Curieuse aventure que celle vécue par trois artistes issus de générations différentes qui ont décidé de fonder un groupe, alors que leur seul dénominateur commun était tout simplement l’amour des belles bagnoles et la passion pour le blues. Au sein de ce trio, on retrouve deux vétérans. Tout d’abord Stephen Stills, 68 ans. Ex-Buffalo Springfield, Crosby, Stills & Nash, sans et avec Neil Young et Manassas. Ensuite Barry Goldberg, 70 balais. Originaire de Chicago. Pianiste et organiste de blues. Ex-Electric Flag et autrefois membre du backing group de Bob Dylan. Et puis un jeune. Kenny Wayne Shepherd. 36 ans. Chanteur, guitariste et compositeur de blues rock. Pour la route, le line up est complété par une section rythmique réunissant Kevin McCormick à la basse et Chris Layton (ex-Double Trouble, le backing band de Stevie Ray Vaughan), à la batterie.
Le trio débute en force par "Mississippi road house". La voix de Stills adopte les inflexions qu’il empruntait autrefois chez Manassas. Assurées par Kenny Wayne et le père Stills, les parties de guitare sont bien équilibrées. Ce dernier libère des sonorités sixties et particulièrement fuzz, réminiscentes du Buffalo Springfield. Shepherd chante en puissance "That's a pretty good world", un R&B speedé, calqué sur la mélodie du "Hit the road Jack" de Ray Charles, permettant une rapide libération des cordes. Le style Stills (?!?!) est immédiatement identifiable, dès les premiers accords de "Don't want lies". Chaleureuse, sa voix n'a rien perdu de son charme ; et son sens mélodique est intact. Surprise, le combo adapte le "Search and distroy" d'Iggy Pop et des Stooges, une compo qui préludait la naissance du punk. Les spécificités du genre sont ici préservées. La jeunesse, la fougue et la vitalité de Shepherd font le reste. L’empreinte de Stephen est à nouveau très présente tout au long de "Can' get enough of loving you". Notamment à cause de son timbre. Légèrement éraillé. Qui domine parfaitement ce blues. Sa voix s’autorise même des inflexions enragées. Comme un shouter. Pendant que Goldberg tapisse de son orgue le décor sonore, Kenny Wayne s’autorise un envol empreint d’une grande sensibilité. Ce dernier se réserve le micro pour interpréter le classique de Muddy Waters, "Honey bee", un superbe slow blues, une piste au cours de laquelle Goldberg se charge à la fois du piano et de l'orgue. Dispensés dans leurs styles respectifs, les échanges de guitares sont magiques. Fluide, technique, le toucher de Shepherd est irréprochable. Ecorché, spasmodique, celui de Stills, authentique. Encore une surprise, la cover d’une des compos les plus notoires de Neil Young, "Rockin' in the free world". Stephen rend manifestement hommage à son ancien acolyte. Une version plutôt conventionnelle qu’il chante néanmoins autoritairement. Autre reprise, celle d’un classique du blues ; en l’occurrence le "Talk to me baby" d'Elmore James. Et c’est le sémillant Kenny Wayne qui balise le tout. "Only teardrops fall" est une ballade bluesy de bonne facture. En guise de morceau final, The Rides nous réserve "Word game", une composition signée Stills qui remonte à l’époque du Buffalo Springfield ; une plage qui n'avait jamais mise en boîte. Il existe une version de luxe de cet excellent cd, enrichie d’un Dvd et de trois bonus tracks.
Dr Wu est un duo texan réunissant Bryan Freeze et Jim Ashworth. Le premier est multi-instrumentiste. Le second se contente de gratter quelques cordes acoustiques. Ils sont avant tout des musiciens de studio. Et ont baptisé leur projet ‘The Texas Blues Project’. Il est né en 2002, et "Hangin' around" en constitue déjà le quatrième volume. Pour la circonstance, ils ont à nouveau reçu le concours du Buddy Whittington Band, dirigé par l'ancien guitariste des Bluesbreakers de John Mayall. Le line up du groupe implique également un autre chanteur/guitariste notoire, Mike ‘Mouse’ Mayes. Davantage versé dans le southern rock, il a notamment milité pour Black Oak Arkansas et Pointblank. Sans oublier le bassiste Wayne Six et le drummer Mike Gage. Yolande Walker avait déjà apporté sa collaboration à la confection d’un précédent opus. Aux vocaux. Pour la circonstance, elle a entraîné dans l’aventure, sa famille. Quatre voix féminines et une masculine qui forment The Walker Effect. Le duo semble vouloir nous proposer un Texas très ‘black & white’. Indice repéré sur la pochette. D’un côté figurent les cinq musiciens blancs, de l'autre, les cinq choristes noirs, issus de la famille Walker.
Face aux chœurs des Walker, Mouse injecte toute la puissance naturelle dans la voix sur "Need a witness", un blues rock qui fait mouche. Mayes s’autorise le premier solo ; mais il est aussitôt relayé par la slide de Buddy. Blues classique, "Shouda, couda, wouda" est imprimé sur un mid tempo. Whittington a également une voix qui en impose. Elle est même autoritaire. L'orgue Hammond de Red Young apporte une touche Memphis blues à l’ensemble. Buddy est à la six cordes. Si la sensibilité de ses interventions évoque Freddie King, il n’en oublie pas d’emprunter quelques riffs à Albert King. Très roots rock, "When your lips start moving" est une superbe chanson. King Buddy est au vocaux. Il marque cette plage de sa présence si personnelle. D’autant qu’il est alors entouré de ses Walkers. Et de Red Young qui brille sur son orgue B3. Et quand la gratte opère sa sortie en pickin', le résultat est exceptionnel, assez proche d'un Mark Knopfler au sommet de son art ! Mouse Mayes se sert de tous les artifices southern rock pour attaquer "Voodoo doll (Hendrix slight revisit)", une réplique personnelle au "Voodoo child (Slight return)" de Jimi Hendrix. Mouse est dans son élément naturel quand il s'inspire de l'un ses maîtres! Mayes poursuit par "Handy man". Il est soutenu par les voix féminines. Ce texas shuffle permet aux guitares de se libérer. Elles sont chargées de passion et leur tonalité me rappelle un peu l’univers de Steely Dan, impression accentuée par les interventions d’orgue dispensées par Red. Dr Wu permet à Yolanda de chanter le slow blues texan "My man's specialty". Sa voix est également naturellement puissante. Et les échanges de cordes sont une nouvelle fois superbes. Buddy affiche sa facette la plus R&B sur "Life ain't no fair". On pense alors à d'autres bluesmen texans disparus, comme Albert Collins ou Johnny Copeland. Désolé Bryan Freeze, mais les sonorités synthétiques des claviers ne m’ont jamais bottées. "Gonna be days like that" est un pur bonheur. Buddy se réserve le micro sur ce blues lent et chante à la manière de Billy Gibbons, dans l’esprit du "Sure got cold after the rain fell" de ZZ Top, un morceau issu de "Rio Grande mud". Bryan Freeze est passé à l'harmonica pour "Full time fool", un boogie au cours duquel Red Young semble hanté par Booker T. "Best part of my life" baigne dans l’americana, la touche ‘country’ s’incrustant dans la sphère blues. "Slow rollin' train" clôt le long playing. Un dernier clin d’œil appuyé au ZZ Top originel, sans éprouver la moindre difficulté. Ce disque est une belle propagande pour la musique texane!
Ce samedi 16 novembre, Valérie June revenait au Botanique, à l’Orangerie très exactement, quelques mois seulement après s’être produite à la Rotonde. L’une des révélations féminines de l’année est parvenue à conquérir tant le public féminin que masculin, grâce à son album « Pushin’ Against a Stone ». Ce n’est donc pas étonnant que le Bota affiche une nouvelle fois ‘complet’ ce soir.
Pour assurer sa première partie, la demoiselle a emmené un groupe issu du Missouri dans ses valises : le Ben Miller Band. Leur country-blues est une parfaite mise en bouche. Un avant-goût de l’atmosphère sudiste qui va baigner la salle, toute la soirée. Aussi, lorsque le trio vide les lieux, après avoir accordé un set irréprochable, la température est déjà montée de quelques degrés.
Lorsque la native de Memphis (NDR : c’est dans le Tennessee) monte sur l’estrade, un fan lui adresse un ‘I love you’ évocateur. Faut dire que la jeune femme possède plusieurs cordes à son arc. Outre son talent de chanteuse et de musicienne, Valérie June Hockett est vraiment charmante. Luxuriante, en forme de méduse (NDR : référence à l’une des trois Gorgones, dans la mythologie grecque), sa chevelure impressionne. Elle est vêtue d’une robe pailletée et d’un pantalon qu’elle ôtera au cours du concert, sans doute accablée par la chaleur qui règne dans la salle. Elle est soutenue par deux musiciens qui maîtrisent parfaitement leur sujet. Le premier se charge des fûts. Le second est partagé entre guitare, violon et violoncelle. Quant à l’Américaine elle passe aisément de la guitare acoustique à l’électrique ou du banjo à la mandoline. Enfin, son timbre nasillard est en tous points pareil à celui de l’elpee. Pendant, une heure et dix minutes, elle va interpréter la majorité des plages de son dernier opus, tels que les magnifiques « You can’t be told » ou encore « Somebody to Love », mais également de nouvelle chansons. Elle fait cependant l’impasse sur les compos qui nécessitent un line up plus étoffé, à l’instar du morceau gospel « Wanna be on Your Mind ». Entre chaque titre, outre les remerciements habituels, Valérie June prend le temps de discuter avec son public, racontant des histoires de famille, … Elle partage son plaisir d’être sur scène et le public est aussi réceptif que ravi.
Toujours dans le même état d’esprit, après le concert, elle improvise une séance d’autographes, et n’hésite pas à tailler une bavette avec l’un(e) ou l’autre mélomane. Quelle belle humilité pour une artiste aussi talentueuse !
(Organisation Botanique)
Une rapide inspection de ma mémoire se solde par un constat effarant.
La dernière fois que j’ai assisté à un concert de Nick Cave, c’était il y a déjà dix-sept longues années.
Oui. Dix-sept ans.
Un concours de circonstances heureuses et je fonce vers Esch-Sur-Alzette, en cette soirée qui sent déjà le début de l’hiver.
La Rockhal est encore une des dernières salles à permettre de profiter d’un live de grande envergure dans des conditions optimales.
Malgré une foule de fans, le confort reste idéal et c’est un luxe par rapport à certaines autres installations.
L’endroit propice pour retrouver cette légende vivante après autant de temps.
Nick Cave m’a toujours impressionné. De par son aura, de par son talent, de par son insatiable gourmandise au travail.
Si mon admiration s’était quelque peu estompée, suite à la publication d’œuvres un peu trop anecdotiques voire moins inspirées (NDR : exception qui confirme la règle, le projet parallèle baptisé Grinderman), « Push The Sky Away », paru cette année, avait sensiblement ravivé la flamme de ma passion.
Et si par malheur, j’avais oublié quel incroyable monstre de scène l’Australien incarnait, et bien il s’est chargé de me le rappeler ce soir. Une gifle énorme assenée par sa main rouge, laissant la marque de la bête sur mon visage cramoisi.
Toujours impeccablement sapés, Nick et ses mauvaises graines s’emparent de la scène. Et dès les premiers instants de leur set, les fans agglutinés à leurs pieds sentent déjà le souffle brûlant de cette atmosphère qui va bientôt consumer l’auditoire.
Entamant leur parcours par deux perles du dernier album en date, à savoir « We No Who U R » et « Jubilee Streeet ».
Un début en douceur, mais qui prélude déjà la rage contenue ne demandant qu’à exploser.
Un orage qui ne tarde pas à venir cambrer la silhouette de Warren Ellis, comme agité de spasmes électriques ainsi que son violon transformé en guitare, éructe ses notes magiques sur « Tupelo »
On ne dira jamais assez combien Monsieur Cave sait s’entourer de personnages se comportant comme de véritables révélateurs de tout son génie.
Mick Harvey ou Blixa Bargeld hier, Ed Kuepper ou le phénoménal multi-instrumentiste à la longue barbe mystérieuse aujourd’hui.
Et de plus, nul homme sur terre n’est à mon sens capable de tirer de telles complaintes fiévreuses d’un violon.
Tandis que celui-ci échange son instrument fétiche contre une flûte traversière, une « Red Right Hand » jette son ombre sur les murs de la salle.
Une apogée cyclonique qui se prolonge dans l’immuable « From Her To Eternity ».
Un déchaînement rageur qui nécessite forcément une accalmie, de sorte à contraster violement et laisser l’ex-Birthday Party nous démontrer, si besoin était, qu’il maîtrise parfaitement les deux extrémités du spectre.
Chuchotements et caresses vocales viennent donc grossir les cœurs sur « Into My Arms » après avoir été déposées par un vibrant « West Country Girl ».
Insistant auprès de son public pour cueillir l’une ou l’autre proposition, le groupe entame alors « Sad Waters » puis enchaîne par « God Is In The House ».
Alléluia ! L’univers s’est rétréci et s’est lové autour de nous.
Il lui faut donc retrouver sa place initiale ou tout du moins ses infinies proportions, alors Nick Cave attaque « Higgs Boson Blues »
Maître du temps et de l’espace, il se jette alors tête en avant dans une version enflammée de « Mercy Seat » tandis que son compère Ellis balance une énième fois son archet dans les airs à la fin du morceau.
« Stagger Lee » et « l’introspectif « Push The Sky away » viennent clôturer la première partie du concert de Nick Cave & The Bad Seeds…
« Give Us A Kiss » largue de nouveau les amarres, mais le navire australien n’accordera plus que trois escales supplémentaires.
L’incontournable « Do You Love Me », le poignant « Weeping Song » et le vénéneux « Jack The Ripper » viennent alors clôturer ce voyage fantastique.
Le choix des chansons aurait pu être plus pertinent pour le vieux fan que je suis, mais il n’en demeure pas moins que la prestation de ce soir m’a définitivement et absolument rendu impatient de revoir ce monstre sacré.Et dire que je ne puis me rendre à Anvers, ce lundi…
(Organisation : L'Atelier)
Mobilisation relativement faible pour la première apparition de Volcano Choir sur nos terres. Et ce n’est pas faute d’avoir essayé. En tablant sur l’accroche ‘Volcano Choir featuring Justin Vernon of Bon Iver’, le Botanique et le Cirque Royal espéraient certainement cocher toutes les cases du tableau de réservation. Mais c’est au final dans un Cirque Royal rétrogradé à son format ‘Medium’ que le barbu et ses idoles se sont produits, devant un public plus attentif que jamais.
Et quel bonheur, ce public ! Certes, les balcons du second étage se sont vus condamnés pour la soirée, suite à la vente faiblarde des tickets. Ce qui n’a pas découragé Volcano Choir, formation réunissant Justin Vernon et les six membres de l’une de ses formations fétiches, Collections of Colonies of Bees. Les sept musiciens ont offert un set majestueux devant un parterre des plus respectueux.
Dès l’entame, vers 21h, le Cirque Royal plonge dans un silence religieux. Justin Vernon se place derrière son pupitre dissimulant les textes des morceaux de la troupe ainsi que sa loop station. Les six CCOB s’installent derrière leurs instruments et le spectacle démarre sur « Tiderays », entame du second LP, « Repave ». S’ensuivent une heure et quart de pur ravissement, étayée par des versions sublimées de « Island, IS », « Acetate », « Bygone » et autres « Comrade ». Un set ponctué de trois nouveaux morceaux, dont « The Agreement » et « Valleyonaire », s’emboîtant parfaitement à l’ensemble.
Et toujours, ce silence salvateur entre ET pendant les morceaux. Aaah, le plaisir d’écouter un concert sans parasitage ! Les applaudissements, plutôt timides en début de parcours, enflent à la même mesure que l’intensité de la performance. La formation semble ravie. Ça tombe bien, nous aussi. Puis interviennent ces grands moments de grâce, « Alsakans », « Dancepack » et, en fin de set, une superbe version de « Still », morceau incorporant les textes du « Woods » de Bon Iver et extrait du –je ne le dirais jamais assez– génialissime « Unmap ».
La cohésion de groupe n’était pas nécessairement évidente en début de set, mais le septuor est parvenu, au bout de quelques morceaux, à faire oublier le côté ‘featuring Justin Vernon of Bon Iver’, qui aurait pu ébranler la solidité du show. Le Volcano Choir remballe ses bagages après avoir accordé un joli rappel consacré aux intenses « Youlogy » et « Almanach ».
Simplement superbe !
(Organisation : Botanique)
Unknown Mortal Orchestra est un groupe réunissant le chanteur/guitariste/compositeur néo-zélandais Ruban Nielson (NDR : ex-Mint Chicks) et une section rythmique de nationalité étasunienne, à savoir le bassiste Jack Portrait et le drummer Riley Geare. Et le trio est établi à Portland, dans l’Oregon. Il se produisait à l’Ancienne Belgique de Bruxelles, ce mercredi soir, dans un Club sold out. U.M.O. est devenu un des fers de lance du néo-psychédélisme. Disons plutôt du psychédélisme contemporain, même si le band puise allègrement son inspiration dans les sixties, ce courant revenant cycliquement à la surface. Après avoir assuré le supporting act de grosses pointures comme Liars ou Grizzly Bear, la formation tourne aujourd’hui comme tête d’affiche. Responsable de deux elpees, sobrement baptisés « I » et « II », elle vient de graver un nouvel Ep intitulé « Blue Records ». Et on était impatients de découvrir les morceaux de cette dernière plaque…
En première partie, les organisateurs avaient invité un jeune combo batave. Issu d’Eindhoven, très exactement. Mozes and The Firstborn. Sur les planches, les quatre chevelus s’en donnent à cœur joie. Leur indie-rock est bien foutu. Les Néerlandais maîtrisent parfaitement leur sujet. Ils s’autorisent même quelques écarts en pseudo freestyle, mais retombent toujours sur leurs pattes. Une bonne surprise comme mise en bouche avant de passer aux choses sérieuses.
Vers 21h, Ruban Nielson monte sur l’estrade. Il a enfilé une veste qui va lui rester sur le dos tout le concert, alors que dans la salle, la température est caniculaire. Une première prouesse ! Barbu, Riley Geare se contente d’un marcel, et s’installe derrière ses fûts alors que Jacob Portrait va se planter à gauche de la scène. Unknown Mortal Orchestra entre directement dans le vif du sujet et attaque même plusieurs compos récentes. Ruban Nielson torture sa Fender Jaguar pour en extirper des sonorités plus hallucinées les unes que les autres. A chaque titre ou presque, le band s’autorise des envolées improvisées. Mais les musicos sont tellement complémentaires, que sans se regarder, et instinctivement, ils retrouvent le fil conducteur. Si les parties de guitare sont impressionnantes, celles du batteur m’ont totalement sidérées. Difficile de croire qu’il n’utilise que ses deux bras et ses deux jambes. Et où va-t-il chercher sa résistance pour maintenir un drumming si enlevé, aussi longtemps. Tout individu à la constitution normale, souffrirait de crampes après trois morceaux ! C’est même tout bonnement hallucinant ! (NDR : terme judicieux vu le style musical proposé). Evidemment, dans ces conditions, comment voulez-vous que le bassiste tire son épingle du jeu. En fait, il se charge de baliser le tout. Le groupe va puiser dans tout son répertoire, épinglant au passage le remarquable « How Can Yo Luv Me », fruit de la rencontre entre psychédélisme et soul. Déjà une heure qu’Unknown Mortal Orchestra est sur les planches. On n’a pas vu le temps passer. Le public est aux anges. Mais qu’il est difficile de revenir sur terre après avoir vécu un voyage sonore aussi éblouissant…
(Organisation Ancienne Belgique)
Fondé en 1994, Gov't Mule est un groupe qui, à l’origine, réunissait des musiciens militant en même temps chez le prestigieux blues band sudiste, Allman Brothers Band. Soit le chanteur/guitariste Warren Haynes, le bassiste Allen Woody et le drummer Matt Abts. A l’instar de l'ABB, Gov't Mule aime se produire en live, afin d’y interpréter de longues versions de ses compos. C’est un adepte des jam sessions, par excellence. Woody décède en 2000, suite à une overdose d'héroïne. Les deux rescapés décident alors de rendre hommage à leur acolyte disparu, en publiant 2 volumes de "The Deep end", des œuvres pour lesquelles ils reçoivent le concours de 25 bassistes différents, que Woody appréciait tout particulièrement. En 2003, Andy Hess récupère la basse. Puis le line up s’enrichit d’un claviériste, Danny Louis. En en 2009, Jorgen Carlsson reprend le rôle de ‘quatrecordiste’. Le discographie du combo est plutôt conséquente. Faut dire qu’il immortalise tous ses concerts, et en autorise la commercialisation. Intitulé "Shout!", le nouvel opus est enrichi d’un second cd, reprenant toutes les mêmes compositions, mais impliquant un ou plusieurs invités.
L’elpee démarre par "World boss", une plage imprimée sur un tempo funky. Si la section rythmique est de grande classe, la part belle est laissée à la guitare de Haynes, un musicien qui jouit d’un énorme potentiel créatif. Et il ne faut guère attendre pour qu’il mette en exergue son talent. Sa six cordes libère constamment des sonorités relativement déjantées, tout au long de "No reward", un blues ravagé par le psychédélisme. "Whisper in tour soul" véhicule des accents acides, une ballade qui se développe lentement, suivant la cadence imposée par les percussions d’Abts. Et ce mouvement rythmique nous entraîne dans un périple aux saveurs étranges, à la poursuite d’une guitare qui s'évade sur des sentiers torturés et complexes. Epique, "Captured" s’inspire des longues chevauchées imaginées par Neil Young et son Crazy Horse, même si on y décèle un zeste de Pink Floyd circa "Wish you were here". Et l'envol des cordes est tout à fait passionnant. "Scared to love" trempe dans le pur reggae. A cause des percus si caractéristiques et des interventions d’orgue bien en rythme, même si la mélodie rappelle une certaine époque des Beatles. "How could you stoop so low" est une piste au cours de laquelle la gratte et l’orgue tirent parfaitement leur épingle du jeu. Une bonne jam de blues que Haynes chante dans un registre parfois proche de Joe Cocker. Et sa voix est chargée de passion, lorsqu’il aborde "Forsaken saviour", un morceau indolent mais à la superbe mélodie. Une compo de toute benne facture, soulignée par les accords de gratte tout en sensibilité et les judicieuses interventions de Danny Louis, au piano. C’est un riff qui donne le ton à "Done got wise". Warren est passé à la slide. Le tempo est hypnotique et la densité sonore évoque manifestement Little Feat. Bénéficiant également d’une chouette mélodie, "When the world gets small" permet à Haynes de confectionner un solo exceptionnel, très travaillé, progressif, avant qu’il n’atteigne le point de rupture et l'explosion. Bien enlevé, "Funny little tragedy" frise les exaspérations punk, mais une voix sage, réminiscente de Sting en pleine quintessence de Police, calme quelque peu les esprits. "Bring on the music" clôt le premier disque. Une finale qui s’étale sur plus de 11'. Elle se déploie lentement, nonobstant les changements de rythme, et se singularise par une dernière sortie glorieuse de la guitare, exécutée dans l’esprit de l’Allman Brothers Band.
Le bonus cd nous propose donc le même tracklisting, mais réserve les parties vocales à des invités. Warren a opéré un choix en fonction du style habituel du chanteur. Ce qui ne suscite jamais un sentiment d’ennui et nous réserve même quelques bonnes surprises. Ben Harper n'apporte pourtant rien de bien neuf pour "World boos". Par contre, Elvis Costello est vraiment convaincant sur "Funny little tragedy", une compo qu’il se réapproprie dans l’esprit des Attractions. Dr John tire également son épingle du jeu. Sa voix de fausset et ses claviers funky apportent une toute autre dimension à "Stoop so low". La jolie Grace Potter est parfaitement dans son élément pour interpréter le psychédélique "Whisper in your soul". Toots Hibbert, leader de Toots and the Maytals, est également dans son univers pour revisiter le reggae "Scared to live". Glenn Hugues pose impeccablement son timbre soul rockin' blues sur "No reward". Et Stevie Winwood nous démontre qu’il n’a rien perdu de ses facultés d’interprète pour adapter "When the world gets small".
Né en Californie, Brad Wilson est chanteur, guitariste et compositeur. Il est bien imbibé de blues et d'american roots. Il était au service de la chanteuse Kathy McDonald, avant de rejoindre Los Angeles, où il milite au sein de groupes de rock et métal. En 2003, il décide d’embrasser une carrière individuelle. Sa discographie est plus que respectable. Et pour cause, il compte près de quinze albums à son actif. Pour enregistrer "Blues Magic", il a reçu le concours du drummer Adam Gust, du bassiste Brian Beal et du claviériste Kirk Nelson. Un disque paru voici quelques mois. Pas son dernier, car il vient de publier "Hands on the wheel", chez Music Avenue/Blues Boulevard.
Le titre maître ouvre les hostilités. Un excellent blues roots aux accents exotiques, abordé dans un style proche de Santana. "Sugar sweet" poursuit dans un style assez semblable. Imprimé par la section rythmique et les claviers, le tempo est répétitif. Plutôt coriace, la guitare se sert de cette assise pour décoller. De bonne facture, "Hot stuff" est une compo dansante, sculptée dans le R&B funky. La partie de cordes est très soignée. Brad a le bon goût de ne pas en remettre une couche. Il respecte la cadence adoptée. Une plage parfaitement mise en forme, par ailleurs. Blues lent, "My one desire" trahit des intonations jazz. Une piste digne de feu Gary Moore, lorsqu’il dispensait parcimonieusement ses notes, dans ce registre. Une approche qu’on retrouve sur "I'm still breathin". Wilson a une bonne voix et il la met au service de ses compositions. "Cryin' lonely teardrops" lorgne vers le soul blues, un titre imprimé sur un mid tempo et caractérisé par un superbe solo en picking. Plus southern rock, "Roll with me" et "Raining in my heart"évoluent aux confins de l’univers sudiste du Marshall Tucker Band voire de Greg Allman. L’orgue tapisse le décor sonore et la six cordes est bien chaude. Blues rock classique, "The road back to you" adopte un profil semblable à celui du Cream. Le riff est bien lourd. Comme à l’époque glorieuse de Beck et Clapton. Même la voix évoque Jack Bruce. Solide Chicago blues shuffle, "Nobody but you" est particulièrement saignant. Tant la guitare que le tempo. Hormis la gratte de Wilson, "On a summer day" privilégie le format acoustique, une ballade americana empreinte de délicatesse. Et c’est dans ce style folk que "Wintergreen" clôt le long playing…
Adeptes d’incantations relativement vaudou, les deux loustics qui militent au sein de Zomes préfèrent apparemment les organes distordus aux chants amérindiens pour hypnotiser leurs ouailles… Les lentes constructions expérimentales imaginées par les cerveaux enfumés de ce duo réunissant Hanna Olivergren et Asa Osborne (Lungfish) ne s’adressent pas à toutes les oreilles. Si le chaman Osborne se sert d’un clavier pour libérer des sonorités sauvagement distordues, la Suédoise Olivergren nous réserve des vocalises plutôt surprenantes, sa voix oscillant entre les murmures, les cris et diverses supplications formulées en anglais ou suédois. Monolithiques mais envoûtants, les morceaux de Zomes transcendent –parfois– le minimalisme de leur mise en scène pour approcher de drôles de territoires faits d’échos et de mélodies suspendues derrière un mur du son savamment recherché… Zomes a créé son propre drone-folk en gravant cet étonnant mais peu accessible « Time Was » !
On ne peut pas dire que leur patronyme soit particulièrement glamour. Pourtant, le folk expérimental et électrifié de cette formation étasunienne mériterait davantage qu’un succès d’estime. Faut dire que malgré la publication de 5 opus, elle semble se complaire dans une relative discrétion. « Coming Out of the Fog » constitue donc le dernier elpee de ce groupe drivé par Dave Heumann. Fondé dès 2002, leur premier opus n’est cependant paru qu’en 2006. Depuis, il faut reconnaître que le band a rattrapé le temps perdu.
« Coming Out of the Fog » trempe dans le dark folk. Un changement radical d’orientation, car auparavant, on avait l’impression qu’Arbouretum ne parvenait jamais à choisir entre sludge, doom et rock psyché. Si la distorsion est toujours bien présente, le nouvel essai s’avère plus conventionnel, lorgnant même carrément vers le grunge. La voix de Heumann rappelle même celle d’Eddie Vedder. Indolente, légèrement expérimentale, à la limite du prog rock, la musique d’Arbouretum me fait ainsi penser parfois au résultat de la collaboration entre Pearl Jam et Neil Young, sur l’album « Mirror ball », un disque paru en 1995, faut-il le rappeler. « Ocean Don’t Sing » et « Renouncer » en sont certainement les plus beaux exemples. Les solos de Heumann sont souvent inspirés (« The Long Night ») et si le climat est ténébreux, il ne communique jamais, chez le mélomane, un sentiment de morosité. Et l’opus s’achève par l’acoustique « Coming Out of the Fog », une plage vraiment remarquable…
Agé de 62 balais, Eric Bibb est chanteur, guitariste et compositeur. Originaire de New York, c’est le fils de Leon Bibb, un chanteur de folk notoire. Il s’est installé à Helsinki en compagnie de son épouse finnoise. C’est en 1997, qu’il a acquis une certaine réputation en gravant "Good stuff". Depuis, il publie régulièrement des albums, principalement pour Manhaton (NDR : le label anglais d'Alan Robinson), Telarc International et Stony Plain. Les deux derniers opus remontaient à 2012, "Deeper in the well" chez Dixiefrog, et "Brothers in Bamako", en compagnie du musicien malien Habib Koité, sur Contrejour. Glenn Scott, a produit et mixé ce CD. Il a également participé aux sessions d’enregistrement de la majorité des plages, en jouant des claviers et des percussions, parfois même de la basse et de la guitare. Insulaire, Glenn est donc musicien, compositeur et producteur de couleur noire. "Jericho road" est le fruit de la collaboration entre les deux artistes qui partagent une même passion pour la musique traditionnelle américaine.
Empreinte de douceur, "Drinkin' gourd" est une compo qui parle de la fuite d'esclaves, qui ont pris la direction de la Drinkin' Gourd, en suivant une constellation qui inclut l'étoile Polaire. Ballade folk, "Freedom train" célèbre cet hymne à la liberté, une compo caractérisée par le concours discret de cordes électriques, d'un accordéon et par la présence de choristes. Complexe, "Let the mothers strip up" libère une énergie funk produite par les percussions et des claquements de main, une piste au cours de laquelle trois guitares électriques finissent par se conjuguer. Staffan Astner est préposé à la partie solo alors qu’une section de cuivres complète, constituée de musiciens suédois, vient tapisser le tout. "Have a heart" véhicule des accents africains. Et pour cause, le Sénégalais Mamadou Sene vient donner la réplique vocale, alors que Solo Cissokho se réserve la Kora. Une plage impliquant également la vocaliste texane Ruthie Foster et le gratteur suédois Astner, qui a ramené sa Telecaster. Jolie complainte soul/blues, "The right thing" est balisé par la ligne de basse que trace Victor Wooten (NDR : un membre de Bela Fleck) et les interventions répétitives de Scott aux ivoires. Blues authentique, "Death row blues" est sculpté dans les cordes acoustiques, parcouru par le piano de Glen et balayé par l'harmonica de Grant Dermody (NDR : un souffleur issu de Seattle). Un véritable moment magique ! Hammond et cuivres alimentent "Can't please everybody", un funk blues électrique. La voix d’Eric est remarquable tout au long de "The Lord's work", un blues rudimentaire dont les lyrics prêchent la paix, en s’accompagnant à la six cordes aux sonorités chargées de reverb’. Eric et Glen se partagent les vocaux sur "With my maker I am one", un autre superbe blues roots, face au dobro du Finnois Olli Haavisto et le saz turc du Norvégien Knut Reiersrud. Ce dernier collabore également à "She got mine", une autre jolie ballade roots. "One daya ta time" est censé servir de dernière ballade folk. Pas tout à fait, car après une demi-minute survient un bonus track intitulé "Now". Et quand on attend encore une poignée de secondes, le griot sénégalais débarque pour chanter "Nanibali, armé de sa kora.
Grass House est une formation originaire du Yorkshire, mais qui s’est établie à Londres. Un quatuor qui vient de publier son premier elpee, « A Sun Full and Drowning ». Bénéficiant du concours de Jim Anderson (Cold Specks, The Twilight Sad, …), aux machines, on peut dire que pour un premier essai, les Anglais ne se sont pas loupés.
Si la voix caverneuse et vibrante de Liam Palmer rappelle parfois Nick Cave, la musique de Grass House est plutôt classieuse. Indolente également. Les guitares sont constamment chargées de reverb’ et seules quelques notes parviennent à s’extirper de l’ensemble, pour libérer ses mélodies. Parfois, on a l’impression de pénétrer dans l’univers de The Last Shadow Puppets, mais en moins symphonique. Certaines compos nous réservent de belles envolées. Et prennent alors de l’intensité. Notamment lorsqu’elles sont enrobées de chœurs ou quand le vocaliste parvient judicieusement à hausser le ton. Et même si tous les titres méritent une mention particulière, j’épinglerai surtout les excellents « I Was A Streetlight » et « A Thousand Generators ». Un album vraiment chargé de promesses…
Il y a déjà près d’une décennie, la famille Followill cultivait un parfum sonore qui sentait bon le Sud des States. Et prononcer le nom Kings of Leon suscitait une excitation légitime. A l’époque, on comparait même le groupe à Creedence Clearwater Revival. Cette impression a fait long feu. Dès le troisième album, les natifs de Nashville ont voulu polir leur son à l’extrême, reniant ainsi leurs racines sur l’autel de l’accessibilité. Leur musique devient alors banale voire même ennuyeuse. Pourtant, ce changement de cap va leur permettre de squatter la tête des charts, d’assurer le supporting act des tournées de U2 dans les stades. Alors que paradoxalement, le sens créatif était manifestement à l’agonie.
« Mechanical Bull » semble enfin pouvoir stopper l’hémorragie ; mais la convalescence sera encore longue. Sur ce sixième album, on a sporadiquement l’impression d’entendre le spectre d’un passé prometteur. Et c’est manifeste sur les deux premiers morceaux de l’elpee, au cours desquels on reprend conscience que les Followill ont grandi dans le Sud. On pense notamment à « Supersoaker » ou « Rock City ». Malheureusement, ces moments sont encore trop rares et le groupe retombe rapidement dans ses travers. Ainsi sur « Don’t Matter » et « Tonight », Kings of Leon se contente d’étaler ses grosses guitares. De quoi enrichir son cv pour postuler auprès de U2 pour les accompagner lors de leur prochain périple. On a même doit à une chanson ‘romantique’ dégoulinante. Et elle s’intitule « Wait for Me ». Bref, hormis le démarrage, ce « Mechanical Bull » est encore trop propre ! Faut quand même avouer qu’Angelo Petraglia a une fois de plus accompli du très beau boulot !
Malgré quelques éclaircies, les Kings of Leon ne sont pas encore guéris de leur affliction ; et la rechute n’est jamais loin. Perso, je doute réellement qu’ils puissent un jour remonter la pente. Qu’il est loin le temps de « Youth and Young Manhood » !
Plus habitué à cracher des boules de bruits sales aux relents psyché cosmiques, qu’à se payer une virée ensoleillée en bord de mer, Kinski prend le pari audacieux de se diversifier sur ce septième album studio (si on fait fi de leurs multiples collaborations et des Cds autoproduits qui parsèment leur discographie).
Une bonne initiative si on considère la relative insignifiance au sein de laquelle le groupe s’était embourbé depuis quelques années.
D’ailleurs, leur dernier essai datait de 2007.
Sauf qu’après plusieurs écoutes, « Cosy Moments » laisse dubitatif.
Balancé entre un désir de soigner le sens mélodique à l’aide du chant et une tendance à se repaître de grunge pataud (un comble après avoir quitté Sub Pop !), cet album souffle le chaud et le froid.
Si on considère que le Kinski d’« Airs Above Your Station » (2003, quand même !) est rangé depuis belle lurette dans un de leurs placards, on peut considérer certains titres de cet elpee comme responsables d’agréables moments ; mais il faut aussi accepter d’ineptes incursions synthétiques, d’inconsidérables longueurs tout aussi inutiles qu’ennuyeuses (« Counterpointers » surtout) et digérer quelques disgracieux solos maigrichons, voire quelques chœurs susceptibles de provoquer la nausée.
Là où jadis les murs tremblaient, la maison Kinski affiche aujourd’hui une façade ornée de lumières aguicheuses et d’un pare-soleil en terrasse.
Suffisamment sympathique pour y siroter un verre, mais pas pour s’y attarder toute la nuit.
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