Keith Emerson a toujours essayé de réaliser la fusion entre musique rock et symphonique. Déjà chez Nice, il s’était frotté à un grand orchestre pour enregistrer « Five bridges », sans oublier ses multiples adaptations de compositeurs ‘classiques’ (Tchaïkovski, Sibelius, Mozart, etc.) Malheureusement, on ne peut pas dire que ses expérimentations aient été de grandes réussites. Son succès (NDR : planétaire, il faut le rappeler), il l’obtiendra en compagnie de Greg Lake et de Carl Palmer. Après un premier elpee éponyme plus que prometteur, le trio va graver un album considéré encore aujourd’hui comme culte : « Tarkus ». Et incarner un des fers de lance de la musique progressive. Mais ce succès va virer à la démesure, notamment lors des tournées, la formation déplaçant un matos colossal et utilisant un personnel pléthorique pour alimenter des spectacles grandiloquents. ELP est d’ailleurs, sans doute, un des principaux responsables de la décadence du mouvement prog. Provoquant alors la réaction des rockers purs et durs, et la naissance du punk.
Emerson est un virtuose. Formidable showman à ses débuts, il a aussi popularisé l’utilisation du moog. Il a également signé plusieurs musiques de film. Et continue de s’investir dans de multiples projets. Dont ce dernier impliquant notamment le guitariste Mark Bonilla, le bassiste Travis Davis et le drummer Troy Luccketta. Sans oublier le chef d’orchestre Terje Millelsen et le Münchner Rundfunkorchester. Bref, Keith tente une nouvelle incursion dans le symphonique. Pour des anciennes compos d’ELP, de nouvelles (dont deux signées Bonilla) et quelques morceaux classiques. Mais le résultat fait pâle figure. Sans la voix de Lake (NDR : et même sans voix tout court !) la version de « Tarkus » est soporifique ; et les « The endless enigma suite » ainsi que « Fanfare for the common man » me rappellent le type de fond sonore diffusé dans les supermarchés, il y a une trentaine d’années…
Marc Dixon, de son vrai nom Jean-Marc Loffet, est loin d’être un inconnu dans le milieu musical. Né en 60, à Liège, il se fait rapidement connaître via ‘Teenage Head’, revue qu’il publie fin des seventies. A la même époque, soit en juin 1979, il choisit pour pseudonyme Marc Dixon, inspiré du film ‘Mark Dixon’, détective d’Otto Preminger et se proclame chanteur de son propre band : Marc Dixon et les Junkies. Quelques singles plus tard, il rejoint une radio libre. D’abord animateur, il y devient programmateur et enfin administrateur ; finalement il est engagé comme consultant musical à Canal+. Son parcours est assez linéaire et son escalade continue. Il passe producteur d’émissions (NDR : notamment du Top 50) puis réalisateur de documentaires, qu’il consacre aux artistes. A partir de 2008, Marc Dixon revient à la musique et à la photographie, enchaînant concerts, expositions et enregistrement de disques.
Son second elpee paraît en automne 2012. Pour le concocter, il bénéficie de la complicité de Jérôme Mardaga (Jéronimo).
De son timbre grave, âpre, Marc chante ou récite nonchalamment ses textes, mais paradoxalement sa voix est pleine de charme, et surtout convaincante. Et les accords de guitares plaqués par Jérôme font le reste. Navigant entre blues et rock, l’univers de Marc Dixon semble sombre, noir même. On ne nage pas en pleine euphorie, c’est clair ! Les deux premières plages nous le rappellent : « Cours-circuit » et « Si tu joues ta vie » annoncent la couleur… Et ce n’est pas la reprise du « Walking in the Rain » (tout un programme) de Flash & The Pan qui va nous remonter le moral. Ben quoi de plus normal quand l’album s’intitule « Jours sombres, nuits blanches ». Tout juste si on ne reçoit pas quelques capsules de ‘Prosac’ à l’achat du disque ! Et pourtant…
Les chansons ont beau foutre le cafard, j’aime ! J’aime les mélodies, la rythmique, la manière de chanter, les mots qui glissent sur les guitares ou l’harmonica. J’aime par-dessus tout l’authenticité de ces textes. Onze fois, Marc Dixon nous crache son mal de vivre, son ras-le-bol, son envie d’être seul, sa sinistrose.
Aucune joie, aucune raison de se réjouir lorsqu’on l’écoute ; et pourtant, ce disque est beau, tristement beau.
Quel talent de faire aimer ‘son mal-être’ aux autres à travers des riffs, des mots, des notes.
Vraiment étonnant.
Box… Box ? Mmmm, ce nom me dit vaguement quelque chose…
On avait déjà eu droit à The Black Box Revelation, duo super bruyant du nord du pays et plutôt du genre casse-c****** qu’autre chose. Il y a deux mois, un album issu d’une formation qui répond au patronyme de Box vient de tomber dans les bacs. Et… rien à voir avec le band précité, ouf !
Box compte le double de membres. C’est un quatuor, pas un duo. Dont les membres tiennent parfaitement le volant de cette belle bagnole. Car il s’agit d’une bien belle ‘mécanique’. Une superbe grosse américaine, la carrosserie clinquante, tous chromes luisants, dont le bon gros moteur tourne comme une horloge.
Vous l’aurez compris, Box nous livre sur son opus, 10 belles compos bien lourdes et parfaitement rôdées typiquement heavy metal, outre-Atlantique.
A l’aide de ses comparses, Pascal Smeets aux guitares, Bruno Goedhuys aux drums et percussions ainsi que Gilles Verdugstraete à la basse, Bruno Rocha, véritable tête pensante du groupe, a monté une excellente machine made in USA dont les rouages sont extrêmement bien huilés et qui ne souffre d’aucun défaut de fabrication.
Petit détail qui a son importance, le mixage a été confié à Mario Goossens, batteur de Triggerfinger. Et c’est manifeste à l’écoute de « The Numbing Solace of the Light » et « Stop wasting your Time », deux compos qui cartonnent dès les premières notes.
Dans le même ordre d’idée, on épinglera la collaboration d’un autre ‘Trigger’. Monsieur Paul (et sa basse) vient également ajouter son petit grain de sel sur "In your dreams" et "Bullied in the bears". Bonne idée…
Dans la catégorie ‘Rock’, ce nouveau venu décoiffe et devrait sans doute faire parler de lui ; car à chaque nouveau morceau qui commence, on a une impression de puissance, de musicalité et d’énergie qui donnent furieusement envie d’en entendre davantage. N’hésitez pas à faire tourner ce disque sur votre platine Cd, vous m’en direz des nouvelles.
The Wooden Sky est une formation obscure issue du Canada. Mais après avoir écouté cet opus, j’ai la nette impression que ce combo ne végètera plus très longtemps dans la zone crépusculaire de l’underground. Le groupe s’est formé alors que les membres étaient encore sur les bancs de l’école à Toronto. Depuis les musicos ont pris de la bouteille et viennent donc d’enregistrer leur troisième elpee, un disque qui a bénéficié du concours de Howard Bilerman (Arcade Fire, Thee Silver Mt. Zion) et Radwan Ghazi Moumneh à la production ; mais également de la participation de musiciens issus de The Rural Alberta Advantage, Oh Bijou, Timber Timbre et The Mars Volta. Les sessions d’enregistrement se sont, en outre, déroulées dans les mythiques studios de l’Hotel 2 Tango, à Montréal.
Leur nouvel opus s’intitule « Every Child a Daughter, Every Moon a Sun ». Le folk introspectif de The Wooden Sky évoque Timber Timbre, Wooden Wand voire Deer Tick. L’univers sonore est riche. Tramé dans le folk classique ou l’americana, il est teinté de soul. Le long playing varie entre ballades acoustiques (« Your Fight Will Not be Long ») et plages fouettées de salves électriques (« I’m Your Man »), naviguant entre lumière (« Child of the Vally ») et obscurité (« City of Light »). Classieuses, d’une étonnante profondeur, les compos sont tourmentées par la voix, à la fois belle et ténébreuse de Gavin Guardiner.
De quoi confirmer que le folk a encore de beaux jours devant lui, malgré la pléthore de sorties estampillées roots… ‘Every good album, an ear to listen to’…
Le seul intérêt de cet album procède de la présence de Hugh Banton et de Guy Evans auprès de Peter Hammill, réunis au sein du Van der Graaf Generator. Soit les trois-quarts du line up qui a marqué les seventies, puisque David Jackson, le saxophoniste, malgré sa participation à la tournée de réunion en 2005, brille par son absence, se consacrant aujourd’hui à d’autres projets. Bref, non seulement les 14 plages de cet opus sont exclusivement instrumentales, mais elles se résument à des exercices d’improvisation sans queue ni tête. Dispensable.
Duluth, c’est dans le Minnesota. Robert Zimmerman, alias Bob Dylan, y est né. Low également. Mais le groupe d’Alan Sparhawk y vit toujours. Trampled by Turtles aussi. Une formation qui s’inspire plutôt du Zim. D’ailleurs, à l’instar de Chatham County Line ou de The Avett Brothers, sa musique baigne dans l’americana ou le bluegrass. De vieilles recettes préparées à base de banjo, mandoline, harmonica, outre les guitares bien sèches. Les musicos possèdent une maîtrise parfaite de leurs instruments. Mais n’oublient pas de soigner le sens mélodique de leurs compos. « Stars and Satellites » constitue déjà le 6ème long playing des Etasuniens. Il ne recèle rien de neuf, mais lorsque le band libère son énergie folle, il parvient à transcender le style. L’opus oscille entre climats paisibles (« The Calm and the Crying Wind ») et envolées up-tempo dynamisées par le banjo (« Risk ») du très talentueux Dave Carroll. L’émotion peut même devenir palpable et se révéler bouleversante. Et tout particulièrement sur le single « Alone », caractérisé par son magnifique crescendo final.
A découvrir absolument ce 30 mai au Botanique de Bruxelles !
Moslyve est une formation française née en 2009. Avant de publier ce premier opus, elle avait gravé deux Eps. Produit, par Nicolas Leroux (Overhead), « Slave to Modern Age » marque donc le retour de ce combo injustement méconnu. Rien que le titre de l’elpee suggère une expression sonore au climat mélancolique voire ténébreux. Ce n’est pas le cas. En fait, la musique de Moslyve est empreinte de douceur et d’une grande délicatesse. A cause des voix. Deux féminines et une masculine qui se conjuguent parfaitement en harmonie. Le pop/rock visionnaire de Moslyve est, en outre, illuminé par des cordes de guitares presque shoegaze. Les influences puisées dans les 90’s sont manifestes (Seam, Pavement). Les mélodies souvent efficaces (« Walk Inside », « Lucky 13 »). Si les membres de Moslyve craignent de devenir les esclaves du monde moderne, leur musique planante et paisible devrait permettre à leur esprit de facilement s’évader….
‘Under Your Carbon Constellation’ constitue une des meilleures productions belges de 2012. Elle est signée par le groupe Organic. Un véritable OMNI (NDR : objet musical non-identifié) qui combine post-rock, électro, progressif, psyché, stoner, new-wave et postpunk. Excusez du peu ! Créé par Raphaël Haubourdin aux voix, claviers et programmations (également dans Graceland) et Joris Oster à la basse et aux programmations, (aussi chez Silver Riot), ce groupe bruxellois inclassable pourrait bien devenir le nouveau dEUS pour notre petit pays ! Une occasion idéale de les rencontrer.
« On n'aime pas travailler avec des œillères », précise d'emblée Joris Oster. « C’est pourquoi notre album est hybride, voire surréaliste, en proposant beaucoup de couleurs différentes. » Raphaël Haubourdin ajoute : « C'est parce qu'on écoute énormément de styles musicaux ; et comme on fait les choses naturellement, sans essayer de sonner comme d'autres groupes, le résultat est varié, tout en respectant un fil rouge, quand même. »
Un des piliers de la musique d'Organic repose sur la basse de Joris Oster. Omniprésente, elle s'inspire de maîtres comme Peter Hook (Joy Division, New Order) mais aussi Chris Squire (Yes). Polymorphe, elle peut se transformer en guitare solo, façon stoner ou metal, grâce à une armada d'effets. Les arrangements élaborés par le duo lorgnent clairement vers le post-rock ou le krautrock. « On aime beaucoup Neu!, Can, Hawkwind ou plus récemment Fuck Buttons ; tous ces groupes qui font évoluer la musique en la déstructurant et en expérimentant », confie Haubourdin. « On a aussi assimilé certains aspects du prog, mais pas les côtés chiants. » En effet, les solos kilométriques ont été évités pour faire place aux sonorités et structures plus complexes susceptibles d’évoquer King Crimson (‘21st Century Schizoid Man’!), mais aussi Porcupine Tree !
Pas de guitares chez Organic ; cependant, la basse, la batterie et les synthés remplissent à ce point l'espace sonore que cette absence ne se ressent pas. Les claviers sont vintage, avec des vieux synthés comme le Casiotone mais aussi beaucoup de plug-in. Ils sont tour à tour atmosphériques ou bruitistes mais toujours intéressants. On décèle çà et là quelques touches d'un émulateur Mellotron, qui renforce le côté délicieusement prog. La batterie, quant à elle, a une présence extrêmement claire adoptant un côté réaliste typiquement krautrock. Notons, que, sur scène, c'est Olivier Justin qui assure les parties de drums. Ajoutez-y une touche de new-wave, synth-pop des années '80, et vous obtiendrez une musique inédite, totalement novatrice. La voix de Raphaël Haubourdin est également très originale. Versatile, elle peut être tout en retenue, comme celle de Franz Treichler (The Young Gods) ou devenir incisive, voire ‘éructante’ à la manière d'un Bertrand Cantat ou d'un Kristoffer Grip (Agent Side Grinder). « En fait, quand je compose, j'écris quelques bases, je me mets dans la peau d'un personnage lors d’une situation précise ; et puis, je me lâche. Ainsi le résultat peut en effet partir dans tous les sens. »
Comme nul n'est prophète en son pays, Organic a dû se tourner vers l'étranger, plus précisément vers un label suédois de musique alternative (Complete Control Production ou CCP) pour être signé. « On leur a envoyé nos morceaux et ils ont aimé, surtout un de nos titres en français : 'Johnny Craque'. » Aujourd'hui, ‘Under Your Carbon Constellation’ est disponible en CD mais aussi sous la forme d'un magnifique double LP vinyle, enrichi de plusieurs titres en bonus.
La pochette mérite quelques mots d'explications, que nous fournit Oster. « Elle représente un Crabe Yéti, un crustacé entre homard et écrevisse, qui niche dans les profondeurs abyssales de l'océan Pacifique sud. Merveille de l'évolution, cet animal a été découvert en 2005 par un biologiste français, Michel Segonzac, à qui nous avons dû demander l'autorisation pour reproduire la photo. »
Cette photo et le titre de l'opus sont en accord parfait avec la thématique qui transcende les chansons du duo. « On est inspiré par la nature, par sa grandeur, sa force, sa complexité. On aime particulièrement l'eau, donc l'océan », raconte Haubourdin. « C'est une vision très post-rock, voire même écologiste : on appréhende l'humain petit face à la Terre, comme un 'singe tout nu'. En corollaire, on fustige la société de consommation. La dictature de l'argent, aussi. Elle est occupée de détruire la Terre à coups de pelleteuses. »
Après quelques concerts, dont un accordé au Botanique, en première partie de Graham Coxon, Organic recherche des 'bons plans' pour tourner en Belgique et à l'étranger. En attendant la suite, nous avons en nos mains cet album étonnant, extrêmement brillant. Véritable jaillissement créatif, il foisonne de trouvailles et gagne à être réécouté plusieurs fois pour être apprécié à sa juste valeur. Comme un bon vieux Yes. A acheter et à écouter d'urgence !
Pour écouter l'album en streaming : https://soundcloud.com/organic-music-1/sets/album-cd
L'album sera disponible en Belgique chez Mandaï distribution www.mandai.be à la mi-janvier.
Photo : Xavier Marquis
Chaque année, je rencontre la même frustration. Mon classement des meilleurs albums de l’année écoulée est à peine établi que j’ai l’intime conviction d’être passé à côté d’œuvres incontournables. Et c’est une nouvelle fois le cas pour ce deuxième opus d’Electric Electric, « Discipline », qui aurait largement mérité de figurer aux places d’honneur. Même dans mon top 5. Cet elpee est même tout bonnement monstrueux…
La formation strasbourgeoise avait publié son premier essai, en 2008. Il s’intitulait « Sad Cities Handclappers ». Au cours des quatre longues années qui ont suivi cette publication, le duo (guitare/batterie) s’est forgé une solide réputation en se produisant en ‘live’, et notamment lors de la tournée ‘Colonie de Vacances’, accomplie en compagnie de Pneu, Marvin et Papier Tigre. C’est au cours de ce périple que le tandem a intégré un troisième membre, Vincent Robert (synthé), pour adopter la formule trio.
Quoique s’inscrivant parfaitement dans la lignée du précédent long playing, « Discipline » est surtout davantage abouti. Cohérent et reflétant la parfaite maîtrise des musicos aussi. La surprise procède de l’intégration de références tribales au sein de leur cocktail d’électro, de math-rock et de noise. L’album oscille entre compos hypnotiques, abordées dans l’esprit du combo américain Maserati (« Material Boy ») et titres davantage rock noise (« xx1 », « xx2 »), en passant par des plages dynamisées par des rythmes exotiques et contaminées généreusement par l’électronique (« Neutra Tentra », « La Centrale ») ; sous cette dernière configuration, le spectre de Battles n’est d’ailleurs jamais très loin.
Si dans le style, de nombreux ensembles issus de l’Hexagone revendiquent les mêmes racines, peu sont capables de rivaliser avec leurs maîtres. A contrario d’Electric Electric qui parvient, malgré ses influences, à se forger sa propre identité musicale. Et « Discipline » en est certainement la plus belle illustration, tout en revendiquant un prix d’excellence.
Des circonstances tragiques ont entouré la publication du premier album de ce groupe londonien. Et pour cause, « Wild Peace » était à peine tombé dans les bacs, que Peter Hayes, leur drummer, perdait la vie. C’était en juin dernier. Ce dernier n’a donc pas eu l’opportunité d’entendre les premiers échos recueillis lors de la sortie de cet elpee. Et pourtant il en aurait été fier, tant les médias ont été unanimes pour le couvrir d’éloges. Car en effet, ce « Wild Peace » est bon, voire très bon.
L’expression sonore d’Echo Lake évolue quelque part entre la dream pop de Beach House et le shoegaze de My Bloody Valentine. A l’écoute de cet elpee, on entre en lévitation continue, pour ne revenir sur terre que 40 minutes plus tard, après les dernières notes de « Just kids ». Pour nous accompagner, il y a la voix de Linda Jarvis. Ethérée, chargée de reverb’, elle parvient néanmoins à s’extraire des nappes de claviers (« Wild Peace », « In Dreams ») ou de vagues de guitare constamment distordues (« Young Silence »), dispensées par l’autre tête pensante du groupe, Thom Hill…
Malgré le drame qui l’a frappé, le band insulaire est reparti en tournée en octobre et prévoit de nombreuses dates, en Grande-Bretagne, en 2013. On espère qu’il aura la bonne idée de venir défendre ce chouette opus, chez nous…
Ce quintet ne nous vient pas du Sud des States, mais de Suède. Une formation nordique qui semble avoir égaré son esprit du côté de l’Alabama, de la Georgie voire du Kentucky. Répondant au patronyme de Mr. Morning, elle vient de publier son 3ème album en 10 ans. Ses références ? Le bluegrass, l’americana (Wilco, Jayhawks), mais également le psychédélisme (Grateful Dead).
Les 8 longues plages de « Home on the Bend » oscillant de 5 à 13 minutes, nous plongent tour à tour dans le country rock (« Top of Every Mountain »), la roots (impliquant inévitablement harmonica, orgue et violon) quand elles ne s’autorisent pas de longues envolées épiques (« Motorbike »). Tiens justement ce titre nous renvoie au film de Dennis Hopper réalisé en 1969, « Easy rider », un long métrage dont la bande sonore avait été partagée entre Steppenwolf, Roger McGuinn, The Electric Prunes et quelques autres.
Si les Scandinaves n’inventent rien, il faut reconnaître que leurs mélodies sont bien plus inspirées que la pochette de leur album. Un groupe qui espère néanmoins monter en première division dans une catégorie déjà hyper-saturée, celle du rock sudiste…
Issue d’une famille qui baigne depuis plusieurs générations dans le monde artistique, Loraine ne pouvait que s’y tremper à son tour. Faut-il le rappeler, mais son arrière grand-père, Georges, est l’auteur du « Journal d’un curé de campagne »…
Après avoir pris quelques cours de saxo à neuf ans, elle s’ennuie bien vite de ses profs, trop lents à son goût, et c’est donc vers celui de treize ans et seule qu’elle apprend à apprivoiser d’autres instruments tels que piano, batterie et guitares. A seize, elle intègre son premier band au lycée. Non contente d’être ‘membre’ d’un groupe, elle commence à écrire et composer ses propres chansons pour poster en ligne sa première réalisation sur Myspace.
Cherchant encore sa voie, elle rencontre Duncan Roberts, en 2011. Il la prend sous son aile pour produire son premier Ep cinq titres « 1=3 ».
Responsable de l’écriture des lyrics et des compos, c’est vers une chanson à texte résolument moderne qu’elle se dirige. Loraine est une battante, tempérament reflété à la fois dans ses mots mais également ses notes. Ses textes vraiment bien torchés, loin des gentilles comptines trop souvent servies par ces jolies demoiselles sont autant de scènes de la vie courante et… pas toujours jolies jolies…. Notre belle plante blonde n’a pas sa langue en poche et dans le registre qu’elle explore, c’est une qualité.
Côté musical, son pop/folk bien saucé est nappé de guitares, accords de piano et rythmes bien sentis.
Loraine n’a visiblement pas envie d’ajouter une petite empreinte au tableau des chanteuses mielleuses qui font le bonheur des radios franchouillardes de bas niveau. Elle élève le sien, consciente de la difficulté de sa tâche mais seule ou quasi, elle franchit une à une les marches qui la révèleront tôt ou tard au grand public.
Une vraie chanteuse de bonne chanson française, c’est pas si courant ! Allez hop, la suite…
‘Maintenant, ajouta l'électricien, nous allons examiner l'organisme de la créature nouvelle, électro-humaine, de cette Eve Future, enfin, qui, aidée de la génération artificielle, me paraît devoir combler les vœux secrets de notre espèce, avant un siècle’. Cette citation tirée de " L'Eve Future ", le roman de Villiers de l'Isle-Adam, date de 1900… Pourtant, cent deux ans plus tard, elle est toujours d'actualité, et sied même comme un gant à cette musique électronique qui rythme notre quotidien et, justement, comble nos vœux d'amateurs de sonorités nouvelles. Kreidler l'a bien compris, et c'est un bel hommage qu'il rend à l'écrivain, précurseur de toute cette cyberculture dans laquelle nous sommes sans cesse plongés. En cinq titres d'électro sophistiquée mais rêveuse, l'Allemand reprend les choses là où son compatriote Giorgio Moroder les avait laissées avec sa BO pour Metropolis, le chef-d'œuvre de Fritz Lang (une autre histoire d'Eve Future). Parfait comme bande-son d'un film imaginaire dans lequel les machines seraient les égales de l'homme (ce lien possible entre le compositeur et son sampler), cet EP s'écoute donc idéalement sur les images de Blade Runner ou de Ghost In The Shell. Le film idéal, en somme…
Issus du Pays-de-Galles, les musicos de Prosperina sont probablement des grands fans de Tool et du métal des années 90, en général... Après avoir écouté leur premier album, « Faith In Sleep », on en a la conviction. Les guitares atmosphériques et les constructions progressives rappellent constamment l’univers de la bande à Maynard James Keenan. Malheureusement, ces nobles ambitions sont parfois couplées à d’étranges dérapages métalliques aux accents 80’s, très souvent parcourus de solos inutiles voire du plus mauvais goût… Gethin Woolcock (guitare et voix), Owen Street (basse) et Yotin ‘Yo-Yo’ Walsh sont ambitieux, mais leurs compos se complaisent un peu trop systématiquement dans la complexité. L’elpee recèle néanmoins quelques plages de bonne facture, caractérisées par de belles envolées atmosphériques dont le mélancolique « Snow Leopard » rappelant la quintessence de Deftones (« White Pony »). L’empreinte stoner est manifeste sur les excellents « God vs. Darwin » et « Trees Have Eyes ». Les morceaux sont longs et embrassent une multitude de références : Isis, Queens of the Stone Age, Deftones, Tool, Colt, Kyuss, Baroness… et même Pink Floyd ! Que du bon et du lourd, parfois à la limite de l’indigestion ! Espérons simplement que pour leur prochain essai, le trio privilégie l’originalité…
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