Ce quatuor irlando-écossais qui a migré vers les contrées branchées du London-East est la sensation pop-rock de l’année. Info ou intox, nous allons vérifier. Formé en 2009, le groupe est prêt à prendre la place de feu Beta Band, dont le claviériste (John Maclean) n’est autre que le frère du batteur-producteur de Django Django (David Maclean). Le line up implique également un chanteur/guitariste (Vincent Neff), un choriste/bassiste (Jimmy Dixon) et un synth/opérateur (Tommy Grace), ce dernier, constituant plus que probablement le cerveau du band. Originale, cette formation dilue son art-pop au sein de teintes électroniques afin d’emballer un package loin d’être indigeste.
Ce soir, la tête d’affiche entame son set très en retard. Il fait suite à celui des Bruxellois de BRNS, programmé en première partie… Monsieur le synth-opérateur opère son line-check tranquillement mais alors, vraiment tranquillement !
Lorsque le combo monte enfin sur les planches, c’est pour nous proposer la même introduction que celle de leur première plaque. Il enchaîne très vite par l’excellent « Vor » qui révèle quelques difficultés : justesse du chant, un mix un peu faiblard, une prise en main des instruments plutôt lente, …
Mea culpa, le groupe n’en est qu’à ses débuts. Ces petits soucis ne sont que passagers et probablement liés à leur manque d’assurance en ‘live’. Seule note négative puisque passé ce track, « Firewater » vient relever le niveau et le son est proche de la perfection. D’ailleurs le public en redemande. Après avoir démontré ses capacités surf-rock en conjuguant les deux voix angéliques, le quatuor nous emmène dans un monde electro-psyché, tout au long de l’excellent « Waveforms ». C’est bon, c’est parti, tout le monde avoue petit à petit que Django Django mérite son étiquette de ‘révélation 2012’. Les percussions sont omniprésentes et l’auditoire est enchanté. « Skies over Cairo » chauffe la foule, mais l’ambiance est poussée à son paroxysme sur le tube « Default ». Un dernier morceau et quelques excuses plus tard, le groupe quitte la scène… Evidement, le band n’en est qu’à son premier elpee, ce qui explique cette prestation très courte. Mais suffisante pour les pardonner in extremis, grâce à l’excellent rappel « Silver Rays » avant de leur dire ‘Bye-Bye’.
Une certitude, ce jeune (même pas 90 ans à eux 4) groupe possède suffisamment de potentiel pour vivre une longue aventure, une aventure qui devrait nous étonner encore un peu plus d’ici quelques années voire quelques mois…
C’est pourquoi, j’ai envie de leur dire ‘A bientôt !?’
(Organisation Le Grand Mix)
‘Un rêve blanc et aérien’: une phrase qui décrit parfaitement le concert accordé par Charlotte Gainsbourg et Connan Mockasin, au Cirque Royal. ‘Blanc’ tout simplement parce que la scène est décorée par une série de panneaux blancs et la tenue de tous les musiciens est immaculée. ‘Aérien’ car la musique est légère, acidulée, portée par les voix fragiles des deux protagonistes principaux.
On remarque le rôle, important, pris par l'artiste néo-zélandais dans le projet de Charlotte. Mockasin est bien plus qu'un collaborateur ; il marque de son empreinte la tonalité de toutes les chansons et se réserve même deux de ses propres compositions.
Mais reprenons le fil de la soirée. C'est par "Terrible Angels", tiré de "Stage Whisper", que commence le spectacle. Le choix de placer cette chanson, caractérisée par ses accents électro, en lever de rideau, est discutable. Nous aurions préféré qu'elle figure en fin de parcours et serve d’apothéose. Mais ne boudons pas notre plaisir ; même jouée 'à froid', elle n'en reste pas moins une excellente compo, d'une modernité remarquable!
Après cet OVNI électro, Charlotte aligne une série de titres plus 'classiques', embrassant différentes périodes de sa carrière. A l’instar de "Greenwich Mean Time" et "Me And Jane Doe" (« IRM »), "Jamais" (« 5:55 ») et même le très rétro "Ouvertures Eclairs", que Charlotte présente comme ‘un morceau composé par son père, il y a 25 ans’.
Charlotte est comme d’habitude très discrète, voire même maladroite comme quand elle laisse tomber son micro sur l’estrade ou qu'elle avoue avoir oublié son instrument de percussion. Mais ces petites faiblesses ne font qu'ajouter à son charme fragile et naturel. Elle a aussi gagné en assurance vocalement, tant en justesse que dans l'étendue de son timbre. Tranquillement, assise sur un tabouret ou debout les mains dans les poches, elle nous berce de sa voix douce. On pense tour à tour à Suzanne Vega, Heather Nova ou encore Bat For Lashes, sans oublier, bien sûr, la référence à Jane Birkin.
"All The Rain" vient ensuite nous rappeler que le dernier elpee recèle de véritables pépites. "Got To Let Go" en est un autre exemple, marqué par la référence à Nico et au Velvet Underground, mais Mockasin ne parviendra que partiellement à y reproduire la voix très ‘Reedesque’ de Charlie Finck.
Après un "Heaven Can Wait" efficace, Charlotte s'installe à la batterie pour accompagner Mockasin sur une première compo du blondinet des antipodes: "It's Choade My Dear", issu de "Forever Dolphin Love". Affichant un look angélique, Mockasin nous emmène dans son univers onirique, baigné par la douceur tropicale. Sa voix est suave et les sons de sa guitare émeraude, tout en chorus et flanger, réverbèrent des accents hawaïens. Charlotte reprend sa place devant pour attaquer, en toute logique, "Out Of Touch", la chanson que Mockasin lui a écrite, celle qui ‘leur a permis de se rencontrer’.
"Time for a cover", annonce Mockasin ! Et c'est parti pour une longue reprise d'"Ashes To Ashes" de David Bowie. Un moment marquant du concert, au cours duquel Charlotte se débrouille plus qu'honorablement au xylophone.
"Forever Dolphin Love" est une seconde chanson très psychédélique prélevée au répertoire de Mockasin et le band achève sa prestation par le très vintage "Dont Forget to Forget Me", également signé, il y a 25 ans, par Serge Gainsbourg.
En guise de rappel, Charlotte interprète le superbe "Memoir", écrit en compagnie de Conor O’Brien, avant d'enflammer la salle grâce à un très funky "Paradisco", un hit potentiel dû au génie de Beck.
Les lumières se rallument. Dommage, pas de trace de morceaux comme "Anna" ou "White Telephone" de "Stage Whisper" ou de titres plus anciens tels "The Song That We Sing", sur la setlist. On comprend la grande complicité qui existe entre Charlotte Gainsbourg et Connan Mockasin ; mais c'est pour voir Charlotte que les spectateurs ont payé leur ticket. Il convient de le rappeler...
Quoiqu'il en soit, le public est enchanté, aux anges même, d’avoir pu assister à un concert rêvé en blanc, flottant dans un univers intimiste, aquatique et mélancolique. Un concert tout en douceur, à pas feutrés... Encore une histoire de mocassins... (P.B.)
Regardez ici l'interprétation du dernier morceau du concert : "Paradisco":
Charlotte Gainsbourg et Connan Mockasin
(Organisation: le Botanique)
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Avant-dernière soirée pour les Nuits Botanique. Une édition particulièrement réussie, il faut le souligner. Ce soir, alors que le Chapiteau va vibrer sous une pluie de décibels propulsée par la formation courtraisienne Goose, dans le Grand Salon, l’ambiance sera bien plus paisible. Et pour cause, s’y produiront Peasant et Siskiyou, soit le projet de l’artiste insulaire Damien De Rose et celui de deux Canadiens, réunissant un ex (Colin Huebert) et un actuel (Erik Arnesen) membre de Great Lake Swimmers.
Le Salon est à moitié rempli ou vide, selon, pour accueillir Peasant. Le groupe s’installe au milieu de la salle. Damien De Rose, est soutenu par un bassiste et un drummer. Pas de guitariste ; il a été récemment victime d’un accident. Le set s’ouvre par quelques compos issues du nouvel elpee, paru en avril dernier, « Bound For Glory ». Puis le backing band se retire pour laisser la place à De Rose. Il interprète plusieurs morceaux, en s’accompagnant uniquement à la gratte acoustique. Quoique fluette, sa voix est bien maîtrisée et étonnante. Mais son récital manque de punch, et peu à peu, l’auditoire sombre progressivement dans l’ennui. Heureusement, en fin de parcours, son backing band refait surface. De quoi sauver les meubles d’un set finalement guère transcendant.
A 21h, Siskiyou prend le relais. Signé sur le label montréalais Constellation, le groupe avait publié un excellent second opus, il y a quelques mois. Fondé à Vancouver, le combo s’inscrit parfaitement dans l’esprit de la nouvelle scène canadienne. Pas pour rien que ses influences oscillent d’Arcade Fire à Silver Mount Zion en passant par Great Lake Swimmers. Ce qui n’est pas étonnant en ce qui concerne la bande à Tony Dekker, pour les raisons évoquées dans l’intro. Outre ses deux leaders, Siskiyou a entraîné dans sa tournée deux autres musicos. Et pas des manchots. D’ailleurs, ce sont tous des multi-instrumentistes à la technique impressionnante. Passant notamment de la gratte au banjo, de la basse au mélodica ou encore, et à plusieurs reprises, des drums à la guitare, sans la moindre difficulté. Sans oublier les vocaux qu’ils maitrisent à merveille. Et quand ils se conjuguent en harmonie, on en attrape la chair de poule. La setlist est constituée de titres issus du dernier elpee, « Keep Away The Dead » ; mais tout au long du concert, Siskiyou va avoir le bon goût d’alterner titres plus ‘expérimentaux’ et chansons davantage mélodiques, à l’instar des splendides « Fiery Death » et « Revolution Blues ».
Et si ce deuxième acte s’est déroulé devant un auditoire presque vide, les quelques personnes présentes au set de Siskiyou n’ont pas regretté le déplacement. Que du bonheur !!! (B.)
Peasant + Siskiyou
(Organisation Botanique)
Les organisateurs nous proposent une affiche très éclectique ce soir! Elle propose des talents confirmés, comme, par exemple, Absynthe Minded mais aussi des découvertes intéressantes, particulièrement Rover.
C'est Roscoe qui monte le premier sur les planches dans un Chapiteau déjà bien rempli. Il faut dire que le premier album de ce groupe belge ("Cracks") est en 'heavy rotation' sur PureFM et de nombreuses stations de radio. En toute simplicité et sans fioritures, les musiciens vont installer une ambiance très calme et douce, une pop aérienne élégante et remarquablement bien arrangée. En termes d’influences, on citera The National, Tindersticks, Coldplay (période acoustique) ou encore Elbow. Les musicos ont un look très nature et jouent sur scène de façon très décontractée. Notons que, par moments, l'intensité montera d'un cran, particulièrement pendant "Things To Solve", un brûlot dont les accents sont empruntés à Muse. Pour le reste, on retiendra surtout l'excellente interprétation du hit "Ennemies", mais aussi du magnifique "Moment Of Grace". C'est en effet un moment de pure grâce que nous a offert ce combo très attachant! Regardez ici un extrait de leur interprétation d'"Ennemies". (http://youtu.be/rNZed7H3DMw )
Mais il est temps de changer de salle pour aller voir Rover dans l'Orangerie. Egalement un poulain de l'écurie Pias, Rover a suscité un 'buzz' important, principalement suite à l'impressionnant showcase privé donné à l'Archiduc de Bruxelles. Nombreux étaient ceux qui étaient impatients de découvrir ce ‘nouveau Bowie’. Français expat' répondant au nom de Timothée Régnier, il a littéralement enchanté son auditoire. Tout d'abord, il y a son look unique. Un visage de gros bébé joufflu un peu espiègle, des cheveux en bataille et un gabarit taillé dans une armoire à glace. Mais c'est surtout sa voix qui étonne. Aussi à l'aise dans les graves que les aigus, son timbre évoque en effet Bowie, mais également Dylan et Matthew Bellamy (Muse), tout en révélant d'emblée une très forte personnalité artistique.
La musique est le fruit d’un mélange torturé et hypnotique entre folk et rock, plongé au cœur d’une ambiance mélancolique et un peu sombre. Le premier morceau est interprété seul à la guitare mais ensuite, il est rejoint par une formation complète et des petites perles telles que "Queen Of Fools" ou "Aqualast" acquièrent ici une dimension nouvelle. Entre deux chansons, il confesse adorer jouer en Belgique. ‘Je me sens un peu Belge: j'aime la vie...’ Une fan crie alors ‘... et les frites!’ ; ce à quoi Timothée répond avec humour: ‘Ca se voit!"’ en référence à son imposant gabarit...
Plus tard, Rover s’assied derrière le piano pour interpréter en solitaire une magnifique version de "Silver". Le concert se termine ensuite de la meilleure manière, grâce un "Tonight" très énergique. Au vu des réactions enthousiastes du public, on peut dire que Rover a fait mouche! Ce 'grand corps sensible' est bien parti pour devenir un 'grand' tout court et nous pourrons dire que nous avons assisté à ses débuts! Regardez ici "Tonight", un superbe moment! (http://youtu.be/TyrvLjhb2yg)
Pendant ce temps-là, sous le Chapiteau, Stereo Grand, un groupe belgo-écossais, assure de jolie façon la transition entre Roscoe et Absynthe Minded. Stereo Grand réunit des musiciens issus d'univers aussi différents que le métal, le rock, la pop et la techno. Evoluant au sein d’un univers pop-rock électro, il me rappelle Bowie (encore) mais aussi Oasis, Radiohead ou encore Daan. Jean-Philippe Risse, le 'frontman' a d'ailleurs un petit côté Daan, vu son look : lunettes noires, costard et pantalon blanc. Rodger Hughes, l'Ecossais de la bande, est un multi-instrumentiste talentueux et l'ensemble du collectif est d'un très bon niveau. L'ambiance générale est assez festive et c'est bien évidemment leur hit "Yeah Yeah", tiré de leur premier Ep "I'm Coming Home", qui aura le plus d'impact sur le public. Voyez l'enregistrement vidéo ici. (http://youtu.be/aSDU1M977JY) Au vu des inédits interprétés, notamment "Invisible Room", on est impatient de découvrir leur premier album, qui devrait sortir dans les prochaines semaines.
Un rapide coup d'œil dans l'Orangerie pour assister à la fin du concert d'Ewert and The Two Dragons, quatre Estoniens qui proposent des compositions pop-folk chaleureuses et entraînantes, une sorte d'indie-folk. Leurs cheveux blonds et leurs yeux très clairs leur confèrent une physionomie bien nordique. La musique évoque Hothouse Flowers et donne envie de découvrir leur nouvel opus : "Good Man Down".
Il est 22 heures et sous le Chapiteau, c'est l'heure de la tête d'affiche, Absynthe Minded, un groupe belge au talent déjà bien confirmé, qui vient présenter son nouvel album: "As It Ever Was". On remarque immédiatement cinq imposantes lampes de photographe disposées au dessus de la scène. L'ambiance est électrique et l'on sent bien que la foule très compacte est venue pour découvrir le nouveau spectacle de ce prodige de Bert Ostyn.
Après une intro électro aux sonorités arabisantes, le groupe déboule sur scène pour interpréter leur mélange si particulier de rock aux accents manouches, voire même jazz. Les influences vont de Led Zeppelin à Frank Zappa et la voix de Bert, cristalline, évoque tour-à-tour Bob Dylan ou Tom Petty. Mais ce qui fait surtout la signature du groupe, c'est l’utilisation d’instruments acoustiques (violon, contrebasse…) et un son carrément vintage, voire lo-fi, comme sur le très gypsy "Crosses". "Picture In A Frame" baigne au cœur d’une ambiance bluesy et on pense au "Moon Of Alabama" des Doors: fun! On passe ensuite à l'excellent "Envoi", caractérisé par son riff à la Dylan.
Le son est parfait et le public réagit très bien, même si Bert est un showman relativement discret. Sur "Plane Song", le son devient plus 'heavy' et, juste pour me contredire, Ostyn se fend même d'un solo de guitare au bord de la scène. Place ensuite au nouveau single, "Space", qui s'ouvre par une ligne mélodique au piano immédiatement reconnaissable: un hit assuré! Regardez ce moment dans la vidéo. (http://youtu.be/FFwR01rX95Y) "End Of The Line" est tout aussi immédiat et le concert se termine sur la plage titulaire du dernier elpee. Le groupe reviendra pour jouer deux chansons en rappel et clôturer une prestation en tous points exemplaire. Absynthe Minded est au sommet de son art et ce sont les absents (les Absynths?) qui ont eu tort!
Un dernier tour du côté de l'Orangerie pour les deux dernières chansons du concert de Revolver, un groupe français très sympathique, qui propose des mélodies aux accents rock, pop et folk. Fait intéressant, la présence d'un violoncelle, qui communique une note davantage romantique aux morceaux plus calmes. Justement, la musique en live est, semble-t-il, plus musclée, plus énergique que sur disque ; et si on se réfère à la fin du concert, le groupe a réussi à mettre une très bonne ambiance, comme en témoigne la vidéo du dernier morceau, leur hit "Wind Song". (http://youtu.be/Ya0ef0Hi9uw)
Ainsi se termine une excellente soirée, illuminée par la musique de formations très attachantes: à nouveau une programmation impeccable de Paul-Henri Wauters et son équipe. Le Bota, t'es beau, toi!
(Organisation Botanique)
Roscoe + Stereo Grand + Absynthe Minded (Chapiteau)
Rover + Ewert + The Two Dragons + Revolver (Orangerie)
Le Magasin 4 (www.magasin4.be ) est situé Avenue du Port à Bruxelles. C’est le long du canal, près de Tour et Taxis. Le parking est aisé. Les prix démocratiques. Il s’agit d’un ancien hangar qui a été totalement réaménagé. Pendant 15 bonnes années, la salle était située rue du Magasin, au n°4. Le nom a été conservé, malgré l’année sabbatique inévitable qui a suivi le déménagement. La programmation y est très variée et alternative (Hardcore, Funk, Punk, Métal, Rock Alternatif, Ska, Pop, Ragga, Reggae, Musiques Expérimentales, Chanson Française, Jazz et moult fusions originales), mais pas inintéressante. Elle sert d’abord même de tremplin ou de découverte. S’y produisent également des artistes et des groupes injustement méconnus du grand public, dont les aficionados sont restés fidèles. C’est le cas d’And Also The Trees. Née en 1978, cette formation insulaire sillonne souvent le Vieux Continent. En août 2010, elle avait accordé un concert ‘unplugged’ de toute beauté, à l’Abbaye de Forest, mais surtout le 25 novembre 2007, un set exceptionnel, à la Rotonde du Botanique, pour défendre son remarquable album « (Listen for) the rag and bone man »… Mais place à la prose d’Akim Serar pour nous parler de cette belle soirée. (B.D.)
C’est un pays imaginaire, une contrée fantastique où l’on croise des êtres hors du commun, aux noms étranges et aux histoires atypiques.
Ils se nomment Red Valentino, Prince Ruppert ou simplement la fille à l’accordéon.
Une lande balayée par les vents, qui s’éveille chaque matin dans d’épaisses brumes, où les hivers sont rudes et les étés doux.
Un endroit où le temps semble perdre toute emprise, épargnant les plus jolies fleurs.
Un lieu où l’océan aime à rugir, comme animé par le chant des sirènes qui l’habitent.
Parcourant les monts et vallées depuis maintenant plus de trente années, And Also The Trees sont les troubadours de ces vastes étendues sises quelque part entre Albion et le pays des fées.
Trente-trois années pendant lesquelles, la voix et la guitare des frères Jones ont tissé les contours de ce monde qui se devine derrière un voile sombre et mélancolique.
Forcément, le parcours était semé d’embûches, et bien peu auraient osé miser un shilling sur la carrière de ce groupe mésestimé dans sa propre Angleterre et adoré outre-Manche par quelques cohortes d’obscurs corbeaux encore trop attachés aux oripeaux gothiques ou new wave.
Mais bien loin des clichés et surtout des modes, le groupe originaire du Worcestershire a su se réinventer, et passer outre un passage à vide que beaucoup voyaient comme le signe du déclin.
Après avoir revisité son répertoire en mode acoustique, le moment est donc venu pour AATT de se rappeler fièrement à ses disciples, par le biais d’un nouvel album (« Hunter, not the hunted », voir chronique ici ) qui prouve, si besoin était, que le talent et la passion cohabitent toujours dans la caboche de ces deux frères aux chevelures si différentes.
De retour sur nos terres en ce jeudi d’Ascension (signe divin de leur retour au sommet ?), le quintet s’apprêtait à livrer une prestation de haute volée dans un Magasin 4 fort bien rempli.
Mais d’abord, l’occasion était donnée aux (très) jeunes Thieves Of Silence de prouver que l’héritage de la Cold Wave pouvait être assimilé par de jeunes pousses nées dans les années Grunge.
Sur le son calibré d’une boîte à rythmes martiale, les quatre éphèbes offraient un set d’une étonnante maturité, aux sonorités certes datées (le clavier de l’oncle Sumner, l’effet Flanger piqué à papa Smith, …) mais avec panache et conviction.
Le contraste entre ses frimousses pubères aux gestuelles étudiées devant la glace et l’impressionnante maîtrise affichée, étant des plus surprenantes.
De quoi patienter avant la messe tant attendue.
Qui comme un nuage de brouillard se faufilant parmi le public massé au devant, commençait sur les premières notes de « Domed », réservant une entrée théâtrale à Simon Huw Jones.
Quoi de plus normal, pour ce chanteur au style racé d’acteur Macbéthien ?
Faisant la part belle à l’album « (Listen For) The Rag And Bone Man » et bien sûr au dernier opus, le concert de ce soir soulignait combien l’électricité sied bien à cette troupe qu’on imagine pourtant plus facilement à la lueur tamisée de cierges se consumant lentement sur quelques vieux chandeliers.
Nullement avare, And Also The Trees s’offrait à ses nombreux fans de la première comme de la dernière heure, avec bonheur.
Quelques titres plus anciens (« A Room Lives In Lucy » et bien sûr l’incontournable « Virus Meadow » en rappel, mais point de « Slow Pulse Boy », comme pour stigmatiser le désir de les revoir au plus vite) venant balancer parfaitement la cohérence d’une carrière hors des sentiers battus.
Et sans effet de style ou de maniérisme déplacé, ils s’en sont allés, comme la mer se retire sur une plage toute abandonnée à ses caresses. (A.S.)
A l’issue du set, votre rédac’ chef, également présent, avait aussi quelques réflexions à émettre. D’abord, le début de concert, était un peu trop brouillon à mon goût. Il a, en effet, fallu quatre ou cinq titres, avant que l’ingé ne trouve le bon équilibre. Mais il est vrai qu’à partir de ce moment, on s’est laissé emporter par les vagues sonores qui ont déferlé, poussées par une houle bien insulaire, sur les falaises de nos tympans…
Autre constatation, les attitudes de Simon. Je ne sais pas pourquoi, mais elles m’ont rappelé celles adoptées par Jim Morrison, il y a plus de quatre décennies. En outre, depuis qu’il s’est rasé la barbe, l’aîné des frères Jones affiche une certaine ressemblance physique avec feu le leader des Doors.
Préposée aux claviers, Emer Brizzolara se consacre davantage au dulcimer. Ce qui confère une sonorité plus orientale aux compos d’AATT.
Le toucher de guitare si caractéristique de Justin est intact. Notre photographe du jour et collaborateur de longue date Vincent (voir ses clichés ici) s’est ainsi rendu compte de l’influence de sa technique sur de nombreux gratteurs. Même contemporains.
Enfin, la formation a eu la gentillesse d’accorder deux rappels conséquents. Et les aficionados ont vraiment apprécié ce geste de générosité. (B.D.)
Organisation : Les Fruits De La Passion
(Voir aussi notre section photos ici )
Pour ce jeudi d’Ascension, l’Orangerie, dans le cadre des Nuits Botanique, accueillait l’Anglais Baxter Dury, quelques mois après son passage à la Rotonde. Une excellente occasion pour celles et ceux qui avaient manqué son set, de découvrir la transposition de son dernier opus, l’excellent « Happy Soup », en live. Avant de goûter à la pop de l’artiste insulaire, les organisateurs ont programmé deux groupes belges : Oh Burgundy et Leaf House.
L’Orangerie est étonnamment bien remplie lorsque le duo Oh Burgundy monte sur l’estrade. Il est 20heures. Pourtant dehors, le soleil est encore généreux. Un temps idéal pour siroter un verre sur la terrasse. L’un des deux musicos se réserve le synthé. L’autre, la guitare. Le tandem bruxellois pratique une musique atmosphérique, balisée par leurs vocaux et leurs chœurs. Et on se laisse volontiers entraîner au sein de leur univers mélancolique balayé de mélodies émouvantes. On leur reprochera sans doute un manque de puissance. Ce à quoi la paire a assuré remédier en remplaçant, dans un futur proche, la boîte à rythmes par un véritable drummer. Une réserve qui n’a pas empêché le public de marquer sa satisfaction, au bout d’une demi-heure de prestation.
A 21h, c’est au tour de Leaf House de débarquer sur le podium. Il y a quelques mois, les Liégeois avaient assuré le supporting act d’Active Child. Et ils étaient n parvenu à convaincre l’auditoire. Ce soir, ils vont tenter de confirmer tout le bien que l’on pense d’eux. Le groupe est bien en place. Leur psyché/rock navigue quelque part entre Animal Collective et Yeasayer. Vu la qualité des compos, le set semble sur rails. Mais au fil du temps, une certaine lassitude commence à nous envahir. Motif ? Le band ne parvient pas à passer à la vitesse supérieure. Le drummer porte, à cet égard, une bonne part de responsabilité. Il faudra d’ailleurs attendre la fin de parcours et la présence de percussions pour déceler un regain d’énergie dans leur expression sonore. Le band vide les lieux vers 21h40.
Le temps de prendre une petite collation et retour dans la salle pour assister au spectacle de Baxter Dury. Ses musiciens montent sur les planches (un drummer, un guitariste, un préposé aux synthés et un bassiste). Ils sont suivis de très près par leur leader. On ne peut se tromper, c’est bien un Anglais : il est vêtu d’un costard et porte une bière à la main. Le concert s’ouvre par un titre issu de son second opus. Le son est parfait, la voix du crooner resplendissante. Il embraie par quelques morceaux extraits du dernier album, « Happy Soup ». De « Isabel » à « The Sun », toutes les plages (ou presque) y passent. Dury a un don inné pour chauffer le public. Il s’en amuse même. Cependant, le chanteur sait aussi se faire plus grave, et notamment lors de l’interprétation du titre maître de son dernier elpee, « Happy Soup ». Baxter a troqué son jus de houblon par du bourbon. Ce qui n’empêche pas le set d’être en tous points parfaits.
La troupe quitte l’estrade vers 22h50, pour y revenir quelques minutes plus tard, sous les acclamations nourries des spectateurs. Le temps d’interpréter deux derniers morceaux dont l’excellent « Cocaine Man », stimulé par un solo de guitare survitaminé ! A 23 heures, le team tire sa révérence. Bilan de la soirée : outre les deux combos belges à suivre de très près, on a vécu une véritable démonstration signée Baxter Dury.
Oh Burgundy + Leaf House + Baxter Dury
(Organisation Botanique)
Orcas est le projet d’un certain Benoît Pioulard. Ou plutôt, de son vrai nom, Thomas Meluch, un mec de 27 balais qui a déjà de la bouteille. Déjà responsable de trois LP orientés Dream Pop, et publiés entre 2006 et 2010, le musicien originaire du Michigan délivre aujourd’hui la première galette d’Orcas, son nouveau projet. Il y est accompagné de Rafael Irisarri, compositeur Ambient officiant également sous les traits de The Sight Below. Le mariage des deux genres de prédilection respectifs du duo a généré un premier album éponyme à l’esthétique soignée.
L’univers du duo se compose de petites bulles atmosphériques hantées par le fantôme de Trish Keenan, chanteuse de Broadcast décédée en 2011. Ils y reprennent majestueusement d’ailleurs « Until Then », un morceau du quatuor anglais. Un bel hommage qui est, par ailleurs, à l’origine de la collaboration entre Pioulard et Irisarri. Mais c’est essentiellement du côté de Boards Of Canada que les deux hommes sont allés pêcher leur inspiration. « Orcas » est une jolie fresque aux tons azurs, recommandée à toute âme en quête d’apaisement. Plongez-y les yeux fermés.
The Men passe la barre du troisième LP sans accroche. Le quatuor originaire de Brooklyn fracasse tout sur son passage. « Open Your Heart » est un condensé d’énergie pure, entre Garage et Post-punk. « Turn It Around » et « Animal » donne le ton et le signal de départ, comme un coup de poing dans la tronche. Tout y est : les mélodies, les riffs, la frénésie et, surtout, la passion. Les maîtres des Hommes s’appellent Sonic Youth, Buzzcocks ou encore Dinosaur Jr. Loin de les imiter, The Men ont parfait leur art du disque bien pensé.
Après la furieuse mise en bouche, la formation étale habilement sa capacité à glisser d’un genre à un autre sans complexe. L’épique « Oscillation », long de plus de sept minutes, flirte de près avec Sonic Youth, tandis qu’un titre de la même durée, comme « Presence » passe l’oreille du côté des Silver Apples. Des références flagrantes sont disséminées un peu partout sur « Open Your Heart ». The Men sont parvenus à en jouer et, mieux encore, à les traduire pour en faire la force du disque. Tant et si bien qu’il apparaîtra très certainement au sein de pas mal de tops de fin d’année ! A bon entendeur…
Le titre de cet album serait-il prémonitoire ? « Oh Fortune » pourrait truster les premières places des tops internationaux, confectionnés en fin d’année. Et Dan Mangan devenir la révélation pour 2012 ! Pourtant, cet opus est paru, au Canada, l’an dernier. Il vient de rejoindre ma pile de cds à chroniquer. Et je dois avouer que son écoute m’a procuré de bonnes vibrations.
Mangan est sorti de l’ombre boisée de son Ontario natal dès 2009, en publiant un second elpee, intitulé « Nice, Nice, Very Nice ». Il venait de signer chez la très recommandable structure Arts & Crafts (Feist, Zulu Winter, Broken Social Scene, Timber Timbre). Une signature amplement méritée, vu la qualité des titres figurant sur ce long playing. Des coups de cœur ? Le titre maître, « Post-War Blues » et surtout le très orchestral « About as Helpful as you can be without being any help at all », une compo qui ne lésine pas sur les cordes. De sa voix chaude, le Canadien tisse des mélodies qui s’épanouissent quelque part entre le rock lyrique d’Arcade Fire, le power-folk de Chad Van Gaalen et les récentes productions de Tom Williams & The Boats.
Dan Magan a des doigts en or. Il ne serait donc pas étonnant que d’ici quelques mois, il finisse par faire « Oh Fortune »…
Hudson Mohawke et Rustie n’ont qu’à bien se tenir. Matthew Cutler, aka Lone, vient d’éjecter de sa sonde intergalactique un scud qui va faire trembler les pistes de danses de la planète. Le Briton a tenté de séduire par trois fois les terriens à l’aide de son Abstract Hip Hop aux accents chillwave, entre 2009 et 2010, en publiant une série d’Eps inspirés. Mais c’est en 2011, lorsqu’il rejoint R&S Records (James Blake, Space Dimension Controller, Vondelpark), que le DJ mancunien se révèle véritablement, en assénant un bon coup de groove à de nouvelles compositions orientées IDM et Space-Electro. L’ombre de Boards Of Canada, à laquelle il a été longtemps associé est définitivement rangée au placard.
« Galaxy Garden », qui jouit de la collaboration de Machinedrum sur deux titres, recèle douze fresques oscillant entre retro discret et futurisme assumé. L’embarquement s’effectue en douceur sur des « New Colour » et « The Animal Pattern ». Parfaits en guise de mise en bouche. Suivent les ultra-trippants « As A Child » et « Lying in The Reeds », annonçant la mise en orbite du cortex cérébral de l’auditeur, secoué ensuite par la House de « Crystal Caverns 1991 ». La zone de perturbation se poursuit sur l’inquiétant « Earth’s Lung », prélude de la rencontre avec « Cthulhu ». Le retour sur la terre ferme s’opère à nouveau en douceur, « Stands Tidal Waves » assurant délicatement la liaison avec l’ultime « Spirals » qui referme le voyage en dévoilant toute l’élégance du maître de bord.
Le prochain embarquement pour le « Galaxy Garden » de Lone s’opérera sur la Plaine de la Machine à Feu de Dour, le vendredi 13 juillet. On sera les premiers à bord !
C’est la bio qui l’annonce. Krazy Baldhead serait ‘le joyau le mieux gardé d’Ed Banger’. « The Noise In the Sky » constitue le second album du Français et fait suit à « The B-Suite » publié en 2009. Mais à l’écoute du disque, on peut se permettre de remettre en question le terme ‘joyau’. Certes, Krazy Baldhead aime expérimenter. Certes, il ne nous sert pas une énième dose de beats putassiers. Certes, ses bidouillages sont parfois fort efficaces (« Amplifried », « Day In, Day Out », « Miles High »). Mais dans leur ensemble, les 45 minutes durant lesquelles s’étend ce bruit dans le ciel paraissent interminables.
Pierre-Antoine Grison, de son vrai nom, se démarque clairement du reste de l’écurie Ed Banger, mais pas forcément pour les bonnes raisons. A l’instar du « Six Cups Of Rebel » de Lindstrøm, on ressent très clairement au sein de « The Noise In the Sky » l’envie de proposer autre chose, d’élever l’électro vers la voie céleste. Mais à force d’en faire trop –ou dans ce cas-ci, pas assez– les efforts de Krazy Baldhead, comme ceux de son homologue norvégien, tombent à plat. Le joyau restera donc bien sagement dans son écrin.
Quatrième album du groupe, « Mousetrap » débarque 6 ans après « Wonders Of The World ». Pour cet opus, le ska rituel du groupe a cédé le relais à des morceaux plus jazzy, interprétés par Lize Accoe, nouvelle chanteuse du groupe à la voix très soul, rappelant par certaines intonations celle d’Amy Winehouse, la puissance en moins.
Les nombreuses notes de piano viennent dès le premier titre confirmer le virage opéré vers une musique jazz et ce, jusqu'à la fin ; soit « Bouncer » et « Call Me(Off) », où l’instrument mêlé aux cuivres nous offre un dynamisme qui devrait donner un véritable show en live !
La plaque tournante de cet opus est sans doute le stimulant « Mousetrap », uniquement instrumental et revisitant tous les styles présents sur cet elpee ! Une chanson qui précède les très bons « Plainred » et « The Chubby » sur lesquels on regrette toutefois l’absence de voix.
Le reggae n’est pas pour autant totalement absent de cet opus, même s’il se fait surtout entendre sur les morceaux 100% instrumentaux ainsi que sur quelques titres chantés comme « Today », « Jungle’s gone » ; et si la voix de Lize Accoe vient ajouter une touche de féminité dans cet univers très masculin, elle ne permet pas pour autant de bouleverser les codes de ce genre et n’apporte pas grand-chose de nouveau.
Enfin, l’elpee « Mousetrap » représente peut-être pour le groupe une transition vers d’autres univers musicaux grâce à cette nouvelle chanteuse, surtout mise en valeur par la soul plutôt que le ska ou le reggae. Mais vu la diversité des chansons, le style n’est guère identifiable. Ce qui devrait cependant ouvrir à la formation, une voie vers un nouveau public.
La carrière de Glenn Hughes est déjà bien remplie. Agé de 60 balais, cet Anglais est bassiste mais surtout chanteur. Son premier succès, il l’a vécu au sein d’un trio de hard rock funkysant, baptisé Trapeze, un combo drivé par le guitariste Mel Galley. Son heure de gloire est arrivée en 1973, lorsqu’il est recruté par Deep Purple pour remplacer le bassiste Roger Glover. Il partage alors le chant avec David Coverdale. Son addiction à la cocaïne va lui rendre la vie difficile, pendant de nombreuses années.
Il a également participé à différentes expériences musicales, notamment en compagnie du guitariste Pat Thrall, chez Hughes/Thrall, Gary Moore au sein de G Force et s’est ouvert une courte parenthèse dans Black Sabbath, suite aux liens qui le lient au gratteur Tommy Iommi. Il a ensuite embrassé une carrière solo. Il a frôlé la mort à deux reprises à cause de sa cocaïnomanie. Depuis 2010, il milite au sein de Black Country Communion, en compagnie du jeune sixcordiste Joe Bonamassa ainsi que du drummer Jason Bonham, le fils du regretté John, préposé à la batterie chez Led Zeppelin! Cet elpee a été immortalisé ‘live’, chez lui à Wolverhampton, en juin 2009, avant donc qu’il n’entame son aventure Black Country Communion. Hughes a toujours joui d’une belle réputation de chanteur. Et pour cause sa voix puissante, éraillée, funkysante, est fortement influencée par les vocalistes issus de la northern soul, tant chez Tamla Motown que Stax.
Ce double opus (cd et dvd) réunit des morceaux interprétés au cours de deux shows différents, accordés au mois de juin. Sous-titrée “Full band show”, la première nuit se concentre sur sa carrière en solitaire et celle accomplie chez Deep Purple. Baptisée “You are the music – An evening of Trapeze” et empreinte de nostalgie, la seconde est consacrée à ses débuts opérés au sein de Trapeze.
Le premier volet s’ouvre par “Muscle and blood”. Il nous replonge à l’époque Hughes/Thrall. Ce morceau de hard rock posé, bluesy, funkysant, est balisé par les lignes de basse du leader, pendant que guitares et claviers le suivent à la trace! Le ton est donné. Les titres alignés opèrent dans le même registre. Y figurent même deux plages issues de “Burn” le 1er elpee de Deep Purple auquel il avait participé, “What’s going on here” et “Mistreated”.
La soirée finale est chargée d’émotion. C’est la première fois qu’il réserve son répertoire à Trapeze. Ce soir, il dédie ce set à la mémoire de Mel Galley, décédé le 1er juillet 200. Il était atteint d’un cancer. Cette plaque nous réserve une majorité de pistes extraites de “Medusa” et “You are the music, we are the band”. Notamment du premier. Dont l’inévitable “Touch my life”. Le trio s’y révèle brillant dans son interprétation, et nous réserve même des compos où se mêlent douceur, mélancolie et sens mélodique. A l’instar de “Jury”, “Seafull” et “Medusa”. Faut dire que le potentiel vocal de Glenn n’a pas été altéré. Fidèle à sa réputation, il chante naturellement, sans forcer. Un beau témoignage…
RM Hubbert est un guitariste écossais qui, jusqu’en 2005, opérait auprès de El Hombre Trajeado, une formation relativement inconnue chez nous. Cinq ans plus tard, il publie « First & Last », un premier LP marqué par la mort de ses parents et la dépression qui s’en est suivi. Aujourd’hui, le Glaswegien débarque sur le devant de la scène en s’entourant de nombreux confrères venu lui prêter main forte. On aperçoit dans la foule d’invités, Luke Sutherland (Mogwai), Aidan Moffat (Arab Strap), Alasdair Roberts, John Ferguson (The Apples In Stereo) ou encore Alex Kapranos (Franz Ferdinand), qui produit également la galette.
Malgré le casting trois étoiles, « Thirteen Lost & Found » n’est pas à mettre entre toutes les oreilles. Le Folk acoustique d’Hubbert est certes émouvant (« Gus Am Bris An Latha », « The False Bride »), beau (« Sandwalks ») et distinctif (« Sunbeam Melts The Hour ») mais difficile de s’en extirper sans idées noires. En 40 minutes, RM Hubbert te plombe l’ambiance comme pas deux. Certainement à l’image de l’homme lui-même, malgré lui. Une simple et infime touche de fantaisie aurait toutefois drastiquement changé la donne, mais comparé à « First & Last », « Thirteen Lost & Found » est un sacré pas en avant pour l’homme dont on ressent toute la passion à travers les cordes de guitare.
Ganglians est de retour près de deux années après avoir publié « Monster Head Room », un premier disque Rock d’excellente facture mais manquant d’accessibilité. Les quatre gaillards de Sacramento ont depuis lors revu leurs ambitions à la baisse. Un travail sur eux-mêmes qui leur est fort profitable tant « Still Living », leur second LP, semble plus réfléchi que le prédécesseur. C’est principalement au niveau de la production que la différence entre les deux disques est palpable.
En invitant Robby Moncrieff (Dirty Projectors) à prendre place aux manettes, Ganglians s’est offert un emballage plus affriolant, une production bien léchée et des morceaux presque radiophoniques (« Jungle », « Faster », « The Toad »). Ils ne conservent du disque précédent qu’un certain psychédélisme appuyé par ces mêmes réverbérations qui parcouraient « Monster Head Room ». Le quatuor use et abuse de ces dernières mais celles-ci ont cependant l’avantage de servir les nouveaux morceaux à meilleur escient (« Evil Weave », « That’s What I Want »).
« Still Living », honnête amalgame entre un Surf Rock à la Wavves (« Faster »), un Folk à la Fleet Foxes (« California Cousins ») et une pop estivale à la Beach Boys (« Good Times »), souffre peut-être encore de quelques longueurs et d’une uniformité qui devient lassante après quelques écoutes. Allez, encore un petit effort et le troisième Ganglians sera peut-être celui que tout le monde s’arrachera…
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