Après une période de creux consécutif aux fêtes, le Botanique reprenait le collier cette semaine et proposait à l’affiche un des concerts les plus attendus du mois de janvier ; en l’occurrence, celui de Get Well Soon. Emmené par le multi-instrumentiste allemand Konstantin Grooper, le désormais groupe (depuis la tournée de son premier album « Rest Now, Weary Head ! You Will Get Well Soon ») était donc de retour à l’Orangerie pour présenter son troisième opus, sorti l’année dernière, « The Scarlet Beast O’Seven Heads ».
La première partie est assurée par Denis Jones. L’artiste insulaire vient présenter son dernier long playing « Clap Hands ». Il monte sur les planches vers 20 heures. Seul. Il chante en s’accompagnant à la guitare et en se servant judicieusement de ses pédales. Il superpose ainsi des lignes de gratte pour élaborer une forme d’électronica acoustique du plus bel effet. Un set d’une demi-heure qui va séduire l’auditoire. Un événement plutôt rare chez un supporting act, pour ne pas le souligner. Un artiste à suivre, donc…
A 21 heures pile, les lumières s’éteignent. Les haut-parleurs diffusent une bande sonore annonçant la fin du monde. Une introduction parfaite pour la suite des événements. Bienvenue au sein de l’univers apocalyptique de Get Well Soon ! Konstantin Grooper monte sur l’estrade suivi de cinq musicos. Pendant une bonne heure, les Allemands vont dispenser un rock lyrique dans la pure tradition romantique. Afin de célébrer cette Apocalypse en version germanique. Lors d’un set précis et rigoureux ; bref, bien allemand. Les morceaux du dernier opus s’enchaînent (« We Are Free », « Roland I Feel You »). Le groupe veille cependant à alterner morceaux paisibles et titres caractérisés par des crescendos à l’instrumentation riche. Si le climat entretenu tout au long du spectacle ne respire pas la joie de vivre, le public en redemande. Une jeune demoiselle assure magistralement les chœurs. En outre, tout au long du concert elle va apporter sa collaboration tantôt à la mandoline, tantôt au violon. Un concours qui va même conférer à ce spectacle un format classieux et grandiose. Faut dire aussi que le son, ce soir, est impeccable. Les derniers spectacles auxquels j’avais pu assister à l’Orangerie, m’avaient quelque peu déçu. Mais ce soir, l’équipe technique derrière la console est irréprochable.
Après une heure de prestation, la formation quitte le podium, pour y revenir quelques instants plus tard. Afin de dispenser deux compos dont une au cours de laquelle Denis Jones va se réserver le xylophone. On aura même droit à un second rappel. Bref, c’est à une bonne heure et demie de concert que le public a eu droit ce soir. Et il ne s’en plaindra pas, même si les frissons dans le dos ressentis ce soir étaient le fruit de ce climat apocalyptique et pas du froid polaire que nous connaissons aujourd’hui en Belgique…
(Organisation Botanique)
Créé dans les années 80 à Rouen par Olivier Tarabo et son acolyte de toujours, Claude Fenny, ROSA†CRVX est devenu au fil du temps un groupe 'culte', responsable d’une musique unique en son genre, médiévale et tribale, mystérieuse et hermétique. Le 19 janvier dernier, la formation a accordé un concert exceptionnel dans le cadre du Methuselah's Ball au sein du Théâtre des Deux Gares, à Bruxelles.
Après avoir vu ROSA†CRVX à plusieurs reprises, et notamment lors d’un concert mémorable accordé au cœur de l'Eglise Sainte Croix des Pelletiers à Rouen, il était intéressant de découvrir la formation dans un cadre plus intimiste. Malgré la relative exiguïté de la scène, tout l'imposant équipement est bel et bien présent : le carillon de huit cloches, l'orgue et la batterie automate MIDI (BAM). Mieux encore : on découvre des éléments du décor de la crypte où le groupe organise ses soirées à Rouen.
Dès les premières notes de "Vielles", l'instrumental qui ouvre le concert, une atmosphère unique, comme seul ROSA†CRVX peut en créer, envahit le théâtre. Les roulements de tambour répondent aux interventions incisives de la guitare, qui sonne comme une cornemuse. On est plongé dans un cérémonial obscur, mené à la lueur de dizaines de bougies. Dès "Invocation", les voix, l'orgue de Claude Fenny et la contrebasse électrique à 5 cordes d'Antoine Boyer entrent dans la danse, tandis que Vincent Kreyder soutient la rythmique de la BAM par des percussions retentissantes. Suivant le même rite, c'est pendant ce titre que les deux choristes principales, Marianne Wood et Juliette Bates (la troisième, Caroline Delavault, ne participant pas cette chorégraphie) viennent au devant du podium pour dessiner des arabesques à l’aide de leurs grands drapeaux, gestuelle qui force d'ailleurs les spectateurs du premier rang à reculer.
L'intensité reste palpable pendant "Adorasti", une composition qui met particulièrement en valeur l'exceptionnelle voix d'Olivier Tarabo. Toujours puissante, à la limite du déchirement, elle évoque Gavin Friday (Virgin Prunes), mais en empruntant une tonalité diabolique bien spécifique. Parfois, on croirait entendre des incantations formulées par des Indiens d'Amérique. Place ensuite à "In Tenebris", caractérisé par son très beau riff au piano et surtout "Terribilis", qui réverbère au son des cloches du magnifique carillon. Rappelons que c'est le groupe lui-même qui a fondu ces cloches et construit le carillon, dans une démarche artisanale fondée sur l'authenticité.
Le spectacle est total. Très sombres, les vidéos montrent des catacombes, des croix, des démons ou des parchemins. En grand inquisiteur, Olivier Tarabo règle minutieusement tous les détails du spectacle, déambulant entre le micro et l'installation à l'arrière de la scène. Après le menaçant "Hel-Hel", ROSA†CRVX nous propose trois nouveaux titres, "Tonitrvi", "Venite" et "Ante-A". Ils sont très impressionnants! Les anciennes compos, comme "Aglon", "Moritvri" et "Svrsvm Corda", bénéficient des recherches continuelles que mène la formation pour améliorer les sons de leurs instruments et de la production en général.
Après "Miséricorde", "Noctes Insomnes" et "Proficere", vient le moment tant attendu par les fans : La Danse de la Terre, la performance la plus impressionnante de ROSA†CRVX. Accompagnées de rythmes lourds et des sonorités tribales d'"Eli-Elo", les deux danseuses, Marianne Wood et Juliette Bates, dénudées et enduites de boue, entament leur mystérieuse chorégraphie. Agenouillées sur un petit podium au milieu du public, elles saisissent la poussière contenue dans un bac devant elles et la projettent sur leurs corps en adoptant des mouvements coordonnés et répétitifs. L'argile et la terre virevoltent. Elle se répand tout autour dans un nuage opaque. Ce rituel sacrificiel représente la souffrance humaine du corps qui se bat en vain contre la poussière et la cendre, qu'il ne tardera pas à rejoindre tôt ou tard. Une performance d'une rare intensité, qui laisse les spectateurs pétrifiés et admiratifs. Regardez ce moment unique dans la vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=xzZllm_OgGY
Après avoir vécu un tel spectacle paroxystique, nous regardons, fascinés, la dernière partie du concert. Il se clôture par le majestueux "Omnes Qvi Descendvnt" et l'étrange "Vil". En rappel, ROSA†CRVX nous réserve "Ab Irato", "Incendere" et un quatrième nouveau titre: "Nescit Nox".
On l'a compris : on ne sort pas indemne d'un concert de ROSA†CRVX. La puissance évocatrice de la musique et du spectacle est telle que le public semble hypnotisé, crucifié sur place par la profondeur mystique du set. On croit assister à une messe diabolique, célébrée aux heures sombres du Moyen-âge. Un rituel liturgique époustouflant !
Après le concert, Olivier Tarabo nous a accordé une interview. Voir ici
Bravo à Alter Onyros (http://www.alteronyros.eu) pour l'organisation!
(Photo Xavier Marquis)
Moins connu que ses concitoyens de Sigur Rós ou la chanteuse Björk, Mùm est un groupe-phare en Islande. Fondée en 1997, la formation est alors limitée à un duo réunissant Gunnar Örn Tynes et Örvar Smárason. Ce n’est qu’au fil des années que le line up du combo va s’élargir. Leur premier album « Yesterday Was Dramatic – Today Is OK » ne sort qu’en 2000. Ce sera le départ d’une discographie, ma foi, plutôt conséquente. Au sein de laquelle on épinglera une bonne dizaine de compilations…
Et c’est peut-être pour se faire un peu d’argent de poche, en ces temps de crise, que Mùm a décidé de publier une nouvelle compile de titres signés entre 1998 et 2000. A l’époque, on ne retrouve à la barre que les deux membres fondateurs (du moins au début). Ils sont alors totalement contaminés par la musique électronique et privilégient le recours aux machines. Sur ces plages, les voix sont quasiment absentes. Pas de références puisées dans le folk, non plus. Peu abordable à première écoute, leur électronica baigne dans l’ambient. Les mélodies sont rares. Pourtant, on perçoit déjà des premiers indices de ce qui forgera la spécificité du groupe. Découpé en 15 pistes, « Early Birds » tire en longueur. A tel point que cette ‘musique d’ascenseur’ finit par susciter l’ennui.
Hormis pour les inconditionnels de la formation islandaise, cette compilation est donc complètement dispensable… Vivement donc la sortie d’un véritable album de Múm.
Si Katy Perry et Zooey Deschanel s’envoyaient en l’air en poussant la chansonnette, leur divin enfant aurait toutes les chances de s’appeler Kimbra. Inconnue au bataillon il y a un an et demi, elle doit sa soudaine exposition médiatique au tube « Somebody That I Used To Know » de Gotye, à qui elle est redevable d’une fière chandelle. Quoique...
« Vows », publié en 2011 dans son Australie natale, s’est frayé un chemin jusqu’en Europe plus d’un an après sa sortie, profitant du succès du morceau mentionné plus haut. Un bien maigre argument de vente, le premier LP de la demoiselle étant loin de répondre aux attentes. Ecoutés séparément, les singles « Settle Down », « Cameo Lover » ou « Two Way Street » sont à priori construits autour d’une pop des plus avenantes. Mais c’est lorsque l’on s’attarde sur toute la longueur de l’œuvre que l’on se rend bien compte du peu d’intérêt de la plaque.
Le joli timbre de voix qui faisait éclater la vérité dans « Somebody That I Used To Know » est, ici, totalement indigeste. Si bien que s’enfiler les treize morceaux d’affilée s’apparente à une séance de flagellation auditive, tant la chanteuse ne semble pas savoir comment doser ses envolées verbales. Elle en use et en abuse, au point de saboter l’entièreté de « Vows », un disque à des milliers de lieues de la pop subtile que la série de singles déjà publiés pouvait laisser entendre. Grosse déception.
Du garage/punk bien poisseux et dégoulinant de sueur, j’adore. Tout au long du nouvel opus de K-Holes, on est servi et, on en redemande. Et lorsqu’on sait qu’au sein de ce groupe originaire d’Atlanta, on retrouve Janes Hines et Vashti Windish, ce n’est guère étonnant. Le premier a roulé sa bosse de 2002 à 2004 au sein du groupe ‘crade’ par excellence, The Black Lips. La seconde, milite également chez Golden Triangle. Elle se réserve le micro. Enragée, sensuelle, sa voix évoque une Kim Gordon survitaminée.
« Dismania » trempe dans une solution sonore sauvage et ténébreuse. Les rythmiques sont lourdes et les guitares criardes. Une atmosphère cuivrée par les interventions du saxophone. Ce qui fait la spécificité de K-Holes. La plupart des plages de cet opus sont brutes de décoffrage. Bruyantes aussi. Encore que le combo étasunien prend le temps de souffler à l’une ou l’autre reprise, en ralentissant le tempo, à l’instar de « Window in the Wall » ou de « Numb ».
Bref, si vous appréciez le garage/punk qui déménage, vous ne pouvez passer à côté de ce « Dismania »…
Robert Hood nous vient des States. Un producteur de musique électronique qui milite sous différents patronymes : Floorplan, The Vision ou encore Monobox. Clairement reconnu comme un des maîtres de la techno minimaliste, il nous propose aujourd'hui son dernier album, un opus réunissant 12 titres intitulé « Motor Nighttime World 3 ».
Au menu de ce disque, une utilisation –massive, comme le veut le genre– des instruments ‘standards’ de l'électro minimaliste : piano, batterie et synthétiseur. L'artiste ajoute toutefois de temps à autre différents effets plus travaillés ou même des cymbales afin d'introduire de la variété au sein de ses compos.
Reste que l'ensemble de ce nouvel opus m'a paru, malgré toute la bonne volonté de l'Américain, mollasson et assez répétitif : l'elpee affiche clairement un côté ‘passe-partout’. Et si son écoute n'est pas désagréable, on était en droit d'en attendre davantage de la part d'un ténor de cette scène minimaliste qui sévit depuis 1994.
Tout porte malheureusement à croire que Robert Hood n'a pas véritablement maitrisé son sujet. En effet, de temps à autre, une chanson dérape dans l'excès. Par exemple « Better Life », une compo caractérisée par sa surabondance d'effets électroniques. Pas sûr que ce soit judicieux, car la piste m'a plus irrité qu'autre chose. Ou encore « Torque One ». L'artiste semble chercher l'inspiration de sa mélodie durant tout le morceau sans jamais y parvenir.
C'est donc un sentiment mi-figue mi-raisin que me laisse cet album : s'il n'est pas véritablement raté, il n'est pas non plus une franche réussite. On voit donc mal comment le recommander, à moins d'être fan de l'artiste ou du genre. A trop vouloir bien faire, l'artiste a perdu son fil conducteur...
Il y a quelques années, ce duo originaire du Texas s’était déjà illustré sous le patronyme de Yellow Fever. A l’époque, les mélodies bien senties imaginées par Jennifer Moore (guitare/voix/synthé) et Adam Jones (batterie/basse/guitare), avaient enthousiasmé la presse.
Aujourd’hui, les Texans sont de retour. Pas de changement de formule, mais bien de nom : Deep Time. En publiant cet opus, le tandem prouve qu’il n’est pas nécessaire de couvrir sa musique d’artifices, pour la rendre efficace. Deep Time a même opté pour une structure inverse : une ligne de guitare ou de basse, une batterie en retrait et circonstanciellement du synthé. Rien de bien compliqué ! Même la voix de Jennifer Moore est loin d’être exceptionnelle. Et pourtant… Et pourtant, les compos exercent leur charme dès les premiers accords de cet opus éponyme. A cause du sens mélodique. Particulièrement soigné et contagieux. Du songwriting, aussi. Propice à l’enchantement. Moore pose sa voix sur les chansons d’une manière très personnelle, compensant des qualités vocales dont elle ne dispose pas. Enfin, une énergie positive émane des neuf morceaux réunis sur ce disque. Le single « Clouds » en est certainement l’exemple le plus édifiant.
Un rayon de soleil au cœur de l’hiver...
Adulé par les uns, détesté par les autres, le dandy de la chanson française est de retour ! Ce qui réclamait bien « Vengeance » ;-)
Passons ces considérations d’amour/haine pour aller chercher ce qui nous intéresse : la musique, les chansons. Et là, il fait fort, à nouveau très fort… Benjamin a vraiment la taille extra large, c’est du costaud.
« Vengeance » qui succède au magique « La superbe » ne l’est pas moins. Ce ne sont pas moins de quatorze nouveaux titres que le grand ténébreux nous présente et qu’il chante ‘à moitié’ seul ou (très) bien accompagné. En effet, par sept fois, une seconde voix lui donne le change ; ce qui apporte une plus value à ces chansons, c’est un dommage collatéral bien appréciable, indéniablement. Là où Vanessa Paradis, Julia Stone ou Carl Barât ne prêtent que leur bel organe, les Gesa Hansen, Sol Sanchez, Orlesan et autre Oxmo Puccino mettent également leur plume à disposition du bellâtre. De son côté, Biolay, qui n’est pas un ingrat, leur tendra le micro pour partager l’interprétation du titre. Hommage pour service rendu...
Quant on connaît la qualité du double album paru il a un peu moins de trois ans, on se demandait si BB allait pouvoir assurer une suite qui tienne la route. Et on n’est pas déçu, loin de là. On navigue toujours au top, musicalement parlant. Dès leur intro, les mélodies font mouche. Synthé, guitares et section rythmique font bon ménage et (em)portent magnifiquement la voix ténébreuse et envoûtante du beau brun. La production et les arrangements sont à la hauteur de l’écriture et des partitions ; bref, on (je) nage à nouveau en pleine ‘béatitude’. Rien à dire, tout est bon, c’est comme dans le cochon ! Quelques morceaux (toujours comme dans le cochon) procurent quand même une saveur un peu plus délicate que d’autres. A l’écoute des premières notes d’« Aime mon amour », on a compris, le vainqueur des Victoires de la musique 2009 nous capture dans ses filets et ne nous lâchera plus. Une heure durant quasiment, le plaisir est intense et l’accessibilité parfois ‘limite’ lors des parutions précédentes est améliorée d’une façon géniale. Les puristes prétendront sans aucun doute que l’univers de Biolay se dilue quelque peu dans ce nouvel opus qui fait la part belle à la ‘variété’ ; mais n’est-ce pas le signe d’un grand, de rassembler autour de son art ? Néanmoins, Biolay ne déroge pas à ses principes et perpétue une qualité d’écriture et aux "Trésor Trésor", "Aime mon amour" succèdent les "Ne regrette rien", "Personne dans mon lit" ou "Le lac gelé" tristement somptueux qui conservent une certaine marque de fabrique typique à la vie dissolue de cet écorché vif.
« Vengeance », un album fabuleux à acheter d’urgence !
En 2010, The Morning Benders émergeait des projecteurs, en publiant « Big Echo », un second album acclamé par la presse et les bloggeurs, notamment grâce au single « Promises ». Deux ans et une permutation de guitariste plus tard, le trio originaire de San Fransisco décide de changer également de nom pour une raison relativement ridicule : le terme ‘bender’, qui serait insultant à l’égard de la communauté homosexuelle en Grande-Bretagne (‘bender’ y signifie ‘travelo’). Les trois musiciens décident alors d’opter pour un patronyme autrement plus ridicule, Pop Etc.
Le premier Pop Etc, éponyme, est exactement ce que la dénomination de la formation laisse sous-entendre. De la Pop. Et peut-être un peu d’et cetera : un soupçon de synthpop par-ci, une pincée de RnB par-là. Mais tout autour, le vide. L’indie ‘sympatoche’ de The Morning Benders a laissé la place à une série de compositions naïves et sans étincelles. Pas convaincants pour un sou, les onze morceaux de la plaque sont d’une platitude à se pendre.
Heureux que la corde ne soit pas fournie…
Groupe irlandais, Clannad est devenu notoire voire légendaire en proposant une musique traditionnelle celtique. Atmosphérique, elle est illuminée par des harmonies vocales d'une grande pureté. Au sein de ces harmonies, émerge la voix de Moya Brennan (Máire Ní Bhraonáin), une des plus belles voix féminines au monde, à côté de celle de Lisa Gerrard (Dead Can Dance). Formé en 1970, Clannad réunit Moya et ses deux frères Pól et Ciarán, accompagnés de deux oncles Noel et Pádraig Ó Dúgáin, des frères jumeaux. Originaire d'un village du nord-est de l'Irlande, Gaoth Dobhair, la formation a rencontré le succès international, entre autres grâce à la chanson "In a Lifetime", réalisée en 1985 en duo avec Bono ; mais aussi en signant des musiques de films et de séries télévisées comme "Harry's Game", "Robin de Sherwood" et "Le Dernier des Mohicans". Notons aussi que la petite sœur de Moya, Eithne, s'est également rendue célèbre, sous le pseudo d'Enya.
Depuis 2007, Clannad ne se produit plus que sporadiquement. Ce concert qui s’est déroulé dans la magnifique salle du Stadsschouwburg à Anvers était donc bien exceptionnel. Pendant plus de 2 heures et demie, la formation irlandaise nous a entraînés dans une bal(l)ade mystique au cœur de la musique celtique. Il régnait une atmosphère quasi-religieuse à l’intérieur de la salle, surtout lors des superbes mélopées traditionnelles soutenues par la harpe de Moya, la flûte irlandaise (tin whistle) de Pol ou la contrebasse électrique de Ciaran.
Entre chaque morceau, les trois frères et sœurs se sont relayés pour présenter les chansons, non sans y ajouter une touche d'humour typiquement irlandais. Certaines chansons datent même du XIXème siècle, comme par exemple, le superbe titre "Coinleach Ghlas An Fhómhair", qui se traduit par "Magique Automne Vert". Si l'interprétation des anciennes compositions est sans faille, le combo peine quand même à reproduire les morceaux plus complexes des albums "Macalla" et "Sirius", comme, par exemple, "Something To Believe In" ou "Closer To Your Heart". Dans "In A Lifetime", c'est l'excellent claviériste Ged Lynch (Peter Gabriel, Goldfrapp) qui prend en charge les vocaux de Bono, une tâche ô combien périlleuse...
Un des moments forts du concert est sans nul doute le magnifique "Newgrange", une compo aux accents new-age qui traduit à la perfection toute la profondeur et le mystère de ce haut-lieu archéologique, situé au nord de Dublin. Caractérisé par son rythme dansant, "Dulaman" offre l'occasion à Moya de venir au devant de la scène pour inviter le public, très calme jusqu'alors, à frapper dans les mains. Un spectateur va même jusqu'à se lever pour entamer une danse irlandaise. La prestation se termine par le célèbre "Theme From Harry's Game", suivi par une autre danse, "Teidhir Abhaile Riú". En rappel, Clannad nous gratifiera de deux titres supplémentaires, "Down by the Sally Gardens", un traditionnel basé sur un poème de W.B. Yeats et, enfin, le classique "Nil Se'n La", une longue ‘chanson d'ivrogne’ agrémentée d'impressionnants solos.
Soucieux du contact avec leur public, la formation accordera une séance d'autographes après le concert, une preuve de plus de l'extrême gentillesse de ce groupe hors du commun. Vingt ans après un voyage inoubliable en Irlande, me voilà prêt à envisager de retourner bientôt dans ce pays si magique et si attachant.
Regardez ici une vidéo du concert ; et plus précisément de la chanson "Theme For Harry's Game": https://www.youtube.com/watch?v=raCgqUelYmU
Setlist:
Na Buachaillí Álainn
Maire Bhruinneal
Crann Úll
Coinleach Ghlas An Fhómhair
Eleanor Plunkett / Fairly Shot of Her
Tower Hill
Mhorag's na horo Gheallaidh
Something to Believe In
A Mhuirnín Ó
Buachaill Ón Éirne
An tÚll
Two Sisters
----------------- (Entracte)
Newgrange
Éirigh Is Cuir Ort Do Chuid Éadaigh
dTigeas a Damhsa
Robin (The Hooded Man) / Herne / Ancient Forest / Lady Marian / Action
In a Lifetime
Dúlamán
I Will Find You
Closer to Your Heart
Theme From Harry's Game
Teidhir Abhaile Riú
----------------- (Rappel)
Down by the Sally Gardens
Nil Se’n La
( Voir aussi notre section photos ici )
Le Golden Retriever est une race de chien d’origine britannique. C’est également le patronyme d’un groupe fondé par Jonathan Sielaff et Matt Carlson, deux musicos qui se sont rencontrés au début de ce siècle, en participant notamment aux projets Au et de Parenthetical Girls. Les deux Américains jouissent d’un excellent crédit dans l’univers de la musique électronique. Et le début de leur aventure commune remonte à 2008. « Occupied with the unspoken » constitue d’ailleurs déjà leur quatrième album.
Les quatre plages de cet elpee s’étalent sur une bonne demi-heure. Golden Retriever y expérimente la musique polyphonique à l’aide d’instruments monophoniques. Vous n’y comprenez rien ? Pas grave. Après avoir écouté cet elpee, une conclusion s’impose très rapidement : qu’est-ce qu’on s’emmerde ! La musique électronique dite ‘minimaliste’ (et encore c’est un euphémisme !) de ce duo est d’abord agaçante, puis finit par taper sur les nerfs. Les morceaux souffrent de l’absence de mélodie et sont technologiquement stériles. Bref, c’est vide. Etonnant quand on sait que cet « Occupied with he unspoken » relève du domaine conceptuel. Enfin, c’est ce que le tandem raconte. Je me demande même parfois s’il ne se paie pas notre tête. Si tel est le cas, c’est amplement réussi.
Bryan Ferry aime le jazz. Ce n’est pas nouveau. Il l’avait déjà démontré en 1999, sur son elpee « As tears goes by », une œuvre au cours de laquelle il adaptait des classiques des années 30. Sur ce nouvel opus, il s’est plongé, dans les années 20. Mais il n’y chante pas. Et n’y joue d’aucun instrument. Simplement, il supervise un ensemble qui reprend ses compos tour à la sauce ‘dixieland’ ou ‘Cotton club’ (NDR : pensez à Duke Ellington). Un big band incluant tout la panoplie d’instruments d’époque. Le disque a été coproduit par Ferry et Rhett Davies, alors que Colin Good s’est chargé des arrangements (NDR : c’est déjà lui qui avait accompli ce boulot, sur le disque paru il y a 13 ans).
Bref, malgré le choix des morceaux (NDR : treize en tout, dont une majorité de hits), on ne peut pas dire que ces nouvelles versions soient aisément identifiables. En fait, si le long playing forme un tout homogène et se révèle d’honnête facture, il ne suscite guère d’enthousiasme chez votre serviteur…
Andrew Savage, dit ‘Fergus’, et Jason Kelly, dit ‘Geronimo’, n’ont pas trop dû trop se creuser la tête pour se dénicher un patronyme. En fait, ils se sont tout simplement inspirés du nom de deux personnages issus du film ‘La guerre des boutons’, dans sa version britannique. Pourtant, le duo est texan. Originaire de Denton, pour être plus précis. Pour concocter leur second elpee, ils ont reçu le concours de deux potes : Bob Jones (guitare, basse, synthé) et Jef Brown (sax ténor).
Difficile de cerner la musique de Fergus & Geronimo, tant elle est expérimentale et aussi tellement personnelle. En extrapolant on pourrait imaginer ce « Funky was the state of affairs », comme le fruit d’une rencontre improbable entre Talking Heads, Television et MC5. Dans leurs compos, il y a de l’énergie, de la fougue aussi. Cette impétuosité, c’est d’ailleurs ce qui fait la spécificité de leur expression sonore, mais également le charme. Fergus & Geronimo ne se prend jamais la tête. Les musicos passent du coq à l’âne sans se poser de question. Et n’hésitent pas à flirter avec l’inaudible, quand ils s’en sentent l’envie. « Wiretapping Muzak II Off the Map » en est certainement la meilleure illustration.
Le genre d’album qui vous flanque la banane avant d’aller bosser…
Fear aurait-il décidé de nous faire peur ? Des frissons me parcourent l’échine, au moment où je lance fébrilement IPod. A quelle sauce vais-je donc être dévoré ? Rien de bien redoutable n’est proposé au menu de cet opus, finalement…
En fait, Fear est un groupe punk mythique fondé en 1977. Californien. Issu de Los Angeles, très exactement. Considéré comme la réponse étasunienne aux Sex Pistols, Fear pratiquait une musique née du mélange entre le jazz-trash-fusion, post et néo-punk. A première écoute on est surtout marqué par la voix gutturale et rageuse de Lee Ving, un chant véhiculant des lyrics à l’humour particulièrement caustique rappelant bien entendu Minor Threat, Black Flag voire les Dead Kennedys. « The Fear Record » n’est pas tout à fait un nouvel elpee du quatuor, mais le réenregistrement de leur classique « The Record », paru en 1982, réalisé au sein des Studios 606 des Foo Fighters. Cette nouvelle version a été mixée par Bill Stevenson (The Descendents) et recèle les inévitables classiques punks tels que leur premier single « I Love Living in the City », « Beef Bologna », « I Don’t Care About You » ou encore « New-York’s Alright If You Like Saxophones ». Malgré le son plus lisse, les compos ont conservé toute leur hargne. Et c’est déjà un bon point. On comprend, en outre, beaucoup mieux pourquoi des groupes comme Guns’N’Roses, Megadeth ou Soundgarden ont adapté des compos issus du répertoire de Fear. Maintenant, quelle est l’utilité de ce type d’opération, si ce n’est celle de permettre à la nouvelle génération de découvrir une des sources du hardcore punk yankee. Ce qui n’est déjà pas si mal. Pour votre info, sachez quand même que si le combo s’est reformé, il ne compte plus que Lee Ving, comme membre originel. Et qu’en outre, Flea (Red Hot Chili Peppers) y a transité au cours des eighties…
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