David Carroll est de nationalité irlandaise. Pas ses parents, cependant. Sa mère était austro-tchèque et son un père américano-irlandais. D’ailleurs, c’est en France qu’il a forgé son parcours musical. Ce chanteur/compositeur a exploré différents styles, dont le pop/rock et l’électro/rock. Ce n’est qu’au début de ce millénaire qu’il s’intéresse à la musique folk et s’entoure progressivement de musiciens qui optent pour le patronyme de Migrating Fellows. Sa première œuvre "The guest" sort en 2006. C’est un Ep. Et sa précédente, "Songs of Love & Protest", remonte à 2015. David chante, se consacre à la guitare et à l’harmonica. Son backing group implique le contrebassiste Samuel Tardien et le drummer Laurent Besch. Lors des sessions, il a reçu le concours de quelques invités qui se partagent violon, dobro, cuivres et chœurs.
Des claquements de mains amorcent "Nulle part où aller". Soutenu par ses partenaires, David relate le parcours misérable des migrants, depuis leur pays en guerre vers l’île de Lampedusa, pour finalement aboutir dans la Jungle de Calais. Un long trip accompli au péril de leur vie. Les bruitages sont de circonstance. Puis le tempo s’accélère, libérant l’harmonica de Mr Carroll. "Monkey" dessine des contours bluesy. Laurent imprime un tempo légèrement funk, derrière ses percus. La troupe reprend le refrain. Les cordes véhiculent des accents africains. Enlevé, "A child is born" aborde le sujet de migrants d’une autre époque et tout particulièrement de citoyens irlandais partis vers le Nouveau Monde. Les vocaux sont collectifs. Excellente et incisive, la section rythmique adopte le Diddley beat. Bientôt rejoint par un saxophoniste, David se révèle un souffleur bien aguerri. La lourde basse acoustique de Sam amorce "Talkin’ Chicago blues", une compo qui rend hommage à cette grande ville qui a tant donné au blues ; et David rappe davantage qu’il ne chante! David souffle nerveusement dans son frêle instrument ou chante frénétiquement tout au long de "Yin & yang blues", un country/blues nerveux et bien cadencé. "Parlez nous à boire" est un titre issu de la plume de Balfa Dewey (NDR : l’un des Balfa Brothers, un quintet au sein duquel Deway se consacrait au violon). Bienvenue en Louisiane ! Nous pénétrons donc dans l’univers cajun propice à se secouer et danser. Et c’est Joe Doherty qui se colle à l’archet ! Proche du rockabilly, "Du corps/Des coups" nous réserve un dialogue entre la voix et l’harmonica, alors qu’Anthony Picart se distingue au dobro. Plage la plus longue du long playing, "Blazing fire" s’ouvre sous la forme d’une ballade bien agréable ; cependant, le tempo s’anime rapidement afin de laisser tout le loisir à la musique à bouche de s’éclater et de mettre le feu… Folk song, "Even your love can’t save me" véhicule des accents tragiques. Et pour cause, elle évoque un événement qui s’est produit à New Delhi, il y a quelques années. Une femme y avait été violée et battue à mort dans un autobus, sans que personne ne lui porte aide. Et cet épisode cruel est illustré par un ballet de cuivres qui s’identifie à un cortège funéraire…
Ce chanteur/harmoniciste est issu de Nashville, dans le Tennessee. Il a avait déjà publié quelques albums, dont "Look into the sun" en 2011, "Million stars" en 2014, et "The Willie Project" (NDR : un hommage au célèbre compositeur chicagoan, Willie Dixon) en 2015. Pour enregistrer ce nouvel opus, il a reçu le concours du tout Nashville ; des sessions qui se sont déroulées au sein du studio Rock House de Franklin, sous la houlette d’un maître des lieux, Kevin McKendree.
L’harmonica amorce "What the blues look like". La voix chaleureuse de Tim est soutenue par celle de Wendy Moten. Tom West siège derrière son orgue. Tom Britt excelle sur la slide. Une voix qui domine "Hour’s worth", un blues bien rythmé que Lynn Williams imprime de ses drums alors que West se charge judicieusement des ivoires. Roots song, "I had it all" est une piste de calibre. Et pour cause, elle nous entraîne au cœur d’atmosphères imaginées par le vétéran anglais John Mayall. Le niveau musical est excellent ; que ce soit l’harmonica, le piano de West, l’orgue de McKendree et la slide offensive de Britt. Plus surprenant, "If you want a good woman" adopte le rythme du reggae. Solide, ce morceau se distingue par le rôle des musicos, particulièrement bien en place! Indolent, "I come when you call" baigne au sein d’un climat mystérieux. Kevin McKendree tapisse l’ensemble de son orgue. Qui s’imprègne parfaitement du southern soul de Memphis tout au long de la jam instrumentale "Eight ball", un titre qui concède cependant des sonorités jazzyfiantes. Et il tapisse parfaitement "Introduce me to your hat", un shuffle entraînant au cours duquel les voix de Tim et Wendy entrent en osmose. Les voix, la slide et surtout le piano de West alimentent "Too many groceries", une sorte de ragtime contemporain. "Where’s the cure for you" met le cap vers la Nouvelle Orléans. A cause de cette approche funk qu’entretiennent les rythmes syncopés des percus de Lynn Williams ainsi que des accords du piano. "Willie that’s who" adresse un message au plus grand des compositeurs issus de Chicago, Willie Dixon. La mélodie est proche du "Wang Dang Doodle" de Dixon. Classique, ce Chicago blues est déchiré entre harmonica, piano et guitare slide. De toute bonne facture, cet LP s’achève par "Go West", un superbe et brûlant texas shuffle. Poursuivi par l’harmonica de Gartland, Tom West y brille aux ivoires…
Encore un artiste originaire du Mississippi. Et plus précisément de sa capitale, Jackson. De son véritable nom Stephen Johnson, Stevie J. Blues est le fils d’un pasteur. La musique de ce compositeur, chanteur et guitariste baigne dans le blues mais aussi la southern soul. Il y a quelques années, il militait au sein du backing band de Bobby Rush. C’est un féru d’histoire du blues, une culture qui prend une autre dimension sur les planches, lorsqu’il l’illustre d’anecdotes croustillantes. En compagnie de Blues Eruption, il a été finaliste de l’International Blues Challenge à Memphis. C’était en 2011. Son premier opus, "2 sides of a man", remonte à 2008. Il a ensuite publié "The Diversity Project", en 2011, et "Unstoppable", en 2013.
Surprise, la plage qui ouvre l’elpee est dansante, disco même. La voix de Stevie J est soutenue par celle d’Angela Walls. Enrichi par les cuivres des Jackson’s Horns et des cordes synthétiques, le morceau est particulièrement soigné. Une formule également adoptée sur "That Party song", un titre souligné par le saxophone de Micha Brown, et "Good good", par le piano électrique et la guitare au bord du délire. "I ain’t getting that" est tout aussi dansant, un blues rythmé au cours duquel les percus d’Atwan Gray libèrent une bonne dose de groove, alors que volubile, la guitare propage des sonorités fuzz. Paru en single, "Cradle Robber" trempe dans la southern soul ; dominée par les cuivres et la gratte, cette plage ne manque pas de charme. Le demi-frère de Stevie, Scott Albert Johnson, souffle dans son l’harmonica, tout au long de "Come see me", un blues authentique. Carol McLaughlin tire son épingle du jeu à la six cordes sur "Lights out", une ballade soul indolente. Superbe blues lent, "Another Jody sting" est signé Omar Cunningham. Ce dernier vocalise derrière le chant passionné du leader. La guitare est chargée de feeling. Un sommet de cette plaque ! Une voix récite "Son of a Saintified preacher". Elle aurait pu émaner d’un prêcheur lors d’un office religieux. Et pourtant, il s’agit d’un boogie auquel participe Kashiah Hunter à la pedal steel (NDR : ce spécialiste du gospel instrumental et de la sacred steel music est un disciple du notoire Robert Randolph). Une prêche qui se poursuit tout au long de "Stranger in the City", un blues lent qu’il dédie à sa maman. Son ami Dwayne Watkins et son frère cadet, le pasteur Dr MJ Johnson, participent à cette prédication, alors que Kendrick Hart siège derrière le piano. Enfin, la gratte de Stevie semble hantée par BB King tout au long de "Blue by the Bay", un instrumental balisé par les ivoires et les drums…
En ce début d'année 2017, les fans de Pinback on retrouvé le sourire. Tout d'abord, ils ont appris que Rob Crow, l'un des membres fondateurs de Pinback, reprenait du service après deux années de silence, une longue absence qu’il a passée auprès de sa famille. Il vient ainsi de publier un album sous le patronyme de Rob Crow's Gloomy Place. Seconde bonne nouvelle, le label Temporary Residence Ltd (Eluvium, Envy, Maserati, Grails, …) vient de publier "Some offcell voices", une œuvre réunissant deux Eps de Pinback : "Some Voices" paru en 2002 et "The Offcell", en 2003. Ils ont été remasterisés.
Bref, cette œuvre nous permet d’abord de replonger aux origines du duo californien. (NDR : il est issu de San Diego). D’ailleurs, dès le départ, le son de Pinback est aisément identifiable. A cause de ces interventions de basse caoutchouteuses et puis de la manière d’intégrer des éléments électroniques. Et puis d’un sens mélodique très susceptible de déboucher sur de pures merveilles. Sans oublier cette conjugaison unique entre les voix de Rob Crow et de Armisted Burwell Smith IV, déjà épatante à l’époque de "Manchuria". Une profonde mélancolie baigne cependant l’ensemble des morceaux ; un spleen qui contamine également les œuvres des side projets monté par les deux Californiens. Pensez à Black Heart Procession. Même si le second Ep s’ouvre par une piste imprimée sur un tempo relativement plus enlevé.
Si vous ne connaissez pas Pinback, "Some offcell voices" constitue une introduction idéale pour le découvrir. Et pourquoi pas l’apprécier. Quant aux aficionados, ils rêvent, certainement, tout simplement d’une reformation…
Chanteur, pianiste, harmoniciste et compositeur, Derrick Procell est originaire de Milwaukee. Ce vétéran signe l’ensemble de son répertoire. "Why I choose to sing the blues" a été mis en boîte au sein de son propre studio, le ‘Hear and Now Music’. Il en a assuré le mixing, la production et les arrangements. Lors des sessions, des amis, relations et invités de prestige sont venus lui prêter main forte.
L’opus s’ouvre par un hommage au légendaire Howlin’ Wolf, "The Wof will howl again". Eddie Shaw y apporte sa collaboration (NDR : âgé de 80 balais, ce prestigieux saxophoniste a milité au sein du Wolf Gang). Shaw et Procell se partagent judicieusement les vocaux ainsi que les cordes acoustiques et électriques, Derrick s’y réservant l’harmonica. Ce dernier se concentre sur son piano, tout au long de "Trouble no more", un titre nerveux qu’il chante d’une voix graveleuse et puissante, proche de celle de Greg Allman, tandis que Bob Maglione se fend d’un excellent solo sur ses cordes. Remarquable ! "The eyes of Mississippi" retrace le parcours de Muddy Waters ; depuis le Delta du Mississippi jusqu’au quartier Southside de Chicago où il rencontrera le succès et la célébrité. Bob Margolin (NDR : il a été le gratteur attitré de Waters, au cours de ses dernières années d’existence) s’y consacre à la slide. Un expert en la matière ! "Why I choose to sing the blues" est une compo autobiographique. Derrick s’y multiplie. Il joue du piano, de la basse et de la batterie programmée. Proche de Greg Allman, sa voix est souveraine. Et puis, il nous guide depuis le Mississippi, sur la route de Memphis, en se référant à de nombreuses légendes, dont Robert Johnson, Sonny Boy Williamson, Junior Parker, Elmore James, Howlin’ Wolf et bien d’autres. La talentueuse Miss Zoey Witz est préposée à la gratte tout au long du plus enlevé "They all find out", une plage au cours de laquelle Procell est soutenu par des voix féminines. Mais également sur "Ain’t nuthin’ more about it" ainsi que le superbe "Don’t waste a wish on me", blues lent que Derrick interprète à la manière de Ray Charles. Dave Steffen (NDR : il est issu du Wisconsin) est passé à la gratte pour "Broke the Mold", un blues de bonne facture imprimé sur un mid tempo. Et ses interventions sont alertes. Le leader double piano et harmonica. Autre blues lent, "Who will tell Lucille" rend hommage au grand BB King et à sa guitare Lucille. Procell siège derrière ses ivoires et la partie de cordes aux réminiscences BB est signée Alex Smith. Excellent blues, "Back in the game" change de rythme et vire vers un boogie léger. C’est le prestigieux Billy Branch (NDR : un Chicagoan !) qui souffle dans l’harmo. Il est épaulé par Bob Maglione, qui se sert du bottleneck. Et le long playing de s’achever par "Too much", un texas shuffle digne de Freddie King, marqué par un très bel échange entre l’harmonica et la guitare de Chris Hanson.
Ce chanteur/compositeur canadien avait publié un premier essai en 2014. Un mini elpee baptisé "Blue Valley". Lors d’une récente visite à Dublin, il tombe sous le charme de la capitale irlandaise. Il la visite suivant son instinct et décide alors de s’en inspirer pour enregistrer un album. Un opus qu’il réalise en studio chez lui, à Halifax. Il signe six des sept plages.
Et sa seule reprise figure en ouverture. Il s’agit d’"I fall apart", une composition du regretté Rory Gallagher, musicien irlandais notoire, mais issu du Nord. Indolente, cette superbe roots song est illuminée par la pedal steel de Christien Belliveau. La voix de John passe très bien la rampe. Carter Chaplin en profite pour s’autoriser une remarquable sortie sur sa gratte, une sortie à la fois créative et mélodieuse. Derrière ses fûts, Mike Trask (NDR : il assure également la production et la prise de son) imprime une rythmique répétitive, hypnotique même, au "Some things never get paid". Et ce même Mike s’illustre également par une intervention de gratte plutôt acérée. La pedal steel de Belliveau propage des sonorités étrangement réverbérées sur le lent et dépouillé "Volumes of beautiful worlds", une piste au cours de laquelle la voix de Guillaume Boullianne colle littéralement à celle de John Richard. Et bien expressive, cette dernière est bien mise en exergue sur le toujours aussi flemmard "Can’t help it", tandis que Carter Chaplin privilégie les accords rythmiques sur sa gratte. "Wish you’d come with me" baigne au sein d’un même climat. Les cuivres de Sebastien Michaud s’intègrent dans les vocaux. Et en arrière-plan, Marc Doucet essaime des sonorités de gratte écorchées. Une rythmique répétitive tramée par la batterie et la guitare de Keith Hallett (NDR : un pote canadien) guide la longue plage "Black Church". Richard chante comme un Jim Morrison en fin de parcours. Sa voix monte progressivement en puissance. Et après avoir assisté à l’emballement des cordes, il gratte son banjo. "All the Proof I Need" clôt ce long playing. Un morceau empreint de sérénité que se partagent en duo John, à la guitare et au chant, et Christien Belliveau, à la basse.
Ce chanteur/compositeur est originaire de Portland, dans l’Oregon. Aujourd’hui âgé de 50 ans, il a pas mal bourlingué : du Texas à la Californie avant d’aboutir à Memphis, dans le Tennessee. C’est alors qu’il a tout le loisir de s’exprimer à travers sa musique, essentiellement ancrée dans le folk et la country. Cet admirateur de John Prine et de Jerry Jeff Walker publie son premier elpee en 1994, "Songs for the Daily Planet" (NDR : le Daily Planet était un club de Memphis où il se produisait souvent), sur le label MCA. Depuis, il a gravé une quinzaine d’albums. Il s’est désormais établi à Nashville ; et vient de réaliser son premier opus studio, depuis 2012. Todd a également un sobriquet : Elmo Buzz. Et tout au long de cet "Eastside Bulldog", il donne vie à ce caractère en réalisant son LP le plus rock ! Alors qu’il sort rarement de sa solitude, il a bénéficié, pour la circonstance du concours d’un véritable groupe. Et pas n’importe lequel, puisqu’il s’agit du jam band de David Schools, le notoire Widespread Panic. Une formation qui implique le saxophoniste Dennis Taylor, le pianiste/organiste Jen Gunderman et le drummer Mark Horn. Les sujets de ses compos abordent tout ce qui forme l’univers d’Elmo Buzz : les voitures, les femmes, les ‘parties’, les concerts en club et Hank Williams Jr. Bref, un ensemble de thèmes nécessaires pour passer la nuit dans East Nashville. Enfin, les chansons ont pratiquement été improvisées en studio.
Rock’n’roll énergique, "Hey pretty boy" donne le ton de cet LP. La guitare est accrocheuse. Piano et saxophone combinent. D’allègres répliques vocales ripostent au chant du leader. Dans le même style, "37206" est traversé par le saxophone hurleur de Taylor. Moins enlevé mais dansant, "The funky Tomato" est sculpté dans le funky blues. Et les interventions d’orgue me rappellent Sam the Sham and the Pharaohs (NDR : Texan, Sam est aujourd’hui âgé de 80 ans). Excellent, "Eastside Bulldog" oscille entre rock’n’roll, surf et blues. Entretenues par le Farfisa et la gratte, les sonorités sont savoureusement surannées. Le saxophone se libère sur le débridé et festif "Check it out", une piste dont l’attitude est très proche du punk. Une formule entraînante qu’on retrouve sur "Are you with me". Instrumental, "Bocephus" est vraiment remarquable. Omniprésent, le saxophone s’autorise un flirt avec l’orgue, au sein d’un climat qui évoque une musique dispensée en club, il y a un peu plus d’un demi-siècle. "Enough is enough" adopte un profil bien plus blues. "Ways and Means" rappelle étrangement le "Should I say or should I go" de Clash, un morceau qui remonte à 1981. Et il est épatant ! Trop court (NDR : 24’ seulement !), cet elpee s’achève par "Come on up", une compo dont l’ambiance à la fois blues et rock est toujours le fruit d’une belle improvisation.
Ce chanteur, guitariste et compositeur, est originaire de Virginie, aux states. Il aime agréger différents styles. Qu’ils émanent de Chicago, de la Louisiane, du Texas ou même, de Londres. Il s'est également converti à la ‘Christian music’ ; autrement dit la musique chrétienne. D’ailleurs, sur cet LP, plusieurs plages traitent de cette religion.
"No more blue mondays" a été enregistré en 1995, au studio Rainbow de Brighton. L’artiste avait alors bénéficié du concours de musiciens qui militaient alors au sein du backing group d’Eric Clapton ; et tout au moins sa section rythmique. En l’occurrence, le drummer Henry Spinetti et le bassiste Dave Markee. Mais également de deux guitaristes : Spradlin et Norman Barratt (NDR : ce dernier, de nationalité britannique, est décédé en 2011, à l’âge de 61 ans ; au cours des 70’s, il avait sévi au sein d’un groupe de prog/rock, Gravy Train). Enfin, outre son concours aux claviers, c’est le Canadien Dan Cutrone –également disciple de la Christian Music– qui s’est chargé de la production.
"I’ve never been to Seminary" ouvre l’elpee. Signé par le Rev Don Smith, ce blues cool lorgne manifestement du côté de Clapton. "No more blue Mondays" constitue la meilleure compo de cet opus. Lent, dépouillé, ce blues attachant est dominé par la voix d’écorché vif de Spradlin. La section rythmique balise naturellement le tempo. Cutrone siège derrière l’orgue. Mais le sommet de ce morceau est atteint lors de la brillante intervention –probablement de Barratt– aux cordes. "First fruits" est une plage indolente et dépouillée. Chargée de désespoir, la voix s’abandonne devant les ivoires. Spinetti et Marquee s’y révèlent brillants. Toujours aussi flemmard, "Drift away" est enrobé par un chant gospel féminin à trois voix. Et celle du leader est encore bien expressive. Blues largement contaminé par la country, "I got Jesus name" est très proche du style laidback de JJ Cale, Henry Spinetti se chargeant d’imprimer le tempo derrière ses fûts. Jolie ballade, "My God" est amorcée par une guitare empreinte de sensibilité et lumineuse, avant d’être rejointe par le piano et des cordes synthétiques. Et "He is there" ainsi que "My friend Jesus" adoptent un profil semblable. Quoique bien rythmé, "My help" campe un gospel classique, une plage entretenue par l’orgue, le piano et les chœurs de circonstance…
Issu de Cleveland, dans l’Ohio, Cloud Nothings est un quatuor drivé par Dylan Baldi. Fondé en 2009, il compte un Ep, plusieurs singles et quatre albums à son actif, dont le dernier « Life Without Sound » est paru en janvier dernier. Et c’est cet opus qu’il est venu défendre sur les planches de la Rotonde du Botanique.
Il y a plusieurs semaines que le concert est sold out. Et il a attiré de nombreux curieux qui souhaitent découvrir en ‘live’, les dernières compos issues du dernier elpee de la formation, pourtant quelque peu décevant.
Apostille assure le supporting act. Et à 20h, il ouvre le bal. Il s’agit de Michael Kasparis, un jeune Ecossais. Il est seul sur l’estrade et ne se sert que d’un PC et d’un micro. Ce qui ne va pas l’empêcher d’exécuter un show hors du commun. A cause du visuel qu’il met au service de sa new wave. On a même l’impression de plonger au sein d’un boîte de nuit à Glasgow, début des 80’s. Artiste complètement décalé et extraverti, Kasparis fait absolument n’importe quoi sur le podium et même dans la fosse pour s’attirer la sympathie. Et finalement son show va s’avérer plus que divertissant…
Il n’y a plus le moindre espace de libre dans la Rotonde, quand Cloud Nothings grimpe sur la scène. Dylan Baldi, le leader du band, est toujours aussi chevelu. Et le concert de s’ouvrir par « Up To The Surface », un extrait du dernier opus. Ce soir, le combo va d’ailleurs interpréter presque toutes les plages de « Life Without Sound ». Ce qui semblait, à premier abord, une mauvaise idée, vu le manque de qualité de cet LP. Heureusement, le band ne négligera pas pour autant ses classiques ; à l’instar de « I’m Not Part Of Me », « Fall In », « Pattern Walks » ou encore « Stay Useless ».
Mais au-delà de son rock garage, le groupe américain peut surtout compter sur deux musiciens particulièrement brillants. Tout d’abord Baldi, bien évidemment. A la guitare et au chant. Mais également Jayson Gerycz, le batteur. Ce dernier est même exceptionnel. Non seulement il impose le tempo à tous les morceaux, mais sa cadence de frappe est incroyable. Vertigineuse, même. Si bien que les morceaux du nouvel elpee prennent une autre dimension, sous son impulsion.
Les musicos ne sont guère interactifs. Même si Baldi adresse l’un ou l’autre mot au public. Sans plus. Une attitude intravertie qui le caractérise. En fait, le petit prodige semble vivre dans sa bulle tout au long d’un concert, se concentrant sur ses cordes, qu’il violente, sans le moindre temps mort. Il ne gaspille pas son énergie dans la com’ ; il préfère l’injecter dans sa gratte…
Le set s’achève par l’excellent « Realize My Fate », un titre construit en crescendo. Il transite par différents tableaux propices à la frénésie, avant d’atteindre l’explosion finale, en fin de parcours ; plus rauque que jamais, la voix de Baldi accentuant cette forme d’exaltation sauvage…
Et quand le quartet revient sur les planches, c’est pour attaquer la meilleure composition de son répertoire : « Wasted Days ». Pendant 15 bonnes minutes, Cloud Nothings va varier les climats sonores, se retirant ensuite définitivement sous les acclamations du public.
Non seulement Cloud Nothings est parvenu à transcender en live les morceaux un peu fades, de son nouvel opus, mais il s’est rappelé à notre bon souvenir à travers des titres incontournables. Et puis, l’énergie qu’il libère ne peut que séduire tout fan de rock. D’ailleurs, la claque qui nous a été administrée ce soir est belle et bien réelle ; en outre, on a assisté à la performance d’un des meilleurs drummers contemporains. Suffirait que les quatre gars soient un peu moins repliés sur eux-mêmes et ils pourraient facilement remplir de grandes salles. C’est tout le mal qu’on leur souhaite…
(Organisation : Botanique)
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Au sein de la famille Perkins, les artistes sont légion. Pour la plupart des acteurs. Elvis a plutôt choisi le rôle d’auteur, compositeur et interprète. C’est le fils d’Anthony Perkins et de la photographe Berry Berenson, décédés respectivement en 1992 et en 2001. Le premier des suites du SIDA. La seconde, lors des attentats du 11 septembre. C’est également le frère d’Oz Perkins.
Label Pop est une émission radio qui a sévi sur les ondes de France Musique, une radiodiffusion dont la programmation signée Vincent Théval a permis à des tas de musiciens ou groupes de se produire en direct. Of Montreal, The Apartments, Lloyd Cole, Howe Gelb, Yann Tiersen, Robert Forster et bien d’autres ont participé à ces showcases. Des événements qui mérite(raien)t d’être immortalisés sur cd. Tunng et Powerdove ont ainsi également bénéficié de ce type de gravure.
Le set d’Elvis Perkins s’est déroulé en septembre 2016. « I Aubade » était paru en février 2015. Donc, il était encore dans le coup ; son elpee précédent, « Elvis Perkins in Dearland » remontant quand même à 2009.
Lors de ce concert, Perkins était entouré de Danièle Aykroyd (basse, harmonium, autor-harpe) et Mitchell Robe (percus, mellotron, minimoog). Découpé en 7 titres, ce disque baigne au sein d’un climat minimaliste, vous vous en doutez. Et Elvis démontre une nouvelle fois son art à torcher de très jolies mélodies, le contagieux « The passage of the black genre » méritant, à cet égard, une mention particulière. Tout comme la ritournelle « It’s now or never loves ». Les morceaux sont donc balisés par la sèche. Tour à tour, un zeste de clavier vintage, de mellotron, de moog ou une intervention de basse viennent leur apporter un certain relief. Perkins possède, en outre une superbe voix. Et quand elle passe en falsetto, on ne peut s’empêcher de penser à Jeff Buckley, mais sans le trémolo. Quand aux inflexions, elles sont aussi nonchalantes que celles d’un Leonard Cohen.
Wolf People nous vient des Iles Britanniques, du Bedfordshire très exactement. A son actif, quatre elpees, dont le dernier, « Ruins ». A l’origine, le groupe puisait ses sources d’inspiration majeures chez Captain Beefheart, Grateful Dead, Jimi Hendrix, Black Sabbath, Jethro Tull, Led Zeppelin, The Incredible String Band et Fairport Convention. The Black Mountains également, pour citer un band contemporain. Fondé en 2005, le combo semble digérer, progressivement, ses influences. Progressivement, le mot est bien choisi, car sa musique continue d’osciller entre prog, folk insulaire, hard rock et psychédélisme. Il est même parfois étonnant de retrouver sur un seul morceau un feeling pastoral très susceptible de se réserver des envolées bucoliques ainsi que des turbulences bien métalliques chargées de groove. Ces duels de grattes, ce mellotron, cette flûte, ce saxophone et ces synthés font ainsi bon ménage. Même au sein d’un climat exotique. Parfois on pourrait imaginer le résultat d’un bœuf entre Black Sabbath et Steeleye Span. Encore qu’en prenant un peu de recul, c’est surtout à Dream Theater, qu’il faudrait penser. On a même droit à un blues (NDR : le morceau d’ouverture « Ninth night », qui se réfère à l’ésotérisme historique). N’empêche pour des « Ruins », il faut reconnaître que les morceaux ont encore fière allure…
Aries, c’est le projet solo de la multi-instrumentiste Isabel Fernandez Reviriego. Elle y développe une électro-pop –tendance indie– vaporeuse qu’elle interprète dans la langue d’Almodovar. Sur l’étrangement intitulé « Adieu or Die », son 3ème album réalisé 100% en mode DIY, l’artiste ibérique dévoile des morceaux emmenés par des claviers naviguant entre pop et expérimentations. Les compositions d’Aries, souvent planantes mais parfois plus rythmées (« En El Océano »), hésitent entre tendres cajoles acoustiques (« Nuestra Casa ») et légères expérimentations réverbérées ou rythmiques (« Eclipse Total »). L’ensemble est agréable à l’oreille –tout comme la douce voix de l’artiste– mais reste souvent un brin trop lisse...
« Adieu or Die » est un titre quelque peu excessif pour une œuvre qui ne manque certainement pas de potentiel, mais dont l’électronica se révèle un brin trop sage...
Il s’agit déjà du cinquième opus d’Artùs ; et à chaque fois la surprise est totale. Il fait suite à « Drac », paru en 2011, mais alors sous le patronyme de Familha Artús ; et sur le label alternatif du Folklore de la zone mondiale, au sein duquel militent également les Ramoneurs de Menhirs…
Eponyme, le deuxième revisitait le « Cantaplora » de Bernard Manciet, une œuvre qui invitait à voyager entre ciel et terre, mais du côté du pays basque…
Le périple nous entraîne aujourd’hui encore davantage vers le sud-ouest. C'est-à-dire au beau milieu des espaces pyrénéens. La bio nous apprend ainsi –et la journée de votre serviteur ne sera pas vaine– qu’Artùs vient du celtique ‘Arzh’. Et se traduit par ‘Ours’ (« Ors » en occitan). La boucle est donc apparemment bouclée. Quoique ! En fait, les textes et le climat de cet opus s’inspirent de ce roi déchu de la montagne. Car fidèle à ses références littéraires, c’est Jean Soust qui a, pour la circonstance, inspiré le collectif. On suit ainsi la bête à la trace, emprunte les itinéraires qui passent par les cols… au cœur des superbes paysages montagneux que nous réservent les Pyrénées. En 5 pistes, d’une durée qui oscille de 7 à 9 minutes, quand même.
Dont on épinglera tout particulièrement deux compositions. Tout d’abord « Aurost ». On pourrait fredonner cette chanson en chœur, au coin du feu, à la tombée de la nuit. Puis « Chasse party ». Une sonnerie prélude la battue. Des coups de trompe ou de corne décrètent le début de traque. La bête est en vue. Puis les percus nous glacent le sang. Une fusillade vient d’éclater…
Le mot de la fin est d’ailleurs laissé à Jean Soust. Il y donne une version personnelle de cette œuvre : ‘Avec ce disque, l’ours retrouve une place dans les Pyrénées. Il redevient celui par lequel on s’émeut, on se raconte et on communique. De façon sensible et sensée. Il est redevenu celui qui inspire…’
« The last soap bubble crash » constitue le second elpee de Dario Mars & The Guillotines, le nouveau projet de Renaud Mayeur (voir interview ici). Cet ex-La Muerte, Hulk, Les Anges, et on en passe, pratique ce que qu’on pourrait appeler du spaghetti-western-voodoo-garage.
Son nouvel opus s’ouvre par « Summer ice », une plage qui ne manque pas de punch. Sorte de bossa nova uptempo imbibée de claviers vintage, « Hold on » évoque curieusement… Vaya Con Dios. A cause de la voix de Bineta qui emprunte les inflexions de Dani Klein. Tout comme sur le plus filmique « Far from you ». Une impression qu’on retrouve encore sur le soul/blues, « Strange happiness ». En fait, essentiellement lors des morceaux les plus paisibles. Nonobstant les cordes de gratte surf, « Gone with sorrows » épouse le sens mélodique d’un Texas. Oui, oui, celui de la bande à Sharleen Spiteri. Et pas une référence à l’Etat du Sud des States… Ténébreux et sauvage, l’excellent « I wish I was with you » semble hanté par des voix démoniaques. Et pourtant, il est bien rock. Tout comme l’uptempo « Vertigo ». Les cordes de guitare sont à nouveau sculptées dans le surf. La basse est sombre, mordante. Le drumming échevelé et les claviers vintage. Le spectre du Led Zeppelin –n’en déplaise à Renaud– plane sur deux morceaux. Et ils figurent parmi les meilleurs du long playing. Tout d’abord « Walk baby walk », même si l’intro évoque plutôt le célèbre « Albatross » de Fleetwood Mac ». Puis l’oriental, incantatoire et hypnotique « Soulless ». Angoissant, « Keep smiling » (un paradoxe !) macère dans des sonorités qui semble sortir d’un bistrot guinguette, un peu comme dans la B.O. du long métrage signée Yann Tiersen, ‘Le fabuleux destin d’Amélie Poulain ?’. Manifestement les références au cinéma sont légion. Et la version alanguie du « I wanna be loved by you », popularisée par Marylin Monroe, qui clôt l’opus, en est une nouvelle illustration. Un chouette album !
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