresse, mais au sein de la Rotonde. En brisant les codes scéniques en vigueur, l’Etasunien était parvenu à réaliser une communion parfaite avec le public. Pas étonnant dès lors que la salle soit comble afin de pouvoir assister ou plus exactement vivre une performance qui ‘deacone’ bien. D’autant plus que son nouvel album, « America », paru voici quelques semaines, est propice à la transposition en ‘live’…
Avant d’entrer dans le vif du sujet, place à Deep Time. Le duo monte sur l’estrade à 20 heures tapantes. Autrefois, le couple répondait au patronyme de Yellow Fever. Jennifer Moore (chant, guitare, synthé) et Adam Jones (batterie) viennent de publier un elpee éponyme, proposant une pop minimaliste plutôt sympathique. Malgré ce potentiel, tout au long des 30 minutes de leur set, la chanteuse ne parviendra jamais à se lâcher. En outre, elle va commettre quelques erreurs ; maladresses qui finiront par mettre son partenaire de très mauvaise humeur. Dommage, car intrinsèquement les morceaux tiennent la route ; mais dans ce contexte difficile de créer une quelconque interaction… Dommage !
21 heures approche. La tension est palpable au sein de la Rotonde pleine à craquer. Manifestement, le public est déjà acquis à la cause de l’artiste, avant qu’il ne fasse son apparition. Sur ce podium, deux batteries se font face et un crâne y est planté au beau milieu. Des spots multicolores surplombent une table sur laquelle est disposé un matos, ma foi insolite. Enfin, le crâne s’illumine. Suivant sa bonne habitude, Dan Deacon se place dans le public, devant sa table. Dès cet instant, le natif d’Austin (NDR : il réside aujourd’hui à Baltimore) entre en symbiose avec son public. Un public dont la majorité va entrer dans une forme de transe, dont il ne sortira que 90 minutes plus tard.
Ce gourou à l’allure de nounours a un don inné pour faire participer les spectateurs à son show. Il commence par rendre un hommage à Lenny Kravitz. L’auditoire fixe du doigt la boule à facette placée au plafond. Suivant les consignes du maître de cérémonie, tout le monde se baisse pour se relever à la fin d’un décompte. C’est alors que retentissent les premières boucles électroniques, des boucles soutenues par les interventions alertes des deux drummers. Un régime frisant la frénésie qui va conduire logiquement les deux musicos, au bord de l’épuisement, à la fin du show. Excités, les jeunes bondissent ou frappent des pieds sur le sol. La Rotonde tremble. Le répertoire de Deacon réunit titres de son nouvel opus et du précédent, « Bromst ». Mais la foule n’en a cure ; c’est l’ambiance qui prime. Jamais, je n’avais vu autant de folie dans une salle de concert. Le clou du spectacle ? Une farandole géante organisée par Dan. Un tunnel géant humain va même se former jusqu’à l’extérieur de la salle. Et dans la bonne humeur. Autres moments forts : les slams. Tant les garçons que les filles y participent. Ils se déclenchent de gauche à droite et de haut en bas de la scène ! A 22h30, le show s’achève. Acclamations unanimes pour Dan Deacon. Les spectateurs qui l’entourent le prennent dans les bras, l’invitent à signer des t-shirt, des drapeaux, etc.
Les planches de la Rotonde se rappelleront longtemps du passage de ce gourou. Dan Deacon y a immortalisé un concert qui, plus qu’à voir, est à vivre. Et les spectateurs présents ce soir ne sont pas près d’oublier ces moments privilégiés…
(Organisation Botanique)
En mai dernier, Electric Guest se produisait dans le cadre des Nuits Botanique. Un set remarqué, même s’il ne s’agissait pas de son premier passage en Belgique. Et le duo qui n’en est pas un (NDR : Rejoints par les frères Todd et Tory Dahlhoff, en 2011, Asa Taccone et Matthew Compton sont les membres fondateurs du combo) revenait une nouvelle fois sur la terre de leurs premières amours. Un exercice de style censé rendre le sourire à un public découragé par une météo déprimante.
Arrivé en trombe sur le site du Botanique sur le coup de 20h35, je manque de peu le dernier morceau proposé par le supporting act. Pas grave, si j’en crois les commentaires recueillis auprès des nombreux spectateurs entassés au bar ; leur prestation n’a guère convaincu ces assoiffés qui ont préféré dépenser moult kopecks en nectar mousseux, en attendant le moment fatidique. Soit 21 heures.
Enfin, l’attraction de la soirée monte sur les planches ; j’ai cité : Electic Guest. ‘Fuck yeah Brussels, we are Electric Guest’. Les présentations sont faites. Les choses sérieuses peuvent débuter. « Waves » déferle dans la salle et communique les premiers frissons à une assemblée à moitié dans les bras de Morphée. Musicalement c’est au point. Mais il y a quelque chose qui cloche, d’anormal dans la voix d’Asa Taccone. Il n’ose pas monter dans les aigus, pourtant spécialité du chef. L’explication viendra quelques morceaux plus tard. Le jeune Etasunien est malade. Il carbure au thé depuis la matinée afin de soigner sa gorge enrouée. Les morceaux déferlent. Ils sont bien construits, entraînants et conformes à l’album. Et pourtant, un goût de trop peu reste en bouche. Il manque ce petit plus susceptible de graver ce spectacle dans les mémoires. Malgré une excellente interprétation du tout aussi excellent morceau « This head I hold » et un inédit seulement interprété deux fois auparavant, le set ne décollera jamais. Il restera agréable, sans plus.
Au final, quoique sympathique, il nous a laissé sur notre faim. La faute à une voix cassée, un auditoire sous morphine et à un manque de répertoire. Onze titres en tout, c’est peu quand on doit tenir en haleine une salle pendant une heure.
(Organisation Botanique)
Voir aussi notre section photos ici
Après avoir assisté au fantastique set de Calexico, flanqué de l’orchestre mexicain Mariachi Luz de Luna, dans le cadre du festival Pukkelpop, en 2000, puis vécu celui –remarquable également– accordé lors du Cactus (?!?!?) de Bruges, en 2009, je ne pouvais manquer celui de l’AB, prévu ce 19 septembre 2012. D’autant plus que la formation vient de publier un nouvel album il y a quelques jours. Intitulé « Algiers », il a été enregistré à la Nouvelle-Orléans. De quoi escompter une fusion de styles originale…
Ce soir, l’Ancienne Belgique est archicomble. Il revenait à Laura Gibson d’ouvrir la soirée. Originaire de Portland, cette artiste est rarement inspirée pour se fringuer. Pas trop gâtée par la nature, plutôt timide et chaussée de lunettes d’institutrice, cette grande bringue (NDR : elle a intitulé son dernier album « La Grande », le nom d’un patelin sis dans l’Oregon), possède cependant une superbe voix. Angélique et rafraîchissante. Talentueuse, elle s’accompagne à la sèche (parfois aussi aux claviers) et bénéficie du concours d’un claviériste/trompettiste, d’un drummer (sis à l’extrême droite du podium), d’un guitariste (parfois préposé à la steel) et d’un contrebassiste. Et la musique trempe dans une forme de folk/jazz particulièrement élégante. Une demi-heure de set qui mériterait un prolongement ultérieur… mais bon, comme votre serviteur a débarqué à 20h15, il en a savouré un bon quart d’heure ; dans ces conditions, difficile d’en raconter davantage…
A 21h00, la bande à John Convertino et Joey Burns montent sur les planches. Joey se réserve une ‘six cordes’ (le plus souvent acoustique) et le chant. John les drums. Arborant de superbes rouflaquettes, Jairo Zavala remplace Paul Niehaus, à la guitare solo et à la steel. Jacob Valenzuela se charge de la trompette, du vibraphone et des claviers. Martin Venk, l’autre trompette. Chris Giambelluca, la basse. Et Sergio Mendoza, l’accordéon, les synthés et surtout le piano. Ses interventions caribéennes aux ivoires, font d’ailleurs absolument merveille. Je m’attendais donc à un concert aussi déjanté que ceux auxquels j’avais pu assister. Mais en début de parcours, la musique épouse une forme plus conventionnelle, à la limite de la pop. Dans un style ténébreux et atmosphérique, néanmoins. Pas une entrée en matière très excitante. D’autant plus que les anciennes compos proposées sont toutes aussi paisibles. Heureusement, la suite va s’élever progressivement en intensité. Dès le ‘sergioleonesque’ « Roka », chanté tour à tour en espagnol et en anglais, les maracas et le vibraphone annoncent la couleur. « Para » se cuivre davantage et monte en crescendo. Enfin, tout en adoptant un rythme de valse, « Dead Moon » conjugue trois guitares dont une en vibrato. La musique baigne alors enfin dans un climat latino, pour le plus grand bonheur des aficionados. Vivifiant, « El picador » est superbement cuivré et incite les spectateurs à réagir. Des cuivres bien ‘Tijuana’ et qui vont colorer de plus en plus l’expression sonore, sans jamais l’étouffer. Jacob Valenzuela chante et enchante de sa trompette extatique le paso doble « No te vayas », un extrait du nouvel elpee. Pour attaquer la cover du « Alone again or » de Love, Chris a décidé de troquer définitivement sa contrebasse contre une basse, un morceau au cours duquel quatre des musicos participent aux vocaux. C’est à peu près à partir de ce moment que l’auditoire commence à participer de plus en plus activement au show, en frappant notamment dans les mains. Plus tex mex, « Corona » est enrichi par l’accordéon et une gratte countryfiante. L’épique « Puerto » flaire le Mexique à plein nez. C’est la composition qui achève le show. Au cours du set on aura aussi droit à un autre instrumental (« Close behind »), dont la slide projette dans les esprits des images d’un chemin de fer qui s’enfonce à toute vapeur vers l’Ouest. Lors du feutré « Hush », John Convertino joue en picking sur une guitare à 12 cordes pendant que Joe Burns caresse ses peaux. Un morceau au cours duquel les cinq autres musiciens rivalisent d’imagination pour entretenir les différents bruitages. Le public est ravi. Le groupe aussi ; et le rappel est inévitable. Trois titres y seront proposés, dont deux compos plus sereines ; et en final, le pimenté « Guëro Canelo » qui va soulever l’enthousiasme de l’auditoire. Acclamations nourries !
Bref, un excellent concert, mais pas aussi remarquable que les deux précédents auxquels j’avais eu la chance d’assister. A l’instar des anciens chercheurs d’or, Calexico aurait peut-être intérêt à chercher de nouvelles sources d’inspiration. Un bon filon à explorer. Pour ne pas connaître une traversée du désert…
Setlist
Epic
Across The Wire
Splitter
Roka
Para
Fortune Teller
Dead Moon
El Picador
Sinner In The Sea
No To Vayas
Maybe On Monday
Alone Again Or
Corona
Hush
Close Behind
Puerto
Rappel
The Vanishing Mind
Two Silver Trees
Güero Canelo
(Organisation Ancienne Belgique)
« We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart ». Le titre du second album de Jonathan Boulet et ses potes australiens déboule à la même vitesse que les roulements de percus qui l’étayent. Un album qui se déguste d’une traite et que l’on avait hâte de découvrir lors d’un vrai big live show. Le Botanique a exaucé le souhait des fans de l’Australien en l’invitant à prendre possession de la Rotonde, le temps d’un soir, celui du 18 septembre dernier.
Sur le coup des 20h30, la Rotonde n’est encore remplie qu’au tiers de sa capacité. Une demoiselle s’inquiète en y débarquant. ‘Mais non, c’est pas la bonne salle !’ Si, si, mam’zelle, c’est bien ici. Peu de monde donc pour accueillir la nouvelle fine lame du rock indie made of antipodes. Les lumières s’éteignent cinq minutes plus tard. Les retardataires arrivent, v’là qui devrait rassurer la demoiselle. Au final une bonne petite centaine de personnes ont répondu à l’appel des fûts du quatuor.
Jonathan et trois de ses confrères prennent place devant leurs instruments et entament le set par un extrait de « We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart », un deuxième LP caractérisé par des rafales de percussions et des chœurs déchaînés. Sur scène, c’est la débandade, dès le second titre. Le son est approximatif et souffre de grésillements ponctuels. Le leader de la bande salue ensuite timidement la foule tandis que son guitariste tente désespérément de régler ses pédales. Les problèmes techniques semblent résolus, lorsque la formation enchaîne « Hallowed Hag », « Keep Away You Feral Son Of A Bitch » et « FM AM CB TV », des versions jouissives dans leur mouture studio. Ils sentent bon le Vampire Weekend, l’Animal Collective, les Dodos ou encore des Local Natives énervés.
Sur l’estrade, c’est un autre scénario qui se déroule. La formation a l’air légèrement perdue et on croirait assister à une première partie, plutôt qu’au concert d’un groupe bien rôdé. Une batterie, des percus, un guitariste et Boulet à la basse. Seuls ces deux derniers se chargent des parties vocales. Et c’est là où le bât blesse. Parce qu’il a beau être mimi, le gratteur, avec son sourire, ses beaux cheveux noirs mi-longs et sa chemise à carreaux qui font doucement glousser certaines filles placées à proximité du bonhomme. Mais lorsqu’il s’approche du micro, il n’y a strictement rien d’intéressant qui se passe. Au contraire, les chœurs sont à la limite du faux. La hargne dégagée au sein de la version studio des morceaux de Boulet cède la place à une langueur peu enthousiasmante. Même les tubes en puissance « This Song Is Called Ragged » ou le tonitruant « You’re A Animal », servi en fin de parcours, font de la peine à entendre. Pas fameux, pour une prestation de 35 minutes à peine !
Jonathan Boulet doit encore prendre de la bouteille pour devenir un tantinet plus convaincant sur les planches. Et certainement remplacer l’un ou l’autre de ses camarades de route. Ce semi-fiasco n’entachera cependant pas l’affection que votre serviteur porte à l’excellent « We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart », qui doit manifestement tout à ses arrangements.
(Organisation : Botanique)
Melody Gardot, Diana Krall, Norah Jones, … Pour cette nouvelle saison, les jolies demoiselles du Jazz/Pop se sont toutes donné rendez-vous à Bruxelles pour faire tourner la tête à ces messieurs. La première à fouler les planches d’une salle de la capitale, Norah Jones, avait jeté son dévolu sur Forest National. Une salle un peu trop impersonnelle pour ce type de musique. Ce qui n’a pas empêché la demoiselle de remplir l’espace en deux temps trois mouvements.
On ne badine pas avec les horaires à Forest National. Sur le coup des 21 heures tapantes, Norah Jones et son band (‘They don’t have a name yet’ annonce-t-elle amusée, un peu plus tard) débarque devant un parterre assis et bien garni. La jolie progéniture de Ravi Shankar salue son public autour d’un décor plutôt simple, avant d’ouvrir la danse par un hit en guise d’entame. « Come Away With Me ». Quand tu veux ma belle ! Le délicieux timbre de voix de la demoiselle s’échappe des baffles diffusant, chose rare à Forest national, un son cristallin. Dans la fosse, c’est l’instant GSM. Evidemment ! Dès le second morceau, Jones embraie sur le morceau éponyme de son petit dernier, « Little Broken Hearts » et annonce alors que la soirée sera résolument tournée vers sa nouvelle œuvre.
En 10 ans et 5 LPs, Norah Jones a progressivement glissé d’un jazz langoureux à une pop de plus en plus édulcorée. Et cette métamorphose va se ressentir tout le long d’un concert sobre et sympathique mais, parfois, borderline chiant. Jones a la classe, ses musiciens sont excellents. Mais, lorsqu’après cinq morceaux à peine, on se met à penser à la liste des courses du lendemain, c’est que quelque chose cloche. Et ce quelque chose, c’est ce malheureux focus sur les dernières compositions, tournée promo oblige. Malgré le coup de main du maître Danger Mouse au niveau de la production, on ne peut pas vraiment dire que « Little Broken Hearts » casse la baraque. Tant en version studio que sur scène. Heureusement, des titres comme « Sinkin’ Soon », « Cold Cold Heart » (reprise d’Hank Williams), « After The Fall » ou le hit acclamé « Don’t Know Why » permettent à Jones et son équipe de tenir la distance. L’atout de la chanteuse ? Son piano. Passant d’un instrument à l’autre, c’est lorsque Jones siège derrière ses ivoires que la magie opère vraiment ; et que les lourdingues assis derrière vous se décident enfin à la boucler. Des instants providentiels.
Le concert s’achève au bout d’une heure et demie, par un rappel de deux morceaux dont un « Sunrise » repris en chœur par l’assistance. Celle-ci semble conquise. De notre côté, on ne peut pas dire que l’étincelle a véritablement eu lieu. La faute aux nombreux moments de flottement. Allez, un petit « My Blueberry Nights » en DVD pour se consoler.
Organisation : Live Nation
( Voir aussi notre section photos ici )
Pour la rentrée, l’Ancienne Belgique avait frappé un grand coup, en invitant Perfume Genius, le projet de Mike Hadreas, un étasunien issu de Seattle. Quelques mois seulement après avoir fait salle comble, dans le cadre des Nuits Botanique, et après avoir été logiquement invité au festival de Werchter, l’Américain revenait en Belgique. Pour ce spectacle, la salle est disposée en configuration semi-assise, mais n’affiche pas complet.
Il revenait à Indians, le projet de Søren Løkke Juul, un Danois natif de Copenhague, d’ouvrir la soirée. Signé chez 4AD, il a publié, à ce jour, deux singles. Il pratique une musique hybride, fruit de la rencontre entre analogique et numérique. Son style est atmosphérique et expérimentale. Vu ce que les vidéos postés sur la toile avaient montrés de cet artiste, j’ai donc préféré m’abstenir….
A 21h00 pile, Mike Hadreas monte sur l’estrade. Malgré ses 27 balais, il paraît très jeune. On lui en donnerait vingt, à tout casser. Il est accompagné d’un drummer et d’un préposé aux nappes sonores. Le leader s’installe derrière ses claviers. Et ne décollera plus de son tabouret qu’à de rares exceptions. Quant à ses acolytes, ils sont tout aussi statiques. Dès qu’il prononce les premiers mots, on est subjugué par son timbre androgyne, qu’il maîtrise à la perfection. Sa voix me fait même clairement penser à Antony des Johnsons voire à Boy George. Il en est même particulièrement proche tout au long de « No Tear », un morceau totalement bouleversant. Les titres de son dernier opus, « Put Your Back N 2 It », se succèdent. Le répertoire oscille entre chansons langoureuses et compos plus entraînantes. Une toile de fond : ses ivoires. Et une même trame : des textes mélancoliques. Parmi les moments forts du concert, on épinglera « Take Me Home », « Hood » ou encore la reprise du « Helpless » de Neil Young, qu’il interprète en solo, uniquement au piano.
L’alternance entre morceaux plus remuants et paisibles est a priori un bon choix pour le répertoire d’un concert. Malheureusement, cette sélection m’a semblé, ce soir, peu judicieuse. Et pour cause, elle n’a jamais permis au public d’entrer véritablement dans l’univers de Perfume Genius. D’autant plus que le set n’a duré qu’une heure ; et puis que Mike a la fâcheuse tendance à achever ses morceaux d’une manière impromptue, laissant ainsi le mélomane sur sa faim. En outre, on ne peut pas dire que le trio soit composé de bêtes de scène. Et sans le moindre visuel, difficile d’adhérer à un projet aussi spartiate. Finalement, entre l’écoute de l’album et le concert, il n’y avait pas grande différence. A mon avis, ce type de spectacle aurait bien plus d’impact au sein d’une salle de plus petite taille.
Une certitude, l’Américain de manque pas de talent. Mais ce soir, on avait l’impression qu’il avait le trac. Une assurance qu’il ne pourra acquérir qu’au fil du temps et des concerts. C’est ce qu’on appelle de l’expérience.
(Organisation AB)
Une pincée d’arrogance et un zeste de morve, c’est ce qui sied à merveille au Rock quand le propos est pertinent. Mais le jeu est subtil, et il y a une marge à ne pas franchir, sous peine de foutage de gueule total. Et en ce soir de septembre, les Crocodiles se sont cassé les dents…
Arrivé dans l’urgence sur le coup de vingt heures quinze, je me réjouis de m’entendre dire que le set vient à peine de commencer.
Las ! Je n’imagine pas encore que les trois minutes manquées représentent le dixième du concert de ce soir.
Les voûtes du Witloof bar résonnent sous les assauts de ces Californiens au nom vernaculaire, alors que je m’y engouffre.
Quelques instants suffisent pour se faire une idée.
Instantané d’une décade dorée.
Chez ces Crocodiles, on décèle du Echo And The Bunnymen, du Jesus And Mary Chain, et beaucoup d’autres influences, certes fort bien assimilées.
Les ingrédients feraient merveille, mais il manque définitivement quelque chose. Cette touche sensible qu’on appelle génie. Et celui-ci s’obstine à rester cloîtré dans sa lampe.
Alors, il reste l’attitude. Qui ne camouffle pas tout. Qui ne justifie rien. Trente-cinq minutes et puis s’en vont.
Pas de rappel.
Sans doute pas assez de matériel.
Pas grand-chose à ajouter.
(Organisation : Botanique)
Austra, c’est le nom de la Déesse de la Lumière, dans la mythologie lettone. L'adjectif ‘lumineuse’ convient donc parfaitement à Katie Stelmanis, la chanteuse canadienne originaire de la rive orientale de la mer Baltique, à la tête d’Austra. Révélée par le hit alternatif "The Beat And The Pulse" et par un premier album époustouflant intitulé "Feel It Break", Stalmanis se produisait le 11 juin dernier, pour la première fois en Belgique, au sein de sa formation d'électro-pop 'dark'. Le concert était quasi 'sold out'. Le public qui avait rejoint la salle du Vk* à Bruxelles était assez diversifié, même si une majorité de jeunes femmes était visiblement influencée par le look très tendance de Katie (NDR : la frange dans les cheveux !)
C'est un groupe au grand complet qui prend possession de la scène, impliquant pas moins de 6 musiciens. Le premier morceau, "Young And Gay", qui est explicite sur l'orientation sexuelle avouée de Stelmanis, permet de constater en toute logique une prédominance de musiciennes. Et pour cause, y militent Maya Postepski (batterie), ex-Galaxy (NDR : le combo précédent de Stalmanis), et les très jolies jumelles Sari et Romy Lightman, par ailleurs impliquées au sein d’un projet d'indie-folk, baptisé Tasseomancy. Le line up est complété par le bassiste/claviériste Dorian Wolf (auparavant chez Spiral Beach) et le claviériste Ryan Wonsiak (Ze and the Boyfriends).
Après un "Hate Crime" tout en retenue, "Lose It", le deuxième single de l'album, permet au groupe de faire monter la pression. Vêtue d'une longue robe blanche en satin, Stalmanis est tout simplement resplendissante. Très concentrée sur son chant, elle accompagne chaque phrasé par des gestes des bras et des mains ; une technique qu'elle doit certainement à sa formation. Rappelons que dans son jeune âge, elle a suivi des cours de piano classique et appartenait au Chœur d'Enfants de l'Opéra canadien. Emportée par la musique, elle virevolte sur l’estrade comme une petite fille aux cheveux d'or. A ses côtés, Sari et Romy Lightman, affichant un look très particulier de gitanes en costumes folk alternatifs, ont une très forte présence scénique, chantant et dansant sans discontinuer.
La musique est d'une intensité rare, croisement entre le lyrisme noir et mélancolique de Stelmanis et les rythmes tour à tour electro-danse, trance ou expérimentaux. Pour la voix, on pense à Kate Bush ("Darken Her Horse" véhicule des accents empruntés à "Running Up That Hill"), Björk et Bat For Lashes ; mais aussi à la vague de chanteuses 'dark' qui déferle actuellement, que ce soit Zola Jesus, elle aussi américaine originaire d'Europe de l'Est, Chelsea Wolfe ou Florence And The Machine. La musique lorgne quant à elle clairement vers New Order, Glasser, Anne Clark, Radiohead ou The Knife.
Le volet central du concert, plus calme et plus expérimental, s'articule autour des titres "The Choke", "The Villain" et "The Future". On remarque les très belles polyphonies vocales des trois chanteuses et surtout l'incroyable efficacité et le charme impérial de Maya Postepski. L’aisance déconcertante de la percussionniste lui permet de dispenser des parties de batterie dotées d'un swing très fin.
Le point culminant du concert est atteint par "Identity", un véritable bijou de new-wave, imprimé sur un rythme hypnotique, baignant dans des nappes synthétiques et balayé par ces voix haut perchées, lancinantes et irrésistibles. "The Beat And The Pulse" va littéralement nous ‘achever’ : nous sommes en extase, les mains en l'air, pendant ce hit électro –en version longue– qui cartonne depuis plusieurs mois déjà sur les dance floors.
En rappel, Austra nous gratifie d'un morceau inédit, de très bonne facture, et clôture par un excellent "Spellwork", le troisième simple de "Feel The Break". On sort de la salle étourdis par la beauté éblouissante d'une prestation qui aura été en tous points magique... Un voyage féerique plein de profondeur et de lumière... D'ores et déjà un des meilleurs concerts de l'année....
Regardez ici la vidéo de "The Beat And The Pulse" au Vk*:
Auparavant, Chevalier Avant Garde, également venu du Canada, avait ouvert la soirée en jouant une pop ‘minimal wave’ mélodiquement soignée (surtout dans le très beau "Over The Fountain", tiré de l'album "Heterotopias") mais manquant, dans l’ensemble, de relief.
(Organisation Vk*)
Phénomène R’n’B à l’ascension fulgurante, Abel Tesfaye, plus connu sous le nom de The Weeknd, était de passage à Bruxelles ce mercredi 6 juin. Un concert annoncé à peine deux semaines plus tôt et sold-out en moins de temps qu’il n’en faut pour le dire. Le Canadien, auteur de pas moins de trois mixtapes gratos publiés l’an dernier, a jeté son dévolu sur la petite scène du Recyclart. L’occasion rêvée de vérifier concrètement si le Canadien est bien à la hauteur du buzz qui l’entoure.
En publiant trois albums en cinq mois (« House Of Ballons, « Thursday », « Echoes Of Silence ») et en les distribuant gratuitement sur la toile, le jeune Tesfaye, alias The Weeknd, a rapidement focalisé l’attention de la presse spécialisée sur lui. Tant et si bien qu’il n’a fallu que quelques jours pour épuiser le stock de tickets disponibles, malgré l’annonce tardive et un tarif relativement élevé pour du sang neuf (28€ !). Le petit prodige du R’n’B profite –dans tous les sens du terme– largement du tapage médiatique opéré en sa faveur.
Il y a moins d’un an que The Weeknd a démarré sa première tournée et le moins que l’on puisse dire est que le mec est déjà bien rôdé. Entouré de musicos pour un ‘vrai’ live, le chanteur originaire de Toronto ne débarque sur les planches que peu après 21h30. En attendant le début des festivités, l’assistance a eu tout le loisir d’humer les doux effluves de pissotières du Recyclart. Pas l’endroit rêvé pour ce genre de concert, bien que tout à fait convivial. Enfin, une convivialité qui n’est appréciable qu’à condition d’être coincé dans les premiers rangs. La scène, trop basse, n’octroyant une vue que très limitée aux fans traînant bon gré mal gré à l’arrière.
Hurlements en masse dès l’arrivée du jeune homme sur scène. Tesfaye et ses acolytes démarrent le concert par « High For This », un tube, déjà. Et des tubes, la soirée en sera parcourue de long en large ! Il faut dire que The Weeknd transporte le genre vers des sphères inédites, à l’instar de Drake. Un vrai ravalement de façade pour le R’n’B, qui en avait plus que besoin. Le son est extrêmement bien géré. La voix du Canadien remplit chaque coin de la pièce sans jamais flancher. Principalement downtempo, les extraits de ses mixtapes prennent une tout autre dimension sur scène. Comme ce « Life Of the Party », repris en chœur par les –évidemment nombreuses– demoiselles de l’assistance (qui s’égosilleront d’ailleurs sur la plupart des morceaux) ou encore « D.D. », reprise du « Dirty Diana » de Michael King Of Pop Jackson, duquel il emprunte quelques intonations. Le set monte graduellement en pression. Les morceaux s’enchaînent naturellement et sonnent tous comme des hits. « The Birds », « Gone », « Montreal » ou « The Party & The After Party » et son sample de Beach House, s’échappent des baffles sous une ambiance embrasée, à l’image de ces morceaux, bandes sonores parfaites pour la chambre à coucher.
The Weeknd achève son show par « The Knowing », « The Morning » puis, au rappel, « House Of Balloons » et « Wicked Games », quasiment tous repris à gorges déployées par les filles de l’assistance, donnant une dimension un peu trop midinette à l’ensemble. Des chœurs qui sont, additionées aux arômes insupportables de la salle, probablement le seul bémol de la soirée, le gamin de Toronto ayant largement assis sa réputation. Le set, qui a duré à peine plus d’une heure, a dévoilé à la Belgique un artiste naturel, humble et réellement talentueux. Un buzz bel et bien mérité.
(Organisation : VK)
Nederlands 
Français 
