Le label hip-hop bruxellois Same Same remet le couvert en publiant un nouveau volet de sa compilation ‘Dans Ta Rue’, un florilège de ce qui se fait de mieux dans le milieu, en Belgique et en France. La nouvelle collection réunit 18 morceaux inédits pondus par des artistes belges tels que James Deano, 13HOR, Tounsi, K-Libre, Akro, Baloji, Opak ou Sly D, bénéficiant pour la circonstance d’une une série impressionnante de featurings. Essaimés à travers tout le territoire, (Liège, Charleroi, Namur, Bruxelles, etc.), les MC’s et beatmakers s’en donnent à cœur joie, démontrant une nouvelle fois que le hip-hop noir/jaune/rouge ne manque pas de qualité et ne se limite pas à Stromae ou à ‘feu’ Starflam. Il y a bien quelques morceaux plus faibles sur ce recueil, à l’instar de Beretta et Jason Blood qui s’enlisent dans les clichés US en se servant de beats hardcore éculés sur l’insupportable « This is My Hood », même si 13HOR parvient à relever le niveau en fin de parcours. Mais certains morceaux claquent littéralement. Tounsi s’en tire, par exemple, particulièrement bien sur le plus classique mais bouleversant « Depuis Tant de Nuits » alors que Kartier Fantôme répand son flow irrésistible tout au long de l’ingénieux « La Rue N’est Pas à Vendre ». Mention spéciale quand même à K-Libre pour « Un Son d’en Bas » que l’on croirait pioché chez Booba. Manifestement on rencontre des artistes talentueux Dans Nos Rues !
Cette formation hutoise a été signée par le label Honest House en 2007, mais ses premiers pas remontent à 2004. Malgré sa participation à de nombreux concerts, la formation n’avait, jusqu’à présent, immortalisé un des ses titres que sur l’une ou l’autre compile, avant de graver un Ep, l’an dernier. Le quatuor nous propose donc son premier elpee. Et il est éponyme.
Dès les premiers accords, on voit (entend ?) exactement où le combo veut nous emmener. Le son est épais, à la limite brouillon, mais la puissance et l’urgence sont au rendez-vous. La section rythmique, c’est celle de Graffen Volders ; et elle pèse lourd dans la balance. Les influences lorgnent du côté de la noise. Celle de Chicago, tout d’abord. Empruntant à Shellac voire à Jesus Lizard (« Born in an Oyster »), même si chez Volt Voice, le tempo est plus enlevé. Celle de Sonic Youth également (« Baikonur », « Down in a Country »). Avant que l’expression sonore se tourne vers le math rock. Mais c’est en fin de parcours.
D’excellente facture, le premier opus de Volt Voice parvient à varier les tempos et les styles, tout en préservant son homogénéité. Et à ce titre, c’est une fameuse performance. Maintenant, il faut reconnaître que si la mise en forme avait été plus soignée, le résultat aurait encore été supérieur. Ce n’est peut-être que partie remise…
Après avoir publié deux albums, le premier en 2008 et le suivant en 2009, Richard Walters nous propose donc son troisième, « Pacing ». Et dans sa musique, on peut immédiatement identifier les sonorités si particulières aux Anglais. A travers ses chansons on peut reconnaître des sonorités similaires à Keane ; mais aussi parfois des traces de pop-électro à la MGMT. Malheureusement, « Pacing » n’offre pas une grande originalité dans ses mélodies, donnant parfois l’impression de déjà entendu.
Bien sûr Richard injecte beaucoup de sensibilité dans ses chansons. Raison pour laquelle, elles s’apprécient. Mais elles laissent un goût de trop peu, comme si l’artiste n’osait pas prendre le moindre risque…
Double bonne nouvelle pour les fans du plus célèbre groupe australien depuis l’invention du rock n’ roll. Contrairement à certaines rumeurs, Brian Johnson ne quittera pas ses compères qui se préparent à l’enregistrement d’un nouvel album studio pour 2012. Pour patienter, qui se plaindra de la sortie de « Live At River Plate », témoignage de la tournée marathon de « Black Ice » au cours de laquelle les boys ont accordé pas moins de 169 concerts entre novembre 2008 et juin 2010.
Filmé à Buenos Aires le Dvd incontournable est découpé en trois parties.
La première est bien entendu consacrée au show filmé par David Mallet, expert du genre. 32 caméras ont été nécessaires pour immortaliser un concert pas bien différent des autres sets de la tournée. On apprécie tout spécialement cette caméra montée sur un rail qui permet de suivre Angus sur la longue avancée de scène traversant le stade plein comme un œuf. On aime moins l’idée des plans simultanés, dignes des séries à succès des années 80, mais on adore le public argentin qui s’investit sueur au front à 100%, hurlant, sautant, reprenant chaque refrain à tue-tête. Niveau son, on se demande pourquoi les vocalises de Johnson sont mises en exergue à ce point, au détriment de la guitare rythmique de Malcom Young. Aucune surprise dans la play list. AC/DC aligne ses hits sans faire preuve de beaucoup d’imagination, il faut bien le reconnaître.
En deuxième partie, un documentaire d’une trentaine de minutes retrace leur séjour passé à Buenos Aires. Il est émaillé de nombreux témoignages, d’interviews accordées par des roadies et nous dévoile le montage de la scène, les effets pyrotechniques, etc. Plutôt sympa et très agréable à regarder.
Enfin, cadeau ultime, on savoure l’intégralité du magnifique film d’animation projeté en introduction de chaque concert de la tournée « Black Ice ».
Certainement pas le Dvd de l’année, mais sans aucun doute un superbe témoignage d’une époque de leur histoire…
The Dawn Band est un groupe allemand dont la naissance est plutôt originale. Elle représente l’union de plusieurs musiciens issus de différents groupes musicaux. Voulant explorer d’autres pistes musicales, ils se sont tous réuni autour d’un projet commun : The Dawn Band.
Ils s’inspirent des plus grands noms du rock tels que AC/DC, Foo Fighters ou encore Queens Of The Stone Age.
« Agent of sensibility » constitue le premier album de cette formation teutonne. Ses compositions sont spectaculaires. Elles sont le fruit d’un assemblage magnifique entre sonorités de guitare électrique, basse et batterie, offrant une dimension musicale très étonnante et aléatoire. Ce groupe réussit à mêler parfaitement la douceur et le piquant de ses références musicales rock, et ce, tout en restant fidèle à ce style. Un album à écouter attentivement, pour savourer pleinement les mélodies et les rythmiques.
Quelques mois après avoir publié leur dernier album, « Aeroplanes », les frères Hanak ont à nouveau décidé de frapper fort en gravant un Ep en version digitale, mais aussi sur vinyle, chez Clapping Music. Les compos sont issues de l’elpee. Elles ont été retravaillées sous la houlette du vétéran Tim Simenon –aka Bomb The Bass– le roi du sampling. Et le coup porté est violent ! Asséné à l’aide de Jon Spencer, il risque de vriller nos tympans, tant les déflagrations sonores dispensées par le duo français sont puissantes…
Si le New-yorkais dirige la manœuvre à la guitare sur le titre maître, les samples de Bomb The Bass s’intègrent parfaitement à cet univers sonore, très proche de l’électro-rock écrasant (NDR : pour ne pas dire lourd !), pratiqué au cours des années 90. Le second morceau, « Sleepwalking » a bénéficié du concours de Jack Danger (Meat Beat Manifesto). Il est moins accablant, mais tout aussi pernicieux et puissant. De quoi satisfaire les dancefloors, même s’il subsiste un risque pour la santé des haut-parleurs…
Dutch Uncles est une formation issue de Marples, près de Manchester. Elle avait publié un premier album en 2009. Eponyme, il était sorti sur Tapete Records. « Candenza » constitue donc le second opus de ce quintet insulaire. Et ma foi, il est plutôt surprenant. King Crimson circa « Larks' Tongues in Aspic », Genesis époque « Selling England by the pound », XTC, les Beach Boys et Steve Reich constituent leurs influences majeures. L’univers du Roi Pourpre, à cause des motifs de guitare en boucle très caractéristiques. La bande à l’Archange Gabriel pour les envolées épiques, presque prog. XTC pour les riffs spasmodiques, hypnotiques, versatiles, post punk parfois même funkysants. Les Beach Boys, vous vous en doutez, parce que les harmonies vocales sont à la fois ensoleillées, superbes et limpides. Et enfin Steve Reich lors des interventions minimalistes, mais efficaces au piano. Il y en a d’autres, mais je vous laisse le soin de les découvrir au fil de l’écoute de cet elpee.
Mais le plus important, c’est que le combo parvient à se créer son propre style, après avoir digéré toute ces références. De ce remarquable opus, j’épinglerai quand même le titre maître, hanté par le spectre de Nile Rodgers. Mais également les deux singles. Tout d’abord « The ink », une plage tramée sur une toile de fond synthé pop mais illuminée par des cordes de guitare cristallines, bringuebalantes, tourbillonnantes. Et dans le même registre, le remarquable « Fragrant », une compo qui aurait pu figurer dans le répertoire des Chameleons, s’ils avaient troqué leur sentiment de spleen contre l’allégresse. Un superbe album !
Amusant…
« Put Some Colors » c’est le titre du nouvel Ep de Pale Grey, publié chez JauneOrange…
Les huit plages qui le composent s’intitulent, « White », « Red », « Yellow », « Black », « Purple », « Orange », « Green » et « Blue ». Qui dit mieux que ce tourbillon de couleurs pour cette nouvelle formation issue du sérail de l’écurie liégeoise ? On nage en plein arc-en-ciel !
Originaires des Fagnes, c’est là, au fond d’une grange que le quatuor enregistre, sous la gouverne de Jonas Rousseau, ses compositions. Des chansons qui oscillent entre mélodies subtiles et électro-pop fraîche et… colorée… Fallait s’en douter !
A l’origine du projet, on retrouve deux amis d’enfance, Maxime Lhussier et Gilles Dewalque. Ils sont voisins depuis toujours et jouent de la musique ensemble depuis… toujours aussi. En outre, ils partagent les mêmes influences, qu’ils puisent notamment chez Postal Service et Kings of Convenience. Et le résultat de leur collaboration débouche sur une expression sonore planante, mais joyeuse. C’est presque par hasard que le duo remporte (NDR : après s’être inscrit, évidemment) le premier prix, lors de la 1ère édition du tremplin ‘Jeunes talents’ MIR (Marquette In Rock), organisé à Lille, en février dernier. Suite à cette distinction, une télévision locale française les invite pour un set acoustique. Bingo ! Ils sont lancés !
Familier de l’écurie JauneOrange, Maxime assurant la basse au sein de Dan San, le duo gravite depuis un bout de temps autour de divers projets liégeois. Deux autres noms sévissant déjà au sein de la même écurie s’ajoutent au duo pour l’enregistrement de cet Ep. Janjanes Montens et Benoît Damoiseau donnent au combo son line up définitif, l’un à la basse, l’autre à la batterie qu’il occupe également au sein de Hollywood Porn Stars.
Le résultat est assez intéressant que pour s’y attarder. Pale Grey n’a de gris pâle que son nom de scène. Contrairement aux apparences, la musique dispensée par le quatuor belge est originale, accrocheuse et créative. Mêlant à la fois les rythmes électro et les instruments acoustiques, Pale Grey enchante, innove et convainc dès la première écoute. Les titres sont minutieusement construits, riches en musicalité et tous tournés vers une rythmique entraînante à souhait. L’avenir s’annonce donc riche en couleurs pour ce combo gris pâle !
Chouette petit album découverte. A suivre !
Dur dur de se relever pour Catherine Ringer. Quatre ans après avoir enterré son alter ego tant au point de vue professionnel que sentimental, l’autre moitié des Rita Mitsuko publie son premier opus solo. Pas facile sans la tête pensante du duo, car c’est en effet bien lui qui assurait essentiellement le boulot de composition musicale et jouait les partitions de guitare, basse, batterie et claviers.
On est donc assez loin, qualitativement parlant, du dernier opus en date, « Variety », qui cassait la baraque…
L’album de Catherine Ringer, « Ring n’ Roll », rend, en réalité, un vibrant hommage à l’homme dont elle a partagé la vie, le travail et le lit durant plus de 25 ans. Fred Chichin constitue, malgré son absence, le fil rouge des douze titres qu’interprète majestueusement sa moitié survivante, usant de sa voix irrésistible et émouvante.
Les premières paroles prononcées sont : ‘Je fais que penser à mon amoureux, je fais que penser à nous deux…’ et les dernières, onze chansons plus tard, ‘On se reverra bien un jour ou l’autre…’ Tout est dit !
Ce premier effort en solo est de qualité inégale. Catherine alterne le bon, le passable, le chiant, le franchement inécoutable et le surprenant…
Débutant joliment par « Vive l’amour » dédié à qui vous savez, elle enchaîne par « Punk 103 » ennuyant à mourir (désolé Fred) puis deux titres interprétés en anglais douteux « Z Bar » et « Yalala » qui se laissent gentiment écouter, sans plus. « Prends-moi » (malgré un joli texte) et « Got it sweet » seront volontiers zappés, car monotones à souhait. « How do you tu » relève un peu le niveau bien que les lyrics, mi-anglais, mi-français, sont assez improbables. Catherine redonne de la voix (ouf, il était temps) dans « Quel est ton nom », un titre limite cependant, tant la ligne mélodique est faiblarde.
« Pardon », petite histoire banale, évoque la renaissance, mais ne vaut que par son refrain… « Si un jour » replonge l’auditeur en pleine déprime, la peine suintant de chaque note et mot de ce quatrain.
Le surprenant c’est celui-ci, « Mahler ». Empruntant l’Adagietto de la symphonie N°5 du brave Gustave, Catherine Ringer pleure tout au long des 6 minutes son amour disparu sur la seule véritable pépite de l'album, entre parlé et chant susurré, profondément humain, qui décolle au final pour s'envoler, et disparaître en larmes. Splendide ! Mais hélas, trop rare…
« Rendez-vous » joue toujours dans le même registre. Mais le ton est plus gai, plus enjoué, l’accordéon et la boîte à rythmes nous entraînent dans ce fol espoir impossible des retrouvailles…
L’album si sombre, si empreint de tristesse se termine de façon un peu plus optimiste.
Un signe ? Il serait temps que la période de deuil prenne fin afin de permettre à Catherine Ringer de se tourner vers d’autres horizons.
Bienvenue dans le métal opératique. Non, non, il n’est pas mort… (NDLR : chanson paillarde ?) Et Road to Consciousness tente de lui rendre vie. Neuf musiciens et 12 vocalistes participent à ce beau ce projet pour lequel j’ai pu lire, dans certains articles, qu’il s’agissait de la réunion des plus belles voix de notre Royaume. Une aventure aussi enrichissante sur le plan humain que musical, qui devrait remplir de fierté, tous les Belges. Ben tiens ! Trêve d’ironie ! Road to Consciouness, c’est tout simplement du sous-Within Temptation. Je le concède, cette comparaison est difficilement imaginable. Mais ce groupe, ce projet ou ce concept (NDR : décrivez-le comme vous voulez) existe et est parvenu à récolter une foultitude d’éloges. Honnêtement, je dois vous avouer ne pas être parvenu à écouter ce disque dans son intégralité. En aussi peu de temps qu’il ne faut pour le dire (NDLR : l’écrire ?), mes poils se sont hérissés. Une allergie ? Probablement. Et comme je ne suis pas maso…
Après avoir fait son ‘cirque’ en 2006, Britney Spears joue à la « Femme Fatale » au sein de ce septième LP dont le contenu est rapidement oublié, au profit des photos du carnet intérieur. Comme sur chacun des éléments discographiques de la demoiselle, il y a ici, une nouvelle fois, à boire et à manger. Encore plus orienté Pop électronique qu’auparavant, le nouveau recueil de Miss Spears tire souvent sur les grosses ficelles du genre. On a donc droit à une bonne dose d’autotune et de vocodeur (« Inside Out », « (Drop Dead) Beautiful »,…), de pseudo ballades moins mièvres que sur les disques précédents mais tout de même banales (« Criminal », « He About To Lose Me ») et du Will.I.Am, bien évidemment (« Big Fat Bass »).
Si les deux disques précédents de la blonde étaient plus ou moins cohérents, celui-ci sonne plutôt comme une ode à la récup’. Ainsi, lorsque Britney ne vogue pas –un peu tard– sur la tendance dubstep (« Hold It Against Me », « Inside Out »), elle délivre une trance à la Tiësto ou Swedish House Mafia (« Trip To Your Heart »), des sons nineties (« Up ‘n’Down ») ou même un morceau pop-rock à la Pink (« Don’t Keep Me Waiting »). Il est évident que l’originalité n’a jamais été vraiment de mise sur les travaux de la pop star. Mais « Femme Fatale » remporte la palme. En 16 morceaux, Britney nous délivre sa propre compile « Hit Connection ».
Etabli à Seattle, ce combo compte quatre elpees à son actif. Et « Marble son », constitue son quatrième. La formation est drivée par la chanteuse/compositrice Jesse Sykes et le guitariste Phil Wandscher. Un quatuor qui pratique une forme d’alt country ouverte tant au folk, blues, rock que garage. Si « Like, Love, Lust and the Open Halls of the Soul » épousait un profil intimiste, « Marble son » est davantage chargé d’intensité électrique. La mélancolie est cependant toujours bien présente ; mais les vocaux sont plus en retrait. Certaines compos sont même réminiscentes du précédent elpee. Et je pense tout particulièrement au titre maître, caractérisé par ses superbes harmonies vocales, dignes des Fleet Foxes. De « Come to Mary », une berceuse californienne, abordée dans l’esprit de Crosby, Stills, Nash & Young. Ainsi que de la plage finale, « Wooden Roses », sculptée dans une très jolie mélodie. D’autres compos trempent dans un psychédélisme duveteux. Pensez à Rain Parade ou aux Long Ryders. Et ce Paisley Underground irradie les trois meilleurs titres de ce long playing. En se chargeant même d’une plus grande intensité tout en adoptant de multiples changements de tempo. A l’instar de « Your own kind », du presque ‘crazyhorsien’, tout en relief, « Pleasuring the Divine » et surtout des 8 minutes d’ouverture, “Hushed by devotion”. Un morceau tour à tour atmosphérique (Mazzy Star ?), traversé d’envolées d’électricité rageuses, vivifiantes (Dream Syndicate ?), se chargeant régulièrement de swing, pour éclater périodiquement en échanges de cordes duales, comme chez le légendaire Blue Oyster Cult (NDR : souvenez-vous de « Don't fear the reaper »). Manifestement le titre-phare du long playing. Un instrumental sur les 11 pistes : l’énigmatique, paradoxalement paisible mais tribal « Instrumental » (NDR : ben tiens !) Un chouette album !
Du changement pour la formation rouennaise, puisque le quatuor s’est élargi à un sextet, les deux musiciens participant aux tournées, Julie Barbagallo et Raphaëll Léger ayant rejoint définitivement le line up. Du changement également à cause de l’introduction d’éléments électro dans leur musique. Une première pour le combo, qui jusqu’alors, avait toujours privilégié la pop basique.
“The Past, The Present & The Possible” constitue leur cinquième opus, un oeuvre dont le titre est significatif d’une volonté de faire évoluer leur musique. Mais dans le domaine du possible. Electronica et boîtes à rythmes se sont donc immiscés dans l’expression sonore conventionnelle pour délivrer une électro pop riche, sophistiquée, à la limite ‘philspectoresque’. Parfois teintée de soul (« Darlin’ (Adam & Eve song) »), susceptible de libérer un bon groove (« Gate 33 ») ou sculptée dans la house mancunienne (« Solitary bizness »). Pensez à Happy Mondays ou aux Stone Roses. Si la plage d’entrée (« Defender ») est imprimée sur un tempo krautrock, malgré ses quelques accents de claviers vintage, « Crack up (extended) » nous plonge dans une électro tribale de plus de 8’, digne des Chemical Brothers. Mais en général, hormis le plus ténébreux « Nightmares », l’opus baigne dans un climat allègre, ensoleillé. Les superbes harmonies vocales ‘brianwilsonesques’ entretiennent ce climat ; mais également les ballades mid tempo (NDR : la seconde partie du titre maître et « 4am »), abordées dans l’esprit de Nada Surf. Un album sympa à écouter, mais qui ne recèle toujours pas de hit potentiel…
Les saisons passent, le temps s’égrène, les catastrophes pullulent, les oiseaux migrent, l’actualité s’invente chaque jour un nouveau sujet croustillant, mais certains groupes affichent la même constance, la même brillance et la même volonté, immuablement.
La formation texane Explosions in The Sky, dont le dernier album (« Take care, take care, take care ») est la suite logique d’une discographie vouée à une esthétique sans faille et sans esbroufe, en est certainement une des plus belles illustrations. Un groupe rare, émergeant d’une constellation en mouvement.
Ça tombe bien, le combo était de retour sur nos terres, ce mardi, pour nous présenter leur dernier opus et nous rassurer sur ce point : malgré un succès sans cesse grandissant, il est demeuré d’une incroyable simplicité.
En première partie, place au surprenant Robert A Lowe (aka Lichens) et sa drôle de machine. C’est le projet solo du chanteur/bassiste de 90 Day Men. Cet univers étrange, Munaf Rayani des EITS le décrit comme une ‘supernatural space journey’. Les boucles vocales pourraient servir d’incantations chamaniques. Un set intriguant, mais sans guère de mise en scène, qui procure néanmoins un sentiment de curiosité légitime (initié par cet instrument conçu comme une centrale téléphonique d’un autre âge, dont tous les câbles sont reliés pour former une structure complexe) ainsi qu’un sentiment de plénitude et de ravissement. De quoi subjuguer ! L’artiste entre littéralement en transe ; les yeux révulsés et les gestes spasmodiques allant de concert. Un seul et unique morceau construit en pyramide, dont les sonorités graves se répercutent en échos lointains, comme si elles émanaient de couloirs d’un monde parallèle…
Peu après, et selon un timing scrupuleux établi par l’AB, le band d’Austin fait son apparition. Après une introduction humble et fidèle aux préceptes du combo (‘Yes, they’re explosions in the Sky, yes, they come from Texas, USA’), place à la première surprise : un cinquième doigt est venu se greffer à la main de maître. Venu renforcer la rythmique, un grand chevelu aux boucles agitées tient à présent la (les) corde(s) à (de) la bas(s)e.
L’intro de « Last Known Surroundings » s’élève lentement avant que les premiers larsens ne viennent déchirer le ciel et que le jeu de batterie de Christopher Hrasky ne prenne ses marques et impose sa cadence.
« Yasmin the Light », issu de « Those who tell… », opère la jonction entre passé et présent et démontre que le groupe et sa musique ont mûri en l’espace d’une décade, sans pourtant trop modifier le canevas, à savoir un jeu constant sur les oscillations produites, entre fureur et douceur, calme et tempête, tristesse et beauté.
Partagé entre anciens (« The only moment we were alone », « Your hand in mine », « Greet Death ») et nouveaux morceaux, le set s’achève au bout de 70 minutes par « Let me back in ». Caractérisé par son ambiance inquiétante et parcourue par ses voix samplées et fantomatiques, cette plage ponctue le concert de belle manière. Douze minutes d’envolées célestes illuminées de feux d’artifice dont les retombées pailletées étincellent encore alors que les lumières de la salle se rallument.
Pas de rappel, et pour cause, c’est l’un des crédos d’Explosions In The Sky qui préfère se donner en entier et d’une seule pièce. Et dont la générosité n’est jamais prise en défaut.
Un lien pour re(voir) ce concert: http://www.abconcerts.be/fr/abtv/p/detail/explosions-in-the-sky
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