Deux ans après leur premier passage sous la coupole du Botanique, les cinq gaillards de Local Natives ont décidé d’y poser à nouveau leurs bagages, ce 5 décembre. Une initiative accueillie avec enthousiasme par les fans belges qui se sont arraché l’ensemble des sésames en près d’une semaine. L’occasion de découvrir les nouveaux morceaux du combo, qui figureront sur « Hummingbird », un second LP attendu pour janvier.
Les mélomanes fréquentant régulièrement les salles de concerts l’ont constaté. Deux tendances se confirment depuis près d’un an. Tout d’abord, le taux d’audience augmente à la même mesure que le prix des tickets. Ensuite, le public se déplace de plus en plus tôt le soir de l’évènement. Dès lors, il est de plus en plus fréquent de pénétrer dans une salle complètement bondée pendant la prestation de la première partie. Le concert des Local Natives à la Rotonde en est la représentation parfaite. Ainsi, les déplacements à l’intérieur de la petite salle s’avèrent déjà compliqués dès 20h15, heure à laquelle les Anglais de Famy (autrefois Family) montent sur l’estrade. Le quatuor a donc le plaisir de se produire devant un parterre bien garni. A contrario, les spectateurs ont été contraints de subir une prestation réduite à quelques notes efficaces. L’espoir que le groupe soit aussi bon que les premiers accords distillés sont réduits à néant aussitôt que le chanteur de la bande ouvre la bouche. Le public de la Rotonde a donc dû se farcir des vocalises approximatives, souvent fausses, pendant une quarantaine de minutes. Un set qui a paru durer une éternité.
Après le supplice du supporting act suivi de l’interminable soundcheck, la Rotonde accueille extatique le quartet californien. Il débarque sur les planches et balance d’entrée de jeu leur dernier single en date, « Breakers ». A cinq sur scène, en compagnie d’un membre honoraire, suite au départ du bassiste Andy Hamm, enregistré l’an dernier, Local Natives est de ces groupes dont le potentiel est largement amplifié en ‘live’. Autant dire que la formation risque fort de sauter l’étape ‘scène intermédiaire’ pour atterrir à coup sûr directement sur la grande scène de l’AB d’ici l’an prochain, comme le veut une autre des tendances actuelles.
Les nouveaux morceaux de la bande, tels que « You & I », « Black Spot » ou « Heavy Feet » régalent le parterre. Leur plaisir est même décuplé. Taylor Rice, le lead singer, partage son micro avec le claviériste Kelcey Ayer. Les nouvelles compos qu’interprète ce dernier sont légèrement teintées d’electronica, apportant une nouvelle dimension aux travaux de la formation. Une direction différente, mais pas toujours probante. Reste à entendre le résultat sur disque.
Taylor remercie le public de s’être déplacé la veille de ‘sinterklaus’ (sic) avant d’entamer, comme cadeau aux plus sages « Wide Eyes », extrait de « Gorilla Manor ». Les titres les plus acclamés du public sont d’ailleurs, évidemment, issus du premier LP. Les plus acclamés mais également les plus puissants. « Wide Eyes », « Warning Sign », « World News » et le sublime « Who Knows, Who Cares » sont les seules plages du premier opus retenues pour cette soirée ; mais elles valent à elles seules le déplacement. En bonus, les cinq musicos offrent deux anciens morceaux supplémentaires en guise de rappel, un « Airplanes » au refrain repris en chœur par le public, et un « Sun hands » fracassant pour boucler la boucle.
Après avoir foulé deux fois les planches de la Rotonde, Local Natives et sur le chemin des étoiles. Nul doute que les prochaines étapes pour le combo seront les larges espaces des ‘festoches’ avant de se taper une grande salle forcément pleine à craquer. En attendant, le combo se produira –certainement pour la dernière fois– dans endroit encore à taille humaine, ce 8 mars prochain. Ce sera au Trix d’Anvers et, sans surprise, à guichets fermés.
(Organisation : Botanique)
Meursault est une formation écossaise, issue d’Edimbourg très précisément, née en 2006. Elle a choisi pour patronyme le nom du personnage principal de ‘l’Etranger’, le célèbre roman d’Albert Camus. A l’instar de sa référence, le groupe semble cultiver l’ambigüité. Et pour cause, sa musique évolue à des années-lumière de ce qu’on est en droit d’attendre d’un combo issu de ce pays recouvert de collines et de lacs.
Neil Pennycock en est le leader. Chanteur/guitariste, il doit certainement avoir grandi en écoutant davantage de country étasunienne que de musique traditionnelle écossaise. On ne lui en tiendra pas rigueur, cependant…
Pour concocter ce troisième elpee, le line up du combo s’est enrichi d’un drummer et d’un bassiste, une section rythmique qui apporte davantage de rondeur aux compos, mais surtout de profondeur. Une évolution parfaitement perceptible sur les premiers morceaux de « Something For The Weakened » ; et notamment sur le single « Flittin’ », certainement l’une des meilleures plages de l’opus. Les interventions de guitare et de piano sont également plus fréquentes. A l’instar de « Lament For a Teenage Millionaire ». A cet instant on pense aux Norvégiens de Golden Kanine voire aux appalachiens 16 Horsepower. Le début de parcours est impeccable. Malheureusement, au fil de la plaque, le ton devient plus mollasson et le tempo s’essouffle. Hormis « Dull Park », le reste du long playing aligne des pistes trop semblables, provoquant un sentiment légitime de lassitude.
Dommage ce manque de constance dans l’effort.
Depuis quelques semaines déjà, le single « Next Life » fait le buzz sur Youtube et autres sites sociaux…
Et non ! Ce titre n’est pas l’apanage de la plus cinglée des Islandais(es), Björk, pour ne pas la citer !
On pourrait pourtant s’y méprendre ; mais c’est ici de Maya’s Moving Castle qu’il s’agit ; Maya est le prénom de la belle voix qui sévit sur ce nouvel opus.
C’est, vous vous en doutez, dans un univers proche de ce que réalise cette dingue insupportable que naviguent Maya et ses petits copains. Car évidemment, même si elle compose et écrit tout, toute seule, elle a malgré tout besoin de petites mains… C’est donc sous la houlette des producteurs Stefan Bracke (Raveyards, ex-The Subs) et François De Meyer (Raveyards, Villa), et flanquée des excellents musiciens Nele De Gussem (voix, guitare), Stijn Vanmarsenille (basse, synthé) et Simon Segers (batterie) que son disque a pu être enregistré.
Maya a, dans un premier temps, grandi dans une fermette de campagne, un environnement peuplé d’insectes et de papillons et habité des sons de son vieux violon. C’est là qu’elle a construit son univers, solitaire, fantastique et secret. Exilée en ville, elle devient multi-instrumentiste ; et de soliste, elle passe à une vie plus sociale en rencontrant ses futurs collaborateurs. Ses chansons sous le bras, elle troque alors sa fermette contre un studio et le résultat vient de nous être servi tout chaud.
Une dizaine de chansons mélancoliques et charmantes, autant de mélodies envoûtantes, interprétées dans un anglais parfait, nous emmènent dans le monde féérique de Maya. Le parallèle avec Björk est toujours bien présent. A la différence près que l’Islandaise a le don de pondre de temps à autre un hit monstrueux, tube que l’on ne retrouve pas sur la galette de notre petite Belge. Il n’empêche qu’elle fait preuve d’une bonne dose de créativité et d’innovation dans ses jolies chansons. Le tout, dix plages au total, s’écoule de façon assez linéaire et s’écoute sans déplaire mais sans étonner beaucoup non plus. Une fois les trois premières pistes digérées, plus aucune ne parvient à surprendre même si la qualité reste au rendez-vous.
Maya aura sans aucun doute bientôt d’autres créations à nous révéler, dans son registre empreint de charme et de séduction…
Jaill est un obscur quatuor du Wisconsin –issu de Milwaukee, très exactement– qui nous propose quand même aujourd’hui son troisième opus. En 2009, son premier elpee, « There's No Sky (Oh My My) », baignait paradoxalement dans une forme d’indie rock allègre et torturé. Un elpee d’honnête facture, agréable à écouter, mais sans le moindre hit potentiel. Une caractéristique quand même, la voix nasillarde de Vinnie Kircher, rappelant énormément celle de Gaz Coombes du regretté Supergrass.
Malheureusement, ce n’est pas ce « Traps » qui va modifier leur confidentielle notoriété de ‘slacker’… Et pour cause, à l’instar des très cools « I’m Home » ou « Horrible Thing (Make Pretty Songs) », les 11 plages de ce long playing manquent de cette accroche qui leur permettrait de faire la différence ou d’élargir leur audience… Les mélodies sont pourtant soignées, mais pas aussi subtiles que celles d’un Stephen Malkmus, par exemple. Dans ces conditions, difficile de tomber dan le piège (‘Trap’) tendu par ces geeks lo-fi…
Originaire de la ville australienne de Brisbane, Greenthief est un trio drivé par Julian Schweitzer. Il assume le chant et la guitare. Gwen Warnick lui se réserve la basse et Steve Tyssen, la basse. Hormis la section rythmique, le petit Julian se réserve tout le reste : partitions, lyrics et la majorité des autres instruments.
« Retribution » constitue le second effort du band. L’inaugural, déjà un Ep, "Images of Anicca", remonte à 2009.
Alors que l’on parle d’autoproduction, il est bon de noter que Greenthief a pu compter sur la bonne volonté de Steve James (Sex Pistols, The Jam) aux manettes et de Tim Young (Placebo) au mastering, ce qui n’est pas rien !
Parlons un peu des 5 titres qui peuplent cet Ep. A la première écoute de « Sanity », plane d’ouverture, on a l’impression d’écouter un cousin lointain de Muse venu des Antipodes. Très loin de valoir son illustre modèle, le combo remet le couvert sur « Salad Toys », pâle imitation un peu naïve frisant même le ridicule. « Retribution » se veut un peu plus rock classique, entre hard et symphonique, mais une nouvelle fois, ce titre ne convainc vraiment pas. Pour les deux dernières plages, « Vultures » et « Mayan Dawn » d’une longueur excessive, le groupe se perd dans des sonorités oscillant entre métal vaniteux et garage bruyant et sourd.
En résumé, c’est un peu un replay de la fable de la grenouille qui veut se faire aussi grosse que le bœuf.
Découpée en cinq petits morceaux, de bien piètre qualité, la grenouille se fera bien vite oublier.
Vaut d’ailleurs mieux pour elle… et surtout pour nous !
“Live at the Bowl ‘68” restitue le concert accordé à l’Hollywood Bowl de Los Angeles, le 5 juillet 1968. Un set historique qui avait déjà fait l’objet d’une publication, mais en 1987, limitée cependant à 7 titres. La plupart des autres compos figuraient sur une des multiples compiles consacrées à la formation légendaire. Trois titres inédits de la prestation ont cependant été récupérés, "Hello, I Love You", "The WASP (Texas Radio And The Big Beat)" et "Spanish Caravan". Et le tout a été bien évidemment remasterisé. L’intégralité du spectacle y est donc immortalisée sur un support. Les 20 titres font également l’objet d’un film paru en vidéo.
Quand on parle du label Sub Pop, on pense inévitablement aux 90’s et au mouvement grunge. Depuis, l’écurie de Seattle s’est adaptée à l’évolution de la scène musicale, pour mieux survivre. Et s’est donc intéressée à une plus grande variété de styles. Debo Band constitue une nouvelle ouverture pour la boîte, puisque cette formation pratique de l’ethio-jazz.
C’est à Boston, loin des terres africaines, que Danny Mekonnen, saxophoniste d’origine éthiopienne, a décidé, en compagnie de son camarade et patriote Bruck Tesfaye (chanteur), de redonner vie à ce mélange de jazz, de soul et de funk, pratiqué en Ethiopie, au cours des années 60. Pour y parvenir, les deux compères ont recruté une belle brochette de musiciens (batteurs, cuivres, violons, accordéon, guitare, …) Neuf en tout ! Et ils sont talentueux. Le combo réunit donc la bagatelle de onze musicos ! La formule est simple. D’un côté, le Debo Band reprend des classiques qui ont forgé la notoriété de la musique éthiopienne. De l’autre, le collectif joue ses propres morceaux. Mais l’interprétation y est à la fois admirable et contemporaine. Energique aussi. On y retrouve même des accents psyché. Bref, le résultat est tout bonnement époustouflant. Un peu comme si on était en présence d’un brass band au groove omniprésent (NDR : on ne peut s’empêcher de taper du pied), mais dont l’expression sonore est bien ancrée dans la corne d’Afrique…
Une belle rencontre entre tradition et modernisme qui fait mouche. La culture indigène y est bien mise en valeur. Debo Band fait honneur à l’Ethiopie. Un véritable régal !
Adeptes du beat, adeptes du riff, passez votre chemin ! Le folk neurasthénique de Dakota Suite n’est pas pour vous… Le titre « An Almost Silent Life » colle à merveille à la musique de Chris Hooson, unique tête pensante de ce projet vieux déjà de 16 ans. Et dire que l’Anglais clame que cette livraison est plus positive que sa trilogie précédente (sans être disco précise-t-il tout de même…) Les morceaux de Dakota Suite, cinématographiques à souhait, s’écoulent tel le flot d’une rivière douce et inquiétante à la fois. L’instrumentation est minimale (guitare, piano et drums légers) et principalement acoustique mais accouche de quelques grands et insidieux moments de profonde mélancolie, à l’instar de l’inaugural « I See Your Tears ». « An Almost Silent Life » est une réussite dans ce genre particulier qu’est le slowcore. « Presque le silence » mais une profondeur impressionnante. Ou comment dire beaucoup de choses avec très peu de moyens.
Ne pas confondre D-A-D (autrefois Disneyland After Dark) et DAD. Le premier cité est né au début des 80’s et a viré du cowpunk au hard rock, une décennie plus tard. Le second est canadien et vient de graver « Vitro », un disque enregistré et mixé au Black Box Studio, par l’ingénieur du son Dave Odlum.
Apparemment ce ne serait pas leur premier opus, mais les musicos ont voulu tirer un trait sur leur passé. Sans doute trop jazz pour s’imposer sur la scène contemporaine. Pourtant de jazz, il en est encore question tout au long de ce long playing. Mais il est dispensé, d’une manière insidieuse, un peu à la manière de Tortoise. Une référence majeure, tout comme TV On The Radio. Par contre, j’ignore où la bio est allée pêcher des influences aussi saugrenues que Gang of Four, Mothers of Invention, Thom Yorke, Rapture ou encore Sufjan Stevens, mais elles relèvent de la pure fiction. Grizzly Bear ? Peut-être. Notamment lors des morceaux les plus éthérés, atmosphériques (« Paris 24 »). Mais à mon humble avis, leur musique puise autant dans les 80’s que les 70’s. Les 80’s ? Dans la cold wave de Joy Division. A cause de cette basse cotonneuse (le titre maître). Chez Wire aussi. Lorsque les syllabes des vocaux sont découpées au rasoir (« Get back to me », « Sensation », « Ink »). Sans oublier ce clavier le plus souvent vintage. Les 70’s ? Dans le jazz/rock. Evidemment. Celui de Matching Mole, mais surtout de Weather Report, lorsque les cuivres décident de prendre le pouvoir (le remarquable « Medecine »). Particularité des vocaux, ils sont plus souvent déclamés. Mais collent parfaitement à l’ensemble. On a même droit sur « Rain dance » à un mélange parlé/chanté qui flirte carrément avec le hip hop, même si le tempo lorgne plutôt vers le r&b. Le tout est agrémenté de boucles et de chœurs, suivant les circonstances. Excellent, même si le combo a tout intérêt a bien digérer toutes ses influences, pour faire la différence…
En cette période hivernale, ce disque a le potentiel pour réchauffer les cœurs…
Fondé en 2004, Boulevard des Airs réunit des musiciens aux goûts et aux influences différents, souhaitant tirer un maximum parti de cette forme de pluralisme. Leurs références oscillent ainsi de Brassens à Red Hot Chili Peppers, en passant par Rage Against The Machine, Jacques Brel et Bob Marley. Chez Boulevard des Airs, la diversité est au pouvoir. Les stations radiophoniques diffusent régulièrement “Mundo Loca”. “Cielo Cengo” devrait suivre le même parcours. Les plages sont interprétées dans un joli mélange de français et d’espagnol. Si le groupe revendique l’étiquette ‘Rock’n’Reggae’, la plupart des pistes lorgnent plutôt vers le ska. Celui de la Ruda, par exemple. Boulevard des Airs assure la première partie de la tournée de Tryo. Cause à effet, mais sur « Paris-Buenos Aires », la bande à Guizmo semble avoir laissé son empreinte…
Néanmoins, cet album est un véritable plaisir pour les oreilles, que je vous conseille de consommer avec excès…
« In Time » constitue le premier album d’Amirali, un jeune artiste canadien d’origine iranienne. L’elpee réunit 13 pistes et, autant être clair, son premier essai ne manque pas d’allure. Si l’ensemble n’est pas sans défaut, plus d’un artiste rêverait de pondre un album aussi sympathique, surtout pour un premier long playing.
Le style, dans la continuité des morceaux parus isolément en 2011, reste comparable à ce que des groupes tels que Depeche Mode ou Radiohead sont susceptibles de nous réserver. On pourra même y retrouver des relents de rock en tendant plus attentivement l’oreille.
L’intro est excellente et instaure délicatement l’ambiance. De quoi nous inciter à écouter la suite. Suivent ensuite des morceaux où la voix suave du chanteur s’impose naturellement, et convainc de la maîtrise déjà acquise par ce jeune producteur. Citons notamment « My Way » et « Beautiful Words », pour les plus emballants.
Toutefois, malgré cette franche réussite, épinglons tout de même le défaut central de cet album : une certaine morosité. Et elle peut envahir le mélomane. A cause de la voix d’Amirali. Un peu trop mollassonne et monocorde.
En conclusion, il manque encore un ‘je ne sais quoi’ pour transformer l’essai en réussite. Gageons que le Canadien corrigera le tir sur son prochain elpee (NDR : on n’en doute pas !) Ce qui n’empêche pas ce disque de se révéler un très bon choix, si vous souhaitez découvrir sa musique…
Véritable gourou et tête pensante d’une communauté musicale néo-hippie, le Californien Alexander Ebert (aka Edward Sharpe) avait frappé un grand coup en 2009, en publiant un premier album flanqué de ses Magnetic Zeros. Il nous y réservait quelques irrésistibles singles ‘babas cool’ tels que « Home », « 40 Day Dream », « Janglin » et surtout « Up From Below ». Conserver le même degré d’euphorie béate allait donc être le principal défi de l’artiste, sur « Here », le second essai.
Dès « Man On Fire », un titre d’ouverture hanté par l’âme de Johnny Cash, on est rassuré sur l’état de forme du combo. Les chœurs rappellent une chorale 70’s (« Mayla ») au sein de laquelle Jade Castrinos pose régulièrement sa voix à côté de celle d’Alexander (« Home », « Fiya Wata »). L’ambiance vire souvent à la fête ‘évangélique’ (« I Don’t Wanna Pray ») même si « Here » se réserve quelques moments plus intimistes, à l’instar du légèrement reggae « One Love To Another » ou du plus délicat « Dear Believer ». Les ouailles seront satisfaites de la nouvelle livraison de monseigneur Sharpe qui s’érige en version premier degré du chaman ‘bleu’, l’insaisissable Sébastien Teller…
Le titre du nouvel opus d’Armando Christian Pérez colle à l’actualité. Il s’intitule « Global warming », autrement dit ‘Réchauffement climatique’. Pourquoi pas, juste à quelques jours de la fin du monde…
Si Pitbull soulève cette question écologique, son album souffle trop le chaud et le froid pour stabiliser l’atmosphère. Un départ franchement glacial lors de cette intro sur fond de « Macarena », meublé par un texte sans grand intérêt. De quoi se poser des questions sur la suite… « Don’t stop the party » décrète heureusement la fonte des glaces. Un titre légèrement rétro, bercé de sonorités latino, et bien rythmé, susceptible de cartonner dans les boites les plus branchées. Et dans un style aussi entraînant, on épinglera également la BO de ‘Men in Black 3’, « Back in time », ainsi que l’inévitable tube « Feel this moment », qu’il interprète en duo, en compagnie de Christina Aguilera.
A partir de cet instant, on est bien réchauffé, et on en redemande. Sauf que Pitbull prend un malin plaisir à varier les climats, oscillant d’un morceau excitant à un plus calme, en passant par un plus expérimental ou en techno-pour-dire-de-faire-quelque-chose. Bref, ça part dans tous les sens. Et c’est frustrant !
Né à Miami, Pitbull est un ‘rappeur’ originaire de Miami, dont le style ensoleillé, mais commercial, est le plus souvent, issu d’un mélange de hip-hop, de reggaeton. Une musique essentiellement destinée à la bande FM et aux dancefloors. Et ce nouvel opus, quoiqu’inégal recèle toute une série de hits. Déjà publiés ou à venir. Néanmoins on n’accusera pas Pitbull, malgré ce « Global Warming », d’avoir accéléré le réchauffement climatique…
Les saisons se suivent et se ressemblent. Ainsi, l’Autumn Falls en est déjà à sa troisième édition.
Programmation éclectique et qualitative aux quatre coins de Bruxelles avec en toile de fond, une réelle collaboration entre les salles de la capitale.
De l’AB au Botanique, en passant par l’Atelier 210 et le VK, cette tournée des grands ducs opère un détour via le Magasin 4, un crochet par la Maison des Musiques et se réserve le pousse-café chez Madame Moustache, le tout entre le 26 novembre et le 2 décembre. Et s’apprécie tout autant pour son imposante affiche que pour son esprit d’indépendance.
Lancé par Toutpartout, agence de Booking et organisatrice de concerts dans le Benelux, ce festival doté du don d’ubiquité se révèle une des valeurs sûres parmi les événements de fin d’année.
Tandis que Luis Vasquez et ses deux acolytes traversent l’opaque écran de fumigènes et s’installent sur scène, le bruit continue de courir… Il se propage, telle la poudre, jusqu’au cœur de l’auditoire…
Nombreux sont ceux qui attendent impatiemment The Lumerians. D’ailleurs, beaucoup d’entre eux attendent toujours le combo, à l’heure où vous lisez ces lignes.
D’autres plus courageux se sont déplacés dès le lendemain à Charleroi. Mais de concert bruxellois, il n’y aura pas.
Le groupe étant arrivé sur le coup de vingt heures trente comme sur celui de la déception.
Trop tard pour s’installer, sentiment que la frustration ne manque pas de faire, aussi bien dans les rangs du band, de l’organisation, que du public.
La faute à un incendie dans le tunnel joignant l’Ile Britannique à notre Vieux Continent.
Soupir las, que quelques sanglots longs volés à Verlaine ne pourraient adoucir, mais n’y voyez aucune facétie, tout au plus une espièglerie de notre amie la lune dont le disque phosphorescent baigne ce soir la nuit, comme un clin d’œil à l’affiche de ce soir.
Flash sur la scène, où The Soft Moon entend avec bravoure cisailler l’air de ses bruissements d’ailes aux relents très, très dark.
Le show est homogène, dense, monolithique et à vrai dire… chiant.
Les morceaux se succèdent, se déchaînent, la voix s’étrangle dans ces petits cris répercutés en échos lointains, gimmicks finalement lassants qui sont une des marques de fabrique du sieur Vasquez.
Le spectacle ( ?!?!?) va durer quarante cinq minutes tribales. Rappel compris.
Quarante-cinq minutes certes intenses, forgées dans le feu glacial et circulaire de ce revival eighties qui fait fureur de nos jours.
Une prestation qui ne souffre aucune critique et qui pourtant me laisse de marbre.
Peut-être la faute à cette guitare trop discrète ou tout simplement à la conjoncture des planètes ?
Quoi qu’il en soit, alors que « Want » tire un dernier trait de lumière crépusculaire derrière un voile de brumes abrasives, je m’enveloppe sous ma cape pour me préserver de ce mortel ennui.
The Soft Moon
(Organisation Toutpartout)
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