Le Tedeschi Trucks Band est un groupe qui marche très fort aux States. A l’origine, il se produisait sous le patronyme de Dereck Trucks and Susan Tedeshi Band, une formation fondée en 2010 à Jacksonville (NDR : c’est en Floride !) Dereck et Susan sont mariés. Agée de 42 ans, elle est originaire de Boston. Chanteuse/guitariste, elle a déjà publié plusieurs elpees sous son propre nom. Derek, lui, n’en a que 34 ans. C’est le leader de son Derek Trucks Band et surtout il est membre de l’Allman Brothers Band.
Le premier opus du TT Band "Revelator" est paru en 2011, un disque qui a décroché un Grammy Award pour le ‘meilleur album de blues’. Et le deuxième est sorti en 2012. Un ‘live’ intitulé "Everybody's talkin'". Pour ce troisième essai, le couple a reçu le concours de Kofi Burbridge, aux claviers et à la flûte, de deux batteurs/percussionnistes, de cuivres et de choristes.
Le titre maître ouvre l’elpee. La compo est imprimée sur un rythme soutenu. Puissante, la voix de la charmante Susan domine l'ensemble jusqu'à ce que Derek libère sa slide, une sortie musclée, caractérisée par sa sonorité caractéristique. "Do I look forward" constitue un des sommets de l’opus. Sur une superbe mélodie, Susan chante d’un timbre rocailleux, expressif, cette compo bouleversante illuminée par une orchestration magique et traversée par une slide tout à fait exceptionnelle. Manifestement l'école de l’Allman Brothers Band a été déterminante dans la formation du jeune Trucks. Pas pour rien que son père, Butch Trucks, a assuré le rôle de drummer dès les débuts de l'ABB, aux côtés de Duane Allman et Dickey Betts! Introduite par les cordes acoustiques de Derek et la flûte de Kofi, "Idle wind" est une ballade au cours de laquelle la slide refait surface en fin de parcours, au coeur des cuivres. "Misunderstood" est une plage coécrite par Sonya Kitchell (une jeune chanteuse/auteur/compositrice) et Eric Krasno (guitariste de Soulive). Funky elle laisse la part belle aux cuivres et à l'orgue Hammond. La même paire signe également "It's so heavy", une ballade assez émouvante que Susan chante avec une émotion bien palpable devant les soubresauts de la slide. Le guitariste texan Doyle Bramhall partage l’écriture de "Part of time". Il en profite pour communiquer une touche soul au TTB. Bramhall remet le couvert sur "All that I need", une piste réminiscente de l’Allman Brothers ponctuée par une sortie brillante de la slide. Très southern rock, "Whiskey legs" se limite à la voix, les guitares et la section rythmique. Et le résultat est excellent ! Les deux époux s'échangent des chapelets de notes sur leurs grattes. Susan chante passionnément "Sweet and low", une ballade soul issue de la plume d’Eric Krasno. "The storm" constitue le meilleur titre de cette œuvre. Puissant, inventif, complexe, stimulé par ses changements de rythme, c'est la dernière occasion franche accordée à Butch pour faire palpiter sa slide ou lui permettre de dialoguer avec l'orgue Hammond. Duo acoustique intimiste échangé entre Susan et Butch, "Calling out to you" clôt l’elpee, une piste écrite par Eric Krasnus.
Projet monocéphale baigné d’ambiances orageuses et sourdant des échos d’un céleste onirisme, le projet d’Eric Quash, alias Thisquietarmy (en attaché s’il vous plaît) manie l’Art pompier du bruit avec autant de zèle que je m’applique à tremper ma plume dans l’encre noire de ses compositions infestées figurant sur « Hex Mountains ».
Actif depuis deux mille cinq, le Canadien tisse depuis, les motifs sombres d’une ode à la noirceur, à l’étrange et aux brumeuses incantations d’entités gisant dans les tréfonds de son esprit.
Si une vingtaine de projets jonchent sa riche discographie, attardons-nous sur ce dernier essai.
Un projet axé sur une spirale tournoyante qui emmène l’auditeur dans un gouffre angoissant et laisse planer une ombre menaçante d’un bout à l’autre des quatre titres ici présents, dont il est bien difficile de se dépêtrer après écoute.
C’est donc à une expérience inquiétante, comme un voyage introspectif auquel il faut s’attendre avant d’entamer ce périple en terre inconnue.
A l’instar de certaines substances chimiques, « Hex Mountains » pourrait donc donner lieu à quelques mauvais trips si vous n’êtes pas en condition optimale pour ce grand plongeon.
Car le voyage est glacial, et les silhouettes qui planent au dessus de ces montagnes renvoient à des fantômes abandonnés depuis la nuit des temps.
Nuit hantée, possédée et qui renvoie les échos de cauchemars ancestraux.
Brrr… Ce qui ne donne pas franchement envie de s’immiscer dans cet univers glauque.
Sauf que…
Sauf qu’évidemment, ce type de mise en abîme fait appel à la curiosité malsaine de chacun et nourrit l’amour morbide pour ces vieux contes qui nous faisaient trembler lorsque nous étions encore des enfants.
Les craquements, les bruits épars, les sonorités elles-mêmes renvoient aux souvenirs laissés dans nos imaginaires et la somme de toutes ces ambiances ne seraient somme toute que peu intrigante si elle ne se nourrissait du suc de nos mémoires.
Sorte de train fantôme en paysage désolé, ce disque génère des plaisirs solitaires, là où on s’abandonne aux monstrueux, au gisant tapis dans le noir, et autres mouvements imperceptibles qui secouent la lourde tenture de nos rêveries.
Entouré pour l’occasion de collaborateurs physiques, Eric Quosh signe son album le plus noir, le plus sombre, mais surtout le plus abouti.
Si on pardonne un certain maniérisme dans les envolées de « Spirit In Oblivion » et une qualité de son étouffée, on prendra donc son pied lors de cette randonnée accomplie en compagnie de vieux esprits.
Conseil : munissez vous quand même d’une petite laine.
Il fait plutôt froid dans ces vallées sépulcrales.
De passage au Magasin 4 le 12 novembre et à l’An Vert de Liège le 15 du même mois.
Billy Thompson est originaire de Fayetteville, en Caroline du Nord. Guitariste, il chante le blues et le R&B. Sa discographie est conséquente. En 1994, il publie son premier opus, "Coat with many colours", en compagnie des Mighty Penguins. Sous son propre nom, il a gravé "Tangerine sky" en 1998, "Area 51" en 2005 et "A better man" en 2010. Ce dernier elpee avait été produit par Tony Braunagel (Robert Cray Band) et notamment bénéficié du concours de Mike Finnigan, John Lee Schell, Kenny Gradney et Lenny Castro. En 2001, il avait participé au spectacle musical de Broadway, "It ain't nothin' but the blues".
En ouverture, "Soldier of misfortune" donne le ton. Un morceau de Memphis R&B au cours duquel Billy démontre qu’il possède une fort bonne voix pour ce style. Il laisse échapper de subtiles grappes de notes inspirées par Albert King, alors que la section de cuivres épouse les riffs. Il reprend le "Garden" de Joey Harris, une plage blues roots, à laquelle participe Bill Payne, le pianiste de Little Feat. Constituée de Hutch Hutchinson à la basse et Eric Selby à la batterie, la section rythmique est solide. Ce qui permet à Bill de se concentrer sur sa guitare slide. Thompson vit son blues. Sa voix est empreinte d’une grande sensibilité tout au long du blues indolent, "Interlude". Et l’atmosphère intimiste, chaleureuse est entretenue par l'orgue Hammond B3 de Mike Finnigan (Bonnie Raitt Band). Blues enlevé, "Farmer Kenny" est une piste qui permet aux solistes –Billy, Wes Lamich à l'orgue et Red Holloway sur son saxophone– de tirer leur épingle du jeu. Excellent, le titre maître est une ballade roots découpée dans des accords de gratte à la fois saignants et captivants. Un peu dans le style d’un Clapton contemporain. Particulièrement mélodique, "Halfman" baigne dans un climat intimiste. Funky voire même R&B, "Many faces" est dominé par le sax de Ron Holloway et enrobé de choeurs féminins. Le funk devient percutant sur "Satisfied". Nous ne sommes pas tellement loin de Little Feat qui a justement délégué son pianiste Bill Payne et son bassiste Kenny Gradney. Chargé de passion mais indolent, "Then my love" est un gospel blues au cours duquel le sentiment de mélancolie est entretenu par l'orgue de Finnigan. Soudés par le rythme, les quatre musicos se déchaînent tout au long d’"Ain't but one", un R&B nerveux, dansant. Shuffle de bonne facture, "Got to be did" libère beaucoup de groove. La version du "Ain't no sunshine" de Bill Withers est excellente. Chargé de swing, dansant, rythmé, "While the world's winding down" clôt ce superbe long playing. Une plage au cours de laquelle la voix de Billy me rappelle alors le vétéran anglais John Mayall…
Justin Vernon s’entoure pour la seconde fois des membres de sa formation fétiche, Collections Of Colonies of Bees, pour « Repave », un nouveau recueil qui fait suite à l’élégant « Unmap », publié en 2009. L’homme derrière Bon Iver et Gayngs y est fidèle à lui-même, un grand orfèvre de mélopées qui font tantôt planer tantôt pleurer. Le point faible de ce dernier procède de sa tendance à gonfler ses prods à mesure qu’enfle l’intérêt du public pour ses créations. Un peu à l’image de la discographie issue de son occupation principale.
« Unmap » tablait entièrement sur la dimension discrète, fantasmagorique et expérimentale des neufs perles qui le composait. « Repave » se veut donc plus accessible et emprunte des routes éclairées (certains diront faciles), qui le rapproche pas mal des travaux de Bon Iver. Mais dans son ensemble, cette deuxième œuvre de Volcano Choir est une nouvelle fois fascinante tant Vernon et ses potes détaillent minutieusement chaque microseconde de leur labeur.
Volcano Choir se produira au Cirque Royal le 13/11.
Non, ce n’est pas une plaisanterie, mais le véritable nom de Barrence Whitfield est Barry White. Il est né à Jacksonville, en Floride, un haut lieu du rock sudiste (NDR : le southern rock est considérée comme la terre de l’Allman Brothers Band et de Lynyrd Skynyrd). Agé de 58 ans, il s’est forgé une belle notoriété comme chanteur de R&B et soul. Il a connu ses heures de gloire comme leader des Savages, au cours des années 1980 et 90. Il avait entre-temps déménagé à Boston. Dès 1977, pour être plus précis. Réputées explosives, ses prestations scéniques empruntaient aussi bien à Little Richard, Wilson Pickett que Don Covay. A l’époque, Barrence avait publié une dizaine d'albums.
L'homme a ressuscité ses Savages, l'année dernière ; cependant, sa musique ne trempe plus dans le soul/funk/R&B mais plutôt dans le rock féroce et primaire! Peter Greenberg, guitariste originel, qui a sévi chez des garage bands comme DMZ ou les Lyres, a accepté de recommencer l’aventure. Et il déborde toujours autant de dynamisme.
Barrence nous salue sur une rythmique franchement punk sur "The corner man". Il a conservé toute l’énergie extravertie qui l’enflammait au siècle dernier. "My baby didn't come home" est un R&B orageux. Le saxophone de Tom Quatrulli se met à hurler. Whitfield met toute la puissance dans sa voix et la guitare parvient à se frayer un chemin jusqu'à l'explosion attendue. Dévastateur, "Oscar Levant" est un rock'n'roll qui déménage. La basse de Phil Lenker et les percussions d'Andy Jody impriment le rythme alors que les autres acteurs se démènent. Et le tout macère dans un bouillonnement jouissif. Vraiment excellent ! "Bread" est du R&B rockant, soutenu par des voix féminines débridées. Les plages défilent. Les musicos ne s’accordent aucun répit, mais jamais ne se désunissent. Leur fougue leur permet de tout renverser sur leur passage. En outre, Greenberg n'hésite jamais à prendre un billet de sortie, en attaquant brutalement ses cordes comme pouvait le faire Ron Asheton, chez les Stooges. "Hey little girl" permet à Quatrulli de faire exploser son saxophone. Jamais rassasiée, la voix de Barrence libère une énergie comparable à celle d’un James Brown sur les planches. Barrence nous entraîne dans son monde où le répit n'existe pas! Et même si le tempo ralentit sur "I'm sad about it", la voix éclate d'un bout à l'autre. "Show me baby" nous dévoile les Savages sous leur jour le plus blues. "Turn your damper down" conclut dignement cette œuvre : un boogie au dynamisme détonant. Excellent et unique en son genre !
Blues Point est un trio qui pratique un mélange acoustique de blues, R&B, funk et rock'n'roll. Une formation polonaise, née à Varsovie, en novembre 2010. Le line up réunit le chanteur/guitariste/bassiste/drummer/claviériste Wlodek Sobczak, le chanteur/guitariste Mirek Borkowski et le saxophoniste Arek Osenkowski. Le groupe avait publié un premier album en mai 2012, "Po Prostu…" "Simply blues" constitue, en réalité, la version anglaise de cet opus, qui pour la circonstance a été enrichi de deux nouveaux titres.
Cette tranche de blues qui nous vient de l'Est s'ouvre par "You've gone out of my life", un morceau discrètement funky d'où s'échappe rapidement le saxophone d'Osenkowski. Et son intervention est excellente ; elle me rappelle même celle du regretté Dick Heckstall Smith, lorsqu’il militait chez les Bluesbreakers de John Mayall, à la fin des sixties. "This old good blues" baigne dans le Chicago blues urbain proche de l’esprit originel. L'atmosphère est bien reconstituée par les interventions au piano et du bottleneck, même si on se rend bien compte que l’anglais n'est pas la langue maternelle du chanteur. Imprimé sur un tempo lent, "Whiles like diamonds" nous entraîne dans une ambiance très roots. Impeccable, l’instrumentation est ponctuée par un superbe envol du saxophone. Le souci de la perfection hante "My one and only", un blues singulier qui colle bien au climat de l’elpee. Nonobstant l’âpreté des vocaux, "A new life" se distingue par la pureté du son des cordes et du saxophone. Et j’avoue que j’apprécie tout particulièrement cette piste. Le combo nous propose sa version du classique de Tampa Red, "Don't you lie to me" ; et à la sauce polonaise, elle s’avère particulièrement rafraîchissante. Caractérisé par son empreinte jazz, "Open up your heart" est poursuivi par son souci de l’esthétisme. "Lonely in this town " met une fois encore en exergue le jeu exceptionnel d'Arek. La six cordes est amplifiée tout au long du blues lent "My guardian angel" ; et manifestement Wlodek se débrouille plutôt bien dans le style. Et lorsque le saxophone entame un dialogue avec les cordes électriques, l’émotion est à son paroxysme. Très électrique, la guitare affronte alors le saxophone devenu hurleur (honky) sur "Fun with Blues Point". L’elpee s’achève par "Molla", une plage instrumentale particulièrement mélodieuse…
Racé et élégant comme les lévriers qui trônent fièrement sur les photos de ce six titres, « Noblesse Oblige » dirige directement le propos droit dans l’étroit couloir de nos pavillons.
Sans ambages, sans artifices inutiles, sans fausses courbettes ni agitation inutile.
Grâce à une voix et un phrasé qui ne sont pas sans rappeler ceux de David Gedge (Wedding Present), Geoffrey Hautvas (qui milite par ailleurs au sein de Vismets) pose ses bagages dans la cour des grands.
Fichtrement bien entouré dans sa sphère royale, aussi bien sur scène (Kevin Dochain des Von Durden à la guitare, Malik Alimoekhamedov Kupid Kids à la basse et Alexandre De Bueger fidèle de David Bartholomé derrière les fûts) qu’en studio, notre faux noble s’amuse ici, et cela s’entend à tous les étages du palais.
Sur un ton anarchiste bon enfant, Geoffrey vole donc dans les plumes de l’aristocratie avec désinvolture. Et un second degré décapant.
Musicalement, c’est assez entraînant, parfois un peu conventionnel (« Where I Belong »), mais on ne s’ennuie pas et le résultat est même très attachant.
Bref, un album qui a du chien.
C’est en 2010 que ce quatuor liégeois a publié son premier Ep, « Slackers and slaves. « Acrobates » constitue donc la suite logique de ce premier essai. Un disque qui a néanmoins bénéficié de conditions idéales d’enregistrement. Et pour cause, il a été concocté au sein des studios Brighton Electric, fréquentés autrefois par The Cure ; et sous la houlette de Ja Jago, ex-guitariste de The Ghost of a Thousand, dont la carte de visite épingle notamment la mise en forme de long playings pour The Maccabbes ou encore Mastodon. Découpé en 10 plages, cet opus propose un punk mélodique qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de Green Day, Nada Surf et Sum 41. Les compos sont bien enlevées et dynamisées par des cordes de guitare pétillantes et vivifiantes, parfois même furieuses. La voix est tour à tour claire, déclamatoire ou rugissante. Les chœurs sont bien balancés. Les drums souples. La ligne de basse est cotonneuse. Le sens mélodique, en général, préservé. Un seul titre plus élaboré, caractérisé par ses changements de rythme : « Fits and starts ». C’est peut-être le reproche que l’on peut reprocher à Chickfight, l’uniformité de ton. Mais dans le style, c’est plutôt bien fichu. Paraît que c’est sur les planches que le combo donne toute la mesure de son talent. Il a d’ailleurs assuré les premières parties pour Limp Bizquit, Cypress Hill et Sum 41. Evidemment !
Il doit sans doute s’agir de la septième compile consacrée au Clash. Particularité, le choix des titres. Dicté suivant leur concert légendaire accordé au Fairdeal de Brixton en 1982. Le tout enrichi de 8 classiques du groupe qui ne figuraient pas sur la setlist. Soit 33 plages réunies sur deux compact-discs. Dommage que ce ne soit pas ce concert qui ait été immortalisé ‘live’… M’enfin, si vous ignorez tout de cette formation punk mythique, rien de tel pour mettre le pied à l’étrier…
Depuis qu’elle a du poil au minou, la petite sœur spirituelle de Justin Bieber s’est découvert une féminité qu’elle n’hésite pas à afficher sur la place publique comme d’autres font le tapin. Parce que le mot d’ordre en 2013, c’est ‘montre ton cul, tu vendras du disque’, Miley Cyrus use et abuse de ses formes quasi inexistantes pour pallier son manque de talent et de créativité. Et ce qui est merveilleux, c’est que la formule magique de sa porno-pop fonctionne à plein tube, au point que son « Bangerz » soit déjà en pole position des charts internationaux.
Entre deux démonstrations burlesques de twerk, la blonde de Nashville popularisée par Disney (tiens donc…) s’amuse à faire exploser le baromètre du vulgaire, élevant la barre de cet art tellement haut que les futures starlettes devront se creuser la tête et enterrer le tissu pour détrôner la nouvelle reine de la discipline. La fille de Billy ‘Achy Breaky Heart’ Cyrus est la photographie parfaite de l’état de l’industrie musicale des années ’10. Un triste constat qui enfonce encore plus fermement la pierre tombale des éléments qualitatifs de la scène pop. Au point de se demander si son public acquiert le disque par intérêt pour le contenu musical (pour autant que l’on puisse le définir de la sorte) ou pour mater les photos du livret érotico-kitsch.
« Bangerz » est à l’image, autant littérale que figurée, de sa génitrice : plat et insipide. Sans parler de cette ignoble voix OGM qui déraille plus vite qu’un TGV à Saint-Jacques de Compostelle (…trop tôt ?) S’il existe un mot dans le dictionnaire qui soulignerait à merveille cette sous-œuvre et sa responsable, celui-ci se limiterait à cinq lettres, initiale ‘M’. Tout est dit.
En 2010, Cloé publiait « Hasards de trajectoire », un concept album présenté sous la forme d’un road movie tourné dans le métro de Bruxelles. Suscitant en mon fors intérieur, un sentiment de claustrophobie. A nouveau habillé d’un superbe booklet cartonné, « D’une nuit à l’autre » est à nouveau conceptuel, mais il est remonté à la surface. Le thème principal de cette œuvre est le départ. Depuis la capitale de l’Europe. D’un autochtone qui décide de s’installer à l’étranger. De la réaction du voisin et de l’épicier face à cette décision. Mais également évoque le destin des immigrants qui se sont exilés à Bruxelles, depuis de nombreuses années. En parsemant l’opus de leurs témoignages. La plupart y ont travaillé. Y travaillent même parfois encore. Le plus souvent comme indépendants. Ont eu des enfants. Mais ont toujours rêvé un jour de retrouver le soleil de chez eux. Portraits décrits sous une forme poétique et déclarations récoltées lors d’une sorte de micro-trottoir, accent des intervenants sauvegardé pour la circonstance, constituent la trame de fond de ce disque fort bien ficelé. Et pour cause, l’aspect musical est particulièrement soigné. Electro, classique (NDR : certains passages ont été réalisé par l’Orchestre de Chambre du Luxembourg, en compagnie duquel elle a d’ailleurs joué en live, arrangés par Renaud Lhoest), spoken word, chanson et rock font ici bon ménage. Artiste polyvalente, Cloé nous démontre à nouveau toute l’étendue de son talent. Et puis la pertinence de ses messages. Elle qui a beaucoup bourlingué, nous rappelle que si on aime voyager, on aime tout autant retrouver son chez soi. Et dans ce contexte, la notion de l’exil prend une toute autre signification…
Quand on choisit un tel patronyme, on risque automatiquement de passer inaperçu sur les moteurs de recherche. C’est un choix. En outre, vouloir rester incognito n’est pas de nature à développer sa notoriété. Et rarement le D.I.Y. , d’ailleurs…
Bref, « Do it yourself » constitue le premier Ep de cet ensemble louviérois, dont le drummer n’est pas un néophyte, puisqu’il milite également chez Romano Nervoso. C’est sans doute la mode, mais les musicos ont décidé de se choisir des pseudos et puis de se produire masqués. En fait, ils colorent le tour de leurs yeux d’une bande noire pour finalement ressembler à quatre zorros.
Six plages figurent sur ce disque pour un total de 27 minutes. Et après une première écoute, une constatation s’impose, le band a beaucoup écouté Muse. Chant et/ou harmonies vocales falsetto, refrains hymniques et envolées de guitares épiques voire symphoniques, le constat est flagrant. Les compos sont pourtant superbement ficelées. Et tout particulièrement « The mass », la piste qui clôt l’Ep. Plus recherchée, parcourue par une ligne de basse aventureuse, elle s’achève par un extrait de « La foule » de Piaf, jouée à l’accordéon. Et les autres pistes ne manquent pas d’allure. Depuis « Blah blah blah », titre punk rock enlevé, mais bien maîtrisé, qui ouvre les hostilités à « Experimental death », caractérisé par sa ligne de basse menaçante et les riffs de gratte déchiquetés, hypnotiques, dignes de Queens of The Stone Age. Un morceau plus dansant néanmoins, « Elekphant ». Surtout la première moitié de parcours. Presque disco, mais dans l’esprit de Cerrone. Avant de replonger dans l’univers de la bande à Matthew Bellamy, malgré les sorties de six cordes déjantées.
Un bon début, même si la formation aurait tout intérêt à bien digérer ses influences pour pouvoir progresser…
Célébrant les vingt ans de la sortie de leur premier album, et par conséquent consacrant une carrière foisonnante, les élégants Tindersticks repartaient récemment pour une énième tournée, en opérant un passage obligé en nos terres ce mardi, soulignant les liens spécifiques qui unissent le groupe à notre pays.
Car il est avant tout question d’amour et de respect entre le public belge et la bande à Stuart Staples ; et ce depuis le premier jour.
Infiniment reconnaissant, la formation n’a d’ailleurs jamais manqué l’occasion de nous remercier en nous offrant souvent des prestations exceptionnelles.
Soirée donc placée sous l’égide du souvenir, suspendue aux lèvres de Chronos, Dieu impassible et soufflant les mélodies de nos vies défilant sur l’écran large de nos mémoires. Avec un brin de nostalgie, bien sûr, mais aussi un constat évident : loin de s’essouffler, les ‘Tinder friends’ bonifient au fil des ans et leur musique intemporelle ne souffre nullement des affres du temps.
Petit regard en arrière, par dessus l’épaule, avant de se jeter dans l’horizon qui les avale déjà.
C’est donc en puisant dans le catalogue du band et celui de ses escapades solitaires que Stuart nous prend par la main et remonte en notre compagnie le courant de ces vingt dernières années.
Un set divisé en deux pièces distinctes, comme s’ils assuraient eux même leur première partie.
Les sièges de la machine à remonter le temps sont confortables et sujets à l’abandon total. Les aiguilles du prompteur ne s’affolent nullement. Le voyage sera accompli en douceur.
Première escale en deux mille un puisque le concert s’ouvre par « Tricklin’ » et sa boucle d’effets enroulant la voix sensuelle de son chanteur, la répétant en écho distinct, comme autant de réverbérations dans ces couloirs de verre ou le sable s’égrène lentement.
Puis place au soleil (un soleil voilé) de « Marseilles Sunshine » et ses perles lumineuses extraites du premier essai solo.
En apnée et glissant le long d’une paroi au relief rectiligne, le trajet continue, sans encombre et nous mène jusqu’à l’entracte, où « Dancing » nous abandonne le coeur tremblant, même si la setlist (voir plus loin) est écourtée à la surprise de certains des membres.
L’intervalle voit les spectateurs aller et venir dans les allées du Cirque Royal comme autant de formes floues se déplaçant en accéléré sur le mur de la réalité avant d’être happées de nouveau par la présence impressionnante des musiciens revenus au-devant de la scène.
Le deuxième acte s’ouvre par « Sometimes It Hurts » et poursuit son chemin au cœur de paysages couleur pastel, imbibés par l’ivresse d’une musique portée vers ses sommets par un groupe à l’apogée de ses moyens.
Révélant au passage son incroyable et insolent talent à torcher des chansons aux filiations indéfinissables.
« Another Night In » arrive alors et donne encore plus d’ampleur à ce somptueux ensemble.
Le public frémit dès les premières notes émises par le violoncelle.
S’ensuit alors la spirale ascendante qui porte l’assemblée aux nues, là où cuivres et cordes s’embrassent dans un baiser aux larmes retenues.
Laissés pantelants, calés dans nos fauteuils, nous buvons de ce calice jusqu’à la lie et en redemandons encore.
Tindersticks poursuit son trajet, s’attarde un temps sur son dernier album en date, « The Something Rain » (dernier si on ne tient pas compte d’« Across Six Leap Years » sorti cette année et qui revisite certains titres ou encore la bande originale du film « Les Salauds » dernière collaboration en date entre les prolifiques Anglais et la réalisatrice Claire Denis), repart en arrière (« City Sickness »), rebondit sur la ligne du temps et achève de nous balader dans les brumes de « My Oblivion ».
Le rappel est attendu et vient s’échouer comme une vague sur une plage abandonnée après la tempête.
La choriste, relativement discrète jusqu’alors avance jusqu’au bord du podium et sa voix prend de l’ampleur, entamant avec Stuart le duo sur « Travelling Light », titre résumant à lui seul cette soirée.
À la question, « Can WeStart Again », nous répondons oui à l’unanimité, tandis que « Sister » clôture cette nuit, cette plongée dans cet univers majestueux, étalé sur deux décennies.
Sous les applaudissements nourris d’une standing ovation, Stuart et les siens nous quittent en souriant pleinement.
Rendez-vous est d’ores et déjà pris demain alors qu’hier n’est pas encore achevé.
Setlist:
Tricklin (Can Our Love)
Marseilles Sunshine (Lucky Dog Recordings, stuart solo project)
A Night So Still (The Something Rain)
Hushabye Mountain (Dick Van Dyke Cover from Songs For The Young At Heart, Stuart Side project)
Come Feel The Sun (The Hungry Saw)
She’s Gone (II)
Dancing (Curtains)
Friday Night (7”) Non interprétée
The Organist Entertains (The Hungry Saw) non interpretée
Sometimes It Hurts (Waiting For The Moon)
Iif You’Re Looking For A Way Out (Simple Pleasures)
Another Night In (Curtains)
Show Me Everything (The Something Rain)
This Fire Of Autumn (The Something Rain)
City Sickness (I)
My Oblivion (Waiting For The Moon)
Sleepy Song (II)
Say Goodbye To The City (Waiting For The Moon)
A Night In (II)
I Know That Loving (Simple Pleasure)
Slipping Shoes (The Something Rain) Non interprétée
What Are You Fighting For? (7”)
Travelling Light (II)
Can We Start Again? (Simple Pleasure)
My Sister (II)
(Organisation : Live Nation / Botanique)
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