Projet artistique à multiple facettes, Ending Satellites étend ses ailes aéronautiques sur de larges étendues sonores, se moquant des styles et des étiquettes.

Si ce recueil de titres éparpillés dans l’importante discographie d’un groupe né en deux mille onze brasse large, c’est la conséquence d’un véritable désir d’émancipation à tout genre en général et à aucun en particulier.

Reste que le tout manque malheureusement parfois de cohérence.

Quelques instants de fulgurance, de bravoure, affichées le menton haut et sans aucune prétention, mais hélas entravés par quelques travers dans lesquels le projet de Damien Dufour et ses multiples acolytes s’enlise par moments.

Paradoxalement, quand une certaine pointe d’arrogance semble transpercer (c’est parfois pompeux et théâtral), on perçoit une certaine sensibilité et un réel souhait de liberté qui transfigure ce premier sentiment, en sympathie authentique.

Alors, si on ne ressort pas transformé de cette écoute, force est de constater qu’on souhaite revenir sur certaines plages de « 7 Billion Passengers. Only One Flight ».

Les yeux fermés, en mode automatique.

Et pardonner ses erreurs dues à un trop plein de liberté.

Quand le ciel est trop vaste pour les oiseaux…

Sorti il y aura bientôt douze mois, cette première publication ne comporte que six titres. Histoire de se faire une petite idée des capacités de cette formation flamande. Etonnant, alors que cet Ep constitue leur premier effort, les cinq membres du band gravitent dans le milieu musical depuis une quinzaine d’années. En fait, durant une longue période, ils sont passés d’un projet à l’autre, avant de finalement se fixer, il y a un lustre, sur ce dernier…

‘Le club du jaguar noir’ est la traduction littérale de leur nom de scène. Pourquoi pas ! On n’est cependant loin d’être ‘effrayé’ par la musique que nous propose ce ‘félin’ dont les griffes sont visiblement rentrées !

Dur, dur, d’imaginer qu’un de ces six morceaux puisse créer le ‘buzz’, chez un quelconque média. Responsables d’une musique on ne peut plus commune, navigant entre une pop et un rock aux accents belges (Arid, dEUS, Ghinzu), les fauves connaissent quelques difficultés à captiver ou capturer leurs proies. Aucune des six plages, même si on admettra que le projet a de la gueule, ne peut être considérée comme un fer de lance ou une rampe de lancement susceptible de propulser le quintet anversois au faîte de la hiérarchie musicale de notre beau pays…

Au final, on retiendra qu’un petit groupe de plus vient d’émerger de la Flandre profonde pour tenter de se faire une place au soleil. Attention, s’il est judicieux de faire savoir que l’on existe, je crains fort que leur tentative soit un peu juste pour revendiquer un transat…

Une petite idée ? Surfez sur http://www.youtube.com/watch?v=AIj4EIWs_Iw

Et puis, musicalement, on dira ce qu’on voudra, ses chansons ont quelque chose de touchant.

Pas renversantes, mais justes. Sans esbroufe. A l’image de cette petite fille aux multiples tatouages (plus Rock & Roll que camionneurs) qui se tient sur scène devant un parterre conquis et heureux. Des visages ébahis.

Des sourires multiples et des paroles qui s’articulent sur les lèvres des (très) jeunes au (beaucoup) moins jeunes.

Et des milliers d’étoiles. Comme celles qui brillaient dans les yeux de ma fille ce soir.

Bien des raisons de dire : ‘Merci Béatrice Martin’.

Effectivement, c’est elle que toutes et tous sont venus admirer ce soir.

Mais en public poli et bon enfant, l’assistance fait un accueil jovial à Monogrenade, groupe québécois fort sympathique dont le pop/folk suspendu aux cordes (deux violons et un violoncelle) s’agite sous une brise tantôt légère, tantôt tempétueuse.

Desservi par un son inégal, la formation a néanmoins soulevé l’enthousiasme et retardé l’impatience de ces centaines de cœurs qui trépignaient d’impatience.

Quelques sonorités émanant d’un ampli Fender, par le jeu de quelques pédales du meilleur effet, n’ont d’ailleurs pas laissé insensible votre serviteur, plutôt rôdé à d’autres ambiances que celle de ce soir.

Dans une atmosphère somme toute très différente de celles auxquelles je suis habitué, l’attente s’installe. Fébrile. L’excitation est palpable. Surtout chez les enfants présents.

Car ils sont nombreux ce soir.

Cœur de Pirate, c’est un peu le Tintin de la musique. Son auditoire s’étend de sept à septante-sept ans.

Cette réflexion peut paraître anodine, pourtant, elle prouve au moins deux choses : la première, c’est que sous leur aspect propre et lisse, ces chansons recèlent différents degrés de lecture. La deuxième, c’est que je ne serais pas là si je n’avais pas une fille de huit ans, complètement fan.

Parce que très franchement, je vais avoir du mal de vous parler de ce concert. Oh, pourtant, la prestation très professionnelle de ses musiciens était appréciable. Enceinte, l’interprète assume courageusement cet enchaînement de dates, vaille que vaille. La tendresse de ses chansons se dévoile comme les pages du journal intime d’une jeune fille en fleurs (parfois fanées) ou le comique d’une pause pipi intelligemment chorégraphiée en cours de spectacle. Mais, tout simplement, parce que toute mon attention était rivée sur ma fille qui rêvait éveillée une soirée attendue depuis si longtemps.

Une petite fille parmi d’autres petites filles, des moins grandes aussi (voir des plus vielles), et aussi des garçons ou même des papys, mais une petite fille au sourire rayonnant et qui m’émouvait à chaque fois qu’elle s’en allait d’un grand signe de main pour attirer le regard de son idole, à peine à quelques centimètres d’elle.

Une idole généreuse qui ne manquait aucune occasion de renvoyer sourires et gestes, remerciements sincères et ‘je vous aime aussi’ en retour.

Et si ma description vous paraît nunuche et vous renvoie au fantôme de Chantal Goya, détrompez-vous !

Musicalement, son spectacle tient absolument la route.

La voix est juste et transfère l’émotion au-delà du spectre lumineux d’un light show sobre et parfaitement calibré.

Le son swingue quand il le faut, le piano se fait intime quand la femme enfant aux bras de marins (les tatouages, pas les muscles !) appose ses mains délicates sur ses touches d’ivoire.

Fort judicieusement balancé, ponctué de ses hits (« Francis », « Comme des Enfants » ou « Adieu ») et agrémenté d’interventions échangées avec l’auditoire, ce concert était parfaitement calibré, en évitant le piège de la mise en scène stoïque.

Cœur de Pirate ne peut pas plaire à tout le monde mais ne dérange personne.

Et surtout, ses albums semblent apporter un certain bonheur à ceux qui y trouvent écho, aussi bien dans les paroles douces amères que dans les notes qui s’égrènent comme la mélancolie aux vents.

Elle n’est pas bien grande mais elle affiche une grandeur d’âme qu’elle communique à son public. Béatrice Martin est un sacré bout de femme et ma fille en est fan.

Alors je ne peux que crier haut et fort : ‘Vive Cœur de Pirate !’

(Organisation Live Nation en collaboration avec Asterios Spectacles)

Chanteur, compositeur et guitariste, Colin Linden est canadien. Il a acquis sa notoriété en apportant sa collaboration à de multiples partenaires. Il a également produit des tas d’artistes, comme Sue Foley, T-Bone Burnett, Colin James et Bruce Cockburn. Des musiciens ou groupes célèbres ont interprété et enregistré ses chansons ; et notamment Blind Boys of Alabama, The Band et Keb Mo. Bluesman de cœur, il a également acquis une réputation dans les milieux folk et country. Il milite également, en compagnie de Stephen Fearing et Tom Johnson, chez Blackie and the Rodeo Kings.

Son premier album, “Colin Linden Live”, date de 1980. Un peu plus de trente ans et une dizaine d’albums plus tard, il revient à son point de départ, en publiant un live baptisé cette fois “Still live”. Il est soutenu par une section rythmique et l’organiste Spooner Oldham. Impeccable, la prise de son a été immortalisée au Douglas Corner Café, à Nashville, en octobre 2010.

L’elpee s’ouvre dans un climat très roots, par “Big mouth”, une compo qui nous entraîne à travers les pistes rocailleuses de l’Ouest profond. Puissante mais sobre, la voix domine l’ensemble. Légèrement amplifiée, la slide se fraie un chemin, en finesse. Il attaque alors la seule reprise de l’opus : le “Who’s been talking” de Willie Dixon, naguère chantée divinement par Howlin’ Wolf. L’adaptation est ici personnelle, Spooner Oldham se chargeant de napper le tout de ses interventions à l’orgue Hammond. “Between the darkness and the light of day”, “Sugar mine”, “Sinking down slow” et “Dark night of the soul” sont de très jolies ballades roots, nées d’un mélange de blues, country et folk ; et elles sont marquées par l’empreinte indélébile des cordes de l’artiste! “From the water” est du Delta blues à la Linden. Une compo subtilement ciselée par des arrangements instrumentaux et imprimée sur le tempo d’un cheval au galop. Le disque recèle quelques plages plus nerveuses, à l’instar du très rock’n’roll “Remedy”, et de la finale “Give up”. Un blues bien rythmé autorisant la slide à s’évader vers de savoureuses aventures… Le tempo est encore plus enlevé sur “Too late to holler”. Les percussions imposent leur loi. L’orgue pousse de petits cris. Un morceau dont le climat évoque les collines du Mississippi ! L’album recèle encore une plage enregistrée en studio, lors des dernières répétitions : “John Lennon in New-Orleans”. Il reflète sa vision nostalgique et poignante d’un week-end imaginaire passé en compagnie de feu le légendaire chanteur des Beatles. Une excellente tranche d’americana music!