Depuis qu’il a opéré un remixe du morceau « No Protection », pour le compte de Massive Attack, Neil Joseph Stephen Fraser, alias le Mad Professor, s’est montré plutôt discret. Il est de retour aux affaires, pour un projet, ma foi, fort sympathique. Et pour cause, il a décidé d’adapter à la sauce dub, sept morceaux de l’ensemble colombien Frente Cumbiero. Drivé par Mario Galeano, Frente Cumbiero est spécialisé dans le doux exercice de la ‘nueva Cumbia’, un style latino privilégiant les cuivres, les maracas et les bongos, mais qui intègre également des éléments hip-hop.
Les Colombiens ouvrent le bal par 7 morceaux originaux avant que l’anglo-guyanais n’entre dans la danse. Evidemment, les versions primitives sont plus excitantes, évoluant entre tradition et modernité. Qu’elles soient dynamisées par la rythmique endiablée (« Bestiales 77 »), hantées par un esprit hip-hop (« Ariwacumbé ») ou tapissées de cuivres (« La Bocachico »). Mais lors de ses exercices de style, le vétéran britannique s’en tire plutôt bien, nous proposant des relectures enfumées des morceaux sud-américains. Le professeur fou a encore frappé !
Après avoir vu, à plusieurs reprises, cette bande de loufoques norvégiens en concert, je m’attendais à découvrir un album trempé dans l’électro-pop vintage, mais à l’humeur résolument positive. Déçu ? Pas le moins du monde ! Sans faire de bruit, les jeunes Scandinaves commencent à s’imposer comme le pendant nordique de Metronomy. Leur pop nappée de synthés ne manque, en tout cas, pas de charme. Un charme qui exerce ses effets tout au long de l’opus au titre improbable : « Aabenbaringen over Aaskammen » (NDR : traduisez par ‘La Révélation sur la Montagne’).
Il s’agit de leur troisième elpee. Les textes sont interprétés dans la langue du pays. Mais sous une forme éthérée. Un choix qui accentue l’aspect mystérieux des compos. Si « London Zoo » évoque Hot Chip, en général, les plages baignent dans une certaine douceur. Mélodique, bien sûr. Parfois en épousant des rythmes caribéens, dans l’esprit de l’illustre Suédois Jens Lekman (« Dresinen »). Ou encore en parvenant à la traduire dans des morceaux dansants absolument imparables. Des exercices de style que Casiokids accomplit, sans jamais glisser dans le kitsch, malgré les fameux claviers vintage. Et le single « Det Haster ! », en est certainement le plus bel exemple.
Décidément, Bradford Cox est insatiable. Un an à peine après avoir publié « Halcyon Digest », un quatrième opus (NDR : magnifique, il faut le rappeler !) sous le patronyme de Deerhunter (NDR : dont il est le leader incontesté), Bradford Cox nous propose le troisième volet de son projet solo. Un projet solo qu’il a baptisé Atlas Sound. Et un nouvel elpee qu’il a intitulé « Parallax ». Ce concept individuel, il le consacre aux explorations sonores qui collent moins bien à son vaisseau amiral. Les plages baignent davantage dans l’‘ambient’. Elles sont résolument plus ténébreuses et mélancoliques. Sa voix est toujours aussi étonnante, mais elle est ici moins chargée d’effets. Le son et plus propre. Donc plus facile d’accès, même si plusieurs écoutes sont nécessaires avant de totalement s’imprégner de l’œuvre.
Les 12 morceaux sont signés par Cox. Lors des sessions d’enregistrement, il a cependant reçu le concours de quelques collaborateurs. Plus léger, plus pop, dans un style réminiscent des Kinks, « Mona Lisa » bénéficie ainsi de la participation d’Adrew VanWyngarden de MGMT au piano. Le troublant « The Shakes », de Carrie-Anne Murphy au saxo et « Praying Man », de Paul McPherson à la batterie. Et si « Angel is Broken » baigne également dans la pop, le disque recèle une majorité de complaintes psychés et mélancoliques, à l’instar du remarquable final « Lightworks », une compo plongée dans une reverb’ surprenante…
Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que l’illustration très 50’s de la pochette a été conçue par Mick Rock, artiste célèbre pour avoir immortalisé sur pellicule des légendes comme David Bowie, Blondie et Lou Reed. Bradford Cox marcherait-il sur leurs traces ?
La charmante Alys a plus d’un tour dans son sac. Dotée d’une voix douce pleine d’innocence, cette jeune à la French Touch assure un sacré coup de balai aux chansons actuelles tout au long de son premier opus, “ Happy Days”. D’une fraîcheur hors pair, en quelques notes, elle arrête le temps et ouvre les portes de l’évasion. Ses chansons donnent envie de courir pieds nus dans l’herbe couverte par la rosée du matin, pour ensuite les réchauffer, sous un soleil dont les rayons se déposent timidement sur notre peau.
Alys, c’est un style s’imposant dans la même lignée que Cœur de Pirate.
Dans un répertoire anglophone, les chansons s’interprètent de manière joyeuse mais laissent exprimer des textes aux thèmes plutôt sombres. Y sont ainsi abordés des sujets tels que l’anorexie sur “Anna”, la relation homme-femme interprétée de manière humoristique dans “Time”, mais aussi les difficultés du deuil traduites à travers “ Overseas”.
“Happy Days” est donc très éclectique et nous offre une autre manière d’aborder les sujets qui fâchent en coloriant les mélodies de tons pastel.
Alys, magicienne? Peut-être, en tout cas, elle a de quoi donner le sourire tant sa simplicité se propage comme des petits papillons qui viendraient nous chatouiller les oreilles, afin de nous réveiller de se doux rêve incarné par cet album.
C’est grâce à de grands rôles au cinéma que l’image de Thomas Alan Waits s’est inscrite à l’encre indélébile dans la mémoire collective. Une forte personnalité qui sera magistralement exploitée par Jim Jarmusch dans les cultissimes « Down by law » et « Coffe & Cigarettes ». Une filmographie exceptionnelle où le musicien américain côtoie les grands noms du cinéma : Francis Ford Coppola, Terry Gilliam, Wim Wenders, Robert Altman… Excusez du peu !
Du coup, on en oublierait presque que ce pionnier du rock alternatif est avant tout un auteur-compositeur, un musicien et un chanteur de talent. Un artiste qui traverse le temps avec un je ne sais quoi d’indéfinissable mais néanmoins fatal, définitif, inexorable. Songez donc : plus de 38 ans de carrière et 17 albums studio.
Sept ans après avoir publié son dernier opus (« Real Gone » sorti en 2004), Tom Waits reprend les chemins du studio pour nous régaler d’un dix-septième essai. Un treize titres voluptueux qui ne ménage pas les sens et les enlise, les vautre dans les bas-fonds crasseux des grandes villes américaines. Ainsi, « Bad As Me » tisse une atmosphère inouïe, de celles qui vous suffoquent, vous prennent à la gorge et vous étouffent l’âme. Dès la première piste, Waits balance un ‘Chicago’ blues-rock à la voix rocailleuse et enragée. Quelques crachats, quelques vomissures plus tard, et c’est votre corps tout entier qui erre dans les ruelles glauques du Old Chicago. Un album intense porté par une voix unique qui aurait été trempée dans un fût de bourbon, séchée et fumée pendant quelques mois, puis sortie et renversée par une voiture. Et magnifiquement sublimé par les coups de griffes de Marc Ribot à la guitare.
Une première partie principalement baignée dans un rock-blues dense qui se métamorphose, qui changera progressivement de ton pour chavirer dans les univers contrastés du jazz et du blues (« Talking At The Same Time » et « Kiss Me »), se cloîtrer dans un spoken word au romantisme déglingué (« Back In The Crowd » et « Last Leaf ») ou se teinter d’une voix de crooner corrodée (« Kiss Me »). Ne craignez rien, le tempo n’émousse nullement la plume cynique du portraitiste du bizarre. Elle continue de peindre, de sa pointe aiguisée et trempée dans l’acide, les traits de personnages et de lieux miteux. Paradoxalement, le ton, s’il est mordant, n’en demeure pas moins chaleureux et triste.
Soulignons tout particulièrement le magnifique « Bad As Me ». Un morceau au bord de la crise d’épilepsie où le chant est enragé et les orchestrations chaotiques. Soit 3’10’’ de pure folie contagieuse. Délicieusement insane !
Bref, ce dernier album se présente globalement comme une œuvre charnière dans la carrière de Tom Waits. Une musique qui indique une direction nouvelle sans jamais oublier de regarder en arrière. Une plaquette dont l’artiste soigne davantage les orchestrations et dans laquelle il offre incontestablement la plus belle voix de sa carrière.
S’achevant par « New Year’s Eve », « Bad As Me » s’affiche indéniablement comme une idée précieuse de cadeau de fin d’année. N’hésitez pas, c’est un excellent cru Waits !
Debout Sur Le Zinc faisait escale à Lille ce vendredi soir. Formation pas très présente en termes de couverture télévisée ou radiophonique, il n’en reste pas moins que ce groupe jouit d’une très belle popularité auprès de la jeunesse française, qui aime la bonne musique et surtout se plonger dans une ambiance propice à la bonne humeur ! A la décharge des programmateurs d’émissions TV ou de responsables d’antenne, le répertoire de ‘DSLZ’ est plutôt tourné vers la représentation live et la participation active du public. D’autant plus que rien n’est vraiment prévu pour ce style musical sur nos belles chaînes, qui se bornent le plus souvent ces temps-ci à fouiller de façon nauséabonde dans la vie privée des plus naïfs (pour rester poli !!!)
En route donc vers l’Aéronef qui se niche au sommet du centre commercial d’Euralille et, c’est une aubaine en tout cas, du côté parking… Et encore faut-il y arriver ; car depuis la construction du nouveau stade de foot, et comme tous les vendredis soir, le périf est plus qu’embouteillé.
Pas découragés pour deux sous, nous finissons par arriver à bon port et… à temps !
L’Aéronef n’est pas rempli ce soir, les mezzanines sont d’ailleurs inaccessibles aujourd’hui. C’est un petit millier de personnes qui sont attendues pour voir en lever de rideau Jali et ses 4 musiciens se produire avant leurs favoris. Originaire de Bruxelles, le jeune Belge a suivi le combo français durant toute sa tournée. On peut presque dire qu’il joue à domicile ce soir. Dispensant une musique folk/pop inspirée, ce jeune artiste d’à peine 22 ans devrait se faire sans peine une place au soleil assez rapidement. Qualité et talent sont bel et bien au rendez-vous. De bon augure pour les années de carrière à venir.
Entre le moment où Jali quitte la scène et DSLZ y prend place, il faudra de longues, longues minutes de patience. Il est vrai qu’une quinzaine d’instruments doivent (re)passer entre les mains des roadies pour les derniers réglages. Ma montre indique plus de 21:40 quand enfin, le clan des sept envahit l’espace scénique. La soirée est loin, très loin d’être achevée !
« Frisson » ouvre le bal. On entre directement dans le vif du sujet : violon, trompette, mandoline, clarinette, accordéon, guitares, tambourin, contrebasse, banjo, … se succèdent, se conjuguent en duos, trios ou quatuors de folie. D’un dynamisme à couper le souffle, les sept, non six, pardon (le batteur reste continuellement vissé à son tabouret) sont incapables de rester plus de deux minutes à la même place. Heureusement que les instruments électrifiés ne sont plus câblés !!! A l’heure où j’écris ces quelques lignes, ils seraient encore occupés de démêler les fils… D’autant plus que les musicos s’échangent les instrus, tout comme le micro. Parfois, on ne sait même plus qui fait quoi. Ce ne sont plus des musiciens mais des jongleurs.
Mais c’est ce que le public est venu voir, un show plus théâtral que musical en fin de compte. Un moment de détente où la relation artiste/public compte plus que le récital interprété, une dynamique imprimée par une bonne humeur contagieuse, une soirée qui sent bon la joie de vivre et le partage.
Chacun dans la troupe joue un rôle important et personne, jamais n’est mis à l’écart. Le chanteur principal (également violoniste et trompettiste) recule même volontairement de temps à autre pour laisser la vedette à l’orchestre. Et dans ces moments-là, quoiqu’assez rares, le (contre)bassiste au look à la Gainsbourg, pieds nus et coiffé d’un vieux chapeau, montre de quel bois il peut se chauffer.
On n’est pas loin de la vingtaine de titres interprété, parmi lesquels le très ‘sérieux’ « Abbé Chamel », lorsque Debout Sur Le Zinc se retire avant de reprendre d’assaut, pour trois derniers morceaux, l’espace qu’elle a conquis de haute lutte. « Arbre », « Mots d’amour/Poil aux yeux » et « La déclaration » mettront un point final à cette mémorable soirée, véritable antidépresseur sans aucun doute beaucoup plus efficace que n’importe quelle médication !
Les plus pressés gagnent rapidement la sortie mais les autres ont encore la chance de prendre un verre au bar en compagnie de ces acrobates de la scène underground, bien trop méconnus du grand public, hélas !
Sacrée soirée ! Non, pardon, ça c’est à la TV !
(Organisation Aéronef)
Un clash flamand-wallon selon la tradition jamaïcaine!
Ce vendredi 2 décembre, le Democrazy et reggae.be organisaient, pour la deuxième fois, le Beljam Cup, au Vooruit de Gand. Ce véritable clash des soundsystems entre le reaggae – ragga et le dancehall, mettaient en présence 1 collectif wallon et 3 flamands : Heartbreak Movement (Dilbeek), Jahwed Family (Comines), Daktari Sound (Gand) et Strange Fruit (Bornem). Qui parmi ces 4 candidats allait donc succéder à Mystic Breeze Collective et emporter la coupe en 2011 ?
Avant que commence ces rencontres, prévues en différentes manches de 10 minutes (les dublates) et la finale (dub-fi-dub), Irie Nation va nous régaler d'un warming up. Buda MC (de Civalize Foundation) a joué impeccablement son rôle de ‘guest’. Il a expliqué les règles, tiré au sort l'ordre de passage de la première manche et mis l'ambiance au sein du public. Les participants ont eu l’occasion de se présenter en dix minutes et personne n’a été écarté lors de cette première manche.
Jahwed Family ouvre les hostilités et enfièvre immédiatement l’auditoire lors d’un set très varié et énergique. Il était clair qu’il allait jouer un rôle important lors de ce clash. Contrairement au deuxième candidat, Strange Fruit, il a acquis une certaine expérience dans cet exercice de style. Par contre, les gars de Bornem prennent un mauvais départ à cause d'un manque de coordination entre le MC et le selector (DJ). Néanmoins, malgré ce contretemps, ils vont surprendre agréablement, tout au long d’une prestation très variée. Leurs supporters (NDR : qui s’étaient déplacés en car) ont fait monter la température de quelques degrés dans la salle! Quant à Daktari Sound, qui jouait son match à domicile, son set s’est avéré assez laborieux, également à cause de problèmes techniques. En outre, le MC, parfois incompréhensible et statique, ne parviendra jamais à maintenir l’ambiance dans la salle.
Il revenait à Heartbreak Movement de clôturer les débats. En un clin d’œil, leur professionnalisme va ramener la flamme. Solide, la cohésion entre le selector et la sale bouche du MC de D-Town Crew va permettre au concurrent d’accomplir un parcours impeccable. Manifestement, il ne pouvait que dominer la suite du clash, tout comme leurs confrères wallons de Jahwed.
La deuxième manche est la première au cours de laquelle il a été procédé à une élimination. Grace aux commentaires progressivement caustiques et la sélection de leurs tunes, les gars de Jahwed Family et Heartbreak Movement ont confirmé l'impression laissée lors des préliminaires. Mais Strange Fruit et Daktari Sound ne sont pas parvenus à relever le niveau de leur prestation. Le vote effectué par le public a confirmé que l’un d’entre eux devait quitter l'arène. Les Gantois ont moins profité du soutien du public et, à l’instar de l’édition précédente, ont été les premiers à quitter le clash.
La troisième manche devait décider d’une place dans la finale (dub-fi-dub). Jahwed Family et Heartbreak Movement, les grands favoris, ont à nouveau dispensé un set de dancehall mortel, tandis que Strange Fruit a paru en panne d’inspiration. Cependant, lors du vote, après de nombreuses discussions, il a été décrété qu’il serait opposé à Jahwed Family, lors du dub-fi-dub. Faut dire que la meute de supporters qui avait accompagné Strange Fruit a fort influencé la décision finale ; ce qui n’était pas trop du goût des autres spectateurs.
En finale, chaque collectif a joué un tune, au terme duquel, un vote a chaque fois été émis. Lors des éditions précédentes, le gagnant était connu après dix tunes de chaque candidat ; mais aujourd’hui, le dub-fi-dub s’est terminé beaucoup plus tôt. Jouissant déjà d’une belle notoriété, Jahwed Family l’a emporté par le score sans appel de 5-0 face à l’inexpérimenté Strange Fruit. En se mesurant à Heartbreak Movement, la finale aurait probablement été plus disputée. Particulièrement originale, l'équipe de Comines est parvenue à maintenir le cap toute la soirée en dispensant des dubplates de qualité et tout à fait délicieux. Et il faut le reconnaître, tous les spectateurs se sont réjouis de leur victoire. Ici pas d'opposition communautaire, mais plutôt une ambiance de 'Beljam Unite'!!
(Adaptation B. Dagnies)
L’Objet est une drôle de chose. Fondée en 2003, dans le nord de l’Hexagone, elle nous revient flanquée d’un 3ème Ep, intitulé, « Plank », partagé en 6 morceaux. Récemment devenu duo, ce combo lillois pioche à gauche et à droite des éléments musicaux pour concocter sa musique. Et ses influences ne sont pas toujours faciles à discerner, même si son expression sonore évolue dans une forme de post-rock contaminé par la pop et le shoegaze. Six plages instrumentales –sans le moindre temps mort– imprimées sur un tempo hypnotique. Mais pour baliser des compos sculptées dans une pop aussi légère que celle de Battles, parce que nourries aux guitares, loops et claviers. Un bel Objet, pas nécessairement volant, mais finalement parfaitement identifié…
Islande : terre de feu, de geysers, de volcans, de sources chaudes...
Islande, terreau où se sont développés Bjork et Sigur Rós, cinglés de musique et parfois cinglés tout court !
Cinglés à un point tel que la contagion gagne et que l’on risque de le devenir également à l’écoute de leur musique et encore plus à l’observation de leur comportement…
Sigur Rós est un quatuor dont le style résulte d’un mélange étonnant entre post-punk (les riffs), musique classique minimaliste et rock progressif. Rien que ça ! Pas question donc de rencontrer dans leurs compos un semblant de schéma conventionnel couplets-refrain. On n’est bien loin de cette ‘règle’ !
La formation est drivée par Jonsi, un borgne génial. Il possède une voix de fausset et se sert de la guitare électrique comme un violon (NDR : à l’aide d’un archet). Sigur Rós est au bord de la rupture quand Vincent Morisset, réalisateur français signataire d'un documentaire remarqué sur Arcade Fire (NDR : il en a réalisé d’autres, notamment consacrés à Beirut et The National) propose au quatuor de les prendre sur le vif, lors de leur de leur tournée britannique. A cette époque, il est fortement question d’une séparation au sein du band. Mais cette éventualité est vite balayée. D’ailleurs un nouvel opus, suivi d’une tournée, sont prévus au cours des prochains mois.
C’est donc un triple ‘album’ qui vous tend les bras. L’objet réunit un Dvd, également minimaliste (comme leur musique) et deux Cd immortalisant l’intégralité de leur prestation live. Le qualificatif de ‘minimaliste’ n’est pas choisi au hasard. Hormis quelques ‘coupures’ consacrées à des archives d’un ennui mortel, on ne peut pas dire que le réalisateur ait fait preuve d’une grande originalité. Plaquant le plus simplement du monde sur la pellicule les images noir et blanc de neuf morceaux (à rallonge), Morisset n’a hélas jamais cherché à enrober son produit. C’est du brut de décoffrage sans aucun artifice. Mais visiblement, cette idée a séduit, produisant même son effet auprès de chacun des membres du combo, puisqu’ils ont décidé d’accomplir un bout de chemin ensemble. C’est déjà ça… Pour les autres, à l’écoute de ce que peuvent interpréter ces zouaves venus du grand froid, c’est la déception. On aurait sans doute imaginé autre chose. Des images, des couleurs, des jeux de lumières à la hauteur de leur inventivité, de leur créativité… Rien, c’est le néant et, désolé, c’est même moche !
Restent donc deux Cd un peu plus consistants qui nous proposent quinze titres dont quelques-uns font double emploi avec le ‘film’. Mais à tout choisir, autant se remémorer leur concert sans les images ; car d’une part, on en a bien plus pour son argent et deuxièmement comme les images n’apportent strictement rien, autant faire l’impasse sur ce disque-là…
La bonne surprise, c’est que Sigur Rós propose enfin, après 17 ans d’existence, son premier album live. Reconnaissons ici l’excellence de la prise de son (retravaillé en studio ?) et le choix des morceaux qui balaient la carrière entière du band. Admettons également que ce style musical hors du commun mérite parfaitement sa place dans des éditions live, quoi que certains puissent parfois en penser.
Bref, un peu à l’image du pays, Sigur Rós alterne le chaud et le froid dans cette parution où le superflu côtoie l’essentiel. Mais si l’image ne rend pas d’elle ce que l’on attendait, il serait erroné de croire qu’un concert de Sigur Rós ne vaut pas la peine d’être vécu !
Soyez donc vigilant lorsque les dates de leur prochaine tournée seront fixées ; et ne ratez surtout pas l’occasion de vivre à une des plus grandes messes musicales, de votre existence…
Sharko est mort, vive David Ier. En apothéose à une carrière menée tambour battant durant une bonne décennie, le trio wallon nous a livré un bel héritage sous forme d’un « BeAst of » paru en juillet 2010. Fort de 15 titres, le testament de la formation belge léguait à la postérité ses 15 pierres les plus précieuses.
Et chacun de s’en retourner à ses petites affaires de son côté. Il était clair, dès le départ, que seul David Bartholomé parviendrait à surnager dans cet océan de ‘solitude’ artistique, l’homme ayant déjà depuis belle lurette pas mal de projets en tête et des idées à foison.
A peine douze mois se sont-ils écoulés depuis l’enterrement de première classe de Sharko que David, tel Lazare dans une autre histoire (mais laquelle encore ?) revient à la vie.
« Cosmic Woo Woo », premier album solo de Bartholomé voit le jour en octobre 2011 et immédiatement, c’est le côté fantaisiste de l’homme qui prend le dessus. Libéré des obligations liées à la vie de groupe, David se lâche, écrit et compose ce qu’il a vraiment envie de chanter. Il arrange ses morceaux de façon tout à fait ‘spéciale’, et chacune des plages, truffée de trouvailles et d’originalité démontre le génie de l’homme.
Mardi, mercredi et ce jeudi soir, David Bartholomé défendait son dernier-né devant un parterre déjà tout acquis à sa cause. Ben oui, j’imagine mal des gens se déplacer pour voir quelqu’un ou quelque chose qu’ils n’aiment pas !
Mais si l’album en avait surpris plus d’un (dans le bon sens) que dire du ‘spectacle’ proposé ?
Car plus qu’un concert ou récital, c’est vraiment le terme spectacle qui sied le mieux à la prestation livrée ce soir, digne d’un ‘one man show’ de la meilleure veine. A la fois clown, ventriloque, marionnettiste, amuseur public, le plus Ardennais des Bruxellois laisse libre cours à ses fantaisies et à ses envies les plus folles.
C’est seul à la guitare et en bricolant une boîte à rythmes (qui comporte aussi des lignes de basse et de claviers) à l’aide de ses pieds, qu’il nous propose le classique « Sweet Protection ». Parfaite entrée en matière !
Mais la suite sera beaucoup plus animée… Cachée derrière un petit théâtre de marionnettes, Camille assure les chœurs sur « Mars » tout en nous laissant imaginer que c’est une éponge jaune trafiquée qui chante. Le reste sera à l’avenant… De temps à autre, son autre acolyte vient l’accompagner au piano, jouet d’enfant ou sur une batterie pour nains ! Mais la bonne humeur, les sourires et les éclats de rires sont au rendez-vous.
Au meilleur de sa forme, David propose au public de participer à l’orchestration sur « Moon ». L’un reçoit donc une clochette, le suivant un klaxon, le troisième un canard pouêt-pouêt et ainsi de suite jusqu’au volontaire qui doit crier ‘Cor de chasse’ ; le but du jeu étant d’utiliser son ‘instrument’ lorsqu’un mot bien précis de la chanson est prononcé. Dès les explications et avant l’entame du morceau, tout le monde est mort de rire.
Mais ce doux-dingue va jusqu’au bout de ses idées folles, c’est la raison pour laquelle on l’aime aussi ! Et ça marche, effet garanti !
Ne retenir que les excentricités de David Bartholomé serait vachement réducteur. A côté de ce côté exubérant et festif, il reste un artiste sensible, à l’organe si particulier chantant souvent à la limite de la rupture. Et ses chansons font mouche. Gouailleur, moqueur (les chanteurs français en prennent pour leur grade), un tantinet désabusé politiquement parlant, David fait l’unanimité quant à la qualité de son interprétation et au choix de ses chansons.
Un seul album solo d’une durée de 35 minutes à peine, c’est un peu juste pour passer la soirée. Nous avons droit à quelques ‘vieilleries’ dont « Rise Up » et évidemment, histoire de terminer cette folle soirée, « Excellent » repris (hurlé) en chœur par les 150 personnes qui peuplent la Rotonde ce soir.
Jamais je n’avais autant ri lors d’un concert !
Envie de vous marrer un bon coup ? Allez donc voir David Bartholomé. Il guérit de tous les maux…
(Organisation Botanique)
Difficile d’imaginer que ce nouvel album de Sungrazer a été réalisé en à peine quelques mois, tant le trio batave semble avoir gagné en maturité. A croire que le groupe se soit exclusivement consacré à la musique, au cours de cette période.
Le groupe remet au goût du jour les grandes heures du rock-psyché. Hormis Black Mountain, je ne vois guère d’autres formations qui y soient parvenues avec autant de succès. Sungrazer fait la part belle aux ambiances aériennes ainsi qu’aux riffs hypnotiques. Cependant, l’objectif n’est pas de nous plonger dans un sommeil profond. Le début d’un morceau peut se révéler paisible, relaxant, puis à l’instar de l’excellent « Behind » (plus de 13 minutes), le climat sonore se charge d’intensité. La basse entre jeu, le tempo s’emballe, les guitares stoner s’agitent, les harmonies vocales s’élèvent dans l’éther atmosphérique, et nous sommes littéralement aspirés dans un tourbillon psychédélique, hallucinatoire.
Sungrazer aime également les brisures de tempo. Elles sont même légion tout au long de l’elpee. Un exercice de style qu’il accomplit à la perfection. N’hésitant pas à interrompre une envolée planante ou psyché par un riff brutal, réminiscent de Kyuss.
Le potentiel affiché par Sungrazer tout au long de « Mirador » est vraiment impressionnant. Espérons simplement qu’il n’ait pas encore été exploité dans son intégralité. Dans ce cas de figure, le combo batave n’a pas fini de nous étonner.
Auteur-compositeur-interprète français, François Staal signe ici son quatrième album, « Canyon ». Il fait suite à « 100 Millions », « Sur les Rails » et « Emois ». Responsable de musiques pour le cinéma et la télévision depuis 20 ans, il s’est fait remarquer grâce à son duo « Tout briser » interprété en compagnie de CharlElie Couture. Une compo qui figure sur son 3ème essai, « Emois ». De l’avis de tous, il est temps que ce talentueux poète sorte de l’ombre.
Pour cet opus, F. Staal s’est choisi un invité de marque en la personne de Jean Fauque, grand parolier auquel on doit notamment « Osez Joséphine », « Ma petite entreprise » et « La nuit je mens ». Et on pense d’ailleurs beaucoup à Bashung en écoutant ce CD, en particulier les titres « Terre m’atterre » et « J’aimerais tant ». On retiendra aussi la « Chanson à la con », un bel hommage au génie Gainsbourg.
C’est de la variété française, mais au sens le plus noble du terme. Les textes sont ciselés et raffinés. Ils traitent du voyage, du sens de l’existence, de l’amour, avec beaucoup de poésie. François Staal s’est entouré de musiciens extrêmement efficaces. Le son est à la fois rock et blues. Il y a des guitares électriques à la Dire Straits et de l’harmonica pour la touche country. Une grande sensibilité émane de cet elpee qui semble venu d’un autre temps. Tout y est : les chœurs et, pour les instruments, rien que de l’acoustique. Et ça s’entend !
Quand François Staal parle de musique, tout est émotion et humain. C’est un amoureux des instruments, qu’il perçoit comme autant de moyens de transmettre quelque chose, de repositionner l’Homme au centre du monde.
Et ses textes, sa musique, ses concerts ne le démentent pas !
Derrière Sherman se profile en réalité une formation articulée autour de Steven Bossuyt. Son histoire débute il y a deux ans. Accompagné de son ami et batteur David Demeyere, Steven place rapidement son sort entre les mains de Jeroen Swinnen qui a collaboré en compagnie de tas d’artistes issus du nord du pays, dont K's Choice et Soulsister sont les meilleures illustrations. C’est à ce producteur que revient la tâche d’opérer un choix dans les compos proposées par le duo pour en faire une démo. Celle-ci dans leurs bagages, les deux potes s’exilent aux îles, dans la banlieue londonienne et, entre petits boulots le jour et représentations la nuit tombée, Sherman se fait rapidement remarquer par un des ‘cent cinquante mille’ producteurs que compte la BBC. Bingo ! Ils décrochent le gros lot grâce à un succès radiophonique immédiat et des sessions live enregistrées sur BBC2 lors du ‘Janice Long Show’.
Les deux comparses et leur producteur, forts de ce premier succès exécutent dès lors demi-tour afin de profiter de cette belle rampe de lancement. De retour au pays, le premier single « On Your Side » fait son petit bonhomme de chemin sur les ondes et une formation plus conséquente est mise sur pied. Viennent donc s’ajouter au duo initial Gerben Hemelson à la guitare, Timothy Jacobs à la basse et Willem De Deygere aux claviers.
Et hop, direction le studio d’enregistrement pour d’autres compos et un second simple, « Don’t Go By » qui à nouveau cartonne sur les ondes durant tout l’été. Il faut dire que Sherman se distingue par une musicalité résolument pop dont Snow Patrol, entre autres, a le secret. « On Your Side » en est une parfaite illustration. Comparaison n’est peut-être pas raison, mais il convient de reconnaître un certain savoir faire et une efficacité toute belge pour un genre musical qui propage des émules aux quatre coins de notre beau royaume…
Sherman démontre que son séjour de l’autre côté de la Manche lui a été profitable. Dans un style épuré mais diablement ‘juste’ Steven Bossuyt apporte une preuve tangible qu’il faudra désormais compter sur lui au sein d’un paysage musical belge qui ne cesse de s’élargir. Les quatre titres de ce mini-album, dont les deux premiers singles, achèveront de convaincre les plus septiques.
Prometteur assurément !
Il a publié dix albums au cours des dix dernières années. Après avoir concocté « Le cours ordinaire des choses », en 2009, Jean-Louis Murat passe en mode biennal et nous propose, la plume gorgée de mémoire, « Grand Lièvre », un opus dont le titre signifie chez les Amérindiens ‘espèce menacée’ et ‘esprit farceur’... sans doute les deux sont-ils nécessaires pour franchir l’autre rive.
Epaulé par ses fidèles musiciens, Fred Jiminez et Stéphane Reynaud, Murat nous réserve 10 titres mélancoliques ‘amélodiques’ où la musique se fait toute petite au profit des textes, du timbre, du mystère et de l’homme.
Néanmoins, même après avoir intégré ce postulat, ce n’est pas gagné : ouvrir l’album par l’épaisse lenteur d’« Alexandrie » et d’une voix d’outre-tombe, on a beau apprécier Murat, le doute s’insinue. Impression fugace. Dès « Haut-Averne », l’auteur nous emmène dans ses coutumiers tumultes amoureux où ‘les cœurs se soignent à la torture’. A propos de chœurs, cet album n’en manque pas, et confèrent une certaine allégresse à l’ensemble. Et dès « La lettre de la Pampa », on se met à pister ce « Grand Lièvre » qui évoque la guerre (« Sans pitié pour le cheval » et « Rémi est mort ainsi ») sur un tempo décalé et bien balancé, ponctué de voix et de ‘didoudidas’ tellement improbables au vu du sujet, qu’ils en deviennent indispensables. Sont abordés par ailleurs la désertion des campagnes sur fond de piano bar (« Vendre les prés »), ‘où réciter par cœur est souvenir des lieux’, la petite reine (« Le champion espagnol ») et –fallait-il le préciser– le chaos des cœurs qui battent (« Alexandrie », « Je voudrais me perdre de vue »).
Souffles, bruissements, cris, chuchotements et hennissements viennent souligner l’univers musical somme toute prévisible mais ô combien rassurant pour quiconque apprécie Murat. Et pour ceux qui ne le connaissent pas, cet album constitue une belle entrée en matière. En cette saison où les petits frissons s’insinuent le long de l’échine, merci l’Auvergnat de nous avoir donné quelques bouts de toi quand dans nos âmes il faisait froid.
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