En congé forcé de son groupe Nine Black Alps où il milite comme bassiste, Martin Cohen nous gratifiait il y a déjà quelques mois de cet album injustement passé inaperçu, y compris à mes yeux et oreilles.
D’un point de vue visuel, l’artwork de la pochette justifie cette injustice, tant la pochette incite peu à l’écoute (une prise de vue bancale d’un couple de personnes âgées vues de dos).
Mais les premiers accords de « Such Fun » ont tôt fait de combler cette lacune.
Jubilatoire et irrésistible ritournelle qui renvoie autant à Ty Segall qu’à Guided By Voices ou d’autres fleurons lo-fi de ces chères nineties, ce premier titre ouvre la voie de cet excellent opus.
Débonnaire à plus d’un titre, joyeusement bordélique, faussement foutraque et vraiment génial, « Yucca » mérite beaucoup plus que le peu de bruit fait autour de lui.
Omettre de vous en parler serait un impair.
Que celui qui n’a jamais péché me jette la première pierre…
Depuis une semaine, je chante à tue-tête « L’hymne de nos campagnes », « La main verte » ou encore « Mademoiselle Bulle ». Pourquoi ? Ce mardi 14 novembre, Tryo se produit en concert à Forest National. Et je serai présente assister à ce spectacle. Malheureusement, ces trois chansons, je n’aurai pas le bonheur de les entendre. En effet, la formation a privilégié les morceaux de leur nouvel opus, publié le 27 août 2012.
Forest National, 20h00. La salle est à moitié remplie. En première partie, un groupe inconnu au bataillon monte sur les planches : Boulevard des Airs. Huit musiciens enchaînent quelques chansons très festives et entraînantes. Une excellente découverte !
Tryo entre à son tour, dans l’arène, dès 21h00. A la surprise générale, le groupe apparaît sur une toute petite scène, au milieu de la fosse. Il enchaîne « Pas banal », « Marine est là », « Ladilafé ». Et crée une ambiance chaleureuse, en communiquant souvent avec le public. Le groupe aura bientôt 15 années d’existence. Il n’est cependant pas venu présenter un simple concert, mais un véritable ‘show’ : chorégraphies, DJ, ambiance boîte de nuit, scènes mouvantes, tout y est. Une seule chose manque : l’influence reggae, une caractéristique de leurs albums précédents. On peut donc souligner une tendance à vouloir s’intégrer dans le registre musical actuel (remix de chansons, grattage de platines, ...)
Les compositions sont toujours très engagées et expriment leurs opinions politiques et sociales : « Marine est là » fait référence à Marine le Pen, « Ladilafé » rend hommage à feue Patricia Bonnetaud, qui les a accompagnés tout au long de leur carrière, « Brian Williamson » reflète leur combat pour la reconnaissance de l’homosexualité dans le monde.
Le décor, très original et varié, est plusieurs fois renouvelé : au départ, il est composé d’une structure métallique sur fond blanc qui permet au public de voir les différents musiciens aussi bien que les chanteurs. Ensuite, un autre arrière-plan nous est dévoilé : celui de lucarnes et fenêtres ; et à cet instant, on a l’impression d’être sur les toits d’une ville. Les musiciens en jouent, ils apparaissent et disparaissent à leur gré.
Impression générale : un concert chaleureux et captivant mais qui n’a pas répondu à mes attentes. Cette nouvelle tournée s’éloigne un peu trop de l’univers créé par les premiers elpees du combo.
Organisation AJA Concerts
(Voir aussi notre section photos ici)
Il y a eu dEUS, puis Selah Sue... Aujourd'hui, il y a SX. Ce groupe issu de Coutrai, emmené par Benjamin Desmet et Stefanie Callebaut, est occupé de devenir le plus grand espoir de notre petit pays dans le domaine de la musique pop-rock alternative. Révélé l'année dernière lors d’un concours organisé par Studio Brussel (Vibe On Air) et par un superbe premier titre, ‘Black Video’, qui avait cartonné sur Youtube et les réseaux sociaux, ces petits génies viennent de publier un premier album, intitulé ‘Arche’. Ils ont présenté ce disque à une poignée de fans dans le cadre d'un showcase accordé au Planetarium de Bruxelles. Nous avons pu les rencontrer.
SX, c'est une histoire de contraste. Comme dans le nom, par exemple. "Dans SX, il y a le 'S' qui incarne le côté féminin", précise Stefanie. "C'est la chaleur mais aussi les éléments connus, du passé, habituels. Par contre, 'X' exprime la tension, le côté mystérieux, futuriste. Les deux lettres s'attirent mutuellement et représentent bien notre musique. Nous combinons des éléments connus et nous les transformons en quelque chose de puissant, d'alternatif".
Le résultat est en effet une musique fascinante, une dreampop psychédélique et magnétique qui s'inspire d'un éventail très large de styles pour créer quelque chose de neuf. On pense à Beach House pour la voix et les atmosphères éthérées mais aussi à Animal Collective et surtout à MGMT. Benjamin admet : "MGMT a été, en effet, un déclencheur pour nous. Il apporte une dimension créative nouvelle. Il combine de nombreux styles et y met sa propre empreinte. Mais nos influences vont aussi vers la soul, le blues, le jazz avec des artistes comme Marvin Gaye, Stevie Wonder, Herbie Hancock..."
Cette influence soul on la perçoit notamment dans la voix de Stefanie Callebaut, une voix de soprane, capable d'atteindre les notes les plus hautes mais aussi de produire un volume, un coffre typiquement soul, évoquant parfois Grace Jones. Ses tonalités mystérieuses, plus 'dark', la rapprochent aussi de Zola Jesus, Austra et Kate Bush. "C'est le résultat d'une longue recherche pour trouver 'ma voix'. J'ai toujours aimé la musique soul et le gospel, la musique noire en général, donc c'est normal qu'il y ait cette influence. Je m'efforce en permanence de repousser mes limites et de créer un timbre qui me soit propre." La présence d'une voix aussi atypique, très 'black', chez une frêle jeune fille blonde fait immédiatement penser à Selah Sue, même si la musique est tout à fait différente... "Oui, Selah Sue est incroyable. Mais elle, elle fait de la véritable musique soul... "
Le premier opus de SX s'intitule 'Arche'. Le mot grec 'αρχή' signifie 'début' mais aussi 'principe' ou 'fondation'. "C'est le premier principe, la fondation sur laquelle nous construisons notre projet". Pour le produire, le groupe a réussi à dénicher un producteur de renommée internationale, Ben H Allen III. "Nous n'avions pas encore de contrat à ce moment-là. Nous lui avons simplement envoyé un e-mail, avec nos démos et bien sûr ‘Black Video’. Il a répondu très vite et un mois plus tard, nous étions en studio à Atlanta pour les enregistrements. Nous l'avons choisi car sa perspective musicale est très large. Il a produit du hip-hop, des artistes comme MIA, Animal Collective mais aussi Gnarls Barkley. C'est un ingénieur du son expérimenté ; mais il sait aussi comment écrire et arranger une chanson. Il a bien compris l'approche 'SX' et donc c'était le producteur parfait pour nous."
Dans la production, on remarque à nouveau un contraste : celui entre la technologie moderne d'enregistrement numérique et les instruments analogiques, voire 'vintage'. Benjamin explique pourquoi : "Nous avions préparé nos démos sur ordinateur mais en studio, à Atlanta, nous avons tout refait avec des instruments analogiques, par exemple, le DX7 de Yamaha, le Juno et le Jupiter de Roland, des vieux Prophet, Korg, etc. Les compresseurs et les égaliseurs aussi étaient analogiques. Même les effets de réverbération étaient produits à l’aide de ressorts et de plaques..."
Mais il ne s'agit pas là d'une approche fondamentaliste. "Nous n'utilisons pas ces machines parce que c'est cool d'avoir des machines 'vintage'. C'est juste parce que nous aimons ces sonorités, en particulier. " Le résultat est un son ample, très clair et extrêmement riche en relief. On est loin des bidouillages de la techno!
A côté de Ben H Allen III, SX a pu bénéficier d'un coup de pouce d'autres parrains ; et notamment dEUS. La troupe de Tom Barman a en effet emmené SX comme 'suppport act', lors de sa tournée européenne. "Une expérience très intense! Jouer tous les soirs devant 1 500 personnes nous a permis de progresser énormément. Le feedback du public de dEUS était excellent et nous avons même pu construire une 'fan base'. En revenant, nous étions devenus un nouveau 'band', comme si on avait connu un 'upgrade'..."
Aujourd'hui, SX a signé un contrat pour la Belgique et est en négociation avec plusieurs compagnies de disque pour une distribution à l'échelon mondial! "Nous ne voulons pas aller trop vite. Nous sommes très prudents car voulons surtout garder un contrôle total sur ce que nous faisons." Entretemps, le groupe continue à répéter afin d'améliorer ses prestations live... A plus ou moins brève échéance, leur agenda prévoit un concert à l'AB fin novembre (déjà sold out) et plusieurs dates en Flandre (Gand, Anvers, Louvain et Courtrai) ainsi qu’aux Pays-Bas. La formation va également sortir deux 'club remix' de leur nouveau single, ‘Gold’, des remix qui intégreront certainement les DJ playlists, car ‘Gold’ est tout simplement une des 5 meilleures chansons de l'année 2012 ('in my humble opinion').
Après l'interview, Stefanie et Benjamin, flanqués de leur batteur, Jeroen Termote, ont donné un mini-concert exclusif de 30 minutes au Planetarium. Jouant dans le noir sous la monumentale coupole, ils ont fourni une bande-son appropriée pour les hallucinantes animations de l'espace et des planètes projetées 360° au-dessus et autour des spectateurs. Une expérience psychédélique unique, au cours de laquelle SX a interprété 6 chansons d'‘Arche’, y compris une version retravaillée, quasi acoustique, de ‘Gold’...
En sortant du Planetarium, la tête dans les étoiles, nous avions la certitude d'avoir assisté à un concert d'exception, accordé par des musiciens appelés à devenir des stars...
Vidéo du showcase ici
Prochains concerts :
SX album release show @ AB - Autumn Falls
vendredi 30 novembre 2012
SX @ Paradiso, Amsterdam (Nl)
samedi 22 décembre 2012
SX @ Eurosonic Noorderslag, Groningen (Nl)
vendredi 11 janvier 2013
SX @ Het Depot, Louvain
jeudi 21 février 2013
SX @ De Kreun, Courtrai
samedi 23 février 2013
SX @ Handelsbeurs, Gand
jeudi 28 février 2013
SX @ Trix, Anvers
vendredi 1er mars 2013
There is no more than this ending
That I can give to you
There is no more than this ending
There is nothing more at all
Les larsens saturent encore les tympans assourdis. La déferlante sonique se retire lentement, comme une mer abandonnant les débris d’épaves arrachées à la tempête, laissant pantelants les spectateurs qui s’accrochent désespérément à l’hypothétique espoir d’un second retour du groupe de Leeds.
Las !
Jusqu’au bout de l’effort, jusqu’à bout de souffle, I Like Trains se sera livré ce soir, comme tous les soirs, entiers, impeccables, généreux et si désespérément humains, dans toute la beauté tragique de ce constat.
Dernière date de la tournée, synonyme de contrastes. Entre le plaisir de retrouver leurs pénates et tristesse consécutive à la fin d’une aventure. Entre fatigue extrême et exaltation. Entre les profondeurs d’un océan de chagrin et les cimes d’un ciel tourmenté.
Et au milieu, les cinquante degrés de gris qui, nuance après nuance, dessinent la palette d’un univers visuel et sonore fortement imprégné par l’encre qui coule dans les vaines prières des hommes ; en particulier dans le chef de David Martin, leader et figure de proue de ce groupe dont la musique oscille entre Post Rock et Pop classieuse.
I Like Trains, comme un périple en terres de contrastes exaltés. I Like Trains qui avait donc décidé de déposer pour cette dernière nuit ses valises sur notre sol. Cet événement se passait mardi, à Opwijk. Et votre serviteur était du voyage.
I will be taking care of business.
Ainsi commence « Beacons », ainsi commence « The Shallows », dernier album en date, et donc fort logiquement, ainsi commence chaque set de cette tournée. Dans ses sonorités plus synthétiques, qui ne sont pas sans rappeler l’approche d’Editors sur « In This Light, On This Evening ». Le rapprochement entre ces deux groupes n’est du reste pas fortuit. Beaucoup de points communs, mais qui au final mènent à deux destinées sensiblement différentes.
Appelés à n’être que d’éternels outsiders, I Like Trains a sûrement manqué le bon wagon. Qu’importe ! Car la locomotive qui les emmène dans son sillage a fière allure. Et parce que dans leur musique, ils mettent toute leur âme. Et si les sirènes du showbiz se refusent ostensiblement à leur tendre les bras, nos lascars ne semblent en avoir cure. Pour le plus grand plaisir de la poignée de fans réunis ce soir, tout à la joie de revoir cette formation dans des conditions optimales. Loin de toute hystérie mercantile, au plus près du podium. I Like Trains, groupe de proximité, au génie sous-estimé, et s’offrant tout entier.
Parmi les personnes au plus près de l’estrade, il y a cette famille. Le cadet doit avoir tout bonnement une dizaine d’années. Il arbore fièrement un T-shirt du groupe, comme les autres membres de son clan. Il ressemble vaguement à Harry Potter. Et tout au long du concert, il boira avidement le calice tendu par ses idoles. Sensible à la magie du moment. Comme tous ceux présents. C’est une image forte de cette soirée. Un peu décalée, et dans le fond, tout à fait banale. Touchante, parce que juste anodine. Une image qui résume à elle seule la musique d’I Like Trains.
Accessible et contrastée, pleine de finesse et de sensibilité, elle continue cependant à échapper au plus grand nombre. Comment rester insensible à ces envolées brutales, qui précédent ces accalmies sauvages ? Ou ces doux déchirements qui font suite à de claquantes caresses ?
De moments forts pour public conquis (« Terra Nova » ou encore le magistral « Sea Of Regrets » en rappel) en singulières déflagrations d’émotions, on est bercé par les images et montages vidéo autant que par la musique. Cette traversée laisse entrevoir que ce groupe n’a décidément pas dit son dernier mot. D’ailleurs, pour s’en convaincre, il suffit de tendre l’oreille au chant de ce géant si fragile.
(Organisation : Nijdrop)
Il y a trop longtemps que nous attendions leur reformation. Gravé en 1996, « Down on the upside » n’était pas un disque inoubliable, mais il ne devait pas être le responsable d’une séparation. Ce qui a malheureusement été décrété. Pas vraiment une bonne décision, car l’aventure en solitaire de Chris Cornell n’a jamais vraiment décollée et celle entreprise au sein d’Audioslave a parfois pris la bonne direction, mais sans jamais défrayer la chronique…
16 ans plus tard, Soundgarden a donc décidé de reprendre son chemin, là où il s’était arrêté. Un crochet via Werchter Boutique nous a démontré que le groupe n’avait rien perdu de sa puissance ; mais à l’époque, le combo n’avait pas encore publié de nouvel opus. Il vient donc de combler cette lacune. Solide et énergique, « King Animal » ne se contente pas de ressasser du grunge. Bien sûr les cordes vocales de Cornell sont intactes, mais l’expression sonore a retrouvé le punch et l’intensité de leurs premiers essais, et notamment « Badmotorfinger » ainsi que « Superunknown ». Dès le titre d’ouverture, « Been away too long », le ton est donné. Et la suite est de la même veine. Mais pourquoi l’absence de Soundgarden a été si longue, alors qu’il n’avait pas encore exploité tout son potentiel ?
Issu de Sacramento, en Californie, ce groupe a apporté une véritable bouffée d’air frais au metal contemporain. En 1997 et 2000, la bande à Chino Moreno publiait deux elpees incontournables. Respectivement « Around the fur » et « White pony ». Plongée dans un univers étouffant, ténébreux, menaçant, parfois même sinistre, imprimée sur des rythmes languissants et parcourue par des vocaux tour à tour empreints de douceur ou de fureur, la musique de Deftones s’y révélait aussi vibrante que celle de Tool.
Par la suite, le combo s’est contenté de reproduire les mêmes recettes. Gravant des long playings sans doute consistants, mais sans le moindre single susceptible de faire la différence.
En 2008, Chi Cheng, le bassiste est victime d’un grave accident de voiture et tombe dans le coma. Il décèdera d’ailleurs le 13 avril 2013. Pour le remplacer, le band fait appel à Sergio Vega, l’ex-Quicksand, Sergio Vega. Il avait d’ailleurs déjà participé aux sessions d’enregistrement du précédent opus, « Diamond eyes ».
« Koi No Yokan » est découpé en 11 plages puissantes, oppressantes, languissantes, susceptibles d’exploser à tout instant, à l’instar de « Swerve city », « Romantic dreams » ainsi que « Leathers » ou alors qui baignent dans une atmosphère intense, comme « Entombed » et « What happened to you ». Une œuvre au cours de laquelle la formation démontre qu’elle est constamment à recherche du parfait équilibre entre sauvagerie et rêverie. Et des titres comme « Poltergeist », « Graphic nature » et « Goon squad » en sont les plus belles démonstrations…
Il est 19h30, et on dénombre encore moins de monde qu’hier à l’Aéronef. Heureusement, tout comme la veille, la salle va se remplir progressivement, n’atteignant cependant, en fin de soirée, que les deux-tiers de sa capacité. Faut dire aussi que l’affiche ne propose pas de hype comme The Vaccines. Tant pis ou tant mieux, on aura ainsi tout le loisir de faire des découvertes.
The Bots est un duo californien (NDR : de Los Angeles, très exactement) qui réunit deux frères, Mikaiah en Anaiah Lei. Le premier, c’est le plus jeune. Il est âgé de 15 ans et se réserve les drums. Le second en à 18. Il se charge de la guitare et accessoirement des bidouillages, à l’aide d’un mini-pupitre (NDR : c’est la mode !) Le plus amusant dans l’histoire c’est que si le batteur arbore une coiffure digne de Jimi Hendrix, c’est le gratteur qui semble hanté par le ‘sixcordiste’ mythique. La prestation est solide, mais Anaiah n’utilise pas suffisamment ses grosses cordes, comme Jack White. Et le résultat est bien trop aride pour vraiment convaincre. Moralité, il leur faudrait un bassiste… On épinglera quand même la performance de l’éclairagiste qui est parvenu à communiquer une impression de flamme aux rampes verticales du light show. …
La jeune chanteuse Natalie Bergman et son frère Elliot, multi-instrumentiste, forment l’ossature de Wild Belle, une formation chicagolaise qui pour sa tournée à engagé un drummer, un bassiste et un claviériste/guitariste plutôt doué. C’est d’ailleurs souvent ce dernier qui va marquer la prestation de son empreinte. Mais on ne peut pas dire que les autres vont lui emboîter le pas. Blonde, Natalie est très jolie. Elle a une voix très douce, mais elle est mortellement statique. Son frère Elliot, joue aussi des claviers et du saxophone. Il a de très longs cheveux et des lunettes fumées, mais ce n’est pas John Helliwell. Encore que lors des premiers morceaux, j’ai parfois eu l’impression de replonger dans l’univers le plus pop de Supertramp. Ce n’est qu’en milieu de parcours que le band va enfin trouver sa vitesse de croisière, en dispensant une forme de reggae/dub bien plus convainquant. M’enfin, pas de quoi fouetter un chat, même sauvage…
Willy Moon, alias William Sinclair, est néo-zélandais. Il est né à Wellington, mais vit à Londres depuis quelques années. Son look est stupéfiant. Sa taille impressionnante. Costard noir en tergal, chemise blanche, il a les cheveux gominés. Il possède une voix de crooner très fifties. Et ce soir, il est accompagné d’un drummer, d’un préposé au (large) pupitre et d’une guitariste. Vêtue de noir, le pantalon hyper moulant, Marlies Dekker affiche une beauté mystérieuse, sensuelle, lunaire (?!?!), presque gothique. Sa guitare est par contre de couleur blanche. Tout un jeu de contrastes qui sied bien à leur musique, fruit d’un mélange improbable entre rockabilly et hip hop. Encore que ce hip hop soit dispensé de manière très judicieuse voire parcimonieuse. Au cours de son set, Willy nous propose une version plutôt malsaine de son hit, « Yeah Yeah », et puis un cover du célèbre « I put a spell on you » de Screaming Jay Hawkins. Confortant mon idée que ce show est quelque part hanté par les Cramps. Bref, la bonne surprise de ce festival et un artiste que je retournerai certainement voir en concert.
Michael Kiwanuka est chanteur/compositeur britannique. Sur scène, il s’accompagne à la guitare. Sèche ou électrique suivant les circonstances. Il est soutenu par un backing band extrêmement solide et talentueux. Il possède une voix remarquable. Taillée pour la soul. Et de soul, il en sera question tout au long de son set. Même quand il reprend le « May this be love (waterfall) » de Jimi Hendrix, musicien qu’il cite volontiers comme source d’inspiration. Encore que Bill Withers et Otis Redding me semblent des références plus évidentes chez cet artiste. Quant aux interventions rognées de l’orgue du claviériste, elles nous renvoient manifestement chez Booker T. Ce sont d’ailleurs les moments que j’ai le plus appréciés. Au vu de la réaction du public, les amateurs du style ont sans doute dû avoir vécu un concert de rhythm and blues, sous sa forme la plus pure. Mais difficile d’accrocher quand on est peu réceptif à la soul… (Setlist : « I’ll get along”, “Tell me a tale”, “Worry walks”, “Bones”, “May this be love”, “I’m getting ready”, “Rest”, “New tune”, “Home again”, “If you’d dare” + “Extra song”)
(Organisation : Les Inrocks et l’Aéronef)
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En cette soirée pluvieuse de novembre, il y a deux spectacles auxquels je veux absolument assister à Bruxelles : Lescop au Botanique et Animal Bodies + Bestial Mouths au Café Central. On peut dire que, dans mon agenda, les deux affiches se té-Lescop-ent... Hum... Mais comme je suis incapable de choisir, je décide de combiner les deux. Les vertus de l'ubiquité sans être... cuité. Un choix opportun puisqu’il va me permettre de rencontrer Lescop après son concert et de tailler une bavette en sa compagnie (voir plus loin)...
Lescop, de son vrai nom Matthieu Peudupin, est l'ex-chanteur du groupe Asyl (de La Rochelle) et semble incarner aujourd'hui la nouvelle sensation ‘made in’ France. Il pratique une ‘pop wave’ minimale qu’il chante dans la langue de Molière et teinte d'éléments 'dark'. Une ‘pop noire’ si on se réfère au nom du label qu'il vient de créer. Le hit lumineux "La Forêt" et le tout récent album éponyme ont révélé au grand public un artiste talentueux et discret, qui évolue dans un style sis quelque part entre Daho, Taxi Girl et Indochine, mais dont les arrangements dépouillés lorgnent vers Joy Division.
Lescop s’était produit en première partie de Daniel Darc, au Botanique, en mai dernier. Il est en tête d'affiche pour ce concert intimiste prévu dans une Rotonde achi-sold out. Une sirène retentit, puis l'hypnotique "Paris s'endort" ouvre efficacement le concert. Lescop investit les lieux avec classe et discrétion. Pendant "Ljubljana", une capitale où, dit-il, ‘on trouve de très belles filles’, nous prenons le temps de l'observer. Il porte un simple polo Fred Perry fermé jusqu'au dernier bouton, un jean et des Converse. Derrière son pied de micro, concentré et les yeux fermés, il ressemble à Ian Curtis. Mais quand il danse, ce ne sont pas des mouvements frénétiques qui l'animent mais bien d'élégants déhanchements, légèrement androgynes.
Tant qu'on est dans les noms de villes, Lescop enchaîne par "Los Angeles", lieu où ‘des choses importantes se sont passées pour nous’. Sur scène, il est flanqué de Cédric Leroux (ex-Phoebe Killdeer) à la guitare, un croisement improbable entre Prince, Fred Chichin et Phil Lynott (une tête de Lynott?). Il joue de sa Fender Jazzmaster en exécutant des mouvements saccadés et épileptiques. A droite, on retrouve Antoine de Saint-Antoine, l'acolyte des débuts chez Asyl. Il est préposé à la basse, aux chœurs et au PC. Il n'y a pas de batteur, mais les morceaux ont nettement plus de pêche que sur disque. En outre, le son est, dans l'ensemble, excellent.
Dans "La Nuit Américaine", Lescop démontre que ‘live’, il a nettement gagné en aisance, par rapport au concert de mai. Il convainc aisément le public à taper dans les mains et enchaîne les morceaux en les agrémentant d’une présentation humoristique. Il remarque la disposition en amphithéâtre de la salle, qui lui rappelle ses cours à la fac. Quand il demande si quelqu'un a déjà pratiqué l'hypnose, votre serviteur –adepte de l'hypnose ericksonnienne– ne peut s'empêcher de lever la main. Lescop me fait un signe et la formation nous balance "Hypnose". Plus tard dans la soirée, Lescop me confiera qu'il utilise cette technique pour gérer son trac. Ce qui peut paraître étonnant pour un artiste qui se produit en public, au sein d’un groupe depuis 1995 ; mais la situation est évidemment différente quand on doit défendre un projet solo.
Revenons au concert, car le combo attaque son hit "La Forêt". Le public acclame chaleureusement les premières notes de basse, rejointes par le rythme minimal de batterie. Lescop campe sur le devant de la scène. Son interprétation est impeccable. Nous dansons en remuant la tête, comme ensorcelés par cette mélodie envoûtante. Après des applaudissements nourris, le set se termine par le puissant "Un Rêve" et le fascinant "Le Vent", une chanson sur ‘les souvenirs brûlants’.
Une courte pause et Lescop revient sur le podium, pour aborder le très paisible "Tu m'écrivais souvent", un inédit (voir la vidéo ici ). On attend impatiemment la sortie de l’Ep, sur lequel devraient figurer des inédits et remixes. Ensuite, place à "Slow Disco", une chanson proche de "La Forêt", mais plus indolente. Enfin, l'excellent "Tokyo, La Nuit", le deuxième hit du combo, n’a pas été oublié…
Lors du second rappel, au moment de choisir la toute dernière chanson, Lescop suggère d’adopter une formule instituée au cours des 60’s, en reprenant le hit à la fin du concert. Et on est reparti pour "La Forêt" (voir la vidéo ici ), mais cette fois, surprise, Lescop descend dans le public et demande aux spectateurs de s'asseoir. Il chante ainsi les premiers couplets de la chanson au milieu de ses fans. Au moment où le rythme redémarre, il saute en l'air et tout le monde l'imite. De retour sur l’estrade, il se déchaîne. Il communique son enthousiasme aux autres musicos. Tel un lion rugissant, il se dresse au bord du podium en tendant le micro vers le public, qui lui répond par un vacarme assourdissant. Un grand final pour un concert un peu court, certes, mais en tous points convaincant! Lescop promet de revenir pour un show plus long et dans une salle plus grande... Le rendez-vous est pris!
Je me dirige ensuite sans attendre vers le Café Central pour assister aux concerts de deux groupes issus de la très vivante scène 'witch-wave' américaine: Animal Bodies et Bestial Mouths. Issu de Vancouver, Animal Bodies réunit Natasha (voix et guitares) et Sam (claviers, programmations). Ils sont influencés par les musique 'dark' (EBM, new-wave, punk...) mais leur approche, très ‘Lynchéenne’, est résolument novatrice et s'inscrit dans un mouvement où l'on rencontre aussi Zola Jesus, Chelsea Wolfe, The Soft Moon ou encore In Death It Ends... Bref, on baigne encore dans l'ambiance d’Halloween! Devant une cinquantaine de fans et de curieux, le groupe a interprété une majorité de morceaux figurant sur leur excellent Ep "The Kiss of The Fang" (Sweating Tapes). On attribuera quand même une mention particulière à l’hallucinant "Venus Transit" (voir la vidéo ici ). Les rythmes sont saccadés et obsessionnels. Joués en ‘live’ par Sam, les synthés reposent sur des basses EBM aux accents 'drone'. Quant aux vocaux de Natasha, ils sont saturés, stridents et torturés. Un set court mais puissant!
Bestial Mouths émargeait au rayon ‘découvertes’. Mais je dois avouer avoir été impressionné par leur synth-punk expérimental, caractérisé par une rythmique tribale, saccadée, des synthés déjantés et la voix incantatoire, très ‘Siouxsienne’, de Lynette Cerezo. Affichant un look de PJ Harvey gothique illuminée, Cerezo ne chante pas, elle éructe. Le concert ressemble à un rituel illuminé et infernal. En fin de parcours, le groupe attaque une reprise du "Never Alive" de Snowy Red. Une belle manière de remercier Michael Thiel, le fils de Snowy Red, présent au premier rang, et dont la collaboration à l’organisation de ce concert a sans doute été plus que précieuse.
http://youtu.be/w-FylKnc56k
Mais la soirée était loin d'être finie car c'est à ce moment que Vincent, sa compagne Valéria, accompagnés de... Lescop et de son band, ont débarqué. Une très chouette surprise, qui nous a permis de mieux connaître ces artistes en sirotant quelques bonnes bières belges.
Lescop nous a ainsi confié en 'off' que le buzz créé par les médias à son sujet l’avait mis très mal à l’aise. La couverture des Inrocks (‘Lescop ressuscite la cold wave’) apparaît à cet égard déplacée vu que l'intéressé ne semble nullement motivé par la nostalgie et estime jouer une musique moderne, bien d'aujourd'hui.
En dépit de cette situation, il estime indispensable de rencontrer les médias populaires, avouant même n’exclure ni la Star Ac' ou The Voice. Pour lui, l'important est en effet de toucher un maximum de monde, notamment les kids. Après tout, il avoue avoir lui même découvert Blur et le grunge grâce à des programmes TV populaires.
Je n'ai pas pu m'empêcher de lui poser la question concernant la ressemblance entre "La Forêt" et la chanson "Cran d'Arrêt", de Dernière Volonté, une analogie que Geoffroy, le chanteur de DV, avait épinglée lui-même lors de son interview (voir ici ). La réponse à cette question est claire: Lescop ne connaît pas DV et ne peut donc pas s'en être inspiré. Nous mettrons dès lors ces corrélations sur le compte de l'inconscient collectif... et de la référence commune à The Cure, bien sûr.
Enfin, Lescop nous a confié qu'il allait à nouveau collaborer avec Indochine pour leur prochain album, aux côtés de Air. Rappelons qu'il avait déjà cosigné "Les Portes du Soir" sur "Alice et June".
‘Allons danser!’, lance soudain Lescop, et nous nous retrouvons aussitôt sur le ‘dancefloor’ du Café Central sur la musique de notre copine DJ Nancy Bruxelles. Je lui suggère de glisser dans sa programmation, "Tokyo, La Nuit" ; et pendant que nous nous déhanchons sur ce sublime morceau, je me dis que c'est quand même beau, Bruxelles, la nuit...
Merci à Lescop, Cédric, Antoine, Vincent, Valeria, Nancy et Mat.
(Organisation : Botanique pour Lescop et Cheap Satanism Records pour Animal Bodies/Bestial Mouths)
Il y a quelques mois, Efterklang publiait son quatrième album, « Piramida ». Une œuvre directement inspirée d’un leur voyage accompli au large d’une île proche du pôle Nord où se dressait autrefois une cité minière. Durant ce périple, le groupe a enregistré des sonorités et des ambiances qui ont servi ensuite, à l’écriture de l’album. Pour retranscrire ce climat froid et atmosphérique en ‘live’, les Danois ont tout simplement décidé de se produire en compagnie d’un orchestre symphonique, lors de leur tournée. En coopération avec les Bozar et la Muziekgebouw d’Eindhoven, l’Ancienne Belgique accueillait donc Efterklang et l’Orchestre de Rotterdam, le Sinfonia Rotterdam sous la direction de Matthew Coorey. Pour l’occasion, les sièges sont entièrement sortis et il n’y a apparemment, plus aucune place libre.
La première partie n’est pas étrangère à Efterklang, puisqu’il s’agit de Peter Broderick, ancien membre du groupe. Multi-instrumentiste, cet Etasunien vient défendre son nouvel opus solo. Il impressionne par son aisance tant instrumentale que comportementale. Il change d’instrument morceau après morceau (banjo, violon, guitare,…) et manifeste un tel aplomb, qu’on a parfois l’impression qu’il foule les planches de l’AB, depuis sa plus tendre jeunesse. Il arpente ainsi l’estrade, seul, au violon en chantant presqu'a cappella. Après une bonne demi-heure de prestation, il vide les lieux. Pour quelques instants seulement, car Broderick fait partie du backing group d’Efterklang, et s’y réserve le clavier tout en participant aux chœurs.
A 21h, l’orchestre de Rotterdam monte sur le podium. Il réunit une petite trentaine de musiciens, dont une section de cuivres, une autre de cordes et un percussionniste. Le trio de base est également soutenu par trois choristes, Budgie (le drummer de Siouxsie and The Banshees) et Peter Broderick. Rien qu’à regarder la scène, sans avoir entendu la moindre note, on sait déjà que la soirée sera classe ! La première heure du concert est consacrée au dernier long playing. Les morceaux sont interprétés dans l’ordre du traklisting. L’orchestre apporte de la consistance aux compositions. Le chanteur Casper Clausen et son acolyte à la basse, Rasmus Stolberg, occupent le devant de l’estrade et semblent apprécier le déroulement des opérations. Plus tard, Clausen expliquera que ce concert était le dernier de la tournée sous cette formule ; en outre, il nous a rappelé que l’AB est une des premières salles, hors Danemark, a les avoir accueillis, en 2005. Ce qui explique, certainement ce plaisir clairement perceptible et communicatif. Les morceaux s’enchaînent. Si le meilleur moment du set est atteint, lors de l’interprétation de « Black Summer », on retiendra surtout les 30 minutes au cours desquelles l’orchestre va réaliser une véritable performance, sous les yeux et pour le plaisir des oreilles, des membres d’Efterklang. Après « Monument », dernier titre de l’elpee, tout ce beau monde quitte le podium, non sans avoir remercié à diverses reprises les musiciens, sous les applaudissements d’un public debout qui en redemande.
Il sera récompensé, puisqu’Efterklang revient toujours flanqué de l’orchestre pour attaquer deux anciens morceaux. Dont le très attendu tube « Modern Drift ». Au cours de celui-ci, Clausen communie avec le public en descendant à son niveau.
Le groupe déserte une nouvelle fois les lieux, mais y revient quelques instants plus tard. Seul problème, tous les morceaux ont été interprétés et tenter une impro en compagnie d’un orchestre de trente personnes est plutôt scabreux. Le groupe s’en excuse, mais reprend toutefois « Hollow Mountain », une compo jouée en début de concert.
Un spectacle de haut vol. Le public est comblé. Il déserte progressivement la salle, dans une ambiance de fête, preuve que ce concert était plus que réussi !
(Organisation AB)
2012 célèbre donc le 25ème anniversaire du festival des Inrocks. Cette nouvelle édition, programmée du 5 au 13 novembre, s’arrêtait donc à Paris, Lyon, Nantes, Marseille, Toulouse et Lille. Et vu la proximité, c’est à l’Aéronef de Lille que Musiczine a couvert l’événement, ces jeudi 8 et vendredi 9 novembre. Peu de monde pour applaudir Poliça, lorsqu’il monte sur les planches, à 19h30. Un auditoire qui va progressivement gonfler, pour finalement bien investir les lieux, afin d’assister au set de The Vaccines.
Poliça nous vient de Minneapolis. Le line up réunit deux drummers, un bassiste, et une chanteuse qui bidouille régulièrement un petit pupitre électronique. Sur disque, la voix de Channy Leanagh est martyrisée par un vocodeur. Sur les planches, on est vraiment surpris par son timbre presqu’angélique. Mince, pour ne pas dire maigre, elle arpente le podium de long en large. Son bassiste, également très bon vocaliste, lui donne parfois la réplique au chant. De leur demi-heure de prestation, on retiendra surtout deux compos : « Dark Star » et « Wandering Star ». Pour le reste, si la formule est originale, le recours à deux batteurs me semble inutile, surtout si c’est pour jouer la même partition. Remplacer un de ces musiciens par un percussionniste pourrait certainement apporter davantage de profondeur à leur musique…
Place ensuite à la bonne surprise de la soirée : Phantogram. Un duo formé par Sarah Barthel et John Carter. Le couple se partage les vocaux. Sarah se charge des synthés et John de la guitare. En ‘live’, ils sont soutenus par un drummer. Sarah est une très jolie fille. Très sexy aussi. Toute vêtue de cuir. Noir, comme sa chevelure. Derrière son mini pupitre, elle entretient les couches de sonorités ‘noisy’. Sa voix est claire, mais aussi bien capable de se fondre dans la douceur que de libérer ses instincts sauvages. John dispense des accords de gratte, le plus souvent, tintinnabulants. ‘Shoegaze’ aussi. Tel un ouragan, ce mélange d’électronique et d’organique dévaste tout sur son passage. Le groupe n’est pas new-yorkais pour rien. On en est encore soufflé…
Fondé par le chanteur Asca Taccone et le drummer Matthew Compton, Electric Guest a été rejoint par les frères Todd et Torry Dahlhoff, respectivement bassiste et claviériste, en 2011. Paru cette année, son premier opus, « Mondo », a bénéficié du concours de Danger Mouse, à la production. Première constatation, Asca n’est pas plus grand que Prince. Et sa voix de ténor est capable de passer en falsetto, à l’instar du kid de Minneapolis. Il se déplace sur l’estrade un peu à la manière d’un crapaud, et vient de temps à autre pianoter sur un clavier. Le répertoire d’Electric Guest oscille entre compos pop et ballades mélancoliques, des chansons trempées dans une soul un peu rétro. Quant aux lyrics, ils traitent de la solitude et du déchirement entre les aspirations artistiques du vocaliste et son confort matériel. Qui ne devrait pas trop tarder à lui ouvrir les bras, tant la musique de la formation de Los Angeles est formatée pour la bande FM.
Il revenait à The Vaccines de clôturer la première journée du festival. A ce moment de la soirée, la salle est enfin comble. Un quatuor londonien qui fait le buzz, en Grande-Bretagne, depuis l’an dernier. Et pourtant on ne pas dire que leur musique soit novatrice. Puisant ses sources aussi bien chez The Strokes, The Ramones et Jesus & Marychain, elle me fait plutôt penser à celle des Arctic Monkeys. Surtout en live. Physiquement, le guitariste ressemble à Paul Simonon (NDR : même dégaine en plus), alors que le bassiste a le look pour postuler chez les Datsuns. The Vaccines va nous livrer un set de 55 minutes bourré d’énergie, puisant son répertoire au sein de ses deux premiers opus (« Come of age » et « What Did You Expect From The Vaccines? »). Bourré d’énergie, très rock’n’roll, mais bien balancé, démontrant que l’expérience acquise au fil des concerts, commence à payer. D’ailleurs le public ne s’y est pas trompé en acclamant leur prestation. Un reproche ? Ben oui. Après le morceau final, le combo s’est barré. Pas un signe, pas un merci. De quoi court-circuiter l’idée même d’un éventuel rappel. C’est sans doute ce qu’on appelle l’attitude punk…
(Organisation : Les Inrocks et l’Aéronef)
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Après un hiatus de dix ans, le mythique collectif montréalais est de retour. Il vient de publier un album qui retrouve la furie de sa performance scénique : « Allelujah ! Don’t Bend ! Ascend ! ». Godspeed You ! Black Emperor –titre d’un documentaire japonais des années 50 sur des bikers nippons– parvient enfin à s’y réconcilier avec son public. Un vide sonique attendu par les fans transis du plus grand groupe de post-rock du monde en manque de nouvelles discographiques depuis le controversé « Yanki U.X.O » (produit en 2002 par Steve Albini). Un cinq titres qui avait d’ailleurs divisé les puristes par son caractère jugé trop conventionnel (son trop travaillé, structure plus classique…), bref excessivement produit ! Un simple regard jeté sur le titre de ce cinquième opus, ‘Alléluia ! Ne ployez pas ! Soulevez-vous !’, suffit à nous en convaincre : le combo canadien n’a rien perdu de sa rage, de son mordant politique et de son radicalisme artistique. Un engagement furieux mais tacite, inexprimé –pendant et entre les morceaux– qui s’incruste, se sculpte, s’inscrit avec force dans les titres, les images et les atmosphères étourdissantes du son des instruments. Plus qu’un groupe, GY!BE est une œuvre d’art.
Après un interminable silence ponctué simplement de quelques prestations scéniques restées timidement dans les tympans en 2010, il va sans dire que l’octet canadien était attendu sous les feux de la critique d’un public exigeant pour nous livrer quelques fragments de son cinquième opus (sans compter « Slow Riot for New Zero Kanada ») sur les planches du Cirque Royal de Bruxelles.
Silence on tourne ! C’est dans un décor minimaliste peuplé d’une armée d’instruments (deux batteries, trois guitares, deux basses, un violoncelle et un violon), une scène plongée dans le noir, illuminée de faibles lumières rouges et surplombée d’un écran géant que les huit musiciens de Montréal prennent place. Sans un mot. Pas de bonjour, pas de merci. Pas une syllabe prononcée durant tout le concert. Inexpressivité absolue s’ouvrant une voie de silence vers le sublime de l’inhumain au-delà des paroles. Ici, les musiciens quasi inexpressifs s’effacent singulièrement pour que seuls transparaissent et parlent les instruments dans un espace unique consacré à l’art brut et abstrait. Bientôt, le voyage sonore et visuel plonge la salle dans un silence fasciné et hypnotique. Tandis que les artistes se taisent, se murent dans un mutisme têtu et infrangible, les instruments grondent, les images vomissent. La photographie et la musique se mêlent et s’entrecroisent dans un parfait crescendo, parfois avec douceur, parfois avec colère, elles subliment l’espace et arrêtent le temps. Une greffe littéralement chirurgicale entre les deux nous assomme d’une symphonie des temps modernes où les guitares et les cordes se répondent dans le tumulte des révolutions arabes et de l’érable. Les foudres, mises en image et en son, s’abattent sur un système capitaliste dévastateur. Tandis que l’écran affiche ‘HOPE’ en lettres tremblantes, les guitares grognent puis se renforcent du violon alarmiste de Sophie Trudeau. L’âme même s’asphyxie face à ce paysage dévasté et post-apocalyptique. La synchronisation entre image et musique est magistrale et frôle le sublime qui s’ouvre sur le chaos.
Un nihilisme cinématographique qui garde un degré d’abstraction suffisant pour que chacun puisse créer sa propre imagerie mentale. Les lettres imprimées (‘HOPE’, ‘HIV’, …) Les images défilent (maisons délabrées, visages de prisonniers, rouages de mécanisme, images de dossiers classés, terrains vagues, lieux désaffectés, usines en flamme…) en parfaite symbiose avec la musique, laissant filtrer pourtant sans ambiguïté l’idéologie anticapitaliste des huit artistes canadiens.
Deux heures de spectacle pour cette œuvre dont les fondations alternent une succession de crescendos et de plages plus calmes qui, parfois –faut-il l’avouer ?– pourtant concentrés en cinq morceaux (!) tirent en longueur.
Rétif à toute règle, GYBE ! termine son spectacle, non pas par de nouveaux morceaux, évitant ainsi toute promotion, mais par de vieux succès revisités. Ainsi, « Behemoth » (chanson jamais sortie sur album) hausse le ton pour une claque musicale de trois-quarts d’heure. Une épopée qui tarde à laisser place aux 23 minutes de « The Sad Mafioso », compo figurant sur le deuxième elpee, « f♯a♯∞ », publié en 1997. D’une mélancolie obsédante, ce titre libérerait le groupe de ses angoisses politiques vécues à cette époque. Il est illustré par une vidéo qui affiche les chiffres de la bourse en rouge sang et des manifestants au pas. Le message final semble désormais clair.
Godspeed You ! Black Emperor, un groupe qui ne laisse pas indifférent et conduit vers des destinations atypiques sans retour.
(Organisation Botanique)
Mongolito est le projet de Marc De Backer, un musicien bruxellois qui jouit d’une certaine notoriété sur la scène alternative (NDR : il a milité auparavant chez Dog Eat Dog et Mucky Pup). Après avoir accordé de multiples concerts, il publie ici son premier opus sur Hau Ruck! Records, un label autrichien. Principalement instrumentale, la musique de Mongolito baigne dans le ‘dark ambient’. Sa texture est formée de loops (boucles) et de drones (bourdons), combinés à une boîte à rythmes, sur laquelle Marc dessine des lignes mélodiques à l’aide de sa guitare Fender Stratocaster. Une expression sonore sise à la croisée des chemins du dark-folk et du krautrock planant, évoquant tour à tour Pink Floyd, The Durutti Column ou Tangerine Dream.
Après "Let's Start With Some Pink Medicine", une intro basée sur un 'drone', imprimée sur un rythme languissant et traversée d’effets bizarroïdes, "All These Stones" plonge l'auditeur dans un univers cinématique à la "Twin Peaks", dominé par un riff obsessionnel de basse trafiquée au flanger, au-dessus duquel flottent des voix fantomatiques et quelques notes de guitares aiguës et plaintives. "From Harlem To Oostend" repose sur une série d'accords mineurs enchaînés à la gratte, dont les effets de vibrato sont très étudiés, tandis que "The Big Coming Down ... End Of Self-Esteem" campe un duo mélodique entre une guitare rythmique et un solo aérien, rappelant quelque part le Pink Floyd de l'époque "Meddle".
"NYC Rising" marque le retour des voix fantomatiques. Une certaine Eva y déclame "Les Fleurs du Mal" en polonais sur un beau glissando répétitif réalisé à l'octave sur la Stratocaster. Dans "Damascus", le tapis de notes aiguës répétitives nous renvoie aux « Frippertronics » de Robert Fripp et au Durutti Column de Vini Reilly ; mais quand la ‘six cordes’ s'enflamme et s’autorise un très joli solo à la pédale wah-wah, les tonalités deviennent carrément 'hendrixiennes'...
Les trois plages suivantes sont exécutées uniquement à la guitare : "Procrastination", une mélopée tout en finesse, "He Ping Ping", une improvisation nerveuse sur un seul accord, à la limite de la dissonance, et "Natureträne", une reprise de Nina Hagen balayée d'arpèges sautillantes, une adaptation dont la mélodie aux accents romantiques lorgne vers And Also The Trees.
L'album se referme comme il s'était ouvert : dans une ambiance sombre et lourde, hantée par les drones et les voix diaboliques. A noter, également, le très beau concept graphique ; et tout particulièrement, en couverture, "Le Silence" de Johann Heinrich Füssli.
Quoiqu’encore un peu inégal, cet opus exerce une fascination certaine. Il reflète le talent d’un véritable virtuose à la guitare. C’est un créateur d’ambiances aussi. Des ambiances qui prennent toute leur dimension en ‘live’, grâce aux projections vidéo. Et puis parce que le personnage est masqué.
McLaughlin est un vétéran de la scène jazz rock. Il a en effet fêté ses 70 balais, au tout début de cette année. Britannique, il a opéré ses débuts dans les milieux du blues insulaire ; et en particulier au sein du backing group de Duffy Power et chez le Graham Bond Organization. Il sympathise avec le bassiste Jack Bruce et participe à la confection de son "Things we like", en 68. Il publie sa première œuvre "Extrapolation", en 1969, en compagnie du saxophoniste John Surman. Il émigre aux Etats-Unis en 1969, pour rejoindre le Lifetime de Tony Williams. Il y devient assez rapidement un des piliers du jazz rock en herbe, et participe aux sessions d’enregistrement du classique de Miles Davis, "Bitches Brew". Il forme enfin, début des 70’s, le Mahavishnu Orchestra, avec Jerry Goodman et Billy Cobham. Le second chapitre de cette aventure impliquera notamment Jean-Luc Ponty et Narada Michael Walden. En 1975, il se plonge dans l’étude de la musique indienne à travers le groupe Shakti. Par la suite, il continuera à tenter de nouvelles expérimentations ; et en particulier en compagnie des guitaristes Al DiMeola et Paco de Lucia.
John McLaughlin signe les huit plages. Il est épaulé par Gary Husband (piano, synthés, drums), l’Indien Ranjit Barot (drums) et le Français originaire du Cameroun, Etienne M'Bappe (basse)
"Now here this" constitue le second opus de 4th Dimension. Il fait suite à "To the one", paru en 2010. Les compos sont complexes. Techniquement, John est demeuré un véritable virtuose. La rythmique est solide. Elle constitue l’assise qui permet aux solistes de se libérer.
"Trancefusion" ouvre l’elpee. Soutenu par le clavier de Gary, McLaughlin est parfaitement maître de son sujet. Tous les instrumentistes se fondent dans l’ensemble. Une compo qui se fond dans "Riff Raff". La rythmique est dense et nerveuse. Les interventions de John, à la six cordes, sont propulsées à une vitesse vertigineuse. La suite de l’elpee se révèle plus cool. Ainsi "Echos from then" est propice à la relaxation. Dans le même esprit "Wonderfall" baigne dans un climat paisible, atmosphérique, décontracté. Le clavier injecte énormément de sensibilité à cette plage particulièrement efficace. A contrario de "Call and answer", une piste de jazz rock bien trop nombriliste. "Not here not there" nous plonge dans une forme d’ambient esthétique, une très belle plage balisée par Husband. John brille sur ses cordes tout au long de "Guitar love". "Take it or leave it" clôt l’elpee. Un morceau un peu trop funky à mon goût (NDR : cette basse constamment jouée en ‘slapping’ !)
Eddie Martin est considéré comme un des meilleurs ambassadeurs du blues anglais. Il compte déjà plus d’un quart de siècle de carrière. Chateur/compositeur/guitariste, il tourne inlassablement. En solo (acoustique !), sous la forme d’un trio ou encore, comme au cours de l’année 2012, à la tête d'un big band. Il compte une douzaine d'albums à son actif. Il a également publié une centaine de chansons, blues bien évidemment. Eddie a aussi fondé son propre label, Blueblood. Son dernier elpee, "Folk & Blues", il l’avait concocté en solitaire.
Changement radical pour cet opus, puisqu’il s’est enfermé au sein du studio ‘State of Art’, à Bristol, en compagnie de ses deux musiciens attitrés, le claviériste John Paul Gard et le drummer Richard Laws, ainsi qu’une imposante section de cuivres le Little Big Horns. Sans oublier le special guest, Pee Wee Ellis, un redoutable saxophoniste qui a longtemps sévi au sein des backing bands de James Brown et Van Morrison! L'album rend hommage à trois références chères à Mr Martin, T-Bone Walker, Elmore James et Johnny ‘Guitar’ Watson.
Eddie s'engage sur l'axe Dallas – Los Angeles. "Frog in the long grass" est imprimé sur un bon rythme que soulignent les cuivres. La tonalité des cordes est métallique. Abordée dans l’esprit de ‘Guitar’, cette piste constitue une superbe entrée en matière. Il met le cap vers Chicago. Le riff de slide –notoire– à la Elmore James ouvre "Sorry for the rain". Eddie inflige une solide correction à son instrument. Il maltraite ses cordes pour restituer un son pourri fleurant bon les fifties. Un son qui colle parfaitement au style de l’artiste. Ses interventions sont impitoyables, découpées sur le fil du rasoir et incisives, tout au long de "Wannabe me". Une belle rampe lancement pour propulser le saxophone ténor de Pee Wee Ellis. Martin a une bonne voix. Elle s’intègre parfaitement à "Let it slide", une compo au tempo speedé. Il torture sa gratte. Elle gémit. Son doigt d’acier est brûlant. Un peu de swing et de jump envahit "Tough times". Eddie s'inspire largement de T-Bone Walker. Une facette jazz qui permet de mettre en exergue le talent du claviériste John Paul, ainsi que du chevronné Pee Wee au sax. "Supermodel" baigne dans un climat sonore réminiscent du R&B de la fin des années 40. Mr Gard sort de l'ombre et souffle dans son harmo, dans un style emprunté à Jimmy Smith! Le titre maître nous plonge dans une ambiance fin de soirée. Un blues lent qui invite les couples à s'enlacer sur la piste de danse. La voix de Martin est veloutée. Ses accords de gratte lorgnent vers BB King, pendant que les Little Big Horns restent à l'affût. "Jumpy legs" marque le retour de la slide. Et tout comme sur "Headspace", elle égrène des notes délicates et parcimonieuses. Martin a fait le plein de swing. Il impose un rythme échevelé à "Zombie attack". Sa dextérité sur les cordes est dingue. Notre leader au crâne rasé siège derrière le piano pour introduire et chanter le ludique "She's a He". Pas de temps mort. Il embraie par "I want that girl", sur un tempo R&B que Ray Charles aurait certainement apprécié. Eddie et Ellis signent l'instrumental "Funky One Too", au cours duquel il permet au souffleur noir de s’éclater. C’est au sein d’un climat Chicago Southside que Martin nous quitte. Il chante le lent et torride "Second chance romance" et sa slide s’y révèle royale…
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