Le premier volume de The Valthermond Recordings permet d’apprécier la musique des œuvres de Bach arrangées par les grands Liszt, Busoni, Hess et Brahms. L’idée est intéressante, le défi est de taille : l’interprète doit dépeindre Bach dans les couleurs de différents compositeurs sans y laisser pour autant sa propre compréhension de l’œuvre. On retrouve les deux célèbres Chaconnes, celle de Brahms et de Busoni, ainsi que la Fantaisie et Fugue et la Prélude et Fugue arrangés par Liszt, et des Chorals de Cantate par Busoni et Hess.
Tout d’abord, il convient de saluer la qualité superbe de l’instrument et de l’enregistrement. En ce qui concerne l’interprète Rian De Waal, dont la biographie est impressionnante, il joue bien... mais sans plus. Mozart affirmait que la vraie musique figurait entre les notes, et c’est précisément cette vraie musique qui manque ici. Le son est beau, bien formé, il a une belle résonance, la bonne couleur, la bonne température et on ne peut nier entendre Bach du début à la fin de l’enregistrement. Malheureusement, la pulsation –pourtant si importante chez le compositeur– vire souvent à la précision robotique ; et l’articulation tout aussi primordiale prend parfois de telles proportions qu’elle en tue l’idée. Les débuts des Chaconnes donnent particulièrement le ton d’un jeu trop tiède et mathématique. On aimerait entendre davantage de l’interprète : plus de sentiments, de chaleurs, d’attaque, de tension… de passion!
Craig Chaquico est guitariste. Agé de 58 balais, il est de descendance portugaise et indienne (NDR : d'Amérique !) Il a longtemps milité chez Jefferson Starship dont le patronyme s’était ensuite transformé tout simplement en Starship. Drivé par Paul Kantner et Grace Slick, ce groupe était né sur les cendres de Jefferson Airplane. Au cours des 20 dernières années, il a souvent été courtisé comme musicien de studio. Ce qui ne l’a pas empêché d’embrasser une carrière en solitaire. Il est d’ailleurs responsable d’une discographie personnelle plutôt conséquente.
L'album s'ouvre par une plage troublante intitulée "Lie to me". Noah Hunt, vocaliste du Kenny Wayne Shepherd Band, chante passionnément ce titre soul/blues que colore Bill Heller de son orgue Hammond, pendant que la guitare de Chaquico pigmente l’ensemble de phrases bleues tout à fait captivantes. Rolf Hartley se réserve le chant pour "Devil's daughter", un blues imprimé sur un mid tempo. Craig est épaulé par l’Away Team. Craig a volontiers recours au blues pour enrichir son expression sonore. Signé Booker T Jones et William Bell mais popularisé jadis par le grand Albert King, "Born under a bad sign" symbolise bien entendu le blues de Memphis. Chaquito lui inflige un traitement instrumental, typique de ce blues urbain de cette ville portuaire de l'État du Tennessee. Eric E Golbach est au micro pour "Bad woman", un blues lent majestueux au cours duquel il injecte toute sa passion et sa violence tout en se montrant autoritaire. Les chœurs éclosent et propulsent les cordes au firmament. Séduisantes, propres et techniques, elles ne manquent pourtant pas de feeling. Deux instrumentaux, ensuite. Tout d’abord "Rollin' and tumblin'", un classique traditionnel immortalisé par Muddy Waters. La nouvelle version est imprimée sur un tempo enlevé. "Fire Red moon", ensuite, une plage qui baigne dans la douceur et la sérénité. Memphis shuffle léger, "Little red shoes" est balisé par le piano et l’orgue. La voix de Hartley est fluette. Chaquico est très inspiré aux cordes, dans un style réminiscent de Stevie Ray Vaughan! Un dialogue d’une grande pureté et empreint de sensibilité s’établit entre la guitare et le piano, tout au long de "Blue on blue", un peu comme lors d’une B.O. destinée à un film d'amour. Craig libère une dernière fois ses cordes pour revisiter le célèbre "Crossroads" du légendaire Robert Johnson ; cependant Chaquito adopte le rythme qui avait sublimé la version du Cream. La voix de Hartley est toujours aussi inoffensive, mais les interventions de notre soliste sont remarquables, comme si elles émanaient d’un flirt hypothétique entre la gratte de Clapton et celle de Billy Gibbons…
Que Cabrel soit un fan inconditionnel de Dylan n’est un secret pour personne. Merci Hugues Aufray ! C’est lui, en effet, qui dès 1965 (déjà) adaptait dans sa propre langue, quelques titres du bon Zimmerman et accrochait les oreilles de Francis, alors teenager. Depuis, celui-ci a découvert l’univers de Bob en version originale et n’a jamais, en 35 ans, renié son amour pour sa poésie et ses mélodies. Mais de là à réaliser un album de reprises et en français, il y a une marge qu’on imaginait jamais le voir franchir. D’autant plus que cet exercice de style relève plus de l’identification à son idole que de l’admiration qu’il lui porte…
Pourquoi ? Pourquoi donc un tel artiste aussi talentueux, tant au niveau de l’écriture que de la composition, a-t-il décidé de consacrer une œuvre, sa 14ème, à des covers de Dylan. Onze en tout !
Et bien la raison est toute bête, le manque d’inspiration tout simplement.
Alors qu’il préparait son nouvel opus, Cabrel cale après seulement avoir écrit 5 ou 6 chansons. Sa muse est tarie. Ne voyant plus rien venir, il choisit alors de changer de direction. C’est donc tout naturellement qu’il se tourne vers le répertoire de celui qu’il écoute et admire depuis le début des seventies.
Très adroitement, il évite de marcher sur les plates-bandes de Hugues Aufray en éliminant les chansons déjà revisitées et sélectionne des titres qui sont même pour certains, presque inconnus. On pourrait même penser que ces compos sont personnelles tant elles se rapprochent de ce que concocte habituellement notre homme.
Pour celui qui ne connaît qu’« I Want You », cet elpee pourrait servir de déclencheur et par là-même, servir les intérêts de Bob Dylan. Car le répertoire de cet immense artiste est loin d’être connu de tous. Il recèle encore pas mal de perles et de découvertes possibles ; Cabrel nous met ici le pied à l’étrier.
Musicalement parlant, on est très proche de « Des roses et des orties » sorti en 2008 et ses accents de la Nouvelle Orléans. On ‘nage’ toujours dans le Bayou…
Au niveau des lyrics, il faut reconnaître un talent certain à Francis Cabrel. Alors que le vieil Apache aux cheveux blancs se contentait de traduire quasi littéralement les propos de Dylan, Cabrel privilégie l’idée aux mots. Pas toujours fidèles, les paroles légèrement différentes gagnent en sens et en authenticité. Paradoxal me direz-vous ! En effet, mais Cabrel a privilégié l’esprit à la lettre, conférant une nouvelle dimension à ces onze splendides chansons.
Une excellente parenthèse dans la carrière d’un des meilleurs, si pas le meilleur, représentants de la chanson française. Francis nous promet de sortir son nouvel opus, dans le courant 2013. Fameuse idée que de nous inviter à patienter en publiant ce joli disque. Et puis, si cette formule lui permet de retrouver l’inspiration, perso, je ne dis pas non !
Ce combo ne vient pas de l'Oklahoma, mais bien de l'Ontario, du côté de Toronto, au Canada. Elle compte une bonne dizaine d'années d’existence. Un sextuor surtout notoire pour ses prestations ‘live’. L’aspect visuel y est particulièrement soigné. Il est même digne de Kiss, The Tubes voire d’Alice Cooper. Excusez du peu ! La formation compte plusieurs albums à son actif : "Cencerro Blanco" en 2005, "Casa Diablo" en 2007 et "Bombardero" en 2009. Sans oublier "Viva Live Locos", publié en 2010, une prestation en public immortalisée lors de l’édition 2006 du Burg Herzberg Festival, en Allemagne.
Chanteur/guitariste, Clem Clemsen en est le leader. Son backing group réunit Hollis P. Cartwright III (guitares), Bubba Lee Phett (basse et chant), Chainsaw Charles (percussions diverses et effets électroniques), The Cousin who Hath No Name (guitare) ainsi que GM Luigi Safari (drums). Affublés de tels pseudos, on se doute que la troupe est constituée de personnages originaux. Ils revendiquent pour influences majeures, Hawkwind, Neu!, ZZ Top, Deep Purple, Frank Zappa,… et comprenne qui pourra, Jérôme Bosch et Breughel l'Ancien, les peintres flamands du XVIème siècle! En outre, ce team canadien qui n’a donc rien à voir avec l’Oklahoma, titre tous ses elpees en espagnol. Pas facile de les comprendre!
Des sonorités spatiales introduisent "Buenas Noches". Très mélodieux cet instrumental nonchalant est chargé de reverb. Notre esprit vagabonde alors le long des chemins poussiéreux, quelque part entre le Mexique et le Texas. Les Cowbells chantent à tue-tête "Get back to the Grove", un morceau punk très enlevé. "Flush in the pocket" est tout aussi nerveux et énergique. Les musicos ne tiennent pas en place et ne font pas dans la dentelle. Pas de place pour la moindre fioriture. L’attaque est permanente, ce qui rend cette compo parfois décousue. WCO ne lâche pas la bride. A l’instar du sauvage "Flush in the pocket", comme s’il s’était lancé dans un rodéo, bien illustré par l’image de la pochette. "Easy street" évoque les premiers singles de Deep Purple. Les sonorités de guitare sont tranchantes et torturées. La montée en puissance est manifeste. "Gallows bird" s’ouvre dans un climat serein, avant que l’allure ne recommence à croître. Pourtant, la plage est ici plus pop. Les guitares se croisent et s’entrecroisent élégamment sur une mélodie qui nous plonge dans le ‘far west’. "Bully black" puise à la fois dans le southern rock et le punk. Dynamique, cette piste mène aussi parfois à Kiss voire à Deep Purple. Les sorties des cordes sont une nouvelle fois excellentes. "Flapjack flytrap" trempe dans un heavy rock blues à la sauce 70’s. Une guitare slide très amplifiée est rapidement rejointe par une nuée de cordes lancées au galop. A cet instant, les références southern rock sont légion : Molly Hatchett, Pointblanck, etc. "Streetknife's Theme" est une longue jam de près de 8'. Les musiciens travaillent sans filet. Les climats se succèdent : boogie, space rock, psychédélisme, etc. Cette succession de tableaux n’est pas sans rappeler les Doors de l’époque "L.A woman" ; surtout à cause de la présence de cet orgue! Imprimée sur un tempo boogie variable, "Diabla, diabla" s’étale sur plus de 9'. C’est aussi le titre final. On est au bord du délire. Les grattes sont débridées et une trompette vient s’intégrer dans l’ensemble. Manifestement White Cowbell Oklahoma est un groupe à voir sur les planches…
« Pigeons » constitue le second opus d’Here We Go Magic, le projet de Luke Temple. Perso, son premier elpee –malgré ses incontestables qualités– était quelque peu surestimé. Pourquoi ? Une carence en mélodies contagieuses.
Pour enregistrer « A Different Ship », la formation new-yorkaise a reçu le concours Nigel Godrich, le mythique gourou de Radiohead. Un disque découpé en 10 plages. Teinté d’électro, son folk baigne au sein d’une atmosphère aquatique, vaporeuse (« I Believe in Action »). Les échos réverbèrent des accents empruntés à Connan Mockasin, tandis que la voix de Luke Temple rappelle tantôt Sharko ou même Sting (« A Different Ship »). Le groove est irrésistible. Les polyrythmies sont étranges. Et le résultat confère à l’ensemble une dimension unique, pop, visionnaire (« Hard to be Close », « How Do I Know) et probablement magique…
Pendant quelques années, les deux musicos de Two Gallants se sont consacrés à leurs projets respectifs. En solo pour Adam Haworth Stephens. Au sein de Devotionals pour Tyson Vogel. Il y a quelques mois, le duo a publié un nouvel opus, « The Bloom and the Blight ». Un album résolument différent des précédents elpees (NDR : tous excellents, il faut le rappeler !) et au cours duquel Stephens n’a pas hésité à se servir davantage de la distorsion. Le son y est donc beaucoup plus sauvage et âpre. Un changement radical qui avait éveillé notre curiosité et puis suscité l’envie d’assister à une future prestation scénique. Le concert au Botanique de ce 27 novembre tombait donc à pic.
Le tandem jouit quand même d’une notoriété certaine en Belgique, puisque le spectacle est sold out, déjà depuis quelques semaines. La première partie est assurée par un groupe anglais répondant au doux nom de To Kill a King. Un patronyme inspiré d’un film britannique réalisé par Mike Barker, sorti en 2003. Pratiquant une forme de folk rock, cette formation est venue présenter son premier Ep, « Word of Mouth ». Les Londoniens ont donc la lourde tâche d’ouvrir les hostilités. Malheureusement, sans être catastrophique, leur prestation ne casse pas ‘trois pattes à un canard’ ; dans ces conditions si le roi est mort, on ne criera pas ‘vive le roi’…
Le temps de prendre l’air quelques minutes et il est temps de revenir dans la salle. Derrière le podium, s’étend une énorme banderole arborant un motif tout droit sorti des premières encyclopédies. Sa signification reste une énigme pour l’ensemble de la foule et esthétiquement les avis sont mitigés. Peu importe…
Les deux barbus montent sur l’estrade vers 21h05. Ils attaquent d’abord plusieurs morceaux de leurs derniers albums, dont l’excellent « My Love Don’t Wait ». Techniquement, les deux protagonistes sont toujours au top. Adams.H.Stephens affiche une dextérité impressionnante à la guitare même si son jeu s’est durci. Quant à Vogel, on se demande encore comment il parvient à tenir la distance à ce régime. Si la prestation tient la route, on ne peut pas en dire de même de la qualité du son. Et pour cause, sur-amplifiée, la batterie étouffe les subtilités des accords de la guitare. Et si au fil du concert, le phénomène va s’estomper, il sera toujours bien présent. Fâcheux ! Malgré ces soucis techniques, Two Gallants enchaîne les titres. Et les anciennes compos subissent un traitement plus pêchu. A l’instar de « Steady Rollin’» ou « Las Cruces Jail ». On aura même le droit à un nouveau morceau. En fin de parcours, deux membres du groupe anversois Hickey Underworld les rejoignent sur l’estrade, afin d’assurer les percus, pour une composition qui ne relève pas du répertoire des Californiens. Une reprise sympathique, mais loin d’être percutante. Et c’est « Halcyon Days » qui clôt le corps du set.
Un peu de calme pour entamer le rappel, puisque Two Gallants aborde deux ballades, « Broken Eyes » et « Sunday Souvenirs ». Mais « Nothing to You » conclut la prestation très électrique du duo étasunien. Dommage, ces balances mal réglées…
(Organisation Botanique)
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Sébastien Tellier est un drôle de personnage. Une sorte de gourou qui refuse qu’on le considère comme tel. En fait, il a recours au second degré pour créer du rêve. Un rêve susceptible de nous entraîner dans un monde meilleur… Peut-être peint en bleu. Il nous aime. Et nous aussi on l’aime! Pendant plus de deux heures, ‘Maman’ nous va nous bercer dans l’abîme bleu de son répertoire électro ‘old school’. Il comble ainsi ses fidèles réunis pour une ultime bénignité au Cirque Royal, ce lundi 27 novembre…
Owlle assure le supporting act. Un set inévitable, plutôt moyen, mais nécessaire. Pas vraiment novateur, non plus. Imaginez Florence and The Machine récupérée par la ‘french touch’ ! Une prestation très propre, irréprochable, mais sans surprise ni audace. Néanmoins, la formation a fort bien réussi la délicate mission de chauffer l’atmosphère. Cadencée, l’électro-pop de la lauréate du tremplin ‘Rock En Seine 2012’ est même parvenue à inciter une parie du public à se trémousser, et même à se dandiner langoureusement sur son titre-phare, « Ticky ticky ». Ensuite c’est l’attente…
Le moment qu’on aime le moins ; car l’ambiance créée par la première partie retombe et le ballet des roadies nous impatiente. Pendant ce temps on se demande pourquoi il est si difficile de trouver des ‘pepitos’ en Belgique. Et puis c’est n’importe quoi cette histoire de ‘pepitos bleus’ ; mais c’est si bon…
Sébastien Tellier a construit un mouvement sur des falaises de biscuits : les fameux Pepitos. Autoproclamé ‘Maman’ par tous les membres de l’Alliance bleue, il propage ainsi ses ineptes mélopées, tout au long de sa nouvelle galette.
21 heures. Les deux musicos qui accompagnent Tellier montent sur l’estrade et entament l’intro de « Pepito bleu ». Kitsch, le décor nous plonge immédiatement dans l’ambiance. Des buissons en plexi se dressent sur le podium. Des lumières bleues inondent un escalier de cabaret sur lequel apparaît finalement Sébastien, tel un Christ rédempteur. Le Cirque Royal se transforme dès lors en sanctuaire prêt à accueillir toute la spiritualité de ce dernier album.
‘Ce soir ici à Bruxelles, nous célébrons ensemble notre amour de l’alliance bleue.’
Sur ces mots, ‘Maman’ sangle sa Gibson bleue électrique et plaque les premiers accords du second titre : « Against the Law ».
‘Coiffeur pour lui, pour elle. Coiffeur pour lui. C’est quoi cette histoire de coiffeur ? C’est n’importe quoi. Oui, mais c’est beau!’
Pas de doute on nage en pleine ‘Absurdie’, et ce n’est que le début.
‘C’est le moment de danser et de s’amuser, merci’.
Sébastien embraie alors par « Cochon ville » et invite le public à se dénuder sur l’estrade du Cirque Royal.
‘Alors vous n’êtes pas assez bourrés à Bruxelles, pourtant vous avez une sacrée réputation !’
Le concert est lancé. Le rythme funky. Le sanctuaire se transforme en dance-floor au grand dam de la sécurité. Les disciples les plus hystériques dansent sur la scène, mais pas en simple appareil, comme souhaité… malheureusement. On ne verra que quelques torses nus et des couples qui s’emballent !
Après avoir serré la main aux plus téméraires d’entre eux, il décrète : ‘Le concert est fini. Vu le prix des places c’est normal !’ Puis ajoute, ‘Je demande une clope et une vodka.’
Un roadie vient lui allumer une bonne vielle cigarette et le ravitaille en boisson. ‘Maman’ s’arrête sur la dernière marche de l’escalier et entame le magistral « Russian Attractions », sa vodka à la main ! What else!
Un quidam de la salle a même la chance de se faire baptiser. Remonté au sommet de son escalier, ‘Maman’ pose sa main sur la tête innocente de l’inconnu, pendant qu’un son lourd et vibrant tout droit sorti d’un film de Carpenter retentit. Enorme !
C’est assis devant son piano qu’il nous interprète « Roche ». Il se permet même une petit pause après le fameux ‘amoureuse de Sébastien’, profitant de l’acclamation du public pour nous remercier, le sourire aux lèvres.
Il termine la première partie de son set par une version plus longue, plus rythmée de sa « Ritournelle ». Manifestement le meilleur titre du spectacle.
Le premier rappel nous entraîne dans la quatrième dimension. Tellier y interprète la « Dolce Vita ». C’est un grand fan de Christophe et il lui rend hommage.
Il nous accorde même un deuxième rappel. Ses discours amusent la galerie. Il joue un peu de Metallica, un peu de Garou !! Le trio se transforme en jukebox. On lui demande. Il s’exécute.
Manifestement, il n’a pas envie de s’éclipser. Il est heureux et ça se ressent. Et effectivement, il est conscient de vivre un concert d’exception. Une partie de la salle se vide pourtant à ce moment ; sans doute les spectateurs non-initiés qui estiment cette partie du show un peu trop loufoque…
‘Depuis toujours, je suis partisan du moindre effort.’
Et pourtant, il n’a pas lésiné sur la sueur et s’est montré d’une grande générosité, pour nous offrir ce moment privilégié…
Sébastien n’est pas un compositeur de génie, mais c’est un interprète génial qui assume le rôle imaginé pour chacun de ses albums. En perpétuelle évolution, ce type d’artiste est souvent incompris et dénigré, parfois à tort ou à raison.
‘Célèbre le bleu prophétique, c’est de lui que naîtra ta joie impérieuse. Par toi l’alliance bleue se diffusera sur la terre et règnera sur la bonté de ton cœur… Suis-moi, rejoins l’alliance.’
Faites comme nous, chers lecteurs, rejoignez l’alliance bleue…
(Organisation : Botanique)
Set-list :
Pépito Bleu
Against the Law
My Poseidon
Cochon Ville
Fingers of Steel
Russian Attraction
Kilometer
Rush
Divine
Sexual Sportswear
La Ritournelle
Encore
L’amour et la Violence
Yes it’s Possible
(Voir aussi notre section photos ici)
Il a donc fallu attendre cinq longues années avant que je puisse enfin assister à un concert de Two Door Cinema Club. Certes le trio nord-irlandais s’est produit à maintes reprises, dans notre plat pays ; mais un concours de circonstances m’a toujours empêché d’y assister. Qu’à cela ne tienne, lundi il était présent au Botanique à Bruxelles, et votre serviteur également…
Cette date bruxelloise coïncidait avec la fin de la (première partie de la) tournée européenne du groupe ; ce qui laissait planer un doute sur la forme du combo. N’était-elle pas trop fatiguée par quatorze concerts dispensés en dix-neuf jours sur le Vieux continent ? Il faut avouer que depuis la sortie, en septembre dernier, du très bon second album (« Beacon »), les Britanniques n’ont cessé de trimballer leur bonne humeur aux quatre coins du globe, justifiant les louanges colportées par la presse spécialisée.
J’aurais aimé voir et écouter la première partie, assurée par Kowalski ; mais une horde d’agriculteurs en colère, luttant pour la cause laitière, en a décidé autrement. Je me contente donc des dernières notes d’un synthé doucement envoûtant, s’évaporant à tout jamais dans l’air humide d’une Orangerie déjà à moitié pleine, vers 20h30.
C’est donc méfiant, que je regarde la tête d’affiche de la soirée, monter sur les planches. Méfiance vis-à-vis de leur réelle qualité scénique, méfiance vis-à-vis de leur état de fatigue et surtout, méfiance à propos de cette mystification que je me suis fabriquée durant ces cinq dernières années. Je ne pouvais être déçu. Pas ce soir. Et surtout pas par eux !
Il n’a fallu que quatre minutes pour dissiper toutes mes appréhensions. « Sleep Alone » déferle langoureusement dans les tympans d’un auditoire déjà rallié à la cause du combo.
Alea Jacta Est…
La déferlante Two Door Cinema Club déboule et elle ne s’arrêtera qu’une heure vingt plus tard, dans la sueur et la bonne humeur.
Il n’aurait pu en être autrement, tant la formation maitrise à merveille son sujet, une justesse scénique rarement égalée, agrémentée de tubes tous plus réussis les uns que les autres (« Do You Want It All ? » et « I Can Talk » pour ne citer qu’eux).
De plus, la capitale a offert à T.D.C.C. un public tout sourire monté sur ressort, ivre de bonheur et agité de spasmes d’excitation à la manière d’un petit enfant découvrant la myriade de cadeaux que le Père Noël a déposé sous le sapin. Oui, en quelque sorte, c’était un peu Noël avant l’heure dans l’Orangerie, une fête chaleureuse où tout un chacun dans l’assistance a retrouvé son âme d’enfant le temps d’un concert, les yeux pétillants et un sourire bienheureux flanqués sur l’ensemble des visages.
Une ode à la joie gracieusement orgasmique.
Setlist
1. Sleep Alone
2. Undercover Martyn
3. Do You Want it All ?
4. This Is The Life
5. Wake Up
6. You’re Not Stubborn
7. Sun
8. Pyramid
9. I Can Talk
10. Costume Party
11. The World Is Watching
12. Next Year
13. Something Good Can Work
14. Handshake
15. Eat That Up, It’s Good For You
Encore
16. Someday
17. Come Back Home
18. What You Know
(Organisation Botanique)
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Skip & Die est avant tout le projet de Catarina Aimée Dahms aka Cata Pirata, jeune et charmante chanteuse sud-africaine. Musicienne, artiste de performance et activiste engagée dans divers projets sociaux, son style transparait dans son groupe s'auto-définissant comme ‘afrofuturistic-tropibass band’. Longue robe très fashion, longs cheveux roses rasés sur les côtés façon punk, elle libère une énergie ultra-communicative sur les planches. Lors de son dernier concert accordé au Beurschouwburg à Bruxelles, Cata na pas hésité à descendre dans le public déjà en transe pour communier dans un style trippant et envoûtant.
Aux côtés de Cata, on retrouve 4 excellents musiciens issus d'Amsterdam : Gino Bombrini (percus, guitare), Rene Kuhlmann (table électronique), Nique Quentin (percus) et Daniel Rose (guitare et sitar). C’est ce dernier qui communique à l’expression sonore une petite touche psychédélique.
Produit par Jori Collignon, « Riots in the jungle » mêle différents styles musicaux sous ses formes les plus rebelles : techno, afro-hip-hop, cumbia, township funk, etc. Un bel arsenal d'armes sonores susceptibles de résister à la culture ‘clean’…
Chauffé par le flow délinquant de Cata, et comme pour balancer davantage encore, les titres des morceaux comme "Love Jihad" ou "La cumbia dictadura" sont autant de provocations à l'ordre et la morale établis et ça fait du bien !!!
Amis organisateurs d'événements ou amateurs de belles découvertes, dépêchez-vous, ce sympathique petit groupe risque de prendre rapidement du galon. Pas pour rien que le festival des TransMusicales de Rennes, particulièrement inspiré quand il s’agit de découvrir de nouveaux talents, n’a pas hésité à les programmer dans le cadre de leur nouvelle édition, prévue pour décembre 2012…
La musique se mondialise. L’Afrique du Sud commence véritablement à sortir de sa coquille. Après Die Antwoord et Skip&Die, place à Spoek Mathambo. La scène de la nation arc-en-ciel est particulièrement active. La plupart des groupes et artistes qui en émanent rivalisent d’originalité. Et l’énergie qu’ils injectent dans leur expression sonore, n’est pas qu’une légende. La formation a été signée sur le label plutôt rock Sub Pop. Et pourtant Mathambo mêle allègrement et sans aucun complexe grime, post-punk et électro, n’hésitant pas de pimenter le tout d’un zeste de reggae…
« Father Creeper » constitue le second opus du MC ; et vous pouvez me croire, l’écoute de ce disque n’est pas de tout repos… Sauvage (« Put Some Red on It »), dansante (« Let’s Them Talk »), tribale (« Dog to Bone ») voire électro (« Venison Fingers »), l’artiste puise autant chez Dizzie Rascal que Franz Ferdinand ! Malheureusement, plusieurs compos souffrent d’une carence en sens mélodique. Dans ces conditions, difficile d’accrocher ; à l’instar de « Skorokoro », un peu trop passe-partout. Bref, si ce « Father Creeper » trempe dans un électro hip hop tonique, il aurait tout aussi bien pu avoir été enregistré à Johannesburg qu’à Malmö…
Lylac, alias Amaury Massion, ne semble pas éveiller la curiosité à premier abord. Mais quand on sait que ce jeune homme est également chanteur et responsable des compositions du band belge My TV is Dead, on situe alors un peu mieux le personnage.
Cette fois, c’est détaché de l’autre moitié de son binôme (trio lorsque le groupe est en représentation) qu’il opère. Enfin, il n’est pas seul non plus. Il forme une nouvelle paire, d’un tout autre style, en compagnie de Thècle Joussaud, violoncelliste du combo français Debout sur le Zinc. L’instrument complète parfaitement la voix d’Amaury sur les splendides ballades qui habitent ce premier album solo tout en délicatesse et en poésie. Le reste de l’instrumentation passe entièrement entre les mains de Lylac, de la trompette aux guitares en passant par le piano, sans oublier le reste, parfois issu de son imagination fertile (quelques grains de riz dans un saladier suffisent parfois à imprimer le rythme).
Onze compos, onze souvenirs de voyages, onze cartes postales écrites durant son périple accompli dans le sud asiatique ; soit au Laos et Cambodge. Ces chansons, avant de les mettre en boîte, il les a chantées pour les autochtones rencontrés sur place. Par deux fois en français et le reste, les neuf autres, en anglais.
Intimiste à souhait, l’univers d’Amaury s’offre à l’auditeur curieux de connaître ses émotions, de l’entendre simplement les chanter en ne se limitant pas à l’amour ou la tendresse. La tristesse, la colère et autres sentiments ont également leur place dans les textes interprétés de façon austère mais combien convaincante.
Les cordes sont les invitées de marque de cet album, à commencer par les cordes vocales d’Amaury qui ensoleillent les plages majestueusement soulignées par l’instrument grave et caressant de Thècle.
Tout s’écoute presque respectueusement tant l’émotion transpire de chaque note chantée ou issue d’un instrument. Mention spéciale (toute personnelle) à « The End Of The Road » que je pourrais écouter tant et plus sans jamais m’en lasser.
Un album riche et sobre à la fois, un projet qui demande une fameuse dose de curiosité de la part de l’amateur ; car ce n’est pas dans nos médias, radio et télé que l’on risque d’entendre parler de Lylac, constat bien regrettable. Mais on ne prête qu’aux riches, c’est bien connu.
Jetez-vous sur ce disque, grandiose par sa douceur et son authenticité.
Alias King Tuff, Kyle Thomas est étasunien. La tignasse lui tombant sur les épaules, il a la dégaine d’un camionneur yankee. Ses mimiques sont très caractéristiques d’un prototype parfait du déséquilibré tout droit sorti d’un film de Tarantino. Mais quand on analyse son cv, il faut reconnaître que le gaillard possède une belle carte de visite. Outre son King Tuff, Kyle milite chez Witch (NDR : combo stoner dont le batteur n’est autre que Mr. Jay Mascis) ainsi que Feathers, une formation davantage tournée vers le folk.
Eponyme, le second elpee de ce songwriter instinctif mais talentueux, trempe dans un climat garage tempéré. Ce qui n’est pas plus mal. Sa musique est fondamentalement américaine et les morceaux de son opus oscillent entre bon vieux grunge, punk allègre (« Bad Thing ») et pop-folk (« Unusual World » évoque Ted Leo and The Pharmacists...) On a même droit à plusieurs ballades country, à l’instar de « Baby just Break », au cours desquelles il s’accompagne uniquement à la guitare sèche. Et malgré cet éventail de style, l’ensemble de ce long playing demeure homogène. A cause de ce parfait équilibre entre fougue diaboliquement juvénile (NDR : regardez la pochette !) et sens mélodique contagieux…
Ce « Thanatopraxis » n’est pas sorti en catastrophe ! Et pour cause, il succède à « Farewell Masquarade », paru il y a près de 6 ans… Depuis, le combo issu du Nord de la Belgique s’était montré plutôt discret. Et pourtant, lors de la publication de son précédent opus, il avait recueilli d’excellents échos dans la presse ; la puissance et le style syncopé de sa musique évoquant un croisement entre At the Drive-In et The Jesus Lizard. Bonne nouvelle, les riffs de guitare dispensés par Jorg Strecker (Creature with an Atom Brain, Daan) sont toujours aussi singuliers et déstructurés, alors que le timbre vocal unique en son genre de Wannes Cré, continue de faire la différence. Pas mal pour un groupe né en 1991, militant à l’origine sous le patronyme de Quetzal. Complexe (Tool ?) et troublante (Cold ?), la musique de cette formation anversoise trempe dans l’émo. Mais une émo très spécifique, légèrement datée, pas toujours facile d’accès. Ok, elle sent bon les nineties. Mais elle est bigrement efficace, à l’instar d’« All Is Mine ». La presse spécialisée qualifie In-Kata de Mars Volta à la sauce belge ; perso, j’estime que c’est plutôt du côté de Deftones voire de Vex Red que la formation puise son inspiration…
In-Kata se produira ce 8 décembre à la Groenplaats d’Anvers
Duo pop/rock formé en 2007 et constitué de Lucas Barbier et François Byrski, la mini formation française est issue de la banlieue parisienne. Ces cinq morceaux constituent déjà leur troisième opus et… jamais entendu parler !
Y’a que chez Musiczine que l’on peut trouver de telles raretés…
A la décharge de Côme, sont pas très aidés les p’tits bands innovants au pays du camembert et du bordeaux…
Bref, dur, dur de percer dans l’Hexagone si on n’est pas le protégé d’une grosse pointure.
Et pourtant…
Côme dispense une pop bien léchée, nappée de sauce à la mente bien british. Y’aurait une petite influence U2 là-dessous que je ne serais pas surpris. Ecoutez donc la plage inaugurale « Presto » et vous serez, vous aussi, vite convaincus. Mais résumer la musique de Côme à une imitation, même de bonne facture, de la bande à Bono, serait vraiment faire preuve de mauvaise foi et très réducteur.
L’instrumentation est simple mais efficace : chant, guitare et batterie (difficile d’en faire davantage à deux !) Les compos du duo surprennent par leur candeur et leur approche mélodieuse.
Très jolie ballade atmosphérique, « The House » tranche avec le reste du cd.
« I Kill You » est une piste chiadée, très construite, reposant sur une conjugaison de voix terriblement efficace. Le refrain est entêtant, à la limite obsédant ; à tel point qu’il finit par vous martyriser les neurones.
« Who Wanna Dance » démarre en douceur, mais c’est le calme avant la tempête. Un véritable raz de marée provoqué par des flots de riffs en distorsion et des drums à la dérive, emportant tout sur son passage…
« Childoud » clôt le disque, une plage empreinte de tendresse et de poésie.
Si les médias, outre-Quiévrain, cherchent un véritable talent en devenir, ils auraient tout intérêt à s’intéresser à ce combo parisien, dont on attend la confirmation lors de la sortie d’un long playing…
Et pour voir leur dernier clip, c'est ici
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