Ex-star des podiums de mode, Carmen Hillestad (NDR : c’est son véritable nom), n’a bien entendu rien d’un vilain petit canard.
Masquant son joli minois sous un tas de poils hirsutes, pour illustrer la pochette de son premier album, cette Américaine exilée à Londres peut aujourd’hui se consacrer à sa passion.
La démarche (sic !) n’est pas anodine et suggère qu’on s’attarde sur la musique en faisant fi de son physique de mannequin.
Du reste « Sleeper » recommande plutôt de s’attarder sur les coulisses sombres de la psyché de cette Mexicano-norvégienne (une dualité de tempérament qui fait surface dès la première écoute) plutôt que sur les strasses et paillettes qui aveugleraient notre jugement.
Le sombre « Obedience » résume à lui seul l’esprit de cet elpee qui fonctionne au feeling et à l’envie.
L’envie d’une jeune femme qui a écouté Sonic Youth et Royal Trux pendant que certaines de ses condisciples se rêvaient starlettes de cinéma.
Ambiances sombres et sensuelles (« Make A Shell », délicieusement noir comme une veuve énigmatique), pour un premier essai vraiment réussi.
Elle aborde pour thèmes la recherche perpétuelle de nouvelles sensations ou encore les tentatives d’évasion d’un monde qui ne la satisfait pas.
On pense à Jessica Bailiff, Ema et Bikini Kill avant d’oublier toute référence et de s’abandonner à l’univers personnel de Carmen.
Un premier pas décisif en dehors du tapis rouge.
C’est un Irlandais qui roule sa bosse. Tout au long de ses pérégrinations, il enregistre ses chansons en bénéficiant de l’aide précieuse de ceux et celles qui croisent sa route et apportent leur contribution modeste à l’œuvre toute aussi modeste de ce vagabond céleste.
Ainsi on croisera sur cet album Antoine Wielemans des Girls In Hawai ainsi que d’autres artistes figurant parmi les remerciements.
C’est un voyage au goût ferroviaire (l’arrière de la pochette illustre un Rail Pass, notre homme écume les gares depuis des années).
Un trajet à plusieurs vitesses, entre Dublin et Bruxelles, enregistré entre deux mille trois et deux mille dix mais qui risque d’en laisser plus d’un à quai.
Foncièrement sympathique, le projet ne manque pas de charme, mais n’éveille pas non plus un réel enthousiasme.
C’est certes agréable, mais un aller simple aurait largement suffi...
Inébranlable manne à hits, l’histoire ressert à volonté les plats qui ont fait les grandes heures de la musique et ravissent les grands enfants nostalgiques que nous sommes.
Resucée cyclique qui comme la roue de Lollipop, tourne pour la nuit des temps.
Ainsi, au fil des décades, chaque génération retrouve avec bonheur les recettes d’hier et les accommode à la sauce du jour, pompant généreusement l’héritage parental ou le spoliant sans vergogne.
Rien de mal à adopter cette démarche. Tout nouveau style se nourrit inévitablement d’influences diverses, quand d’autres se contentent de recréer le plus fidèlement possible les vestiges du passé.
Le véritable génie consiste alors à transcender les genres et en concevoir quelque chose de pertinemment nouveau, malgré le côté vintage, quitte à y associer des références pas spécialement évidentes.
C’est exactement ce que nous offre cette union entre la jolie Elinor Blake (alias April March), dont le fait d’arme le plus racoleur est sans conteste la reprise de « Laisse Tomber Les Filles » d’un certain Serge Gainsbourg, figurant au générique de ‘Death Proof’ de Tarantino et les musicos d’envergure que sont Julien Gasc (Stereolab), Julien Babagallo aux fûts (Tame Impala) ou encore Benjamin Glibert (Acid Mothers Temple), soit le collectif Aquaserge.
Même si leur collaboration n’est pas nouvelle, puisqu’on les avait vus se tripoter du côté de chez Tricatel.
Mais ici le fil conducteur procède d’un amour inconditionnel pour une certaine Pop aux accents Yé-Yé, même si quelques incursions psychédéliques sont tolérées en trame de fond.
Un Revival certes révérencieux, mais décliné sans faille et qui s’autorise quelques incursions inventives du meilleur effet.
La fraîcheur est au rendez-vous et si on accepte sans sourciller cette virée au volant d’une Cadillac décapotable, donc les cheveux au vent, en serpentant entre les collines bordées de friandises acidulées, on y prendra un certain plaisir.
Le charme désuet de l’objet étant d’ailleurs l’identité même du projet.
Une sucette multicolore (à l’inverse d’un packaging tristounet) qui se déguste nonchalamment, avec insouciance et sans inutiles attentes.
A côté de cet aspect faussement sage, on découvre, en contrepartie, une syntaxe musicale plus complexe qui éveille un intérêt différent que celui suscité par d’évidentes mélodies (et dont « Ready Aim Love » en est la parfaite illustration).
Mixé par John ‘Tortoise’ McEntire, cette plaque rend bien sûr hommage au grand Serge et à toute une époque, mais se détache du peloton de suiveurs pour gravir seule les cols conduisant au paradis (artificiel), jardin d’Eden où se côtoient Nico et le Velvet, Syd Barrett, et bien d’autres encore.
En somme, une virée de Beatniks chez les Yé-Yé.
Willis Earl Beal serait-il hanté par Al Green ? En gravant « Acousmatic Sorcery », un premier album d’une étrange beauté, sculpté dans la soul expérimentale, il y a deux ans, cet artiste le laissait supposer. Cette histoire très américaine a permis à ce ‘hobo’ originaire de Chicago, âgé de 29 ans, de voir ses obscurs enregistrements bénéficier d’une écoute mondiale.
Willis allait-il survivre à cette rapide médiatisation couronnée d’un inattendu succès tant public que critique ? Nobody Knows ? En compagnie du producteur Rodaidh McDonald (King Krule, The XX), l’alchimiste offre une nouvelle œuvre atypique oscillant entre R’n’B et blues détraqué (« Hole in the Roof »), le tout parcouru d’étranges divagations bruitistes et plongé dans une ambiance ‘dark’… Lors des sessions d’enregistrement, Willis a bénéficié du concours de Cat Power (« Coming Through ») et surtout de TV On The Radio, formation dont il semble souvent très proche. Grâce à son interprétation à fleur de peau, Willis Earl Beal est capable de transcender des compositions sombres, arides, et même de les magnifier, à l’instar de l’a capella « Wavering Lines ». La lumière apparaît soudain sous les décombres d’une vie tumultueuse dans ce décor soul-électro-gothique… Un artiste unique en son genre, à découvrir absolument.
Après le décès de Michael Bean en 2010 (fondateur de The Call et père du bassiste Robert Levon Been) le trio de LA a décidé de prendre du recul. Il a donc attendu trois ans avant de publier un nouvel opus, un disque sur lequel figure une reprise du papa décédé. « Specter at the feast » trempe dans une forme de pop/rock’n’roll shoegaze, ténébreux, parfois légèrement teinté de blues, mais susceptible de donner naissance à des compos puissantes ; à l’instar du triptyque « Hate the taste », « Rival » et « Teenage disease », des compos marécageuses, solides, intrigantes, excitantes, cinglantes et contagieuses. Et c’est manifestement dans ce domaine que le BRMC est le plus performant.
Quelques plages durent plus de 6 minutes. « Fire Walker », le morceau d’entrée. Et puis les deux pistes finales « Sell it » et « Lose Yourself », cette dernière atteignant même les 8’39. Si « Let the day begin » et « Funny games sont encore chargés d’adrénaline, la formation se permet aussi de lever le pied. Ce n’est pas neuf, puisque sur ses derniers elpees, elle avait déjà tenté l’exercice de style. Ainsi « Lullaby », « Some kind og ghost » et « Sometimes de light » baignent au sein d’un climat paisible. Une face de leur musique plus lumineuse et également une belle démonstration que BRMC est capable de maîtriser un plus large spectre d’écriture.
L'album "Unplugged" d'Eric Clapton était paru en 1992. Il réunissait des chansons issues du répertoire de l'artiste retravaillées, notamment sous un format acoustique. Eric n'y croyait pas, le label Warner, non plus. Pourtant le disque s’est vendu à plus de 19 millions d'exemplaires, la meilleure vente jamais réalisée par Clapton. L’elpee décroche alors le titre de meilleur album de l'année, Eric, celui du meilleur chanteur et "Layla", de meilleure chanson.
Pour célébrer ses 50 années de carrière et les vingt années de sortie de l'album originel (21 si on est sourcilleux sur les chiffres), Rhino a décidé de rééditer "Unplugged" en version ‘extended’. Le premier cd réunit les quatorze plages remasterisées. Le second des bonus tracks. Et le tout est accompagné d’un Dvd immortalisant un concert filmé par MTV.
Ballade instrumentale, "Signe" s’inspire d’un bateau baptisé de ce nom. Eric reprend le "Before you accused me" de Bo Diddley et le "Hey hey" de Big Bill Broonzy, le premier blues qu'il ait jamais appris à jouer ! "Tears in heaven" est une chanson qui rend hommage à son fils, Conor, qui avait trouvé la mort à l’âge de 4 ans, l'année précédente. La star de la guitare blues anglaise excelle dans le domaine de la reprise d'anciens classiques du style. A l’instar du "Nobody knows you" de Bessie Smith, une plage caractérisée par la présence des voix de Katie Kissoon et Tessa Niles ainsi que le concours de Chuck Leavell au piano. De deux titres de Robert Johnson, "Walkin' blues" et "Malted milk". Signé Snooks Eaglin, "Alberta" se distingue par sa bien jolie mélodie. Piano, harmonica et kazoo s’invitent tout au long de l'entraînant "San Francisco Bay blues", une compo issue de la plume de Jesse Fuller. Traditionnel, "Rollin' & tumblin'" (NDR : pour la circonstance attribué à Muddy Waters) bénéficie de la participation du public. Mais le meilleur moment de ce concert acoustique demeure la version indolente du superbe "Layla". Deux pistes émanent de "Journeyman", un opus gravé en 1989. Tout d’abord le "Running on faith" de Jerry Lynn Williams. Sur cette plage chargée d’émotion, Eric se sert du dobro. "Old love", ensuite. Une compo qu’il a coécrite en compagnie de Robert Cray.
Le deuxième disque propose six plages inédites dans leur configuration. Et tout d’abord deux chansons qu’il n’allait enregistrer que quelques années plus tard, sur l’album "Pilgrim", en 1998. Soit "Circus" et "My father's eyes". Sur ce dernier morceau à la superbe mélodie, Clapton, qui n'a jamais connu son papa, regarde son fils disparu à travers ses yeux de père. Il nous réserve cette compo sous deux versions différentes. Deux démos issues des sessions d’enregistrement d’"Unplugged" ont également été ajoutées. En l’occurrence le très beau "Running on faith" et "Walkin' blues". En finale, Clapton reprend un autre classique, le "Worried life blues" de Big Maceo Merriweather. Eric injecte énormément de sensibilité dans la voix pour interpréter cette chanson, devant le piano de Leavell.
Une version bien "De Luxe".
Dagoba me pose un véritable problème. Autant il constitue une machine exterminatrice voire même dévastatrice sur les planches, grâce à des compos surpuissantes interprétées par un groupe ultra en place, qui mêle judicieusement le modern metal de Soilwork à la martialité quasi industrielle d’un Fear Factory. Servis par un frontman charismatique (même si son accent chantant de Marseille peut parfois prêter à sourire), le groupe envoie le bois sur scène, et comme le dit si bien Shawter, est là pour ‘tout tuer’.
Sur disque, c’est une autre paire de manches. Si le premier opus éponyme et le suivant, « What Hell Is About » sont de véritables petites perles du genre, les trois autres à leur actif (incluant celui qui nous concerne ici) ne sont véritablement pas à la hauteur de leur talent. Pour « Face The Colossus » et « Poseidon », la responsabilité incombait principalement au son. Des choix de mixage hasardeux et difficilement compréhensibles pour un combo de cette trempe sont venus plomber les deux plaques. Tout au long de « Post Mortem Nihil Est », le problème persiste : le chant est en retrait, les guitares mollassonnes, la basse inexistante ; bref, on n’entend pour ainsi dire que la batterie ultra triggée de Franky Costanza… Enfin, surtout ses grosses caisses, le reste donnant l’impression d’être joué depuis le fond d’un couloir.
C’est d’autant plus étonnant que les compos sont ambitieuses. Dagoba apporte une couleur plus progressive et tente de créer des ambiances. Les chansons sont plutôt bien écrites et bien interprétées, mais ce son inégal et incertain rend vraiment l’écoute de ce long playing presque pénible.
Malgré un cinquième essai, Dagoba reste encore et avant tout un groupe à n’apprécier que sur scène, et c’est bien dommage…
C’est un album terriblement excitant et pourtant bien difficile à appréhender.
Schizophrénique et loin d’être accessible, mais bourré de trouvailles et d’audaces.
Mû par une architecture interne complexe, née d’un cerveau bouillonnant et oscillant entre deux pôles.
D’une part une certaine évidence Pop contrebalancée d’autre part par un indéniable souhait de brouiller les pistes (de danse), de chambouler les canevas, de maltraiter les facilités.
C’est forcément un peu Arty (d’ailleurs Airick Woodhead, l’alien qui tire les ficelles derrière ce projet, a migré de Montréal à Toronto il y a quelque temps, se rapprochant d’une certaine scène au sein de laquelle figure notamment Grimes).
C’est surtout novateur.
Vitriolées, décomplexées, mutées en objets non identifiables, les mélodies qui parsèment cet elpee se tapissent sous le couvert de sonorités recherchées, travaillées, savamment torturées et s’immiscent dans le subconscient, presque à l’insu de l’auditeur.
Si rien ne semble évident ici, tout paraît pourtant judicieux.
Car rien n’est gratuit, tout est mûrement réfléchi.
Le résultat respire la liberté mais à aucun moment ne souffre d’un excès de zèle qui aurait ruiné l’ensemble, en le parsemant de détails encombrants.
C’est un voyage intrigant en terre de fantasmes syncopés, de rêves complexes et décomplexés, de visions binaires déclinées entre algorithmes pervers et claudicants.
Il nécessite sa part d’efforts, sous peine d’être déstabilisé, et de passer totalement à côté.
Mais une fois entré dans cet univers particulier, on réalise qu’il aurait été dommage de rater cette expérience…
Alors que la plupart d’entre nous se demandent encore qui est ce Daughn Gibson, celui-ci se forge peut-être déjà une belle réputation outre-Atlantique.
Ou peut-être pas. Mais gageons qu’il s’en moque.
Car tout au long de cet album, cet illustre inconnu semble avant tout se révéler à lui-même.
Ancien camionneur (parmi d’autres boulots insolites issus de l’‘histoire de l’Amérique Glamour’ en treize volumes) et relativement peu connu pour ses faits d’armes comme batteur au sein de Pearls And Brass (ce qui du reste n’étonnera personne), cet homme est une sorte d’incarnation du mythe Américain.
Non pas celui qui privilégie l’arrivisme pour gravir les sommets, mais le mythe plus ancré à la terre et l’histoire de ces anonymes qui sont appelés à le rester, parviennent à atteindre la consécration de soi.
Cet éveil des sens fait naître, généralement et tardivement, l’excellence qui se cache au fin fond de la chair, dans les tourments de l’âme, et blablabla et blablabla…
S’il est encore tôt pour crier au génie, force est de constater que l’indéniable talent de cet artiste suinte comme la graisse de moteur sous le capot de cet album, son deuxième à ce jour.
Repéré par SubPop, ce baroudeur à la voix de baryton propose une relecture complète de la Country, du Blues et du Folk ou en tout cas de l’ossature de ces grands mouvements migratoires made in USA.
En y incorporant de lumineuses incursions électroniques qui habillent élégamment des chansons tantôt chiffonnées, tantôt carrées comme la silhouette d’un bûcheron, l’ami Daughn (NDR : bonjour la prononciation !) soulève la poussière qui a tendance à se déposer sur la tombe de ses précurseurs, d’Elvis à Johnny Cash.
Aidé lors de l’enregistrement par John Baizley (Baroness) ainsi que Jim Elkington (Brokeback) et se servant parcimonieusement d’une multitude d’instruments, Gibson a pondu un album d’une solide consistance. Une œuvre chargée de subtilités qui se découvrent écoute après écoute et rehaussées de belles mélodies qui ne demandent qu’à mûrir dans l’espace auréolé de nos mémoires.
Un disque à écouter en version panorama.
Un titre d’album bien grivois et une pochette guère ragoûtante pour ces Transalpins accueillis à bras ouverts par Sub Pop.
Une esthétique volontairement peu appétissante qui illustre toute la noirceur d’un album déboulant pied au plancher.
D’entrée de jeu, « Death Climb » martèle sauvagement le désir de ces jeunes gens de se manifester dans le bruit et la fureur, un peu dans l’esprit de Pop 1280.
« Spit Dirt » embraie. Sa rythmique hypnotique et endiablée nous entraîne dans la « Death Valley 69 », pour y accomplir une virée en compagnie de squelettes aux yeux exorbités qui ont endossé des vestes de cuir. Huit minutes bien allumées et férocement addictives.
L’impact créé par « Sea Bug » est à nouveau plus direct. Les voix toujours bien énervées scandent les textes avec conviction. Les motifs de guitares sont découpés par des riffs en dents de scie (électrique s’entend) et dessinent des arabesques qui adoucissent les angles pourtant bien rugueux.
Les textes sont salaces à souhait et nous balancent dans le cambouis de visions cauchemardesques…
Éructés dans l’urgence et la rage qui ne se contient plus (mais on ignore si elle a feint de vouloir se contenir à un quelconque moment).
Et quand le calme revient, c’est plutôt fiévreusement. D’ailleurs l’ensemble de l’opus conduit à un certain état de folie orchestrée.
La douceur est maladive (« Red Earth ») et sans atteindre le degré d’aliénation du « Pornography » de The Cure, renvoie néanmoins à cet état d’esprit fébrile où il hésite entre sombrer définitivement ou tenir debout encore quelques brefs instants.
Le long playing s’achève en roue libre, submergé par une dernière perspective malsaine.
Une œuvre ténébreuse et dans l’ensemble assez convaincante, même si elle tend parfois vers la caricature.
Après une flopée de singles, His Electro Blue Voice signe donc un album prometteur qui donne résolument envie d’en entendre davantage.
Plus qu’un album, « An Object » est un manifeste.
Contre le formatage, l’abrutissement des masses, l’uniformité, la monotonie. Une ode au son, aux sonorités, à un mouvement qui loin de se mordre la queue, avance, immuable, et rit à la face du temps.
Ce mouvement symbolisé par la révolte, s’est décliné de différentes manières à travers les âges, et s’est illustré, notamment avec vigueur dans le Punk comme une trique salvatrice.
En osant la question de l’objet, No Age pose avant tout les jalons d’une nouvelle orientation.
Le duo de la baie des anges n’abandonne pas pour autant le son abrasif qui le caractérise. Simplement, il le mâtine d’une certaine retenue, qui au lieu d’appauvrir ses compositions, les assombrit ; et ce processus contamine ce cinquième essai du groupe.
Cet objet a une forme (un packaging vert et orange fluo qui fleure bon le DIY) mais surtout un fond.
Un fond qu’on sillonne le mors aux dents ; et elles sont grinçantes.
Dans le delay de quelques notes éparses, la basse vient se frayer un chemin. Elle joue des coudes, quitte à malmener le reste de l’équipage. Avant qu’elle ne soit rejointe par une guitare contondante, dès l’entame de « No Ground », premier titre de cet elpee.
‘Who do you think you are ?’, ce sont les paroles de bienvenue.
Le ton est donné.
Syncopée, la rythmique ouvre la voie à une œuvre menée à vive allure, pense-t-on, bride abattue, la morve juvénile solidement amarrée à la commissure des lèvres.
Mais « I Won’T Be Your Generator » vient illico tempérer cette impression de tenir entre ses doigts un énième brûlot incandescent.
Pourtant, l’ensemble est chargé de nuances ; et de nuances, il va en être question tout au long de cette pépite.
Bien sûr, Dean Spunt et Randy Randall sont toujours capables de s’illustrer quand il s’agit d’envoyer la sauce. Et brillamment !
En affichant ce côté débonnaire, foutraque et impertinent qui les caractérisent.
Si vous y ajoutez une intelligence rare dans le milieu et une vision aventureuse, vous obtiendrez l’équation parfaite pour changer une œuvre en perle.
C’est ce pari audacieux que nos deux lascars ont réussi cette année.
Entre tensions palpables et questionnements permanents, obscures accalmies et atmosphères a(ba)ssourdies, No Age nous balade tantôt en nous guidant par la main, tantôt en nous bottant le cul.
Difficile de ne pas penser à Joy Division à l’écoute d’« An Object ».
Mais là où tant de groupes passent leur temps à chercher l’essence du groupe de Manchester, No Age se contente de la distiller, car il l’a assimilée depuis longtemps.
Ce qui transparaît n’est plus que la marque indélébile qui reste à la surface d’une musique affranchie de ses influences et responsable de ses propres codes.
Un album déjà majeur, juste situé entre l’index et l’annulaire.
Un an après la sortie du pénible « Paralytic Stalks », un disque caractérisé par deux longues expérimentations pas vraiment passionnantes, expérimentations qui avait légèrement entamé notre foi que l’on croyait pourtant inébranlable en Kevin Barnes, nos doux allumés d’Of Montreal reviennent aujourd’hui chargé de biens meilleures et accessibles intentions…
« Lousy with Sylvianbriar » (ce titre !), le 12ème album de la bande d’Athens, épouse cette fois la noble ambition de divertir ses auditeurs. La pop psyché d’Of Montreal se rappelle à nos bons souvenirs dès l’introductif « Fugitive Air » qui lorgne vers l’univers des Beatles. D’autres morceaux auraient pu figurer au répertoire de Supergrass lorsque la formation d’Oxford était au sommet de son art (« She Ain’t Speakin’ Now ») ou celui des petits nouveaux Foxygen (« Belle Glade Missionaires »). Le tout est parsemé d’incursions country –cependant toujours psyché– destinées à dérider l’ensemble (NDR : « Amphibian Days », trituré à coups de pedal steel). Sans aucun doute l’album le plus simple et allègre du groupe qui, s’il n’atteint pas la quintessence d’« Hissing Fauna, Are You the Destroyer », renoue avec les hauteurs des fulgurances pop chères à Of Montreal, tout en nous réservant son lot de lyrics torturés comme en raffole Kevin Barnes.
Vu le potentiel scénique des Américains, je vous conseille vivement d’aller les applaudir au Trix à Anvers, le 15 février prochain!
Pour défendre son troisième LP, Mayer Hawthorne, le crooner au physique relativement ingrat, posait ses bagages ce 26 novembre à l’Ancienne Belgique, à peine plus d’un mois après avoir assuré la première partie de la tournée européenne de Bruno Mars, dont l’étape belge s’était arrêtée au Sportpaleis d’Anvers. De quoi se choper des centaines de nouveaux fans, me direz-vous ? Bah, non.
Explications. D’abord annoncé dans la grande salle de l’AB, le show de Mayer Hawthorne a dû être rétrogradé à l’ABBox, faute de vente suffisante. Et malgré ce changement, on ne peut pas dire qu’on se marchait sur les pieds dans la salle réaménagée. Après une mise en bouche très funky d’Aeroplane, dont le DJ set s’est révélé plutôt irrésistible, Andrew Mayer Cohen, aka Mayer Hawthorne, débarque sur les planches, accompagné de ses cinq musiciens sur le coup des 21h tapantes.
Et c’est parti pour un show ultra millimétré. Tiré à quatre épingles, le chanteur démarre sa prestation sur un nouveau morceau avant d’enchaîner par « Back Seat Lover », premier extrait de son troisième opus, « Where Does This Door Go ». Un disque que d’aucuns décrierait comme surproduit, ce qui ne l’empêche pas d’être ultra-addictif. A l’image des « Designer Drug », « The Innocent » ou « Allie Jones », qui ne laissent personne indifférent aux premiers rangs. Mais l’ambiance peine à décoller. Hawthorne et ses musicos s’essaient alors à quelques pas de danse, certainement chopés du côté de chez Bruno Mars, et distribuent même quelques verres d’un mix de Scotch et Ginger Ale pour arroser le titre « Henny & Gingerale ».
Il faudra attendre « Crime », lancé à mi-parcours et amputé du rap de Kendrick Lamar, pour que l’ensemble du public se réveille. Il s’agira d’ailleurs de l’un des morceaux les plus acclamés de la soirée. S’ensuit un enchaînement de compos principalement issues des deux derniers albums. En l’occurrence « Wine Glass Woman » et « The Stars Are Ours », deux plages produites par Pharrell Williams, « Get To Know You », « Corsican Rosé », le single « Her Favourite Song » et encore « I Can’t Go For That », une reprise funky de Hall & Oates. Celle-ci vaudra à Hawthorne de recevoir un soutien-gorge lancé sur scène par une fan ultra enthousiaste. Il immortalisera d’ailleurs immédiatement le moment en enfilant l’objet pour une photo, immédiatement publiée sur Instagram.
Le set, oscillant entre Soul, Funk et R’n’B, aurait certainement pu se passer des ballades, qui on desservi complètement le rythme de croisière du concert. Autre défaut, cette conception toute américaine du prototype d’un show live. Il y quelques années Mayer Hawthorne se produisait sur la scène du festival de Dour en toute simplicité lors d’un show spontané. Aujourd’hui, le gars suit une ligne conductrice de manière machinale, proposant la même setlist, adoptant les mêmes pas de danse, et balançant certainement les mêmes plaisanteries… Bref un 8/10 pour la mouture live des morceaux, mais un zéro pointé pour la performance on ne peut plus robotique.
Le temps d’une deuxième et dernière reprise, celle du « May I Come In » de Nancy Wilson, et les six hommes tirent leur révérence après 1h30 de show, et sans rappel. Et oui les gars, restez pas là à hurler : 22h30, c’est couvre-feu à l’AB !
(Org : AB)
Discrètement actif en solo depuis 2005, le Français Bertrand Belin tisse peu à peu son univers musical, un univers à part au sein de la très obturée chanson française… En particulier depuis qu’il a publié ses deux derniers albums souvent encensés par la critique : les magnifiques « Hypernuit » et le petit dernier « Parcs ». C’est une Orangerie toutefois réduite d’un tiers de sa capacité qui accueille ce crooner moderne à la voix très profonde.
Soutenu par une drummeuse, un guitariste, un claviériste et un bassiste, Bertrand le débonnaire débute son set par les murmures de « Comment ça se Danse », le morceau qui introduit son nouvel album. D’abord hésitant, il ne faut pas très longtemps pour qu’il se sente à l’aise. Il attaque son « Hypernuit », une compo ultra efficace caractérisée par son ambiance estampillée ‘France profonde’. Il base son improvisation sur les rumeurs locales et se transforme en étonnant acteur. Pas pour rien qu’il a tourné dans plusieurs courts-métrages. Si on savait ses textes particulièrement soignés, tout au long de la soirée, l’artiste va jongler avec les mots de la langue française tout en affichant un sens de l’humour surréaliste mais plutôt séduisant. La musique n’est cependant pas négligée. Aux backing vocals, la drummeuse assure son rôle à la perfection. Et son timbre me fait penser à celui de la choriste qui a participé à l’enregistrement du dernier elpee de Baxter Dury. C’est particulièrement flagrant sur l’allègre « Un Déluge » et « La Chaleur », une chanson au cours de laquelle elle échange un ravissant duo en compagnie du Breton (NDR : il est né à Auray). Empruntant des intonations à Alain Bashung, il échafaude des histoires qui nourrissent des ambiances influencées par l’americana (« Plonge », « Ca va, ça va, ça va, ça » et « Avant les Forêts »). Guitariste inspiré, doublé d’un étrange talent de showman, il communique beaucoup avec son auditoire. Deux rappels et plus d’une heure et demi de concert plus tard, le public est conquis. Il finira même par entrer en communion avec lui. Bertrand Belin est un artiste dont on devrait encore entendre parler dans un futur proche. Et il le mérite. Une ‘Hyper-bonne-soirée’ !
(Organisation Botanique)
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