Encore assez méconnu dans nos contrées, Gotye, alias Walter de Backer, est pourtant un artiste belge exilé depuis l’âge de deux ans, en Australie. Il est par ailleurs déjà fort apprécié aux Antipodes, où sa renommée n'est plus à faire.
Son troisième album, « Making Mirrors », succède à « BoardFace », un premier opus plus personnel et plus introverti, et à « Like drawing Blood. » C'est ce second disque qui lui a permis d’acquérir une notoriété méritée auprès du public aussie.
Son nouveau elpee, toujours échafaudé dans un assemblage pop/rock propre au musicien, est véritablement celui de la consécration, selon l'expression populaire. Gotye a définitivement pris confiance en lui, et grand bien lui fasse, puisque ce disque nous livre 12 tracks vraiment excellents, qui se fredonneront à n'en pas douter dès la première écoute. Plus encore que lors des précédents essais, après avoir écouté le Long Playing en entier, difficile de ne pas penser à des monuments comme Sting ou Peter Gabriel (NDR : ses maîtres ?), tant les analogies sont fréquentes. Et "Eyes Wide Open" ainsi que "Save Me", deux véritables perles du cd, en sont probablement les plus beaux exemples…
Au rayon des regrets, on pourrait reprocher une voix parfois un peu trop ‘mangée’ par la musique. Mais à ce stade, on fait véritablement la fine bouche.
D’ailleurs, si on peut vous donner un petit conseil, suivez cet artiste de près ; à n’en pas douter, c’est un futur phénomène musical…
Tel un fantôme, Neal Casal hante l’Americana intemporel. Faut dire que « Sweeten the Distance » constitue déjà le 10ème album solo du Yankee ; et on ne vous parle même pas de ses productions au sein de son groupe de soul-rock Hazy Malaze ou de ses apparitions chez les Cardinals chers à Ryan Adams ! Pour résumer, Neal Casal pourrait incarner une version plus simple et honnête du clinquant et ambitieux natif de Jacksonville. Sa musique inspirée des grands espaces américains ne rencontrera jamais davantage qu’un succès d’estime dans nos contrées (aucune tournée européenne n’est d’ailleurs prévue, pour l’instant), mais elle se laisse plaisamment écouter, comme on lirait un roman de Steinbeck, la tête égarée dans une histoire consacrée à la ruée vers l’Ouest, en suivant les méandres des pistes américaines poussiéreuses, aujourd’hui disparues. Douce, la voix du vétéran caresse les tympans. Et l’instrumentation (guitares, pianos, banjos, orgues…) est particulièrement soignée. Pas de coups d’éclats destinés à impressionner la galerie, mais une suite de ballades légèrement country, superbes et bien équilibrées, comme « The Gyrls of Wynter » ou « White Fence Round House », entrecoupée modestement de morceaux plus rock tels que « Time and Trouble » ou « So Many Enemies ».
Album après album, Neal Casal construit paisiblement une belle et riche carrière sur laquelle on prendra plaisir à revenir régulièrement.
Choisir pour patronyme de son groupe Zalem et intituler son album « Stigma » sont des signes distinctifs de désenchantement. Aussi, avant d’écouter cet opus, je m’attendais à me plonger dans une œuvre ténébreuse plutôt que d’écouter de belles ballades ensoleillées. Et effectivement, la musique de Zalem n’émarge pas à la pop, mais au post-rock voire au post-métal.
Influencée par des formations telles que Neurosis (surtout sur « Hypnotic Oblivion »), Isis et dans une moindre mesure Explosions in the Sky, la formation française démontre, tout au long de cet opus, une parfaite maîtrise du style. Zalem développe des morceaux conséquents (de 7 à 32 minutes), pas vraiment originaux mais bien construits en de longs crescendos. Les arpèges se superposent lentement. La tension monte progressivement, avant d’exploser en de multiples déflagrations électriques. Hormis sur le dernier morceau, pas de chant. Une piste qui dépasse la demi-heure et se mérite. Car, ce n’est qu’après avoir écouté cette plage qu’on se rend compte de l’ampleur de l’architecture. Mais si la structure d’une majorité de tracks est irréprochable, certains d’entre eux tirent inutilement en longueur. Alors l’édifice sonore de ces ‘bâtisseurs’ devient branlant, à deux doigts de s’écrouler. C’est très perceptible sur « Missing ». La parfaite maîtrise de son sujet n’est pas toujours suffisante…
William Elliott est né dans une ferme. Et il s’éteindra probablement un jour, dans une ferme. Quelque part au sein de son Iowa natal… En fait, cet ancien punk s’est retiré, il y a quelques années déjà, à la campagne. Et régulièrement, il se rappelle à notre bon souvenir en publiant l’un ou l’autre disque. Souvent assez courts. A l’instar de « Field Songs », son huitième elpee, partagé en 8 morceaux pour 35 minutes. Et, tout comme sa destinée fantasmée, son blues-folk primaire est solide, sincère mais prévisible... De sa voix puissante, éraillée, dont les inflexions rappellent Eddie Vedder et l’intensité Tom Waits, ce troubadour nous balance des brûlots engagés, tout en dépeignant de magnifiques paysages proches du Mississipi, où il a d’ailleurs vécu, en s’accompagnant à la guitare ou au banjo, et parfois en intégrant quelques accords de rythmique…
Pas toujours facile de distinguer une compo d’une autre ; et pourtant, ce punk/roots séduit, car il est tellement authentique. Et « Field Songs ne déroge pas aux règles imposées par la maison Whitmore. Pas étonnant d’apprendre que notre ‘gentleman farmer’ se produit parfois en compagnie des punks d’Against Me… simplement armé d’un banjo !
Né sur les cendres de Newcommers, This Year’s Girl nous vient de Besançon. Une formation française qui connaît la recette idéale pour concocter un morceau pop : refrains entêtants et repris en chœur, rythmes entraînants, claviers et guitares suaves, production nette et sans bavure. Le power pop de This Year’s Girl est donc frais, efficace et sans autre prétention que de divertir. Et le titre maître en est certainement le plus bel exemple. Pourtant, derrière cette pop sympathique, on décèle, chez cette formation française un potentiel certain. Pas assez exploité, c’est une certitude. Sur « The half floor », par exemple, le titre qui ouvre l’elpee, des arpèges se superposent subtilement pour former un crescendo imprimé sur un tempo plus lent, comme chez certains combos de post-rock. Dommage que le band ne creuse pas davantage dans cette voie, d’autant plus que la voix du chanteur, finit par taper sur les nerfs. Une chose est sûre, This Year’s Girl possède encore une belle marge de progression…
Chez un mélomane, il arrive parfois, après avoir inséré le cd dans le lecteur, que l'on ait immédiatement un bon pressentiment. Une forme de feeling, d’instinct, qui augure une bonne surprise. Et « Labyrinths » de Polinski en est manifestement une.
Piqûre de rappel: Polinski est un des quatre membres du fameux groupe électro 65daysofstatic. Paul Polinski, appelé aussi Wolinski, tente désormais un projet solo sous le patronyme de Labyrinths. Et force est de constater qu'il nous livre ici un album audacieux, jeune et dynamique. Bref, pour un premier essai solo, Paul-inski (j'avoue, elle était facile) commence fort!
En poussant un peu le bouchon, pourquoi ne pas oser la comparaison avec Daft Punk. Un groupe électro au style bourré d’énergie et de punch. Comme Polinski. Et puis, on y retrouve le même style d’arrangements électro et du rythme, sans oublier un même plaisir d'écoute.
Bref, « Making Mirrors » est un opus de toute bonne facture. Pas vraiment révolutionnaire, mais définitivement très agréable à écouter. On lui reprochera surtout d'être un poil trop court (à peine 7 tracks au compteur). Mais rester sur sa faim n’est-il pas déjà en soi un indicateur de qualité.
Vite, Paul, remets-toi au travail, et dépêche-toi de nous sortir une suite, on n’attend que ça !
A l’instar d’un Duran Duran, dans un tout autre registre, Europe a toujours été considéré, dans les eighties, comme un groupe de garçons coiffeurs, tout juste bon à épater les minettes.
Que celui qui n’a jamais fredonné « The Final Countdown » sous la douche se dénonce !
Les deux derniers albums studio du combo suédois, et surtout cet épatant Dvd Live, viennent non seulement affirmer la légitimité de cette reformation, mais imposent une vision nouvelle d’une musique qui sonne résolument plus heavy de nos jours.
Car en effet, ce qui sidère le plus à l’issue de la vision de ce show capté dans le mythique ‘Shepherd’s Bush’, c’est la parfaite cohérence entre le répertoire du passé et les compos plus récentes. De « Last Look at Eden » au « Compte à rebours final », tout est ici bien supérieur, plus énergique, en clair plus metal, que les derniers exploits de Whitesnake, Motley Crüe, et même Journey, auquel Europe a souvent été comparé.
Et puis, il y a le flamboyant et très doué guitariste John Norum qui demeure, un des rares ‘guitar heroes’, qui n’a jamais pris la fâcheuse habitude de rester dans des poses acrobatiques interminables pour épater la galerie. Une musique efficace, et une attitude qui suscite le respect, deux qualités qui ne sont pas la panacée des combos de l’époque « Rock the Night ».
Au sein de la grande famille Deep Purple, tout le monde ou presque, a accompli une carrière solo plus qu’honorable. Les Blackmore, Gillan, Hugues et autre Coverdale ont tous passé l’épreuve, haut la main. Roger Glover, le bassiste, ne s’est vraiment jamais illustré comme artiste solo. Même sur le, pourtant classique, « Butterfly Ball », paru en 74, c’est le chanteur disparu Ronnie James Dio qui incarnait, bien malgré lui, l’âme de cette œuvre aussi mémorable pour son aspect musical, que sur le plan visuel. Les trois elpees suivants ne rencontrent qu’un succès d’estime, et Glover sauve sa carrière en surfant sur le renouveau de Deep Purple, en compagnie de Steve Morse.
Tout au long d’« If life was easy », l’artiste saisit l’opportunité de se faire plaisir avant tout, en abandonnant l’idée d’entrer en compétition avec l’œuvre du groupe qui l’a rendu célèbre. Ici, les morceaux sont beaucoup plus minimalistes. La plupart ont été enregistrés par Roger tout seul, dans son home studio. Exit le son lourd et place à des sensibilités musicales qui dépassent largement le cadre du hard rock.
De « Don’t Look Now » à « Feel Like a King », on virevolte dans tous les sens : des accents pop-rock, un zeste de country, un poil de reggae et même une touche acoustique ! Le fan de « Fireball » ou de « Rising » ne s’en relèvera pas. De l’excitant au quelconque, les compositions défilent sans grande magie. Soulignons malgré tout ‘La’ découverte sympa de l’album. Gillian Glover chante trois titres sur l’album de papa, et sa voix évoque souvent celle d’Ann Wilson (Heart). Elle interprète trois titres avec grande délicatesse, à l’inverse de Dan McCafferty (Nazareth) qui offre son gosier rincé au whisky à des titres plus rugueux.
Un album solo relativement raté, alors que Deep Purple évite de se faire oublier en adoptant un rythme de tournée presque inhumain. M’enfin, le sexagénaire mérite au moins le respect.
Quoique nouveaux sur l’avant-scène indie US, les membres d’Hooray For Earth ne sont pas des débutants ! Fondé à Boston en 2005 et émigré à New-York deux ans plus tard, ce groupe est en effet responsable de deux premiers Eps sortis en 2008 (« Cellphone ») et 2009 (« Momo »). En outre, la bande à Noël Heroux s’est distinguée par une collaboration remarquée auprès de Twin Shadow. C’était en 2010. Les deux combos étasuniens partagent d’ailleurs un même goût pour les compos éthérées, mélodiques et fortement teintées de musique électronique.
« True Loves » constitue le premier LP d’Hooray for Earth et –c’est peu de dire– le résultat est impressionnant. On y retrouve notamment l’aspect dansant et tribal de Yeasayer (« Black Trees ») ainsi que les mélodies imparables de MGMT (le single « Sails ») ! Pas moins. Leur synth-pop psychédélique possède en effet ce côté évident mais recherché qui permettra à l’album de ne pas être trop rapidement périssable. Des rythmiques originales (comme sur le légèrement reggae « True Loves ») et des chœurs euphorisants soutiennent remarquablement le falsetto aérien d’Heroux, au sein d’une solution sonore qui baigne constamment dans les claviers. Les Américains parviennent à remettre au goût du jour la musique des années 80 (« No Love » ou « Bring Us Closer Together »). Et ils réalisent cet exercice de style, à la perfection.
Hooray pour nos oreilles!
Sept années déjà qu’Enablers fait figure d’OVNI au sein du milieu musical underground. Une formation californienne, issue de San Francisco, très exactement, au sein de laquelle la figure de proue est manifestement le chanteur/poète charismatique, Pete Simonelli. Il joue sur les modulations et les intonations de son spoken word sur lequel. Il le récite d’un ton inquiétant, comme s’il confiait quelque secret au creux de votre oreille. Pourtant, si la voix occupe une place prépondérante dans la musique d’Enablers, Simonelli n’est pas du genre à faire de l’ombre à ses musiciens. Il sait, quand c’est nécessaire, s’éclipser afin de laisser l’expression sonore libérer un maximum d’intensité et d’énergie, d’exacerber des sentiments de colère, de communiquer des émotions. Et « No, Not Gently » qui constitue assurément le meilleur morceau de cet opus, en est la plus belle illustration.
Pas facile de coller une étiquette au style d’Enablers. Serait-ce du punk ? Vu la tonicité des compos et le mordant affiché par P.Simonelli, nous n’en sommes pas loin. Mais instrumentalement, les morceaux lorgnent plutôt du côté du math-rock (« Hard Love Seat ») voire du post-rock (« Morandi : Natura Morta #86 »). Oui, mais quoi alors ? Enablers pratique une musique à la fois expérimentale, cérébrale et percutante. La définition est vague. Tant pis, au moins elle aiguisera votre sens de la curiosité ! D’autant plus que ce « Blown Realms and Stalled Explosions » est excellent.
Pour enregistrer ce quatrième elpee, Doug Scharin (June of 44, ex-Codeine) a rejoint le line up d’Enablers. Il a remplacé l’ancien batteur. Mais si son drumming est plus âpre, il est aussi paradoxalement plus riche.
Enfin, si le combo californien passe près de chez vous, ne manquez pas d’aller les applaudir. C’est en ‘live’ que le charisme de Pete Simonelli atteint son apogée…
Après avoir écouté « Like a Stuntman », j’imaginais que Yoy nous venait de la côte Est étasunienne. Du côté de Brooklyn, en particulier. Côtoyant les membres de TV On The Radio, assistant aux performances live d’Animal Collective et se tenant bien informé des talents en devenir sur cette scène ; et en particulier ceux qui rempliront les pages des magazines spécialisés de demain.
Je me suis planté. Et pour cause, Yoy nous vient de Hambourg. Et il s’est formé en 2001. Bien sûr, l’Allemagne a aussi enfanté des artistes et des groupes majeurs qui ont eu ou ont encore parfois d’ailleurs, une influence sur la scène psychédélique (Can, Faust, Amon Düül II, etc.), qu’on avait d’ailleurs taxée alors de krautrock, mais on ne peut pas dire que leurs héritiers soient très nombreux aujourd’hui.
Bref, pour en revenir à TV On The Radio, rien que la voix du chanteur de Yoy me fait penser à celle de Tunde Adebimpe. Bon, c’est vrai musicalement, le combo lorgne davantage vers Nurses et Animal Collective (NDR : encore et toujours des Yankees !) A cause de cette musique trempée dans une sorte de folk expérimental, à forte coloration électronique.
« Like a Stuntman » constitue le troisième album du combo. Un opus qui souffre parfois de certaines langueurs, les morceaux nécessitant un certain temps avant d’atteindre leur vitesse de croisière ; et puis, enfin sur leur lancée, de ne plus vouloir s’arrêter… Néanmoins, « Like a Stuntman » demeure un elpee d’honnête facture. Oui, bien sûr, dans le style, on préfèrera à Yoy, ses références. Et la nationalité n’a rien à voir là-dedans, foi de chroniqueur!
Le moins que l'on puisse dire c'est que le retour du combo Disco Punk new-yorkais était plus qu'attendu. A la fois avec excitation et appréhension. Une excitation due à la publication d'un quatrième album, « In the Grace Of Your Love », aussi groovy et efficace que le disque précédent. Et une petite appréhension consécutive à la reconfiguration de la bande qui a vu Matt Saffer, l'un de ses piliers, quitter ses rangs en 2009. Finalement, l'efficacité du quatuor devenu trio aura raison de tous les doutes. Quelques semaines après leur prestation accordée au Trix d'Anvers, The Rapture nous fait l'honneur d'un second passage, cette fois au cœur de Bruxelles, à l'Orangerie du Botanique.
« In the Grace Of Your Love » représente un tout nouveau départ pour Luke Jenner et ses acolytes. Ou un retour aux sources, c'est selon. Car ce quatrième LP voit le trio se rabibocher avec le label DFA qu'il avait quitté le temps d'un disque, « Pieces Of the People We Love ». The Rapture, version 2011, monte sur les planches vers 21h devant un parterre comble depuis plusieurs semaines. L'intro du titre-maître du dernier ouvrage s'échappe des baffles. Le ton est donné, ce soir : c'est le vrai 'party rock' qui est à l'honneur. Pas de 'shuffle', juste des bons riffs qui te font décoller le popotin aux premières notes et des beats qui s'amusent à envoyer des décharges électriques aux gambettes. Bref, rester stoïque face aux morceaux de The Rapture relève d'un manque de coordination flagrant. Parce que lorsque Luke, Vito et Gabriel –flanqués d'un quatrième musicien pour la mouture live–, balancent « Pieces Of the People We Love », « Get Myself Into It », « Whoo ! Alright-Yeah...Uh Huh » et « Killing » presqu’à la suite l’un de l’autre, le public ne peut que se plier aux volontés de la formation. L'Orangerie est en ébullition et le couvercle explose carrément lorsque l'intro de l'übber-tube « House Of Jealous Lovers » retentit entre ses murs.
Sur scène The Rapture circa 2011 n'est certes plus le même que huit ans auparavant, lorsqu’il défendait l'énorme « Echoes ». Mais malgré une énergie moins perceptible qu'à l'époque, le trio s'en sort haut la main en dosant idéalement anciens morceaux et nouvelles compos. Comme« Olio », ce putain d'hymne electro auquel les New-Yorkais ont greffé « Come Back To Me ». Une transition entre l'ancien et le nouveau Rapture opérée de manière tout à fait naturelle, comme si ces deux compos avaient été écrites à la même période. S'ensuivent « Sail Away » et ses accents disco et le post-punk de « Echoes » qui vient clôturer le show.
Les Ricains reviennent pour un ultime 'encore' durant lequel ils vont faire un peu retomber la tension en interprétant « Children », l'un des deux morceaux les moins intéressants de la nouvelle plaque. Luke et co. ont néanmoins l'excellente idée de faire leurs au revoir au son de « How Deep Is Your Love? », premier extrait d’« In the Grace Of Your Love », accueilli bruyamment par une horde de près de 700 fans qui en ont eu pour leur argent. The Rapture version 2.0, c'est de la balle.
Organisation : Botanique
Quelques semaines après avoir déroulé le tapis rouge pour accueillir les nouvelles aventures de Tintin (made in Spielberg), l’AB, situé à quelques mètres de la Place de Brouckère, en faisait de même pour… Milow.
Une foule nettement moins dense que lors de la visite du réalisateur américain s’était donc déplacée; mais c’est quand-même près de 2000 personnes qui avaient, ce jeudi soir, décidé de venir écouter Jonathan Vandenbroeck.
Ben oui, c’est bien de lui qu’on parle, Milow, alias Jonathan Vandenbroeck, trente ans, né un 14 juillet dans la banlieue anversoise. Remarqué, même s’il ne le gagne pas, lors du festival/concours Humo en 2004, cet auteur/compositeur/interprète s’ouvre les portes du monde professionnel de la musique.
Son premier album dans les bacs, Milow perce grâce au single « You Don’t know » dès 2006. L’aventure commence… Mais sa carrière explose réellement lorsqu’il reprend de fort belle manière "Ayo Technology" du duo réunissant 50 Cent et Justin Timberlake.
Ce soir, sept ans après avoir foulé cette même scène comme candidat du concours, il revient sa guitare sous le bras pour nous conter ses plus belles ballades.
Mais avant de déguster le plat principal, une petite entrée nous est servie. Brett Dennen, pop/folksinger Américain à la dégaine improbable, est chargé de nous mettre les papilles en éveil. Grand rouquin un peu mal à l’aise, timide et hyper discret, il nous gratifie de quelques chansons issues de son répertoire aux couleurs ‘Dylaniennes’. Trois petits tours et puis s’en va sous les applaudissements d’un public qui meurt d’envie d’attaquer la ‘ pièce principale’ du repas.
Quelques réglages, pas trop quand même, et tout est prêt pour accueillir notre divin chauve et ses acolytes. Car si Milow, c’est avant tout Jonathan Vandenbroeck, il trimballe une véritable tribu, une vraie famille réunissant l’Anversois, les quatre musiciens et l’équipe technique qui l’accompagnent.
« The Kingdom » ouvre le bal. Véritable hymne à la patrie, déclaration d’amour à son pays, cette chanson qui fait (plus que) frémir les nationalistes belges de tous bords sert d’entrée en matière idéale pour l’artiste qui manie aisément nos deux langues nationales, outre l’anglais qu’il a plus qu’apprivoisé lors de son séjour californien. Enchaînant dans la foulée un second titre de son dernier opus (« Rambo »), Jonathan démontre, si nécessaire, qu’il est un bougrement bon chanteur. Ensuite… ‘Bonsoir, content d’être là et merci à vous aussi d’être venu, blablabla…’ le tout exprimé principalement en néerlandais où se glisse de temps à autre un mot perdu en anglais. Mais bon, on ne lui en veut pas. On s’en fout même royalement. On vient l’écouter chanter, point barre.
Et chanter, c’est ce qu’il fait le mieux. Non pas qu’il soit maladroit à la guitare, bien loin de là, mais il faut reconnaître qu’il a la chance incroyable de pouvoir s’appuyer sur des musiciens ‘énormes’.
Tant à gauche où sévit un guitariste de la meilleure veine qu’à droite, place occupée par sa claviériste également responsable de quelques percus, Milow peut compter sur deux voix exceptionnelles qui se mettent au diapason et apportent un enrichissement à la partie vocale du set. On joue véritablement dans la cour des grands à ce point de vue. Le tout au service d’un répertoire riche en chansons qui sont autant d’histoires vécues par notre hôte d’un soir, que ce soient ses mésaventures de l’autre côté de l’Atlantique (« California Rain ») que ses manquements personnels (« Out Of My Hands ») qu’il n’hésite pas à évoquer sans fausse pudeur. Et à chaque fois, Milow tape dans le mille. Avant d’entamer un petit solo de deux titres à la guitare acoustique, le combo nous gratifie de deux hits assez récents, « Never Gonna Stop » et surtout le splendide « Ayo Technology » revu et corrigé. Surtout en seconde partie où la face cachée ‘rock’n roll’ du band apparaît en pleine lumière. Du pur plaisir pour eux et un régal pour nous...
Cependant Milow ne serait pas Milow sans son côté folksong épuré dont « Car Wreck In The Lake » et « KGB » constituent d’excellentes illustrations.
Mais c’est de manière plus ‘attendue’ qu’il termine la première partie de son show en proposant deux de ses plus beaux standards, « You Don’t Know » et « You And Me » repris à l’unisson par un public définitivement conquis.
A peine le temps de boire un coup dans les coulisses et l’ami Vandenbroeck nous revient. D’abord seul pour interpréter « Where My Head Used To Be », puis rejoint par ses comparses pour livrer les trois derniers chapitres d’un fort joli concert. Souhaitant rendre hommage à Brett Dennen, il le convie à profiter d’un succès mille fois mérité pour partager le micro sur « So Far From Me » et écouter une dernière fois les fans chanter avec lui « She Might She Might » en clôture d’une soirée super agréable. Belgique, terre d’artistes !!!
Un tout petit bémol qui ne gâchera pas la fête et une petite suggestion… Une visite chez l’ORL serait peut-être la bienvenue pour l’ingénieur du son qui nous a assourdis et un peu martyrisé les tympans, à cause d’une basse envahissante qui nous a fait un peu trop ‘vibrer’ à défaut de nous enchanter de ses notes… inaudibles
Qu’est-ce qui peut bien pousser une artiste connue et reconnue comme Marie-Paule Belle à demander aux internautes de l’aider à produire un album ?
Au vu de la carrière de la plus connue des ‘Parisiennes’ un premier sentiment d’étonnement fait place à une espèce de logique implacable. La démarche de la Belle est en somme la plus honnête qui soit. Car in fine, un chanteur, un acteur ou tout autre représentant d’un des arts majeurs se doit de répondre à une demande, à une attente de la part de son public. Bien vu et… bien joué ; car visiblement, l’intérêt reste vif pour cette grande dame de la chanson française qui a vu son parcours débuter en… 1969. Soit hier !
Entamée il y a donc plus de quarante ans, la route de cette chanteuse rare, donc précieuse, est parsemée de titres drôles (« Les petits patelins »), truculents (« La Parisienne »), burlesques (« L'alibi de la libido »), nostalgiques (« Berlin des années 20 »), poignants (« Les princes travestis ») ou troublants (« Celui ») ...
Pour concocter ce nouvel album, elle a reçu le concours de ses complices de toujours, soit Françoise Mallet-Joris, Dominique Valls, Isabelle Mayereau, Michel Grisolla et Jean-Jacques Thibaud côté textes ; mais elle s’est également entourée d’une équipe de musiciens plus proches de l’orchestre de chambre que d’un studio d’enregistrement. Piano, violons, alto, violoncelle, hautbois, cor anglais, contrebasse et autres flûte forment l’accompagnement idéal pour l’interprétation de ces onze partitions musicales, toutes issues de la main de cette alerte sexagénaire délurée.
Fidèle à son habitude, la ‘ReBelle’ décline ses sentiments, passant de la tendresse à la folie, de la douceur à l’extravagance, de la mélancolie à la joie de vivre, abordant les thèmes de la vie sous toutes ses coutures.
La plage inaugurale, « Celles qui aiment elles », confession intime d’une vie privée qui n’a pas toujours été facile à assumer, dévoile et assume sans fausse pudeur sa féminité et son homosexualité. Celle qui clôt le disque, « Assez », dénonce les violences conjugales subies par Cécile qui pourrait bien être une de nos voisines si seulement on avait le courage d’ouvrir les yeux et d’intervenir quand pareil cas se présente.
Voix splendide, arrangements musicaux de qualité, textes concis, cette grande artiste paradoxalement discrète au cours de ces dernières années réussit son pari. On redécouvre une chanteuse de qualité au talent immense intact.
« Réveille-toi ! » nous suggère la pochette. C’est fait !
Nederlands 
Français 
