Tel un pèlerin décidé à rejoindre Compostelle, je suis (enfin !) retourné dans cette salle mythique du VK, dont le destin m’avait tenu éloigné de trop nombreuses années. Jusqu’à la fin des années 90, cet endroit était presque devenu ma seconde résidence, tant l’affiche programmait mes groupes fétiches de l’époque. De Belly à Therapy, en passant par Ned’s Atomic Dustbin, les Cranes, The Verve, Adorable, Blur, L7 et j’en passe et des meilleurs. Que de souvenirs accumulés au sein de cette salle extraordinairement propice à ce genre de musique.
C’est donc le cœur chargé de nostalgie que j’ai retrouvé le chemin qui mène à Monlenbeek. Rue des Ecoles, très exactement. En ce soir particulièrement glacé de novembre. Et quel bonheur de voir que finalement, pas grand-chose n’a changé. Un cadre parfait pour une soirée placée sous la bannière d’un son burné teinté d’expérimentations diverses et forcément éclectique. Amis des boules Quiès, bien le bonsoir !
Alkerdeel est un combo gantois qui pratique du Droney Black Doom Metal. Il avait l’insigne honneur d’entamer les festivités. Votre serviteur s’est rapidement retrouvé sous une épaisse couche de basses écrasantes et de borborygmes lourdement assenées. Absolument pas coutumier à ce type de musique (NDR : ok pour le côté dark, au secours pour l’aspect ‘zombie souhaite ´Vicks Vaporub` dans les plus brefs délais’), il m’est difficile de statuer sur la performance d’un groupe au potentiel manifestement enthousiasmant, vu l’accueil réservé par un public sensiblement plus connaisseur que votre humble rédacteur. N’y voyant finalement pas plus de subtilités que dans l’étron canin jonchant le parvis d’une magnifique cathédrale gothique, je me suis finalement résolu à épargner mes tympans, au moins l’espace d’un instant. Et que Dieu me pardonne mon ignorance !
Perso, j’étais venu pour voir Part Chimp, dont le noise Rock imbibé fait immanquablement danser mes castagnettes depuis un certain nombre d’années (et la fin de Ligament, énième groupe de Tim-ex-Penthouse-et-Scarfo-Cedar et Jon-Drumm Chimp-ex-th’Faith Healers Hamilton en particulier).
Dernier concert en terres extraterritoriales pour le groupe londonien, je ne pouvais manquer cette ultime occasion de dodeliner de la tête sur ces rythmes lourds et obsédants qui remuent les tripes et nettoient le cerveau de toute impureté.
Onze années que ça dure. Puissant, obsédant, dévastateur, le son de Part Chimp, évoluant entre Métal couillu et Indie-Noise, ravage les tuyaux acoustiques et liquéfie le sang neuf d’un genre non balisé où les ersatz ne font guère légion.
Dispensant une énergie jamais prise en défaut, manifestant une sympathie et une humilité confondante, et affichant un talent savamment pourri par un son crunch proche du Grunge, ce combo avait tout pour devenir ce qu’il est devenu, à savoir le plus grand groupe mésestimé d’un genre méprisé (ou du moins ignoré).
Mélodies foutraques mais ô combien pernicieuses, rythmiques carrées et subtilement concassées, voix à la limite du juste mais sauvagement distillée, autant d’ingrédients qui font de ce groupe un incontournable du genre.
Allégés en matières grasses mais jamais avares d’un son où le Fuzz règne en maître sur les autres pédales d’effets, ces Anglais ont rapidement fait le tour d’une question encore non élucidée : mais qu’aurait fait Black Sabbath si Ozzy avait lu l’intégrale des « Martine » ? Pas de hits potentiels, que des hits en puissance ! Pour (a)mateurs du genre, entendons-nous bien (ou plus, c’est selon !)
Un rappel de deux titres, dont l’incontournable « 30,000,000,000,000,000 people », ponctuera ce set qui va récolter un succès hautement mérité, malgré une discographie somme toute succincte, mais combien jouissive.
Le roi Part Chimp est (presque) mort, vive le roi !!!
Dont la scène, à défaut du trône, était laissée à Chrome Hoof en cette fin de soirée. Orchestre philanthropique (j’entends par là dont la générosité n’a d’égal que le désintéressement lié à toute forme puérile de mercantilisme nauséeux), la formation londonienne (NDLR : encore !) est à elle seule un édifice érigé à la gloire de la démultiplication des genres.
Si le line up repose à l’origine sur un duo, il et décliné, dans un esprit hédoniste, par une cohorte hétéroclite de musicien(nes) au talent exacerbé par une imagination semble-t-il sans limites. D’ailleurs, l’univers fantasmagorique des ces suppôts de Satan côtoie aussi bien le Hard-Rock Opera de Papy que le Disco-Funk à Grand’ Ma.
A l’instar des compos du groupe, sans complexes et s’éparpillant tout azimuts, les costumes de scène –grandes capes noires cabalistiques ce soir– sont déconcertants et s’inscrivent dans un concept tout aussi déroutant.
Mais honnêtement, le set était éreintant. A force de s’égarer dans les genres et de déstructurer inlassablement ces morceaux, le groupe ne gagne guère en cohérence. Partant dans tous les sens, leur musique a tendance à égarer l’auditeur. A moins bien sûr d’être initié dès le départ, ce que je confesse ne pas avoir été.
Sorte de rituel organique et orgasmique pour fans en transe, ce concert avait les défauts de ses qualités, et à trop en faire, Chrome Hoof perd en évidence ce qu’il gagne en audace. Mais sans doute mon ressenti ne reflète que l’avis d’un païen non converti. Et à en juger par le public de connaisseurs, ce concert m’avait tout l’air d’un excellent condensé (et dansant).
Alors que la nuit froide et impalpable m’enveloppait au dehors sous ses noirs ramages, les prémices d’une soif intarissable conviaient les derniers amateurs au bar autour d’une bière fraîche, pour une fin de soirée assurée par DJ Cha ! Selektor
Quant à votre serviteur, je me promettais de bientôt remettre les pieds dans ce lieu, me rappelant tant de bons souvenirs.
Alkerdeel + Part Chimp + Chrome Hoof
La deuxième édition de l’‘Autumn Falls’ s’est donc déroulée, entre le 21 et 27 novembre 2011. Cet excellent festival indoor avait élu la salle de l’AB, ce samedi 26 novembre, pour y accueillir Metronomy, dont le troisième album, « The English Riviera », a rencontré un énorme succès. Un succès pas vraiment inattendu, vu l’engouement suscité par les deux précédents. Mais aujourd’hui, la formation insulaire a déjà largement dépassé le stade de la ‘hype’…
Pile à l’heure (on est à l’AB tout de même…), Joseph Mount et ses 3 acolytes montent sur une estrade décorée de peintures représentant naïvement les 4 membres du groupe. La rumeur voulait que le groupe anglais ne soit pas à la hauteur, en live… et les deux premiers morceaux confirment malheureusement cette opinion. Probablement à cause d’une balance pas encore bien réglée. Mais assez rapidement, le son s’améliore et retrouve même la netteté et la puissance qui font la notoriété de la salle bruxelloise.
Ce soir, le concert est sold out ! Le tracklisting est partagé entre anciens singles et nombreux hits issus de leur dernier opus. En toute simplicité, Joseph Mount communique énormément avec le public, en s’exprimant dans un français proche du délice. Malgré une longue tournée, le groupe semble heureux de se produire sur les planches de l’AB. Sa bonne humeur est communicative. Et le sourire arboré tout au long du set par le bassiste, Gbenga Adelekan, en est certainement la plus belle illustration. En outre, sur sa quatre cordes, il impressionne. Et ses accords funkysants font littéralement mouche. La musique proposée au cours de la soirée est d’ailleurs plus funk et même rock que sur disque, même si la bande du Devon ne néglige pas pour autant sa face électro et dansante. Qu’entretient, bien sûr, les claviers 80’s d’Oscar Cash, pendant que les drums d’Anna Prior, au charme toujours aussi discret, se chargent de baliser l’ensemble. Et certains morceaux plus pop, aux mélodies imparables comme « The Bay » et « The Look », finissent par enivrer une foule qui ne demandait qu’à passer un bon moment en compagnie du groupe. Franchement, ce soir, Metronomy était vraiment dans un bon jour. Que demande (de plus) le peuple ?
Metronomy
(Organisation : ToutPartout)
Il y a quatre ans, le groupe américain Pinback publiait son dernier ouvrage, « Autumn of the seraphs » (NDR : un titre bien judicieux pour cet Autumn Falls!). Drivé par le duo inséparable Rob Crow et Zach Smith (basse/guitare), le combo bosse actuellement sur un cinquième opus. Créé au milieu des années '90, comme projet alternatif à Three Mile Pilot, Pinback a introduit (NDR : tout comme Low, d’ailleurs) la lo fi et le slowcore en associant des couches de guitares et de claviers, des percussions lancinantes et des voix éthérées, parfois sombres, pour créer une atmosphère rêveuse et fascinante. Le trio a remplacé les claviers par des boucles d'échantillons préenregistrées. Sur scène, il respecte le son délicat de « Pénélope » et « Loro », mais injecte plus de puissance et imprime des beats plus prononcés dans des chansons comme « Good to Sea », « Sherman » et « Fortress ». Crow est le showman par excellence ! Il se roule à terre et se déplace sur le podium à la manière d'un dauphin… On attend donc impatiemment leur nouvel elpee ; mais pour un retour en ‘live’, Pinback a reçu un accueil chaleureux de la part du public.
On avait déjà pu assister à la prestation de Bill Callahan, accordée au Théâtre 140 de Schaerbeek, dans le cadre des Nuits Botanique. Pendant de nombreuses années, le chanteur/auteur/compositeur a publié des albums sous le patronyme de Smog, mais depuis 2007, il les grave sous son propre nom. A l'instar des Dave Eugene Edwards, Nick Cave, Stuart Staples et autre Gavin Friday, il nous entraîne au sein d’un univers indie/sadcore fascinant et mélancolique, hanté par une voix profonde et caverneuse, qui évoque Leonard Cohen. Callahan prend le public par la main pour le guider dans ses périples : “Rising for the feeling”, “Baby’s breath” et “America”. Il chante en s’accompagnant à la guitare semi-acoustique. Accrocheuses, les compos sont enrichies par des percus hypnotiques et parfaitement complémentaires, mais surtout par le jeu de guitare aventureux et tout en contre-point de son comparse. Ses riffs surprenants entretiennent ainsi l’intensité de ce véritable 'wall of sound'. Les chansons du dernier opus, « Apocalys », grésillent agréablement à l’oreille. « One fine morning », « Too many birds » ainsi que le discret mais efficace « Our Anniversary » clôturent cet excellent set ténébreux mais chargé de passion. Il faut dire que Callahan et sont band sont de remarquables musiciens. La classe!
Low va également se révéler sous son meilleur jour. Tout au long de son concert d’une heure et demie, il va laisser parler la musique. Communiquer ses émotions. Une prestation qui s’achèvera peu avant minuit. Le combo de Duluth construit ses mélodies à l’aide des guitares, dans des compos qui enflent et se transforment en éructations brutes et granuleuses, avant de se distordre dans un rock violent proche de l'explosion.
Le couple, à la maison comme sur la scène, Alan Sparhawk (guitare) et Mimi Parker (batterie minimaliste), est bien sûr toujours accompagné d’un bassiste, qui semble parfaitement bien intégré au line up. Le jeu des musicos est mordant et fortement contrasté. Contrastes que l’on retrouve aussi dans le chant. La voix chaude et tourmentée de Sparhawk se conjuguant à celle plus douce et empreinte de charme de Parker.
Véritable perle, “Violent Pass” ouvre le bal. Le tracklisting aligne des morceaux comme “Nothing by heart”, “Monkey”, “Sunflowers” et le plus délicat “Nightingale”. Mais aussi des plages véhiculant une menace insidieuse, telles que “Try to sleep”, “Breaker” et “$20”. Bref, un périple sonore passionnant autant qu’étonnant au cours duquel le trio va encore nous réserver le visionnaire “Witches”, “In the drugs”, “Murderer”, et un très accessible “Last snowstorm of the year”.
En rappel, Parker et sa bande vont nous mettre dans leur poche en interprétant des titres comme “You see everything”, “Especially me” et “Laser beam”, des morceaux au cours desquels, ils vont moduler les sonorités pour rendre les chansons les plus accrocheuses possibles, des variations littéralement rafraîchissantes qui vont carrément nous flanquer la chair de poule. "When I Go Deaf" va clore le set de Low. Non seulement cette compo couvre tous les registres, mais autorise une déclamation de Sparhawk et s’achève en douce berceuse. Fascinant ! Low est un des premiers groupes confirmés pour le Festival de Cactus, le samedi 7 juillet. C'est noté dans l'agenda!
Ce soir les fans de slowcore sont montés au septième ciel, grâce à cette superbe triple affiche réunissant Low, Bill Callahan et Pinback
(Traduction Philippe Bauwens / Adaptation Bernard Dagnies)
Organisation: Botanique, Bruxelles (Toutpartout)
En 2010, je n’avais pas été trop emballé par “Scratch my back”, album sur lequel l’Archange se contentait de reprendre des compos de groupes ou d’artistes mythiques, mais aussi contemporains. Trop mou du genou, il m’avait même carrément pompé l’air. Gabriel avait donc prévu que ceux qu’il avait adaptés, l’adaptent à leur tour. En consacrant un opus à des covers de ses chansons. Mais le projet a capoté. Si bien que Peter a décidé de donner une suite personnelle. En reprenant les mêmes ingrédients ; c’est-à-dire sans guitare, sans batterie, mais à l’aide du même orchestre symphonique, le New Blood. Ce qui explique le titre de son long playing.
Et je dois avouer que je m’attendais au pire. Ben, non à mon grand étonnement, Peter est parvenu à faire prendre la mayonnaise, mais en reprenant ses propres compos. En outre, hormis l’une ou l’autre exception, il leur a donné une nouvelle dimension.
Mais attaquons-nous d’abord aux points faibles. Il y en a peu. « Mercy street », tout d’abord. Abordé dans l’esprit de « Scratch my back ». L’instrumental « The nest that sailed the sky ». Inutile ! Les plus de 4 minutes comptabilisées par “A quiet moment”, une piste consacrée au bruit produit par les flots d’une rivière qui couvre d’imperceptibles pépiements d’oiseaux. Cet interlude n’est d’ailleurs pas de ‘nature’ à soutenir la différence avec le célèbre « Cirrus mirror » du Floyd ni de préparer une conclusion digne du « Soleil vert », roman de science-fiction de Harry Harrison adapté en long métrage par Richard Fleischer, en 1973. Vous allez comprendre ensuite pourquoi, je me réfère à ce film. Enfin, sur « Don’t give up », la Suédoise Ann Brun a pris le relais de Kate Bush. Mais son gémissement terne ne permet pas au duo de décoller. On ne remplace pas impunément une voix d’exception…
Entrons maintenant dans le vif du sujet. Parce qu’enfin, sous la houlette du même Ben Foster, les 46 musiciens du New Blood (instruments à cordes et à vent, percus et tutti quanti, sous leur forme la plus ‘classique’) sont sortis de leur coquille. Et notamment sur des titres comme le somptueux et puissant « The rhythm of the heat ». On affronte le flux et le reflux des cordes, comme lors d’une tempête. Un mouvement qui balaie littéralement l’exquis « In your eyes ». Du mouvement et des variations, c’est ce que parvient à communiquer cet orchestre. Sur l’apocalyptique « Red rain », un morceau lustré, cuivré, dont la nouvelle mouture a emprunté des couleurs audacieuses, vivaces. En fait, on a parfois l’impression que les nouvelles versions, ont été conçues pour servir de musique de film. Mais un film d’action dramatique, épique, déchiré entre moments paisibles et périodes haletantes. « Darkness » en est certainement le plus bel exemple, une plage de mauvaise augure, menaçante, tout en contrastes. Tout comme « Intruder », capable de vous flanquer la chair de poule. Et dans ce domaine, John Metcalfe, à nouveau préposé à la mise en forme, parvient à faire la différence. Bon, ne passons quand même pas sous silence la superbe voix de Peter, qui ne se contente plus de chuchoter. Chaude, bouleversante, tantôt falsetto, tantôt éraillée, elle s’est adoucie avec le temps, mais se fond aussi plus facilement dans la solution sonore. Les interventions au piano sont peu fréquentes, mais très judicieuses. Pour les backing vocaux, l’Artiste a fait appel à sa fille, Melanie.
Deux titres sont également à épingler. Tout d’abord « Digging in the dirt ». Au départ funky, ce sont les cordes et les cuivres qui dictent les changements de rythme. Et puis, le bonus track, « Solsbury hill », très différent des autres pistes de l’elpee. Il est proposé sous une version enlevée, optimiste même, malgré ses lyrics mélancoliques, une piste balisée par un violon sautillant et un piano sonore. Du grand art !
Will est à peine âgé de 22 ans. Un très jeune harmoniciste anglais, originaire d'un petit village du Wiltshire. Il est le frère de la chanteuse Dani Wilde, responsable au cours de ces dernières années, de deux albums de bonne facture, parus sur le label allemand Ruf. En 2007, il avait concocté, pratiquement seul, "Nothing but trouble", un elpee qui avait reçu d’excellentes critiques. Il reconnaît, pour influences majeures, deux sources d'inspiration, deux artistes qui ont développé une technique très personnelle : le vieux Charlie Musselwhite et Pierre Lacoque, issu de la formation de Chicago, Mississippi Heat. De très solides références, il faut le souligner. En 2010, Will a décroché le Blues award anglais de meilleur harmoniciste!
Mr Wilde a une plume très prolifique puisqu'il a écrit les douze plages de cet opus. Pour la circonstance, il a reçu le concours de fines pointures. En l’occurrence, Pete Wingfield aux claviers (NDR : en plein British Blues Boom des sixties, il a fondé Jellybread, avant de se mettre au service de Van Morrison, Buddy Guy et même de Paul McCartney), le guitariste Stuart Dixon (ex-Geno Washington), le bassiste Rober Innis (ex-Chaka Kahn) et le drummer Jamie Little ; ce dernier se chargeant également de la mise en forme.
Will a du souffle à revendre, et il le démontre dès les premières notes d’"Angel come down", une compo qui s’appuie sur un riff puissant. On peut déjà discerner l’empreinte laissée par Memphis Charlie Musselwhite. Il chante d'une voix assurée face à des chœurs, ma foi, quelque peu encombrants. Un traitement funky est accordé à "Waster my life aways", une piste dynamisée par ses changements de rythme. Les envols à l'harmonica sont de haute facture, proches de Jason Ricci et Jon Popper. Pétillant, "No no no" nous transporte dans le monde de la Tamla Motown" (NDR : northern soul). Les chœurs féminins, sont ici bien en place! Plage complexe "HLS", aborde des lyrics revendicateurs, mettant en cause le traitement infligé aux animaux en laboratoire. L'arrangement alimente un climat dramatique et l'harmonica chromatique en rajoute une couche à cette sensation de malaise. Différent, "Fly around the world" baigne dans une certaine forme d’allégresse ; celle de jouer du blues au sein d’un environnement funkysant, en soufflant dans son frêle instrument. Will redevient plus grave. Son âme est en peine lorsqu’il chante le tendre "Wish you were mine", d'une voix très soul, tout en signant sa sortie instrumentale la plus émouvante. Boogie classique, "If I get my hands on you" illumine les talent de Mr Wilde et du vétéran Wingdield, qui s'éclate à l'orgue. Blues lent de toute bonne facture, "Mosquito" est un morceau victime de la piqûre d’un moustique, à moins que ce ne soit de la morsure d’une jolie Kenyane… Sa grande sœur, Dani, est venue donner la réplique sur "Blues is my first love", cocktail de funk et de rap, produit par Mike Vernon en personne. Ce personnage mythique a bossé en compagnie de toutes les grosses pointures du blues anglais. Il a aussi fondé autrefois le label Blue Horizon. Finement ciselé, "Let's get high" est un dernier blues lent. Aux côtés de Matt Schofield et de Ian Siegal, Will Wilde apporte un vent de fraîcheur au blues insulaire…
Screaming Maldini est une perle rare que le label Hip hip hip est parvenue à dénicher au bon moment. Alors que l’actualité nous fait défaut et que les nouvelles ne sont pas toujours réjouissantes, un groupe a réussi à trouver la faille dans cette société de crise pour enfin lui redonner de l’espoir.
Cette trouvaille nous vient tout droit de Sheffield, dans le nord de l’Angleterre.
Screaming Maldini nous propose son troisième elpee. Il s’intitule « Secret Sound » et est partagé en quatre titres. Ce bijou sort du lot grâce à son style pop où tournoient les couleurs pour vous enivrer de bonne humeur. Des mélanges de violon, de voix, de xylophone, de guitare et d’arrangements sonores divers et variés créent le passage de l’univers monotone vers celui de l’univers fleuri et chantant des interprètes de « Restless Hearts and Silent Pioneers »
L’écouter rappelle aussitôt l’innocence de la jeunesse, des choses simples qui nous rendent heureux. Screaming Maldini, c’est la sensation de toucher du bout des doigts un arc-en-ciel de coton.
Tout est beau, tout est rose, un peu comme leurs t-shirts d’ailleurs, qu’ils portent fièrement pour bien se différencier de la grisaille quotidienne. Cette joyeuse bande de musiciens excentriques n’a pas fini de faire parler d’elle. De plus, la pochette de l’album a de quoi nous séduire avec son effet de collage et la jolie surprise de découvrir un disque 45tours pour les plus nostalgiques de la vie d’antan.
En attendant, laissez-vous prendre par ce majestueux coup de cœur aux allures de faiseurs de bonheur.
Derrière Rumble In Rhodos se cachent cinq Norvégiens déchaînés. Ils avaient effectué leurs débuts en 2006, en publiant « Own Me Like The City ». « Intentions » lui avait succédé en 2008. Cette fois, le groupe d’Oslo montre des « Signs of Fervent Devotion ». Un album quelque peu brouillon, où tout se chevauche, au point de ne laisser qu’un immense emmêlement de notes qui partent dans tous les sens. Le genre qui vous bourre la tête de superflu et laisse l’auditeur sans oxygène au bout de trois titres. On retrouve parfois quelques airs qui poussent nos pensées vers le célébrissime Linkin Park. Le disque est même coupé en deux par un interlude entièrement musical, à la manière des rockeurs américains. A la différence près, que chez les Californiens, il y a de la musicalité. On ne peut pas en dire autant de « Signs of Fervent Devotion ». Les Scandinaves ont surtout jeté leur dévolu sur le bruit plutôt que sur une musique savamment dosée. De l’énergie, c’est bien, mais trop, c’est trop! Comme de toute bonne chose, il ne faut pas en abuser. Or, ils balancent des sons à tout va, presque sans se préoccuper de ce que leurs compères font. Cette regrettable erreur transforme cet opus en brique indigeste et tellement banale.
Il y a de ces disques qui, à peine atterris sur votre bureau, vous incitent à grimacer. Alors lorsqu’il s’agit d’une œuvre de Pitbull, la grimace est d’autant plus accentuée. Le responsable d’une ribambelle de hits aseptisés dont les insupportables « I Know You Want Me (Calle Ocho) » et « Hotel Room Service » revient pour sa –déjà– cinquième livraison. Armando Christian Pérez, découvert lors de la sortie du second LP intitulé « El Mariel », pourtant relativement respectable, est très rapidement tombé dans le mercantilisme pur jus en publiant coup sur coup des œuvres vidées de toute subtilité et d’âme. « Planet Pit » s’inscrit directement dans cette catégorie. Mais il y a un ‘mais’. Parce qu’à force de camper sur ces positions, votre serviteur s’est bien fait avoir. D’abord récalcitrant, c’est douloureusement que le disque a été glissé dans la platine. Après quelques écoutes partielles, j’ai commencé à fredonner certaines mélodies tirées de la galette jusque dans mon sommeil. Et avant même de m’en rendre compte, j’étais pris dans les filets du bonhomme et envoyé à vitesse grand V sur la ‘Planet Pit’.
Car même si ses morceaux sont certes dignes d’une bande-son de séance d’aérobic ou du Carrefour Express du coin, le gars sait exactement comment s’y prendre pour faire mouche. Des inévitables singles « Give Me Everything » et « Rain Over Me » à « Something For The DJ’s » en passant par les remuants « Took My Love », « Come N Go » et un « Shake Senora » estival (morceau basé sur un sample d’un morceau d’Henry Bellafonte), Pitbull s’avère être un véritable roi des pistes de danse ‘grand public’. Et ce public, le rappeur originaire de Floride le met dans la poche grâce à une large palette d’invités (Marc Anthony, T-Pain, Kelly Rowland, Enrique Iglesias, Afrojack, Chris Brown, Jamie Foxx, etc.). Sans ces derniers, le Pitbull ne serait d’ailleurs qu’un toutou inoffensif auquel personne ne prêterait vraiment attention. « Planet Pit » est certainement le disque le plus représentatif de la scène commerciale du moment. Mais bien qu’on se laisse prendre au jeu assez facilement, l’euphorie n’est que purement passagère.
Oh la la… Dès la plage d’ouverture du premier LP, on repère instantanément l’influence majeure du duo mené par Natasha Le Jeune, ex-AS Dragon, et Benjamin Lebeau , membre de The Shoes : The Kills. Le côté pop électronique en plus. L’intérêt en moins. Oh La La !, c’est l’ennui ferme. Il y a bien du potentiel sur deux ou trois morceaux. Et s’il faut les citer, on pointera « Oser », « Not In the Mood » et « Tomorrow » qui entrent sans problème dans la catégorie pouce dressé.
Malgré ses flagrants emprunts à Metronomy, on évoquera également le beat entêtant et les textes subversifs du morceau « Un poing c’est tout » rehaussé par la collaboration sympathique de Katerine. Ailleurs, on a du Yelle (« Carmen »), du The Kills circa « Midnight Boom » (« Relax »), du Kills tout court (« Nu dans ton jean ») et du Rita Mitsouko (« Goodbye Superman »). Du coup, pas la peine de chercher la marque de fabrique d’Oh La La ! Elle est tout simplement inexistante. Même les deux rigolos de Sexy Sushi peuvent dormir sur leurs deux oreilles.
Loch Lomond a plusieurs significations différentes: lac d’Ecosse ou whisky, écossais également, adulé par le capitaine Haddock (décidément on ne peut échapper à Tintin et ses compères pour le moment). Mais c’est aussi un groupe originaire de Portland.
Leur nouvel album « Little me will start a storm » balance entre des morceaux à la limite du ringard et des pistes d’une profonde intensité. « I Love Me » est, à ce titre, un exemple frappant. Loin de la puissante et abondante musique électrique des temps modernes, les Américains ont de quoi renvoyer quelques formations à leurs études. Au fil des mélodies de plus en plus prenantes, ce côté qui paraissait ringard et dépassé disparaît. Il laisse place à une qualité extraordinaire qui devrait faire de « Little me will start a storm » un des grands albums pop de l‘année. Il offre du rêve, du plaisir, de la volupté… Le summum est atteint par « TIC ». Il est plus enivrant que tout un lac de whisky dans lequel plongerait n’importe quel marin sans aucune hésitation. Une force que j’ai jusqu’à présent retrouvé dans peu d’œuvres musicales. Surtout qu’elle ne dépend pas d’un seul titre mais d’un ensemble époustouflant. Mais trêve de bavardages, je retourne à l’écoute de ce séduisant album et vous conseille de faire de même.
Echouées sur les rives d’un fleuve tortueux et agité que l’on nomme la vie, les chansons d’Aube Lalvée ravivent à elles seules un concert d’émotions diverses auxquelles il est impossible de rester insensible.
Tombé dans le creux de mon oreille une froide journée de mars, l’album « Souls to the wind » avait éveillé en moi un émerveillement que je me suis empressé de vous faire partager (voir chronique découvertes).
Aujourd’hui paraît la suite. « I Am », tel un manifeste, le titre de cet elpee inscrit ses trois lettres au firmament des albums à la grâce intemporelle.
C’est que pris à la gorge dès les premières envolées de « Something simple », escaladant la ligne de basse sombre qui nous emmène vers des cimes majestueuses, il paraît évident que nous tenons là un album de très grande facture, intemporel, somme toute un classique.
Rythmiques et mélodies portent la voix sublime de cette artiste que l’on rêverait de voir éclater au grand jour et que pourtant, paradoxalement, on souhaiterait garder jalousement comme un trésor au fond de son jardin secret.
Poignantes mais non grandiloquentes, avec justesse et sensibilité, les chansons d’Aube L dépeignent un univers à la fois sombre et lumineux, à la fois triste et empli d’espoir.
Le frisson parcourant mon épine dorsale à chaque nouvelle écoute, je goûte pleinement ce fruit suave et m’enivre de ces atmosphères tourbillonnantes avec un plaisir sans cesse renouvelé.
Les racines de cet album poussent dans une terre nourrie de larmes, s’entrelacent dans une étreinte venimeuse et s’étendent à l’infini.
« We never walk alone » et son piano paradant au devant d’un beat martial indique un chemin vers les étoiles, qu’emprunteront seulement dans un premier temps les plus hardis d’entre vous, ceux avides de belles découvertes.
Les mots ne sauraient décrire pareil univers, seule sa musique le peut.
Donc je me tais…
A voir absolument le 03 décembre au Windows, à Bruxelles.
« Electric Hustle » constitue le troisième opus du trio hollandais Kraak and Smaak. Ce nouvel album se différencie des précédents car il se veut plus minutieux au niveau de la recherche d’arrangements sonores. Des rythmes entraînants mêlant la house, l’électro, la soul et le funk. Un cocktail détonnant puisqu’il pourrait tourner toute une soirée et combler les âmes festives sur la piste du dancefloor.
« Call up to heaven » ouvre l’elpee, dans un style proche de la regrettée Amy Winehouse, tant vocalement qu’instrumentalement. De quoi démarrer de manière simple et glamour.
Vient ensuite le temps d’enchaîner sur des rythmes plus soutenus, susceptibles parfois de nous replonger dans les années 90, comme le fait si bien « Let’s go back » ou encore « Hold back love ».
Le nom du groupe colle parfaitement à leur style : il crée une fissure dans l’electro pour nous permettre de savourer le goût de leur genre musical si riche et varié.
« Electric Hustle » c’est un peu comme un arc-en-ciel. Chaque chanson reflète sa propre couleur ; et l’ensemble illustre un joli assemblage de variétés sonores et colorées. En outre, les compos accrochent facilement l’oreille ; et il n’est pas rare qu’on se surprenne à fredonner un refrain, après avoir écouté le Cd
Si un album électro pouvait apporter instantanément apporter de la bonne humeur, ce serait celui des Kraak and Smaak.
‘222’ serait-il devenu le nouveau chiffre fétiche du diable ? Pour célébrer ses deux années d’existence, le label belge Cheap Satanism a en effet décidé de sortir deux splits/Ep consacrés chaque fois à deux groupes issus de son écurie, invités à proposer deux de leurs compos. Le premier proposé par la microstructure bruxelloise est partagé entre le duo bruxellois Keiki (également pilier du label) et le combo américano-berlinois Bee and Flower. Devrait suivre une plaque consacrée à nos Joy as a Toy et aux Italiens de Germanotta Youth (impliquant Massimo Pupillo de Zu).
Pour Keiki, ce disque constitue une sorte de récréation ludique avant la prochaine sortie de son troisième elpee, « Popcorn from the Grave ». Hanté par leur spoken word si singulier et nourri aux guitares stridentes, noisy et minimalistes, le ‘satanic-pop’ bon marché de ces vétérans fait à nouveau mouche. Et Pete Simonelli d’Enablers est venu apporter son concours au second morceau, « Full Body Wolf ».
Le rock de Bee and Flower est teinté d’accents pop (« Jackson ») ou cinématographiques (« You’re Not the Sun »). Deux titres plus légers, mélodieux, aux vocaux délicats, mais aux guitares distordues ainsi qu’aux textes dérangés, qui figureront sur leur prochain long playing, « Suspension ». Il règne d’ailleurs, tout au long de ces plages, une atmosphère étrange, mélancolique et même malsaine…
Le Kammerflimmer Kollectief est, comme vous doutez, un groupe allemand… Une joyeuse bande mixant le free-jazz, la noise et la musique électro expérimentale. Fondée en 1997, la formation est responsable de 8 albums à ce jour. Les 10 titres de leur nouvel essai, « Teufelskamin », reflètent la liberté totale accordée aux musiciens lors de l’enregistrement de cet opus. L’impro y est une constante ; entre les solos de saxes détraqués (« The People United Will Never Be Defeated »), l’accordéon, les guitares bruitistes (« Teufelskamin Jam #1 ») et même les nuées de cordes. Des mélanges de genres on ne peut plus surprenants, qui atteignent le summum sur « Never Collapse, Always Dazzle ! », lorsqu’un vocodeur s’invite dans un climat psychédélique traversé par un souffle d’americana. Dommage que les vocaux d’Heike Aumüller soient aussi glaciaux. Ils se révèlent même néfastes à l’ensemble, et confèrent parfois une dimension soporifique à certains morceaux (« Shangrila », « Teufelskamin Jam #2 »). Tout en affichant une parfaite maîtrise dans ses expérimentations sonores, K.K. semble prendre son pied. Et n’invite pas, en général, le mélomane au farniente (« Nearly Able to Fly ») ! Quoique, cet esprit jazz-café, peut devenir, au fil de l’écoute, un peu lassant…
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