Après avoir publié son dernier elpee, « Post Pop Depression », disque pour lequel il avait reçu le concours du batteur des Arctic Monkeys, ainsi que de Josh Homme et Dean Fertita, respectivement guitariste et multi-instrumentiste chez Queens of The Stone Age, Iggy Pop est reparti en tournée. Il a entraîné ce backing group dans l’aventure, auquel s’est joint un autre QOTSA, Troy Van Leeuwen, et le bassiste Matt Sweeney. Le périple est passé par le Royal Albert Hall de Londres, en mai 2016. Et ce set a été immortalisé sur un Dvd et un double cd.
Hormis, le drummer et l’Iguane, tous les musicos sont vêtus de pantalons noirs et de vestes scintillantes, comme à l’époque des Shadows. Westerberg porte également un veston, qu’il va jeter au bout de trois morceaux, laissant apparaître son torse nu toujours aussi bien musclé.
La set list recèle des morceaux issus de son dernier elpee, mais également des grands classiques extraits de ses deux opus enregistrés sous la houlette de Bowie (« Lust for life » et « The idot »), auquel il rend un hommage bien électrique sur la cover de « China girl », dont la finale atteint une intensité presque crazyhorsienne. Faut dire que lorsque les trois guitares entrent en fusion, on en prend plein la tronche. Mais aussi son pied. Au sein du tracklisting, il y a bien une exception qui confirme la règle, « Repo Man », extrait de la BO d’un film du même nom. Bref, au bout de 2 heures de concert sans le moindre relâchement, au cours duquel l’animal va haranguer la foule, s’y mêler en n’hésitant pas à étreindre ses fans, sans oublier de crowdsurfer, l’auditoire est ravi. Et nous aussi.
A quelques détails près, le double cd reproduit ce concert, sans l’image, of course…
A l’origine, cet opus devait constituer le second en solo de Chrissie Hynde ; mais sans doute pour des raisons commerciales, il est signé The Pretenders. Pourtant, Martin Chambers n’y a même pas participé ; et les deux autres musicos originels sont décédés depuis belle lurette (James Honeyman-Scott en 1982 et Peter Farndon, l’année suivante) ; enfin, Heywood, Walbourne et Wilkinson, qui n’ont débarqué qu’après 2005, ne sont pas davantage de la partie. Ce qui n’a pas empêché la native de Hereford de bien s’entourer. Bénéficiant tout particulièrement de la collaboration de Dan Auerbach. A la mise en forme, à la guitare et tutti quanti. Et puis d’une flopée de musiciens de studio, dont Duane Eddy, qui apporte une coloration surf au titre funkysant « Never be together ». Un des quatre morceaux qui figurent au début de l’elpee. Et ils tiennent particulièrement bien la route. Tout comme le titre maître qui ouvre la plaque. Une piste ‘rollingstonienne’, caractérisée par une intro au piano roadhouse. Le bluesy « Roadie Manu », ensuite. Le pub rock « Gotta wait », enfin. Imprimé sur un tempo tribal, il semble hanté par Dr Feelgood. Malheureusement, le reste manque singulièrement de punch. Et la superbe voix de Chrissie a beau se lover dans la mélancolie ou la sensualité, le ressort semble cassé. Il y a bien une rumba (« One more day »), mais insipide, une autre plage qui ose quelques riffs de gratte discordants, mais sans tracer une quelconque ligne directrice (« Chord lord »), et puis de la slide sur le slow « Death is not enough ». Avant un dérapage dans l’électro établi sur « Holy connection », un bonus track destiné à la promo. Allez comprendre pourquoi ? Et pour couronner le tout, Hynde clame qu’elle se hait (« I hate myself »). Suivant la bio, les sessions n’ont duré que 48 heures. Ce qui explique sans doute la panne d’inspiration. Une déception !
En 1995, les Stones ont eu la bonne idée d’accorder quelques concerts plus intimistes (?!?!?), en marge de la tournée ‘Voodoo lounge’. Enfin, plus exactement dans des salles de capacité raisonnable (l’Olympia de Paris, le Paradiso d’Amsterdam et la Brixton Academy de Londres) ; soit loin de la démesure des spectacles organisés dans les stades. Ce dvd nous propose le documentaire ‘Totally stripped’, diffusé à l’époque sur quelques chaînes TV ainsi que des extraits (en entier) de ces concerts mi-acoustiques, mi-électriques. Si les puristes se réjouiront de la présence des versions d’« I Can’t Get Next To You » d’Al Green ainsi que de « Tumbling Dice », limité au piano et la voix, votre serviteur s’est littéralement régalé à l’écoute et à la vision des compos bien électrifiées et judicieusement choisies lors de ces sets. On y découvre également des images inédites de répètes, des interviews et des soundchecks. L’adaptation du « Like a rolling stone » de Dylan et l’incontournable « Gimme shelter » (NDR : le morceau figure dans sa version intégrale sur le cd) sont de petits bijoux. Et le reste vaut vraiment son lot de pierres qui roulent…
Un an après avoir publié le très électrique « Star Wars », Wilco nous propose son 10ème elpee ; un disque qui en revient à un format plus acoustique. Enfin, essentiellement acoustique. Il ne faut pas oublier qu’à l’origine, Jeff Tweedy militait au sein d’Uncle Tupelo, notoire pour son americana. Et après avoir privilégié ce style, Wilco a décidé d’électrifier davantage sa musique. Atteignant même le sommet de son art sur le remarquable « Yankee Hotel Foxtrot », en 2002. Et en recrutant le virtuose de la six cordes, Nels Cline, en 2004, l’expression sonore de Wilco ne pouvait que devenir plus électrique. Quoique…
Si « Schmilco » en revient à l’americana, Wilco n’en a pas pour autant négligé l’expérimentation. Même lors des échanges de cordes acoustiques. Nels et Jeff rivalisent même régulièrement de créativité. Attention, les grattes électriques s’immiscent parfois insidieusement dans le jeu de quilles. Mais surtout judicieusement. Ainsi, alors que « Common sense » baigne au sein d’un climat psyché, acide même, digne de Kevin Ayers, malgré la présence d’un xylophone, le plus menaçant et ténébreux « Locator » lorgne tour à tour vers les Feelies voire The Minutemen. Et lorsqu’un zeste de clavier vient tapisser l’ensemble, on ne peut s’empêcher de penser au Band de Dylan. Il serait cependant injuste de ne pas mentionner le rôle de la section rythmique (basse, batterie) aussi efficace que raffinée. Dans ce contexte, vous vous doutez que le sens mélodique doit être soigné. Et il l’est tout particulièrement. Certaines chansons semblent même hantées par le double blanc des Beatles. La voix de Jeff rappelle ainsi régulièrement John Lennon ; et notamment sur « Nope » et l’épatant « Someone to lose », une compo caractérisée par sa ligne de basse caoutchouteuse et ses cordes chatoyantes. Le long playing recèle une majorité de ballades, mais hormis l’hommage à sa mère décédée (« Happiness ») les compos de Tweedy –dont les textes se penchent en général sur son passé et sa patrie– semblent portées par une forme conjointe d’allégresse, de douceur et de romantisme. Ce qui leur confère finalement un feeling rassurant. Même la pique lancée au ‘Band Aid’ à travers l’offensif « We are’nt the world (safety girl) », baigne dans un même climat. Et pour que votre info soit complète, sachez que la pochette a été réalisée par l’artiste espagnol, Joan Cornellà. Un must ! D’autant plus qu’au fil des écoutes de cet album, on va de surprise en surprise...
« Veneralia » constitue le cinquième elpee de Tannhauser Orchestra, un trio louvaniste drivé par Erick De Deyn. Apparemment, cet album serait le troisième volet d’une trilogie baptisée ‘Venus’.
Si la musique de ce band oscille entre post metal, new wave, shoegazing et noisy, on ne peut pas dire que ce soit dans ce dernier créneau qu’elle tire son épingle du jeu. N’est pas My Bloody Valentine ou Sonic Youth, qui veut. Dommage, car lorsqu’il creuse dans les autres styles, il se débrouille plutôt bien. Notamment sur les morceaux les plus élaborés, atmosphériques et surtout les moins enlevés. A l’instar du titre qui clôt l’opus, « Red hair ». Plage qui réveille en mon for intérieur, le spectre de Sad Lovers & Giants. Ou une plage comme « Inferno » qui lorgne carrément vers le Floyd circa « Ummagumma ». Même les vocaux. Parmi les références, on épinglera encore celles relatives à Cure (le tout bon « Rainbow road »), Ride (The listening dark ») et même Indochine (« Tannhauser returns », caractérisé par des interventions de synthés vintage). Enfin, on ne peut pas dire que le travail de production soit une parfaite réussite. Ce qui explique sans doute pourquoi les pistes les plus bruitistes et même parfois les voix, grincent au lieu de glisser au creux de l'oreille…
A Violet Pine est un trio italien fondé en 2010. Et « Turtles » constitue son second elpee. En 2012, le combo avait participé à « One of my turns : a tribute to Pink Floyd », un recueil enregistré en hommage au mythique quatuor britannique. Il avait alors repris « Embryo » (un titre qui ne figure que sur la compile « Works »). Bien sûr, l’influence du Floyd est palpable dans la musique de A Violet Pine. Certaines envolées de gratte et autres harmonies vocales satinées, notamment. Mais pas seulement. Celle de Wire, l’est sans doute moins. Mais elle est tout autant présente. Notamment lorsque les cordes de gratte sont cinglantes. Ou lorsque la ligne de basse est torturée. Et encore à travers les inflexions du lead vocalist, réminiscentes de Colin Newman. Mais lorsque ces cordes deviennent gémissantes et les claviers éthérés, on entre alors au cœur d’un climat atmosphérique, proche d’un Sad Lovers & Giants. Prog, cold wave, shoegaze, électro, post rock et punk font donc ici bon ménage et entretiennent, en général, une belle intensité électrique. Même si le long playing s’achève par « Why », un titre particulièrement romantique, balisé par les accords du piano. Un chouette album !
Benjamin Biolay a véritablement capté l’attention du grand public dès l’an 2000, en composant, à l’aide de Keren Ann, l'album d'Henri Salvador, « Chambre avec vue », au sein duquel figure la chanson « Jardin d'hiver ».
Celui que beaucoup comparent à Serge Gainsbourg, à cause de ses frasques et de sa grande gueule, s’est vu coller, par la critique, le qualificatif de mauvais garçon de la scène française.
Globalement, la carrière musicale de l’artiste est pourtant faite de jolis exercices de style. Ses compositions originales sont souvent intéressantes, mais parfois inégales, à l’instar de celles qui figurent sur son elpee « La Superbe », sorti il y a maintenant sept longues années.
Il a toujours mis en exergue une forme de mélancolie aux accords lyriques à travers laquelle ses thèmes de prédilections (déceptions amoureuses et vicissitudes de la vie) peinaient à s’exprimer.
A la suite d’un énième spleen, l’écorché vif met le cap sur l’Argentine, dans un quartier de Buenos-Aires pour y concocter un concept album intitulé "Palermo Hollywood".
Entamé à Paris, enregistré au nord et au sud, ce dixième opus rend un bel hommage, mais également sincère et poignant, à ce pays d’Amérique du Sud qu’il connaît et affectionne particulièrement, puisqu’il y est allé à plusieurs reprises, y a tourné un long métrage (‘Mariage à Mendoza’) et rêve même d’y finir ses jours.
Pour enregistrer ce nouveau format, il a reçu le concours de musiciens argentins, uruguayens et même colombiens. Sofia Wilhelmi et Alika viennent également poser leurs voix sur trois morceaux. Enjoué, ensoleillé et rayonnant, cet opus baigne donc au sein d’un climat latino ; on peut donc affirmer que la musique de l’artiste a opéré un virage à 180°.
Dès le titre éponyme, l’immersion est totale ! Les mots chuchotés sont posés sur un lit de cordes lancinantes et s’accompagnent d’un rythme lent.
Les plages suivantes sont amples et sensuelles. Ça sent le sable chaud ! Affichant une nonchalance déconcertante, on a l’impression que le gaillard s’amuse comme jamais. Les mélodies sont soignées et les arrangements mêlent subtilement et intelligemment tempos argentins et cuivres sud-américains.
De sa voix de crooner grave, il y parle de ce qu’il aime, comme le football (« Borges Futbol Club »), les passions amoureuses (« Palermo Queen », « Miss Miss »), les échecs sentimentaux (« La débandade ») ou encore du pays qui lui a ouvert les bras du succès (« Ballade française »).
Bref, teinté d’exotisme, ce savoureux voyage constitue une ode à l’évasion qui reflète, en quelque sorte, la bande originale de sa vie. Peut-être s’était-il dispersé au fil du temps… Comme quoi, on peut s’inventer en se réinventant !
Cali travaille toujours plus et plus vite. Un an après avoir publié « L’âge d’or », il propose des « Choses défendues », septième album studio en treize ans seulement. Originaire de Perpignan, le chanteur ne chôme pas et offre une fois encore un disque plein de vie. Parce que c’est une constante chez Cali. Il le chantait sur son précédent opus ; de quoi symboliser son œuvre : c’est « La vie quoi! ». Comme d’habitude, il incite à emprunter les beaux chemins de la douceur tout autant que les sentiers vibrant de folies, de déraison. Et ce subtil mélange est tendre et bon.
Mais on reste malgré tout un peu sur sa faim. La raison principale ? Des paroles un peu moins juteuses dans cette poésie servie par le bel accent du Sud. Si la jolie naïveté du chanteur fait souvent sa force, elle est peut-être un rien trop présente tout au long de ces quatorze plages. « Sweetie » corrobore parfaitement ce point de vue. Sans être désagréables, on sent ces morceaux fragiles.
« Les choses défendues » manquent de surprises derrière ses singles qui mènent la cadence. « I want you » établit qu’il s’agit bien du Cali, de son style. « Je ne peux pas pleureur plus que ça » est LE titre de cet elpee. Mais derrière il manque une découverte susceptible de nous faire battre le coeur à la première écoute. Alors que lors du précédent LP, c’était le cas sur pratiquement chaque piste. Mais c’est sans doute ce qui fait le plus souffrir ces « Choses défendues » : la comparaison avec le sublime et merveilleux « L’âge d’or ». Cependant, l’émotion est toujours aussi forte. On sent un chanteur qui se livre à son public et s’imprègne du monde au sein duquel il vit. Et sur scène, il défend son répertoire de manière surprenante et grandiose. Bref, un artiste qui fait du bien, qui fait le bien, qui s’offre et donne envie de croquer dans « Les choses défendues ».
Difficile de bien cerner la musique de Feu Robertson. Fondée en 2010, cette formation est responsable d’une forme de folk lo-fi déstructurée par des accents psychédéliques (« Burning Hell ») voire noisy, mais également post-rock ; bref, qui évolue bien loin des sentiers battus. « Sticky situations with troubles » constitue le second opus de ce band français. Original et conceptuel, il mérite une attention particulière.
Ouvrant la plaque, « Young Wooly Rhinoceros » évoque le suicide de Wooly tout au long d’une piste qui monte longuement en crescendo avant de se conclure par une chorale d’enfants. Les huit morceaux suivants relatent les avatars du personnage, tout en expliquant son inexorable descente aux enfers. Morose, la musique de Feu Robertson baigne au sein d’un climat mélancolique. Les titres parlent d’eux-mêmes (« Black Blue », « Sunrise Burning »,…) ; et l’artwork n’est pas en reste. Fragile, la voix de Ganashine (NDR : c’est le leader et le songwriter) véhicule parfaitement ces émotions. L’instrumentation est variée (suivant les titres, elle invite accordéon, saxophone, flûte traversière, piano,…) et soutient parfaitement ce chant. Un bémol ? La longueur du long playing : il dure plus d’une heure. Bien sûr, les idées foisonnent, mais au fil du sillon, le mélomane finit par s’essouffler. N’empêche, le deuxième essai de Feu Robertson est parfaitement réussi. Et en somme, c’est une bonne surprise…
Heron Oblivion est un band californien au sein duquel on retrouve deux ex-Cosmic on Fire, Ethan Miller et Noel von Harmonson ainsi que Charlie Saufley (Assemble Head in Sunburst Sound). Mais également Meg Baird, qui a notamment sévi chez Espers et The Baird Sisters, outre son implication au sein des backing groups de Sharon Van Etten et Bonnie Prince Billy. Non seulement cette dernière assure les vocaux, mais également les drums.
Le premier elpee de ce quatuor est éponyme. Partagé en 7 plages il fait la part belle aux guitares. Dissonantes, tintinnabulantes, jumelées, crazyhorsiennes, gémissantes, cosmiques, meurtrières ou chargées de ‘fuzz’, elles trament une structure qui a tout pour plaire. D’autant plus que la voix diaphane de Meg, très susceptible de nous renvoyer dans un univers aussi intense et éthéré que celui d’Opal (« Rama »), est un véritable enchantement. Ainsi, le titre qui ouvre l’opus, « Beneath fields » est en tous points remarquable. Et le plus dramatique « Oriar », qui embraie, semble hanté par le Jefferson Airplane. Mais au fil de l’opus, cette voix est de plus en plus submergée par l’instrumentation, et ne remonte plus à la surface qu’épisodiquement. Dommage, car au départ, le concept était vraiment génial. Car paradoxalement, au final ce sont les guitares qui ont noyé le poisson nommé Meg…
Fondé en 1978, The Monochrome Set a sévi de 1978 à 1985, puis de 1990 à 1998 avant de se reformer en 2010. « Cosmonaut » constitue son quatrième elpee studio depuis sa réunion, et son 13ème à ce jour. Du line up, il ne reste plus que le chanteur/compositeur Bid (NDR : un véritable prince indien !) Qui se charge également de la guitare, aujourd’hui.
Londonien, The Monochronme Set était considéré comme une des formations les plus douées de sa génération. Mais si ses musiciens étaient particulièrement talentueux, ils pêchaient aussi et surtout par dilettantisme. Et le groupe a beau être devenu culte, il n’a jamais vendu des tas de disques. Pourtant, il a gravé quelques opus tout bonnement remarquables.
Et ce dernier ne l’est certainement pas moins. Peut-être hors du temps. Première constatation, il y a davantage de claviers. Le plus souvent vintage. Pensez aux sonorités d’orgue dispensées chez The Attractions, l’ex-backing group d’Elvis Costello. Une exception qui confirme la règle, « Squirrel in a hat », une piste dont les synthés rappellent carrément Ultravox. On y retrouve bien sûr la voix de crooner nasillarde, laconique de Bid, dont le trémolo et les inflexions sont très susceptibles de rappeler Edwyn Collins. De chouettes mélodies aussi. Et puis des lyrics complètement décalés, lorsqu’ils n’évoquent pas d’étranges pratiques sexuelles. Faut dire que le sens de l’humour bien british de Bid est légendaire. Sophistiquée et excentrique, la musique de TMS doit autant au cabaret, au surf (NDR : ces accords de guitare !) qu’à la pop des sixties. Parfois, on se demande même si elle n’a pas influencé Neil Hannon, le leader de The Divine Comedy. Pourtant, sur cet opus, on décèle des traces de country et de Tex Mex. Et puis des chœurs féminins qui apportent une forme d’allégresse aux compos. Une excellente surprise !
Beaucoup moins grand public et accessible que son patronyme ne le laisserait croire, The Pop Group est un groupe mythique insulaire (NDR : il est issu de Bristol) qui a sévi aux débuts du mouvement post punk, dès la fin des seventies. Engagée politiquement, cette formation a aiguisé ses guitares aux côtés de bands tels que Gang of Four, PiL ou A Certain Ratio, jusqu’à son split en 1981 ; soit après avoir seulement publié deux elpees.
Reformé en 2010, le combo avait apparemment encore quelques revendications et récriminations à faire valoir. Et il souhaitait les clamer à la face du monde… Après avoir gravé « Citizen Zombie », en 2015, il nous propose « Honeymoon on Mars », un second volet qui confirme sa renaissance artistique. On retrouve dans la musique de The Pop Group ce mélange unique et énervé si caractéristique de l’esprit punk. Outre, les claviers louches. Et puis ces textes scandés par Mark Stewart à la façon d’un Mark E. Smith, des paroles qui véhiculent des messages anticapitalistes voire même carrément provocateurs, à l’instar de « Burn Your Flag » ou « War Inc. ». On a même droit à de la dub détraquée (« Instat Halo »). Enfin, le long playing a été impeccablement produit par Dennis Bovell (Fella Kuti, The Slits) et Hank Shocklee (Public Enemy). Passer une lune de miel en compagnie de ces types ne devrait pas être de tout repos…
The Vaudevillian nous vient d’Hamilton, dans l’Ontario ; une formation responsable d’une musique traditionnelle, née avant la grande guerre ; une expression sonore authentique, des racines, née d’un mélange entre ragtime, folk, jug et blues. Le premier elpee du band canadien remonte à 2013. Il s’intitule "Beedle Am Bam". Et le suivant, "Salty Dog", à 2014. Le trio est constitué de jeunes musicos. Il réunit Brendan J. Stephens, alias Jitterbug James (chant, guitare et carzoobamaphone, un instrument à vent insolite), Norah Spades (chant, washboard, kazoo) et Piedmont Johnson (basse). Lors des sessions de ce "Bringing Satan down", le combo a reçu le concours du pianiste Dan Edmonds, sur plusieurs titres. Enfin, c’est Jitterburg James qui signe l’essentiel du répertoire.
Tendre ballade, "Broom shouter" ouvre joliment la plaque. La voix de James est chevrotante. L’instrumentation est limitée aux cordes acoustiques, au frottoir et au piano barrelhouse derrière lequel siège Edmonds. Ragtime rythmés, nerveux même, "James Street turnaround" et "Sweet honey thighs" consomment du rock’n’roll avant la lettre, celui des années 1920. La voix du leader est toujours aussi frémissante, mais agréable à l’oreille, tout au long de "Sail away", une plage au cours de laquelle Johnson tire parfaitement son épingle du jeu sur sa lourde basse acoustique. Tout comme sur le traditionnel "He’s in the Jailhouse now" et le ludique "The duck’s yas yas yas". Sèche, basse et washboard se frottent rageusement lors du bref instrumental "Dry bone shuffle". Sculptée dans le folk/blues, "Montreal to Memphis" est une ballade qui ne manque pas de charme. Le kazoo de Norah s’immisce dans l’ensemble ; et ses interventions sont judicieuses, rappelant la quintessence des jug bands de l’époque, comme les Cannon’s Jug Stompers ou le Memphis Jug Band. Des accords de piano surannés abordent "Banjo blues", un ragtime aguicheur auquel les trois vocalistes participent. Jitterburg James y démontre tout son talent sur les cordes acoustiques. "Grind so fine" lorgne davantage vers le blues. Norah chante d’une voix de petite fille. Perçante. Criarde même. Johnson d’un baryton en colère. Medley, "Viola Lee/Spidernest blues" change radicalement de tempo. Le band s’attaque au "Bootlegger’s blues" de Bo Carter, aka Armenter Chatmon (NDR : ce bluesman de la première vague a milité chez le légendaire Mississippi Sheiks, un groupe impliquant notamment les frères Chatmon). Le titre maître clôt le long playing. Le jug band brille alors de mille feux et le carzoobamaphone entre en effervescence.
Agé de 68 balais, Donald Ray Johnson est un vétéran issu de la scène blues et R&B. Né à Bryan, au Texas, il est batteur et surtout chanteur. Il possède même une solide voix de baryton.
Après avoir accompli son service militaire dans la Marine, il s’installe à Los Angeles. Il y fait des rencontres déterminantes, comme celle de Philip Walker. Il obtient un certain succès au sein de A Taste of Honey, formation impliquant deux jeunes afro-américaines. Depuis la fin du siècle dernier, il s’est établi au Canada, à Calgary très exactement. En 2004, Johnson croise, pour la première fois, le guitariste arménien Gaspard ‘Gas’ Ossikian. Ils décident alors de tourner ensemble. Il y a cinq ans, Ossikian monte le Gas Blues Band, un combo impliquant des musiciens français, au sein duquel figurent le bassiste Philippe Scemama, le batteur Yannick Urbani et le guitariste Pierre Cayla. Et tout ce beau monde a donc enregistré "Bluesin’ around", en France, au cours du mois de mars 2016. Le tracklisting est majoritairement constitué de reprises.
Memphis Blues rythmé, "Bad Luck" ouvre les hostilités. Une excellente cover de BB King. Cuivrée, elle s’illustre par une bonne sortie de cordes opérée par Gas. Dans le style de BB, of course ! L’adaptation du "Bluesifyin’" est somptueuse ; un blues lent tapissé par l’orgue Hammond de Daniel Antoine. Un orgue qui domine –de la tête et des épaules– le "Ain’t superstitous" de Willie Dixon. Don Johnson reprend deux titres de son ami disparu, Philip Walker. Tout d’abord "Ninety proof", un superbe blues lent souligné par les cordes veloutées d’Ossikian et les interventions à la trompette de Nicolas Gardet. Puis le plus rythmé "Big bear window", une piste caractérisée par une sortie parcimonieuse de cordes. "Distant" est une plage funk écrite par Janice Marie Johnson. Elle date de l'époque où ils militaient ensemble chez A Taste of Honey. Johnson reprend affectueusement "She's dressing trashy", un titre qui rocke ferme. Il avait été écrit par l'un de ses premières rencontres musicales, le pianiste Nat Dove. Donald Ray chante deux compos issues de sa plume : "Watching you" et "Should’ve been gone". De bonne facture, elles baignent dans la soul contemporaine et sont guidées par le saxophone de Samuel Dumont. "You’re the one for me" clôt l’opus ; un blues nerveux signé Lucky Peterson.
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