Little Hook est né en 2016. Un groupe belge qui s’inspire du blues primaire des collines du Nord Mississippi. Mais les musicos sont loin d’être des novices. Ex-Electric Kings, Big Dave Reniers est ainsi souvent considéré comme le meilleur harmoniciste de blues belge. Aux drums, Steve Wouters a également écumé les scènes du royaume ; et tout particulièrement au sein de Last Call. Le line up est complété par deux gratteurs. Tout d’abord Bart Mulders, à la slide. C’est le néophyte. Et puis le Liégeois Renaud Lesire. C’est le guitariste et le principal vocaliste. Et la tête pensante aussi. C’est d’ailleurs lui qui signe l’essentiel du répertoire.
Instrumental, "Hillburner" ouvre l’elpee. Un morceau impressionnant au cours duquel la basse occupe la place centrale. Steve imprime le tempo de cette piste qui épouse parfaitement l’esprit du Hill Country du Nord Mississippi. Country/blues amplifié, "Drowning in my own tears" est exécuté à l’ancienne. Décharnée, la voix est épaulée par l’harmonica de Big Dave. Ce dernier se dédouble, impose une rythmique obsessionnelle alors que les percussions basiques et la slide se fondent dans l’ensemble. Amorcé par des sonorités synthétiques, "Hooked" vire subtilement au boogie, réminiscent du célèbre « On the road again » de Canned Heat. La voix de Big Dave est autoritaire. Et puissante, la basse de Renaud constitue une assise solide. La slide libère des tonalités particulièrement métalliques. Quant à l’intervention à l’harmo, elle semble hantée à la fois par les regrettés Alan Wilson et Bob Hite. Impressionnant ! "Movin’ on" constitue la plage la plus longue. Elle macère d’abord au sein d’une atmosphère paisible. Puis se nourrit de grattes subtilement psychédéliques. Mais est également parcourue par une voix attachante et bien intégrée. Passé ce calme relatif, Little Hook élève progressivement le rythme. Grâce à l’harmonica, les percussions et, enfin, la guitare, qui prend alors le pouvoir. Excellent! Instrumental country/blues, "Woodpicker" nous réserve un dialogue entre l’harmonica et le bottleneck. "Tell me baby" nous entraîne au cœur du Hill Country. Les drums de Steve Wouters trament cette piste. La voix de Renaud est lancinante. Big Dave imprime un riff stonien sur son harmonica et ses interventions finissent par devenir envoûtantes. Des percussions primaires introduisent "Mourir debout", un titre lent et dépouillé, interprété dans la langue de Molière. La gratte est acoustique. Les arrangements de cordes et les impressions sonores allumées tapissent l’ensemble, en arrière-plan. Delta/country/blues plutôt classique, "Tomorrow night" subit une attaque conjointe de la slide et de l’harmonica. Les vocaux font bloc. Et le tout se transforme en transe hypnotique. Autre instrumental, "Back at the Shack" nous transporte dans le Sud profond. La slide et les sifflements de Big Dave entrent en dialogue. Et les chœurs semblent avoir respiré l’air des rives du grand fleuve. "Sea" nous charrie jusque la mer, un trip mélodique que Steve Wouters impose de ses percussions syncopées. La voix est empreinte de sérénité. Puis une flûte (NDR : ou un pipeau) s’immisce dans le décor, évoquant les origines du blues, et tout particulièrement les fameux fife’n’drums bands. A suivre de très près !
Plus ou moins absent des radars musicaux depuis 2009 –soit après la sortie de l’album « Dance to the Beast »– Sharko a donc publié son sixième LP. David Bartholomé est toujours soutenu par le guitariste Teuk, mais le line up implique un nouveau drummer ; en l’occurrence Olivier Cox, qui remplace donc Charly De Croix. Première constatation, « You Don’t Have to Worry » est moins foutraque que les précédents elpees. Impeccablement produit par Mark Platin (que l’on a vu aux côtés de Bashung et de Bowie, tout de même !), il privilégie même des titres pop aux refrains addictifs ; à l’instar de l’enthousiasmant « You Don’t Have to Worry » ou du sautillant « Shailene », une compo dédiée à l’actrice Shailene Woodley. David Bartholomé aborde de biais la crise de la quarantaine (« When I Was Your Age ») ou les amis qu’on perd (« Amigoes ») tout en conservant son ton décalé, quasi 80’s, et jamais trop prise de tête. Un retour un brin plus sage pour Sharko ; malgré des compos qui n’ont rient perdu de cette aisance mélodique mise au service d’un esprit pop indéniable… On avait raison de ne pas trop s’en faire pour Sharko…
Formation néerlandaise, Stackhouse est avant tout marquée par le Chicago blues. Son patronyme émane de Houston Stackhouse, un musicien né en 1910. Originaire du Mississippi, il est décédé en 1980. Il avait appris à jouer de la guitare à Robert Nighthawk ; et a compté parmi ses élèves, Jimmy Rogers et Sammy Lawhorn, de futurs piliers de Chicago.
Chez Stackhouse, deux générations au moins se côtoient. Au gouvernail, figurent le chanteur/harmoniciste Machiel Meijers et le guitariste Willem van Dullemen (ex-Hoochie Coochie Band, Tip on In, Groovetones). Et puis la section rythmique, qui réunit le drummer Bert Post et le contrebassiste Fred van Unen. Le line up compte aujourd’hui un second gratteur, Emiel van Pelt.
A l’actif du combo, un premier Ep, publié en 2010, et un album, "Big Fish Boogie", en 2013. Des artistes prestigieux en disent le plus grand bien, à l’instar de l’harmoniciste californien, Mark Hummel, et l’ex-Hollywood Fats Band, Al Blake.
Machiel a la voix taillée pour le blues ; et il le démontre tout au long de son "Juicy Lucy", un blues dépouillé au cours duquel il souffle à la manière de Sonny Boy Williamson II, voire de Big Walter Horton. Il interprète, de sa voix écorchée, "Doghouse", soutenu par Ruud van Ingen (NDR : ancien partenaire de Willem chez Hoochie Coochie Band/Groovetones), invité pour la circonstance, alors que van Pelt s’autorise une première sortie sur ses cordes ; et elle est ravagée. "Cruel lover" est une plage minimaliste, un superbe blues lent au cours duquel les interventions d’Unen, sur sa lourde contrebasse, de Ruud, au piano, de Machiel, à l’harmo, dans un style proche de Little Walter, et de Willem, à la gratte, sont mises tour en tour en exergue. "Anybody seen Freddy?" nous réserve un exercice de virtuosité instrumentale sur l’harmonica. Willem est au micro pour "Millionaire in my time", un rumba blues hanté par Otis Rush et interprété par le quintet batave dans le souci de conserver un certain esprit d’authenticité ; les cordes de van Dullemen libérant des sonorités très métalliques. Machiel chante remarquablement "My kinda woman", une des meilleures plages de l’opus au cours de laquelle il se réserve également un exercice de style très expressif sur son harmo. Il est même digne de Charlie Musselwhite. Et appuyé par la slide de Willem, le changement de rythme est du pur bonheur. La reprise du "I’m a stranger here" de Blind Boy Fuller est exquise. Stackhouse nous réserve encore quelques versions roots et poignantes de morceaux plus anciens. A l’instar du "Cool drink of Water blues" de Tommy Johnson, du tonique "Long tall Mama" de Big Bill Broonzy, au cours duquel Meijers se déchaîne sur son instrument et encore du flemmard "Joliet Blues" de Johnny Shines. Rapide, vivifiant, "Three signs" est un titre plutôt jump, caractérisé par la remarquable prestation de van Pelt à la guitare tandis que Machiel semble se réincarner en Little Walter. Impressionnant ! Dernier blues, "You’re playin’ on me" est imprimé sur un mid tempo. Instrumental, le titre maître clôt ce superbe opus.
Le premier essai de Stereo Grand remonte à 2010. Un Ep, intitulé « I’m coming home ». Il est suivi par l’album « The invisible Wall », un disque paru en 2012. Il aura donc fallu quatre longues années avant la sortie du second LP. Dès le départ, il était évident que le groupe jouissait d’un énorme potentiel. Déchiré entre Glasgow et Bruxelles, le combo s’est, en outre, souvent illustré par des concerts détonants.
Lors des sessions d’enregistrement de ce dernier opus, les musicos ont pris leur temps et ont reçu le concours de Jean Lamoot (Alain Bashung, Noir Désir, Girls in Hawaii, Absynthe Minded, Salif Keita...), à la production.
La richesse musicale de ce « Somewhere A Silver Bullet Lies » est indéniable. Et les orchestrations variées (harmonica, guitares, ensemble de cordes,...) en constituent une belle illustration. Les harmonies vocales sont limpides. Les mélodies, efficaces. Les compositions, le résultat d’un subtil travail d'écriture. Le long playing recèle quelques tubes potentiels. Et tout particulièrement "Final Act", qui rappelle un certain U2. Ouvrant la plaque, "Bottle in the dust" se nourrit de psyché rock et réalise en même temps sa synthèse. Entre rock moelleux ("As it Sounds"), mélancolique ("Never Accept its Gone"), sensuel ("Beautiful Mind") ou sauvage ("The Leech"), Stero Grand varie les plaisirs.
Tout n’est cependant pas parfait ; d’ailleurs le groupe se révèle le plus à l’aise sur les plages mid tempo. Un peu moins, lorsqu’il cherche à montrer les dents. Néanmoins, jamais l’écoute de cet elpee ne suscite l’ennui. A mon humble avis, le combo est prêt à jouer dans la cour des (Stereo) Grand(s)…
Talisco est une formation bretonne qui avait récolté un succès certain en gravant quelques hits pop/rock comme « The Keys » et l’imparable « Run ». Des compos caractérisées par des accords de gratte spasmodiques. Après ces débuts plus qu’encourageants, il était temps que le combo décide de passer à la vitesse supérieure. Soit en enregistrant un premier album. Dont les sessions se sont déroulées à Los Angeles, ville dont l’image cadre parfaitement à sa musique ensoleillée.
« Capitol Vision » trace le sillon définitivement ‘feelgood’ entamé par ce trio au fort capital mélodique. Les singles pop se bousculent. Que ce soit « Thousand Suns » ou « Shadow », caractérisés par ses refrains XXL. Toutefois certaines compos se révèlent bien plus élaborées ; à l’instar de « Before the Dawn », qui se distingue par son solo de batterie épique ou encore de « Sitting with the Braves », une plage dont la jolie mélodie est enrobée par une chorale céleste. D’ailleurs, la voix bien maîtrisée de Jérôme Amandi est régulièrement étoffée de chœurs, des chœurs qui insufflent une certaine euphorie communicative à l’ensemble. C’est beau –et finalement assez rare– qu’un groupe ou un artiste puisse confirmer toutes les attentes qui étaient placées en lui…
Derrière les pseudonymes Nasty Candy & Coco Lipstick se cachent Clémentine Collette (alias Clemix) et Marie Gaignier (alias Marie Paillette). C’est en 2015 que les deux Bruxelloises décident de monter ce projet. A première écoute, on a vraiment l’impression qu’elles prennent beaucoup de plaisir derrière leurs machines. « Rendez-vous » constitue leur premier Ep et a été mixé par Jean Vanesse du Greenhouse Studio (Dan San, Kid Noize, …)
Les cinq morceaux qui composent l’opus sont tous construits dans le même moule. Les deux dames dispensent une électro/pop construite sur une rythmique basique sur laquelle vient se poser des lignes de synthés et des sonorités futuristes. Et cette expression sonore véhicule des textes féministes. Mention spéciale, cependant, à « It Doesn’t Matter », une piste qui parvient à s’extraire de ce schéma, en ralentissant le tempo, pour libérer une large palette d’émotions. Si on imagine que sur les planches, l’énergie dispensée par Nasty Candy & Coco Lipstick est très susceptible de mettre le souk, il faut reconnaître que dans son salon, après avoir écouté trois morceaux, on a plutôt envie de zapper…
Il y a plus de trois ans que les carrières de Marie Davidson et de Pierre Guerineau sont suivies –attentivement– par Musiczine. Un pied à Montréal et l'autre à Berlin, les deux artistes produisent une musique électronique particulièrement novatrice à travers deux projets : celui personnel de Marie Davidson et le duo Essaie Pas. Leur univers musical évolue quelque part entre ‘ambient’ introspective et ‘minimal synth’, tout en affichant un côté ‘clubbing’ nu-disco/techno. Le tout sublimé par une prose 'voice-over' déclamée ou chantée. Le caractère onirique, quasi-cinématographique, est omniprésent, un peu comme si on écoutait la bande-son d'un film imaginaire.
Nous avons retrouvé Marie Davidson le jour du concert qu’elle a accordé en solo, au Beursschouwburg, à Bruxelles, dans le cadre d'une soirée 'Nose Job' orchestrée par Rick Shivers. Elle venait y présenter sa nouvelle production individuelle, « Adieux au Dancefloor », parue sur Cititrax, le second label de Veronica Vasicka, la 'boss' du célèbre label new-yorkais Minimal Wave.
Par quel hasard as-tu rencontré Veronica Vasicka ?
Marie Davidson (MD) : On s’est produit lors d'une même soirée à Montréal en septembre 2015. C'est ainsi que je l'ai rencontrée.
Le titre « Adieux au Dancefloor » est un peu contradictoire parce que le contenu est dans l'ensemble très dansant.
MD : Oui mais il figure à la fin du disque. C'est la petite touche d'humour noir pour clôturer.
Le morceau correspond aussi à une période où tu en avais un peu marre de la vie nocturne et du clubbing?
MD : Oui, oui, bien sûr.
Surtout à Berlin ?
MD : Oui, à Berlin mais ailleurs aussi. Attention : j'aime la danse et la musique dansante mais le monde de la 'nightlife' a quelque chose de fatiguant, de 'drainant'... Je m'y suis sentie frustrée. Ce qui m’a donné l’envie de prendre mes distances et d’ironiser en y ajoutant un peu d'humour. Il existe tellement de musiques 'dark' dans ce domaine ; et j'avais envie de faire quelque chose de...
...de fun ?
MD : Oui, exactement.
La chanson recèle un côté pop française, un peu dans l’esprit d’Elli & Jacno, voire même de Lio...
MD : Oui, je dirais plutôt Lio. Il existe une connexion avec la ‘chanson française’ qui est assez inhabituelle pour moi. C'est aussi le seul titre de l'album composé en compagnie de Pierre (NDR : Guerineau). J'ai écrit les paroles et la musique mais Pierre a mis sa touche, bien française, dans les arrangements.
On voit bien le lien avec « La Chute », le dernier titre de l'album d'Essaie Pas, et avec Christophe, un chanteur que Pierre apprécie tout particulièrement...
MD : Oui, exactement. Beaucoup d'idées ont été suggérées par Pierre. J’ai beaucoup apprécié de travailler auprès de lui, sur cette compo.
Sur ton elpee, certaines plages s’ouvrent vers de nouveaux horizons, notamment « Inferno ».
MD : Il ouvre les portes de l'enfer ? (rires)
Son profil techno-industriel évoque même Orphx...
MD : Je ne peux pas cacher qu'Orphx m’a énormément influencé. Je n'y ai pas pensé consciemment quand j'ai composé « Inferno », mais le lien est clair. Ce sont des amis et une grande source d'inspiration. Mes nouveaux morceaux empruntent un peu cette direction : ils sont plus énergiques, plus concentrés sur les rythmiques. L’élément mélodique est toujours bien présent ; mais l’aspect rythmique est plus accentué qu’auparavant.
D'ailleurs, tu as collaboré à l’enregistrement du dernier opus d’Orphx. Notamment sur un titre qui me botte particulièrement : « Walk Into The Broken Night ». En fait, la musique et la voix développent un univers assez différent de celui proposé habituellement. Il est assez 'dark', presque 'gothique' même...
MD : Ce sont eux qui l’ont composé, y compris les paroles. Ils écoutent beaucoup de musiques différentes et sont influencés par un large éventail de styles : shoegaze, industrial, new-wave, cold-wave, musique classique, etc. Ils sont très ouverts et possèdent une grande culture musicale. Pour réaliser ce dernier album, ils ont voulu incorporer certaines de ces influences dans leur musique, qui est en général plus techno.
Depuis que vous avez signé chez DFA pour Essaie Pas et Cititrax pour ton elpee solo, as-tu constaté un changement dans l'évolution de ta carrière ?
MD : Oui, je reçois plus de propositions, il y a plus d'opportunités ; mais dans l'ensemble, je continue à faire ce que je faisais avant, du mieux que je peux.
J'ai notamment lu un article consacré à Essaie Pas dans The Guardian...
MD : Oui, DFA a fait pas mal de 'com'. Du côté de Cititrax, Veronica Vasicka a réalisé l’artwork de l'album en personne en se basant sur des photos de Corinne Schiavone, une très bonne photographe de Los Angeles. Veronica s’est également chargée du mastering. Mais question 'com', il n'y a rien eu de particulier. Tout s’est fait naturellement.
Depuis que tu vis à Berlin, je suppose que tu as retrouvé des tas de musiciens et d'artistes qui viennent d'un peu partout. De Montréal ? De New York ?
MD : Oui, Berlin est une ville très cosmopolite.
Night Musik s’y est établi ?
MD : Oui, Shub Roy. C’est un ami. Un Montréalais.
Ancient Methods également, fer de lance de la scène techno-indus...
MD : J'aime beaucoup Ancient Methods mais je ne le connais pas personnellement.
C'est Michael Wollenhaupt; il est très chouette.
MD : J'aime aussi le projet qu’il a monté en compagnie d’Orphx : Eschaton.
Qu’écoutes-tu pour l'instant ?
MD : Le nouveau release de Schwefelgelb (NDR : l'Ep « Dahinter Das Gesicht »). Ce sont aussi des amis.
Oui, Sid Lamar et Eddy ! Ils proposent une musique particulièrement techno-EBM.
MD : C'est très contemporain; bien réalisé et particulièrement efficace.
Et si tu devais sélectionner un 'classique', par exemple, le premier titre sur lequel tu as flashé quand tu étais jeune et qui aurait défini ce que tu allais devenir musicalement?
MD : D'abord, j’ai été marquée par le « Smells Like Teen Spirit » de Nirvana. J'avais 7 ans. Mais il n'existe pas vraiment une chanson qui soit idéale pour définir mon style, vu que je ne parviens même pas à le définir... (rires). Il est le fruit d’une combinaison de tellement d’éléments.
Oui, tu aimes aussi le disco, les musiques de films et même les Doors, non ?
MD : Oui, j'adore les Doors. D'ailleurs, une composition me touche toujours énormément aujourd'hui, c'est « You Forget To Answer ». Elle figure sur l'album « The End » de Nico. Quand je l’ai entendue, elle a provoqué un déclic dans ma vie.
Dans quel sens ?
MD : Je ne pourrais pas l'expliquer. C'est métaphysique. Quand je l'écoute maintenant, elle me fait encore de l'effet. J'en ai des frissons. C'est un langage musical et esthétique qui me correspond. Et m’atteint droit au coeur. Cet album a été produit par John Cale. Il date de 1974. Brian Eno joue du synthétiseur sur certains titres.
Ce qui est bien chez Nico, c'est que sa musique est super 'dark'. Même ses œuvres précédentes. Elles sont très dépouillées, sombres. Notamment à cause de sa voix. Elle est peut-être la première chanteuse gothique de l'histoire !
MD : Oui, ça c'est vrai ! (rires)
Parmi tes influences, on pourrait également citer les musiques de film de John Carpenter, je crois, non ? « Assault on Precinct 13 », par exemple ?
MD : Oui ! Et encore plus « Halloween III ». John Carpenter ne l'a pas réalisé mais il a composé la musique et c'est juste énorme. C'est aussi une référence importante pour moi.
Et là, tu travailles sur des nouveaux morceaux ?
MD : Oui, toujours. Ne t'inquiète pas... (rires) C'est un principe qui ne changera jamais : je ferai toujours de la musique...
Merci, Marie !
MD : Merci à toi.
Pour écouter et commander l'album « Adieux au Dancefloor » de Marie Davidson, c’est ici
Pour écouter l'interview réalisée en août 2015 dans l'émission WAVES, en français, c’est là, et en anglais, c’est encore ici
Photo : Corinne Schiavone
Southern Culture on The Skids, mieux connu sous l’acronyme SCOTS, est une formation de roots rock américaine, établie en Caroline du Nord. Fondée en 1983, son line up implique toujours le même trio de base ; en l’occurrence le chanteur/guitariste Rick Miller, le chanteur/bassiste/claviériste Mary Huff et le drummer Dave Hartman. Plutôt personnel, son style est le fruit d’un savant dosage entre rockabilly, R&B, blues, country et surf rock, outre son attitude qui flirte carrément avec le punk. Vu le parcours, vous vous doutez que sa discographie est conséquente. Son premier elpee remonte d’ailleurs à 1985. Et il est éponyme. Fin des eighties, les SCOTS ouvraient parfois leurs concerts sous le patronyme de The Pinecones, en dispensant une musique baptisée folkabilly garage, très susceptible d’intégrer de larges références à la westcoast de la fin des 60’s.
Découpé dans de solides riffs, "Freak flag" ouvre le bal. Un morceau de garage/rock aux sonorités bien réverbérées. Et tout particulièrement celles de la guitare. Fuzz, déjantées, virevoltantes. Epaulé par le timbre félin de Mary, Rick se réserve le micro. Et Mary, tout au long de "Dirt road", un morceau réminiscent de la fin des sixties, au cours duquel les cordes de Miller se multiplient à l’infini. Omniprésentes, doublées, triplées même, toujours allumées et saturées, elles suintent de psychédélisme. "Baby I like you" macère dans du SCOTS pur jus. Mary et Rick chantent en duo au sein d’une atmosphère country/pop. "I ain’t gonna hang around" concède des accents sudistes, proches du Tex Mex. Les tonalités d’orgue dispensées par Mary sont surannées. Latinos, celles de la gratte adoptent des accords rythmiques. Plutôt folk/pop, "Grey skies" nous replonge dans l’univers West Coast de la fin des sixties. L’introduction est superbe. Le spectre du Jefferson Airplane… plane. Surtout à cause des interventions de cordes, exécutées à la manière du mythique Jorma Kaukonen. Quoique plus torturé, "Waiting on you" emprunte un style semblable. Conjuguées, les deux voix évoquent l’association entre celles de Grace Slick et Paul Kantner. Et cette plage classieuse, sculptée dans le folk psychédélique, finit par véhiculer des accents magiques aux saveurs orientales. Mary se consacre au micro et au piano électrique sur "Midnight caller", une plage R&B dansante, subtilement funk (à cause des drums) et épicées de cordes astucieuses. Le combo propose une nouvelle version de "Swamp Fox – the original", un titre qui lui a valu un hit, à ses débuts. Et cette piste de swamp rock’n’roll est bien balisée par les interventions puissantes de Dan, sur ses fûts. Piano électrique et guitare réverbérée dominent "Downward mobility", un blues rythmé et hypnotique proche d’un Howlin’ Wolf. Invité, Ray Gittens s’applique au frottoir sur "Rice and beans", une plage de country/folk ludique et entraînante que les percus impriment sur le tempo… du trot… "Given to me" est une ballade agréablement désuète, chantée en duo. Affichant une forme de beauté naturelle, "Slowly losing my mind" clôt la plaque. Bien réverbérée, la guitare libère des sonorités métalliques réminiscentes de Duane Eddy et ses Ventures, alors qu’en duo, les voix rappellent les Mamas & Papas de leur grande époque !
Breezy Temple réunit Miss Moon (voix) et Sharl-Hot Ganache (guitare, basse, percussions, synthés). Originaire de Reims, le duo militait auparavant au sein d’une formation de post-rock. Paru sur le label français Partycul System (NDR : qui héberge également Feu Robertson) "Millions of Suns Left" constitue son second opus. Il fait suite à "Cattleya Songs", paru en 2004.
Basiquement folk, la musique de Breezy Temple concède des accents blues et prog rock. Les lyrics ne sont pas issus de leur plume ; mais de ‘Leaves of Grass’, un recueil signé par le poète américain Walt Whitman. Donc ils sont interprétés dans la langue de Shakespeare. La plaque s’ouvre par « Breezy Day », une plage folk minimaliste, brumeuse, au cours de laquelle la voix de Miss Moon est simplement soutenue par une sèche. Piste sombre, « Wrenched and Sweated » se charge enfin d’électricité. Privée de véritable accroche, la suite éprouve toutes les peines à décoller. Finalement, il faut attendre que la voix de la chanteuse soit au bord du déraillement pour que l’expression sonore commence à susciter notre curiosité. Et le long playing s’achève par un morceau de 18 min (!!!), rappelant qu’avant de fonder son nouveau projet, Sharl-Hot Ganache ne jurait que par le post-rock. Sans décrocher le moindre succès, malheureusement…
Ce quartet australien avait publié un album passionnant, en 2015. Intitulé "Demon Blues", il était habillé d’une pochette psychédélique dominée par la couleur rouge. Le line up est inchangé, puisqu’il implique toujours les chanteurs/guitaristes Dom Mariani et Greg Hitchcock, le batteur Warren Hall et le bassiste Stu Loasby. Pour ce nouvel opus, la pochette, tout aussi baroque, est dominée par la couleur bleue. Cependant, la fleur de Datura est encore bien présente. Découpé en dix morceaux, l’elpee s’ouvre et se referme par les plus psychédéliques. Entre elles, le style adopte un profil davantage rock bluesy. Une constante, les grattes sont omniprésentes.
"Fools gold rush" entame l’opus. Une plage flamboyante au cours de laquelle les guitares crèvent l’écran. L’une d’entre elles libère des sonorités ‘fuzzy’. L’autre sort de sa réserve, sous l’impulsion des pédales. Dom et Greg chantent en duo. Finalement cette composition ne manque pas de charme et se révèle particulièrement agréable à l’oreille. Suivant la même formule, "Trolls" subit une attaque frontale, d’une intensité insoupçonnée. Les vocaux se conjuguent à l’unisson. C’est une des particularités de l’expression sonore du band. Parfaitement soudée, la section rythmique porte les deux solistes qui attendent patiemment leur tour pour décoller. En fait, Datura4 propose un power pop rock audacieux qu’il trempe constamment dans le psychédélisme. Relativement déjantées, les guitares sont toujours prêtes à déraper. Dérapages qui ne se produisent jamais, afin de conserver ce sens mélodique. Et "Something to hide" en est une autre illustration.
"Uphill climb" adopte un profil blues/rock au cœur léger. Un peu comme les stoner bands, il y a presque un demi-siècle. Le premier soliste écrase à nouveau les pédales, avant d’être relayé par son partenaire, dont les interventions sont davantage allumées. Plusieurs compos se distinguent par des intros originales. D’abord "Mary Carroll Park". Une impulsion fiévreuse amorce ce titre franchement plus rock’n’roll, au cours duquel la slide se révèle bien gouailleuse. Puis "Greedy World". Il s’ébroue sur un riff digne de Ritchie Blackmore. Sculptée dans le pop/blues/rock, cette piste est à nouveau enrichie par les interventions de slide. "Too much (or not enough)" enfin. Démarrant sur des riffs ‘rollingstoniens’, cette compo est sculptée dans un blues/rock, mais à la sauce Datura4 ; les deux gratteurs se relayant inlassablement.
Caractérisé par ses riffs puissants, "Hairy Mountain" rappelle manifestement le Free du tout début des seventies. L’ambiance est volontairement dramatique. Baignant au sein d’un trip acide, ce titre se distingue par le crescendo du tempo ; alors qu’un des solistes appuie de plus en plus fébrilement sur ses pédales. Une rythmique boogie balise "Confide in me", un blues/rock réminiscent du Status Quo au sommet de son art. "Broken path" clôt ce long playing. Dominée par les cordes acoustiques, cette ballade concède des accents country/folk. Un excellent LP dans son style !
A l’âge de 36 ans, JW Jones peut se targuer d’avoir déjà connu une belle carrière. Ce chanteur/guitariste canadien a d’ailleurs déjà gravé une belle flopée d’albums. Son premier elpee, "Defibrillatin" remonte à 2000. Et "High Temperature" constitue déjà son neuvième ! JW est très apprécié par ses pairs ; ce qui lui a valu la participation de stars du blues sur ses œuvres précédentes, comme Hubert Sumlin, Kim Wilson, Larry Taylor, Jr Watson, Little Charlie Baty, Gene Taylor et Charlie Musselwhite. Pour enregistrer ce dernier opus, il s’est de nouveau bien entouré, en bénéficiant tout particulièrement du concours de musicos issus de Nashville, dont Colin Linden, à la guitare et surtout à la mise en forme, et Kevin McKendree, aux claviers.
"Price you pay" ouvre les hostilités. Il s’agit manifestement du meilleur titre du long playing. Ou tout au moins celui qui recèle le plus de potentiel. Un excellent blues/rock cosigné par Colin Linden et Gary Nicholson. La voix est parfaite. Le riff est puissant et sa tonalité savoureuse. Le rythme, bien balancé. Une plage qui me rappelle le ZZ Top de la grande époque. "How many hearts" évolue sur un tempo flemmard. JW est soutenu par la voix de Jaida Dreyer. Les interventions sur les cordes sont brillantes. La reprise du célèbre "High temperature" de Little Walter est un autre sommet de cet LP. La basse de Laura Greenberg et la batterie de Mathieu Lapensée impriment un rythme bien musclé. Kevin siège derrière le piano sur ce Chicago blues classieux qui se distingue par une sortie tranchante à la guitare, proche du style jump. Epatant ! JW chante en compagnie de Liam Russell et se réserve un autre solo prodigieux sur le "Murder in my heart for the judge" de Moby Grape (NDR : fondée en 1966, cette formation san-franciscaine est toujours en activité, et le line up implique encore trois membre fondateurs : en l’occurrence Peter Lewis, au backing vocals et à la guitare rythmique, Jerry Miller, au lead vocals et à la guitare solo, ainsi que Bob Mosley, à la basse et aux backing vocals). "Who I am" est un blues indolent mais particulièrement original coloré par l’orgue de McKendree. Jones l’attaque à la manière de BB King, et son exercice de style, tout en parcimonie, au cours duquel il fait littéralement respirer sa Gibson Les Paul, est un véritable modèle du genre. Chaleureux, "Away too long" est un shuffle caractérisé par une sortie de cordes à la fois dynamique et inspirée. D’ailleurs l’artiste n’est pas du style à se répéter. Le long playing recèle quelques chansons qui trempent dans la soul. A l’instar de "Same mistakes", généreusement tapissé par l’orgue Hammond, d’"Already now", de "Leave me out", une compo à la fois belle, indolente, parcourue par une slide particulièrement mélodieuse, et "Where do you think I was", un morceau mélodique sculpté dans le soul/rock, caractérisé par son refrain accrocheur. On n’en oubliera pas pour autant les covers, dont une version rapide du "Midnight blues" de Charlie Rich, une reprise du « Out in the woods » de Leon Russell, que J-W chante d’une voix au bord de l’asphyxie, au sein d’un climat plutôt étrange et au cours de laquelle la guitare est chargée de feeling ; et enfin un instrumental : le "Wham", de Lonnie Mack. Une adaptation d’un titre considéré comme un canon de la guitare…
Jack Lee a d’abord milité au sein de The Nerves, un trio de power pop qui a sévi à Los Angeles, au sein duquel figurait Peter Case (futur Plimsouls) et Paul Collins (The Beat). Puis il embrasse une carrière individuelle. De 1981 et 1985. Au cours de laquelle il publie deux albums, "Greatest hits Vol 1", en 1981 (NDR : sur l’illustration de la pochette il affiche une dégaine très fifties, un peu à la James Dean), et "Jack Lee", en 1985, sur le label français Lolita. A l’époque, ce chanteur/guitariste/compositeur était considéré comme un génie de la pop. Cette collection inclut l’intégralité de deux elpees susvisés. Elle est d’ailleurs sous-titrée "Anthology"! La musique composée par Lee est très stimulante. Il s’agit de power pop, caractérisée par d’excellentes voix et des guitares constamment mises en exergue.
Les premières plages recèlent manifestement un potentiel pop. A l’instar de "Good times", du très new wave "Give me some time" et de "Come back and stay, piste au cours de laquelle, les interventions de guitare, assurées par Buzz Clic (ex-Rubber City Rebels), sont particulièrement affûtées. La compile recèle les deux faces de son 1er single ; en l’occurrence "Hanging on the Telephone" (NDR : déjà un hit pour les Nerves) et l’excellent "Women". Flanqué de ses partenaires, l’artiste devient franchement très intéressant quand il s’inspire des Stooges d’Iggy Pop. Mais sevré des aspects métalliques et punks. "I’m gonna have fun" lorgne ainsi vers le notoire "No fun", du groupe de Detroit. Ce qui n’empêche pas les grattes de se révéler assez déjantées. Elles sont même carrément allumées sur le superbe "Crime doesn’t pay", une piste tapissée par des interventions d’orgue.
Le second opus est paru quatre années plus tard. La musique a évolué. Notamment à cause de la présence des claviers et des synthés, que se réservent Rick Delano et Mike Egern. Jack a aussi totalement changé de look. Il ne ressemble plus à un mauvais garçon. Le second volet de la carrière de Lee est moins intéressant. Il y a bien "Sex", titre prometteur, bien ancré dans la dynamique punk, que chante d’une voix agressive, Buzz Clic, également responsable d’une intervention incendiaire sur les cordes. Mais en général, les claviers dominent constamment le sujet et le style adopté est plus proche de la new wave. "Somebody else to love" aurait ainsi pu figurer au répertoire de Gary Numan. Les synthés baignent le très pop "Bird in a cage". "Play with me" adopte une attitude davantage R&B. Et c’est "Small word", la face B d’un single, qui achève le disque.
Jack Lee a depuis disparu de la vie publique. Aux dernières nouvelles, il semblait proche d’un retour. Il avait l’intention de graver un nouvel LP en compagnie de son nouveau groupe, le Jack Lee Inferno. Mais c’était déjà en 2007 !
James Leg est le fils d’un prêcheur texan. Son éducation musicale a baigné dans le gospel. Il est ainsi devenu un excellent claviériste et un crieur (shouter). En vérité, il s’appelle James Wesley Myers. Avant d’embrasser une carrière solo, il a milité chez Black Diamond Heavies, The Immortal Lee County Killers et Cut in the Hill Gang. Complexe, sa musique campe un cocktail de blues, gospel, punk et rock’n’roll. Il a publié son premier elpee, "Solitary pleasure", en 2011. Il collabore ensuite aux sessions d’enregistrement de l’album "Pain Killers" de Left Lane Cruiser, en 2012. Puis grave son remarquable "Below the Belt", en 2015. Pour concocter ce nouvel opus, il a reçu le concours du batteur Mathieu Gazeau et de quelques invités.
Morceau d’ouverture, "Human lawn dart" décoiffe littéralement. Magistral, le riff est reproduit par l’orgue. Le batteur se démène comme un fou sur ses fûts. Déglinguée, aride, la voix semble émaner d’outre-tombe. Impressionnant ! Le rythme s’emporte sur "Huggin the line". L’orgue mène la danse, poursuivi par les folles percussions. James chante comme si son sort en dépendait, un peu comme le regretté Lemmy, chez Motörhead. Il est épaulé par les voix de Foxxxfire. Une rythmique hypnotique est imprimée tout au long de "Mighty man", un blues qu’aurait aimé allumer le bon vieux Howlin’ Wolf. Même la voix emprunte les cris du vieux loup de Chicago. Mais pour la circonstance, c’est Ruben Glaser (Pearlene) qui se réserve les dérapages permanent et ravageurs de la guitare. "StMichel shuffle" adopte un même tempo. La voix semble hantée par Tom Waits. Plus surprenant, le violon de Sylvia Mitchell s’incruste dans l’ensemble et contribue au changement de rythme. Superbe ! Les cordes vocales de Mr Leg déchirent "I’ll take it", une ballade au cours de laquelle il double orgue et piano, alors que Ruben Glaser nous réserve un très beau solo sur ses cordes. Matt Ayer épice de ses percus exotiques le drumming féroce que Mathieu impose à "Ain’t you hungry". Un peu comme chez Santana. Cependant, ce sont les claviers pétrifiants de James qui s’imposent au cœur de ce climat propice à la transe. "Dogjaw" est un boogie improbable. La voix est davantage éructée que chantée. Mais le résultat est particulièrement entraînant. Et la guitare de Dr. Johnny Walker (ex Soledad Brothers/Cut in the Hill Gang) ainsi que l’orgue qui s’emporte, entrent en duel. Le chant est furieux et spasmodique sur "Tao Te Leg", une plage toujours bien rythmée au cours de laquelle James –qui ne lâche décidément rien– se fend d’interventions imparables sur ses claviers. Bluesy, indolent, "Blood on the keys" est une superbe compo chantée à la manière d’Arthur Brown, à l’époque de son ‘Monde Fou’ ; à moins que ce ne soit de Nick Cave, d’un point de vue plus contemporain. En fait, il reflète un véritable mal de vivre. "Should’ve been home with you" parachève le long playing. La piste s’ouvre dans un climat prog. Les claviers de Leg et le violon de Miss Mitchell opèrent des échanges, préludant les derniers délires de Mathieu Gazeau. Un album vraiment surprenant !
Issu de Kansas City, Levee Town est né en 2002. Aux commandes, trois chanteurs/compositeurs : le guitariste Brandon Hudspeth, le bassiste Jacque Garoutte et l’harmoniciste Jimmie Meade. Le trio vient d’accueillir un nouveau drummer, Adam Hagerman. Le premier opus du combo remonte à 2004. ‘Live’, il s’intitule "Snapshot". La suite a été enregistrée en studio ; soit "Unstable table", deux ans plus tard, "Levee Town", en 2009 et "Pages of Paperwork", en 2011. Et à chaque fois chez eux, à Kansas City, dans le Missouri.
Le titre maître ouvre la plaque. Bien texan, il est imprimé sur un mid tempo. Et Brandon étale déjà tout son savoir-faire sur les cordes. Il chante d’une voix fragile, le r&b "High flyin’ Mama", un morceau tapissé par l’orgue Hammond de Chris Hazelton. C’est la ligne de basse tracée par Jacque qui balise le tempo. Et la six cordes, tire parfaitement son épingle du jeu, dans l’esprit d’Albert Collins. Mr Garoutte amorce le Downhome blues "Kansas City women", en soufflant dans son harmo. Il impose également sa voix. Et les cordes s’autorisent un billet de sortie, dans un climat propice à la torpeur. Rockabilly parfaitement ficelé, "Mr.Jameson" se distingue par ses interventions de gratte virevoltantes. Elles comblent même tous les espaces, alors qu’Annie Walser donne la réplique aux ivoires. Sur le blues bien rythmé "Walkin’ down the road", Jaisson Taylor (NDR : c’est un ex-Little Hatch and The Houserockers) se consacre au micro ; et sa voix est bien assurée, alors que Hudspeth brille à nouveau sur ses cordes. Haggerman imprime le tempo de ses drums, sur le boogie savoureux, "You’re so hip", un titre qui s’inspire du célèbre "Shake your hips" de Slim Harpo. Empreinte de sérénité et de douceur, "I’m a damn good time" est une plage roots que chante Jacque en s’accompagnant à la slide ; et ses interventions sont à la fois de toute beauté et chargées de feeling, alors qu’aux ivoires, Annie Walser entretient un climat intimiste. Elle se consacre toujours au piano tandis que Jimmie Meade souffle dans son harmo sur le Chicago shuffle, "Charlie Brown", une piste tracée par la slide de Brandon qui passe en revue le célèbre riff d’Elmore James. Impeccable, la voix de Hudspeth se distingue par sa réserve naturelle. "I’m gone" change radicalement de style. Ce country/blues caractérisé par un recours constant au bottleneck bénéficie d’arrangements vocaux soignés. Excellent blues lent, "Sunday afternoon" est piloté par la voix puissante de Jaisson Taylor, invité pour la circonstance. Et Hudspeth en profite pour s’autoriser une sortie bien sentie. Jacque fait vibrer sa basse et la guitare est omniprésente tout au long de "Letter to my baby", une plage enlevée, très swing, proche du genre West Coast."Do-Si-Do" nous entraîne au cœur de la Louisiane. L’orgue, l’harmo –dont c’est la meilleure sortie– et la guitare entretiennent une atmosphère particulièrement étrange. Sans aucun, doute, l’un des meilleurs moments de la plaque. Jacque Garoutte se consacre au micro pour "Every day & every night", un autre downhome classieux. D’excellente facture, cet elpee s’achève par "El Grape", un instrumental coloré de jazz et de swing, exécuté par le trio de base.
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