« Helmet on » constitue le deuxième elpee de Manolo Redondo. Il fait suite à « A drop about to drown », paru en 2015. Quatre titres sont interprétés dans la langue de Molière. Et dans ce cas de figure, on ne peut s’empêcher de penser à Bernard Lavilliers. A cause des textes, sans doute, mais également au climat au sein duquel baigne ces plages. Le reste est chanté dans celle de Shakespeare. Et paradoxalement, le timbre de Manolo évoque alors Matt Berninger (The National), même si parfois les inflexions sont empruntées à Stuart Staples (Tindersticks). Dans ce dernier cas, c’est flagrant sur la semi-valse « Bigger blow », titre au cours duquel, il adopte celle d’un crooner. Ou encore tout au long de l’emphatique « Ten thousand days ».

L’opus s’ouvre par le légèrement funky (NDR : cette guitare rythmique !) « Stains remain », réminiscent de Talking Heads. Parfois les cordes de gratte adoptent des sonorités brimbalantes, tintinnabulantes, un peu comme chez Sad Lovers & Giants. A l’instar de « Best kept secret », nonobstant cette envolée ‘bowiesque’. Et puis sur le superbe « No one cares », enrobé de chœurs atmosphériques. Meilleur morceau du long playing, « Winter garden » (NDR : coïncidence, mais ce titre colle vraiment à l’esprit de SL&G) est balayé de cordes semi-acoustiques et tapissé par un orgue chaleureux. Des cordes traitées comme une mandoline, à la manière d’And Also The Trees, sur « Lo is the new hi », une piste pimentée par un orgue vintage. Et nouvelle surprise, elles nous plongent dans l’univers du « Trespass » de Genesis sur le presque prog « Waves men ocean ». Elles finissent même par carillonner en se convertissant au surf, sur le morceau final, « Conquête spaciale ». Tout en arpèges et de nouveau souligné de chœurs, « Des Incas et des Khmers » nous entraîne dans un monde mystérieux, presque mystique. Sur le titre maître », on retrouve un riff de gratte emprunté au « Fearless » du Floyd (NDR : si, si, ce morceau à la gloire du club de football de Liverpool !) Et toute cette texture est généreusement et judicieusement enrichie par un tas d’instrumentation, dont ces cordes acoustiques, jouées tour à tour en picking ou carrément plaquées. Franchement une excellente surprise !

Quand on parle de Peter Perrett, on ne peut s’empêcher de penser au tube « Another girl, another planet » que le groupe The Only Ones, avait décroché en 1978. La formation publiera trois elpees, avant de se séparer en 1982, suite à de graves problèmes d’addiction aux drogues. En 2007, le combo s’est reformé, suite au buzz provoqué par l’utilisation de son hit intemporel, par Vodafone. Il a commencé à tourner et a même composé une nouvelle chanson, mais en 2014, il a de nouveau splitté, Peter décidant alors de se lancer en solitaire, soutenu par ses deux fils, Peter Junior et Jamie, deux ex-Babyshambles. Ils ont bien sûr participé aux sessions d’enregistrement de son premier elpee solo. Et le résultat est concluant.

D’une voix nasillarde, parfois emphatique, déchirée entre espoir et désespoir, il y relate sa descente aux enfers (NDR : sur un riff rythmique emprunté au « Gloria » du Them, il confesse tout au long de « Something in my brain », sa dépendance au crack d’une manière amusante, qui lui vaut pourtant aujourd’hui des séquelles handicapantes) et critique le mode de vie qu’il a embrassé, un peu comme Lou Reed dans « Who I am » ou Dylan sur « What good I am », à travers des chansons mélancoliques ou allègres, fatalistes ou douloureuses susceptibles de le conduire sur le chemin de la rédemption. Il adresse même un message d’amour à son épouse, sur « C Voyeurger ». Et rend un hommage au guitariste des Pretenders, James Honeyman Scott, sur « Troika ». Si la plupart des chansons baignent au sein d’un climat ‘kinksien’, on épinglera quand même le titre maître, en ouverture, caractérisé par son riff réminiscent du « Sweet Jane » de Lou Reed, exécuté à la slide, et puis le remarquable « Living in my head », un morceau autant psychologique que psychédélique, mais surtout savoureusement électrique. Une excellente surprise !

Après son come-back en 2010, OMD a publié deux elpees studio, « History of Modern » et « English Electric ». « The Punisment Of Luxury» constitue donc son troisième et le treizième de sa discographie. Le titre de l’opus est emprunté à une toile peinte par Giovanni Segantini, ‘The Punishment Of Lust’. Pour enregistrer cet LP, Andy McCluskey et Paul Humphreys ont reçu le concours de Martin Cooper et de Stuart Kershaw. Côté lyrics, le duo tire à boulets rouges sur le consumérisme et le matérialisme.

Mais venons-en à la musique. Ce long playing marche sur les traces soniques d’« English Electric ». Le sens de la romance est intact. Pas de surprise, la synth/pop véhicule de nombreux accents empruntés aux 80’s. Mais ce sont plutôt les sources qui se révèlent surprenantes. Elle sont probablement puisées chez Ultravox (NDR : certaines envolées orchestrales aux synthés) et Human League (NDR : le quasi-indus et pulsant titre maître). Mais également Kraftwerk. Donc s’enfoncent au cœur des 70’s. Et notamment en début d’album. Les mauvaises langues reprocheront sans doute à cet LP d’être trop clinique voire excessivement digital, malgré un sens mélodique préservé… circonstanciellement. A l’instar de l’excellent et mid tempo « Ghost star ». Un album qui reste agréable à l’écoute, mais dont l’orientation risque, à court terme, de laisser OMD face à une impasse…

Midnight Sister réunit Juliana Giraffe et Ari Bazoulian. Un duo qui s’est installé Los Angeles, ville qui semble exercer un rôle majeur sur leur création. Et tout particulièrement son univers cinématographique, omniprésent dans la musique du couple, qu’on pourrait qualifier de pop baroque. "Saturn over Sunset" constitue son premier album et est publié chez Jagjaguwar, un label qui a toujours eu le nez creux pour détecter des artistes talentueux. 

Les 14 plages de cet opus constituent autant de fresques filmiques qu’on pourrait facilement imaginer issues d’autant de longs métrages hollywoodiens. Juliana Giraffe et Ari Bazoulian interprètent des rôles davantage qu'ils ne chantent. On se retrouve quelques décennies en arrière à l'époque où les comédies musicales faisaient recette. A tour de rôle, les deux Américains se réservent le micro, alors que le synthé alimente, en arrière-plan, l’instrumentation. Certains titres sont carrément déstructurés, à l’instar de « Canary », qui ouvre la plaque, alors que d’autres baignent au sein d’une pop accessible, à l’instar de « Leave You » et du très 80’s « Blue Cigar »..

Bref, si ce « Saturn over Sunset » ne risque pas de marquer l’histoire du pop/rock de son empreinte, il s’écoute le sourire aux lèvres et sans se soucier du temps qui passe…

Golden Rain est un duo italien, établi à Naples, très exactement. Lors des sessions d’enregistrement de cet Ep, le tandem a reçu le concours circonstanciel, de l’un ou l’autre guitariste, d’un bassiste et d’un préposé aux synthés, outre ceux dont dispose la paire. Seul fait marquant, la voix de Zaira Zigante, qui lorsqu’elle grimpe dans les aigus fait carrément penser à Kate Bush. A l’instar du titre qui ouvre la plaque, « Foglights ». Pour le reste, malgré le léger enrichissement procuré par l’instrumentation organique, cette synth/pop ressemble à celle dispensée par les autres formations ou artistes… de synthé/pop…

Le nouvel opus de Minco Eggersman est inspiré d’un trip opéré en 4x4 par l’artiste et son épouse à travers le Caucase, en Georgie. Sa musique dépeint ainsi la beauté de cette nature montagneuse, accidentée, dont il a observé les métamorphoses depuis le début de l’hiver jusque la naissance du printemps. L’opus recèle très peu de morceaux chantés. Il y a bien « Dance », une plage réminiscente du Floyd circa « Echoes », au cours duquel la voix campe un hybride entre Mark Hollis (Talk Talk) et Brian Eno. Puis le chant indien sur « Melisma & Gurian », souligné de chœurs atmosphériques. Et enfin le lent et intense « Mount Ararat », mais en général, le climat général baigne dans une forme d’ambient. Piano, cordes acoustiques, basse, cuivres et tout particulièrement saxophone, trompette(s), violoncelle, chœurs et même grandes orgues (« The other side of dawn »), sans oublier le zeste d’électro,  alimentent une expression sonore orientaliste ou spirituelle, propice à la méditation. Elle se frotte également parfois au jazz (NDR : les onze minutes de « Tbilissi calls » et ses cloches d’église) et pourrait également servir de B.O. pour un film (« The other side of dawn »). L’elpee s’achève par « Home of the brave », une piste plutôt classique à connotation médiévale, qui lorgne manifestement vers Henry Purcell (NDR : pensez notamment à « Trumpet Tune », mais sans les orgues d’église).

Originaire de Glasgow, cette formation a rencontré un franc succès, à la fin des eighties, avant de se séparer en 1994, puis de se reformer 5 ans plus tard. Plusieurs singles ont squatté les charts aux Iles Britanniques, dont « Chocolate girl », Wages day », Fergus sings the blues », « Queens of the New Year », « Love and regret » et bien sûr le tube « Real gone kid », mais surtout leurs albums « Rainbow » en 1987 et « When the world knows your name » qui se sont écoulés à respectivement plus de 500 000 et près d’un million d’exemplaires. Drivé par Ricky Ross, Deacon Blue est considéré comme une véritable institution en Grande-Bretagne. Sans doute parce que trempant dans une pop bien insulaire, sa musique navigue quelque part entre celle de Prefab Sprout, Waterboys et Texas.

Enregistré live au Barrowland de Glasgow, cet opus a été immortalisé dans le cadre du 30^ème anniversaire de la carrière du band. Y figurent des plages issues de « Believers », le dernier LP, mais également les meilleures chansons de leur répertoire, ainsi qu’une reprise de Bob Dylan, « Forever Young ». Quarante titres pour un double cd !

« Getaway », album de The Clean paru en 2001 (NDR : voir chronique ici) a été réédité fin 2016 ; et la nouvelle version a été enrichie de deux albums enregistrés en public. Soit « Slush fund », gravé en 2001 et « Syd's Pink Wiring System », paru en 2003, ce dernier afin de promouvoir la future tournée américaine. La formation néo-zélandaise y combine psychédélisme, pop, dub, rock, folk, punk et krautrock, suivant les morceaux. Outre le talent de David Kilgour (NDR : qui signe évidemment la pochette de l’elpee) à la gratte, on épinglera la ligne de basse mélodieuse tracée par Robert Scott et le drumming ‘motorik’ de Hamish Kilgour sur les morceaux les plus percutants. Un regret, le vocal un peu trop monocorde. Que ce soit David ou Robert. Détail qui a son importance, lors du set accordé au Sammy’s à Dunedin, en octobre 2000, Martin Philipps, le leader de The Chills, a apporté son concours à la guitare et à l’ominchord, sur deux morceaux.

Fondé en 1978, The Clean pratiquait une musique hypnotique, épique, reptilienne, sauvage, crue, échevelée ou improvisée, suivant les périodes de son existence. La plupart du temps, quand même très électrique et expérimentale, tout en préservant un sens mélodique certain. Certains médias considèrent même ce groupe comme l’héritier naturel du Velvet Underground, de Can, Neu et Television, pour cet aspect purement électrique, et Love ainsi que Spirit pour la face la plus acoustique. Il incarne également un des piliers de ce qui a été baptisé le ‘kiwi rock’, si bien illustré par les formations et artistes qui ont forgé la notoriété du label Flying Nun…

A ce jour, Marc album a publié une trentaine d’albums, en solo ou sein de ses différents duos ou projets. Dont Soft Cell demeure sans doute le plus notoire (NDR : rappelez-vous du tube « Tainted love »). Et il faut reconnaître que depuis 1981, année de la sortie de « Non-stop erotic », sa production a toujours été constante. Sauf de 2004 à 2007, suite à un grave accident de moto. Et pourtant, on ne peut pas dire que son parcours ait été glorieux, tout au long de ces 25 dernières années. L’an dernier, il avait pourtant récolté un franc succès, dans le cadre du W-Festival. La sortie d’un nouvel opus ne pouvait donc que susciter notre curiosité.

Première constatation, hormis deux titres écrits par le compositeur/saxophoniste John Harle et deux originaux (« Embers » et le titre final « No-one to say goodbye to »), les onze autres plages sont soumise à l’exercice de la reprise. Un exercice qu’il a d’ailleurs accompli, très souvent, au cours de sa carrière, en se réappropriant les compos. Qui sont ici tantôt signées par des artistes ou groupes plus connus (Burt Bacharach, Julie Driscoll, The Yardbirds, Barry Ryan et The Herd, premier groupe de Peter Frampton) et d’autres tombées dans les profondeurs de l’oubli. Des compositeurs qui auraient influencé le natif de Southport. Encore qu’issu de la plume de Johnny Mandel, « The shadow of your smile » avait notamment été repris par Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Marvin Gaye, Stevie Wonder, et la liste est loin d’être exhaustive.

Bref, on retrouve bien sa voix si particulière et surtout son trémolo frémissant et velouté sur des pistes de pop orchestrale, mélancolique, que certains qualifieront de baroque, cabaret ou dignes du vaudeville. Un peu dans l’esprit très british d’un Divine Comedy, mais en moins rock, en moins théâtral, et surtout en plus synthétique, même si lors des sessions d’enregistrement, Marc Almond a reçu la collaboration d’une véritable armada de musiciens. Bref, l’artiste est à nouveau égal à lui-même, mais sur la longueur, par manque de punch, cet LP finit par lasser…

Une œuvre au cours de laquelle l’artiste est parvenu à agencer les plages, afin de relater l’histoire d’un homme fortuné, mais dont l’existence s’avère totalement vide. Et il écoute, seul, ces chansons nostalgiques et douloureuses, mais chargées d’émotion et de vie…

Pour enregistrer « As light return », John Lawrie a de nouveau reçu le concours du band écossais St Deluxe. Mais si le précédent opus, « Hidden fields », se distinguait par son sens mélodique, « As light return » s’enfonce profondément dans le bruit blanc. Hormis le morceau qui ouvre l’elpee, les 4 autres plages atteignent et dépassent même les 7 minutes, le final « Handful of ashes » franchissant même le cap des 17 minutes. Expérimentale, ténébreuse, sonique, tentaculaire, blême, sinistre, l’expression sonore se nourrit de drone, de cordes torturées voire déchiquetées, de feedback et de machinerie électronique. Des vagues électriques ondulatoires qui évoluent, le plus souvent, en boucles. Finalement le 9^ème long playing de Telescopes s’apparente davantage au « Metal Machine Music » de Lou Reed. Tout un symbole ! Il y a parfois des voix. Mais elles ressemblent plutôt à des incantations plaintives, hantées, qu’à du chant. A ne pas mettre entre toutes les oreilles !