L/O/N/G est un projet imaginé par l’électronicien Rupert Huber et le leader des Walkabouts, Chris Eckman. Le tandem a choisi ce patronyme, car la gestation de cet opus a nécessité plusieurs années. Huit en tout. A l’origine, l’Autrichien et le Yankee s’étaient rencontrés dans un chalet, lors de la fête d’un ami. Et ils avaient jammé. De jams en jams, de fichiers échangés en fichiers échangés entre l’Ancien et le Nouveau Continent, l’opus a pris progressivement forme, pour aboutir à cet « American Primitive ». Et, il faut reconnaître que le fruit de cette rencontre entre folk/rock et electronica, est particulièrement réussi.
Très ‘groovy’ et hypnotiques, les deux premières plages, « Shoot your dog » ainsi que le titre maître, sont soulignées par des harmonies vocales glamoureuses, ‘bolanesques’. Encore que le résultat me fait plutôt penser aux expérimentations de Brian Eno, à l’époque de « Before and after science » (NDR : pensez à « Backwater »). Le spectre du légendaire artiste insulaire, plane d’ailleurs tout au long de l’opus. Comme par exemple, sur les titres les plus ambient, même si régulièrement, Chris vient délicatement ciseler les mélodies, à l’aide de sa six cordes acoustiques, en jouant en picking. Ou quand Rupert les balise de ses accords de piano sonore. La face la plus pop du divin chauve illumine également un titre plus pop comme « Shame this darkness », un titre imprimé sur un tempo métronomique. Eckman et Chantal Acda (Sleepindog) partagent un duo vocal sur deux plages atmosphériques, intimistes, « Wrong train comin’ » et « Night fishermen ». « Stockerau » flirte carrément avec la prog presque floydienne, mais dans l’esprit de « Dark side of the moon ». Un instrumental, tout comme « Longitude zéro », qui pulse comme à la belle époque du « How much are they ? » de Holger Czukay, Jaki Liebezeit et Jah Wobble. Et tout ce bel ensemble a été tissé méticuleusement, enrichi d’une multitude de petites touches sonores (organiques ou électroniques), afin d’aboutir à cette œuvre ambitieuse et intemporelle…
Comme l’annonce le titre de son album, « Strange Tourist », l’univers de Gareth Liddiard est en effet bien étrange ; mais pas question d’éventuelle ambiance estivale à l’écoute de son œuvre, tant elle nécessite une certaine dose d’implication de la part de l’auditeur pour y pénétrer. L’Australien, leader du très bon groupe de rock The Drones, élabore en effet de longues divagations folk (entre 7 et 10 minutes en moyenne) portées par des textes ravageurs d’une grande beauté. Le poète aborde des sujets graves comme le terrorisme (sur les 16 minutes de « The Radicalistion of D ») avec beaucoup d’engagement et de sincérité. L’auditeur ressent son interprétation vibrante grâce à sa voix tremblante et nasillarde et à travers son jeu de guitare acoustique, nerveux et inspiré. Un lyrisme intense se dégage de ses brûlots folks intimistes, arides mais grandioses. Sur « Blondin’ Makes An Omelette », Gilliard raconte, par exemple, l’histoire du funambulisme Charles Blondin, qui a traversé les chutes du Niagara au XIXème siècle sur un fil de fer. Un épisode vécu par son apprenti (‘Man, no one / Cared for him at all / Until he crossed Niagara Falls / So you'd all feel / A little lower down the scale’). L’auditeur ne sort pas indemne de son voyage dans les méandres d’une musique honnête mais maladivement contagieuse.
Un nouveau trésor découvert au sein des bushes australiens.
Mars 2011. Bloc opératoire.
Patient: The Human League.
Pathologie: vieillissement annoncé et mort prématurée.
Objectif: résurrection, seconde du nom.
Diagnostic: enclin au plus grand pessimisme.
Premiers signes alarmants: pouls faible, activité cardiaque proche du néant.
Les fonctions vitales fonctionnent au ralenti. La poitrine se soulève et expulse un premier souffle, timide. Le scanner ne s'emballe pas et émet un bip régulier qui au final, se termine par une longue et triste complainte continue.
Les lumières du bloc s'éteignent. C'est fini...
Du riche passé du groupe de Sheffield, ne reste que les souvenirs.
« Credo » est un titre audacieux pour un retour sous les feux de la rampe, tout comme le « History of modern » d'Orchestral Manœuvre in the Dark » l'était. Le résultat est sensiblement pareil, soit un constat amer: ces groupes majeurs d'hier n'ont plus rien à dire aujourd'hui.
Moins indigeste que le OMD, mais bien moins pertinent que le dernier Duran Duran, ce come-back singe maladroitement le Human League des eighties ; mais on est bien loin de toute « Dignity of labour ». Le fard dégouline sur la peau ridée et laisse apparaître une croûte désespérément sèche de toute inspiration. « Don't you want me » ?
Non, merci, plus à présent.
L’Amérique ouvrière adore fournir, à intervalles réguliers, ce genre d’artistes authentiques dépositaires de parfaits hymnes à la ‘Springsteen’. Griffin House, 30 ans, est originaire de Springfield dans l’Ohio et possède une feuille de route déjà bien remplie. Il a par exemple déjà ouvert pour des concerts d’artistes comme Ron Sexsmith ou Josh Ritter. Pas étonnant, puisque son songwriting s’inscrit dans la même lignée, même s’il se révèle moins délicat.
« The Learner » constitue son cinquième opus. L’Américain a des planches. Ses compos sont intenses et efficaces, mais ne sont guère surprenantes. Griffin traverse une multitude d’ambiances roots et son style rappelle tantôt Wilco (« Rule the World »), Springsteen (« River City Lights » en duo avec Alison Krauss) ou encore Josh Ritter (« If You Want To »). Claviers Rhodes vintage, handclaps, grattes acoustiques ou électriques alimentent son expression sonore que certains qualifieront d’americana et d’autres de country intemporelle. Encore que la production est quand même particulièrement ample. Ce qui explique sans doute pourquoi la presse spécialisée attribue une étiquette de folk-rock hi-fi à sa musique. A écouter en voiture (sur la route 66 ?), après avoir revêtu sa chemise à carreaux…
Duke est Londonien. Un musicien qui a milité, fin des années 80, chez les Orbs. Chanteur et guitariste, il joue également du saxophone. Il a sévi au sein d’Archie Bronson Outfit. Son premier elpee solo, "Holy week", est paru en 2005. Dans la foulée, il commet son second, "Emerald Palace", soutenu par son ami percussionniste Paul May. En 2009, il signe chez Fire Records, et publie un Ep intitulé "He was a warlock", suivi de l’album, "The sand that falls". Son univers sonore n’est pas toujours facile d’accès. Sa musique de racines trempe dans une forme d’ambient ; un peu comme si un bluesman d'avant-guerre enregistrait sur le chantier d'un immeuble moderne en construction. Mais elle est très personnelle, même si on y décèle des traces de blues et de jazz. Les spectres de Nick Cave, de Tom Waits, mais également de Captain Beefheart, y planent d’ailleurs constamment. Surtout les aspects expérimentaux. Lors des sessions d’enregistrement, on ne peut pas dire que les musiciens se bousculaient dans le studio. Duke se réserve l’essentiel du boulot : il chante, joue de la guitare, de la basse, des claviers et du saxophone. Un unique et véritable collaborateur : Neil May. Et un invité circonstanciel, le bassiste Neil May. C'est tout!
Le safari démarre par l'énigmatique "Jesus got a gun". Un blues dépouillé, curieux, mais non dénué de charme, caractérisé par le flux et le reflux des cordes acoustiques. Il reflète bien le mal de vivre de ce Jésus armé. Duke G titre toutes les ficelles de cet assemblage singulier. "God in my shoes" trempe dans la même atmosphère tourmentée du Delta. Le son des cordes est métallique. Duke chante. Il est relayé dans la voix par Talulah James, comme le blues d'un ‘songster’ colportant de hameau à hameau des nouvelles peu rassurantes. Les percussions de May sonnent le glas. Le saxophone marque le pas funéraire. Ce n’est pas la joie, mais la densité sonore de ce "Panther" est assez remarquable. Duke est à nouveau seul aux commandes pour développer l’éthéré "Gold watch", une plage qui évoque le Krautrock expérimental. Celui du début des 70s. Un mouvement dominé par les sonorités synthétiques des claviers. Des sonorités alors visionnaires que nous livraient Tangerine Dream, Klaus Schulze, Kraftwerk, Can ou encore Amon Düül. Bienvenue dans l’espace sidéral de notre citoyen britannique sur "Space Trucker Lady". Voyage spatial ou vision orientale ? "Summer gold" est une ballade folk qu’il chante d’une voix empreinte de douceur, presque à notre oreille, à la manière d'un Tom Waits qui se serait payé une cure de fraîcheur. Ce climat enveloppe également "Wine blood", une ballade dépouillée à l'extrême. Il revendique l'héritage de Charlie Mingus et d'Albert Ayler. C’est donc dans cet esprit qu’il aborde pudiquement "Gengis". Un morceau très électrique qu’il maîtrise parfaitement, en juxtaposant les sons, avant de virer dans le free jazz débridé, aventureux, lors de "Tapestry of Mars", au cours duquel il souffle dans son saxophone au gré de sa fantaisie. "Flames of gold" est une compo introspective, qu’il aborde à la manière d’un Nick Cave, plongé dans ses pensées les plus ténébreuses. On se demande quand même s’il n’est pas poursuivi par l’esprit de Jimi Hendrix, époque Band of Gypsies, sur "Rank Panache". Il dompte parfaitement "Taras Bulbous", un morceau réminiscent de la période la plus complexe et délirante de Soft Machine voire de Yes. Et il nous propose, en finale, une piste spatio-orientale de toute bonne facture, au cours de laquelle il est aux commandes d'un bulbul tarang. Génial!
Curieux quand même que la notoriété d’un artiste ou d’un groupe peine souvent à traverser l’Atlantique. Dans un sens ou dans l’autre. The Demon’s Claws est une formation qui n’est guère connue chez nous, malgré quelques sets accordés sur le Vieux Continent. Et pourtant, au Canada et aux Etats-Unis, elle appartient à la crème de la crème du garage/rock. Ces Montréalais ont ainsi assuré le supporting act des Black Lips en compagnie desquels ils partagent le même excellent label yankee, In The Red, tout comme Vivian Girls, TV Ghost ou encore feu Jay Reatard. C’est d’ailleurs ce dernier qui avait mis en forme leur précédent elpee. Manifestement si le band est méconnu en Europe, il possède de belles références en Amérique du Nord.
Leur second opus devait, à l’origine, s’intituler « The Defrosting of Walt Disney » ; mais afin d’éviter des poursuites judiciaires, leur écurie leur a demandé de laisser tomber la mention relative à l’illustre dessinateur californien.
Une écoute de cet elpee est suffisante pour déceler le talent de ce combo. Leur mélange de rock et de psyché fait mouche. Les mélodies sont limpides. Les morceaux courts, énergiques, intuitifs, bourrés de charme. La voix réverbérée de Jeff Clarke, les accords de basse caoutchouteux d’Ysael Pépin et les solos de guitares, simples mais terriblement efficaces, nous replongent quatre décennies en arrière. Et pourtant, pas de revivalisme ici, mais une véritable bouchée d’air frais. Du bonheur à l’état pur ! On comprend mieux pourquoi Demon’s Claws est parvenu à devenir une référence, aux States et au Canada, en à peine, huit années d’existence.
Une bonne raison pour ne pas les manquer lorsqu’ils se produiront près de chez vous. Surtout qu’il paraît que leurs prestations scéniques sont décapantes…
Jeunes et talentueux, les Crookes livrent un premier album plein de promesses.
Bien sûr, à l'écoute de « Chasing after ghosts », bon nombre de prestigieuses formations de sa gracieuse Majesté viennent immanquablement hanter les esprits. Smiths en tête, la pertinence du propos en moins. De très belles mélodies, brodées et mises en lumière par la voix de son chanteur.
Dans la lignée des Maccabees, les Crookes reprennent le flambeau d'une Pop anglaise fière qui se replace en bon ordre sur la ligne du temps.
Alors, certes, rien de nouveau ici. « Bloodshots days » ou « Just like dreamers » assurent la continuité de groupes comme Gene ; et l'ombre de Morrissey trône de tout son poids sur l'ensemble de cette première œuvre. Mais si cette filiation calfeutre The Crookes dans un canevas qu'il sera dur de briser, il propulse néanmoins le groupe sous la loupe de la curiosité.
Et force est de constater que dans le registre, cet album possède assez de qualités pour plaire aux amateurs du genre.
A voir le 22 mai au Botanique en compagnie de Suuns et Mirrors.
Si Clan Edison a vu le jour le long de la Méditerranée, c’est certainement dans le sous-sol insalubre d’un bistrot suintant le whisky. Car apparemment, le trio a grandi en écoutant des groupes sudistes américains plutôt que des artistes de variété française.
Après sept années de dur labeur, Clan Edison, originaire de Nîmes, a donc décidé de publié son premier album. Autoproduit, il est découpé en neuf morceaux crépusculaires, hypnotiques, torturés et frénétiques. Sa musique ? Sombre, évidement. Le corbeau qui illustre le recto de la pochette en dit d’ailleurs long sur le climat au sein duquel baigne la musique de Clan Edison. Une forme de stoner qui rappelle tour à tour Sixteen Horsepower, Queens of The Stone Age voire le Noir Désir époque « Tostaky ». Le chant est puissant. Il est exprimé tantôt dans la langue de Molière (NDR : ce qui n’est peut-être pas leur choix le plus judicieux), tantôt dans celle de Shakespeare. Bienvenue dans le monde ténébreux de Clan Edison…
Mea culpa… il est probablement un peu tard pour parler d’un album sorti en septembre dernier ! Mais, les critiques du dernier album de Black Mountain étaient tellement peu à l’avantage de la bande à Stephen McBean, que « Wilderness Heart » est resté pendant de longs mois en dessous de ma pile d’albums à chroniquer….
A raison ? Si on le compare à « In The Future », leur 2ème album, c’est sûr qu’il s’agit d’un pas en arrière. Mais le groupe avait probablement atteint son apogée à l’époque ! Sur « Wilderness Heart », les Canadiens adoucissent le ton mais restent à notre plus grand bonheur, calés dans les années 70 (Black Sabbath et Led Zeppelin en tête). Les riffs heavy sont toujours au service de morceaux à la fois sombres (« Radiant Hearts ») et légers (« The Hair Song ») comme tend à le prouver le concours apporté par deux producteurs –Randall Dunn (SunnO)))) et D. Sardy (Oasis, Rolling Stones)– à la mise en forme. Une sensibilité noire et psyché arrondie par des mélodies presque pop qu’enrichissent les claviers quasi-glam de Jeremy Schmidt. Les voix de McBean et d’Amber Webber se complètent de mieux en mieux et Black Mountain offre tout de même encore des morceaux lourds et heavy comme jamais (« Let Spirits Ride » plus ‘sabbathien’ que nature et à la limite de la caricature) ; mais aussi une bonne moitié des ballades acoustiques (« Old Fangs »).
S’ils ne composent plus de morceaux inoubliables comme sur leur opus précédent, les membres de Black Mountain élargissent leur spectre musical quitte à perdre certains fans de la première heure. Un groupe d’une grande classe.
Tout d’abord, il est peut-être nécessaire de rappeler qu’Arid est incontestablement le leader de la scène belge ! Plus personne n’en doute. Du moins c’est mon sentiment…
Jesper Steverlinck et ses acolytes trustent depuis pas mal d’années maintenant les honneurs de la scène rock noir-jaune-rouge. Personne ne leur discute ce leadership.
Dernière parution du band, la sortie d’un boîtier ‘Limited Edition’ réunissant deux plaques. La première est simplement la réédition de leur dernier album en date paru il y a plus d’un an, enrichi d’une toute petite surprise. Un inédit. « Shine ». Inconnu au bataillon jusqu’à présent. Mwouais… Bien vu les gars ! Pas de quoi sursauter, juste un petit plus, c’est bien du Arid, pur jus, bon, simple, efficace.
Deuxième plaque dans l’emballage, l’intégrale du concert accordé à l’AB, le 28 février 2011, dans une salle comble et conquise d’avance. Au niveau images, excellent ! Elles restituent parfaitement bien l’atmosphère de la soirée privilégiant la communion entre Jasper et ses fans. Un moment exceptionnel de la soirée est à épingler lorsque Jasper descend au milieu de SON public, échangeant des poignées de mains avec les chanceux les plus proches mais gardant toujours le contrôle de la situation quant à son interprétation. En ce qui concerne la bande son, elle est tout bonnement excellente. Les 17 titres interprétés ce soir-là par Arid sont le reflet parfait de leur carrière. Le sublime « Life » constituant le point d’orgue de ce très bon Dvd.
Rien de plus à se mettre sous la dent. Pas de bonus, d’interview ou autres curiosités qui auraient pu donner à l’ensemble un label ‘incontournable’.
Ce coffret demeure néanmoins un beau souvenir pour celles et ceux qui ont vécu cet événement ou eu l’occasion de voir le ‘best belgium band on stage’. Mais également un témoignage destiné aux autres qui (j’ai un doute) ne connaîtraient pas encore Arid.
Incontournable pour tout fan qui se respecte !
La ville suédoise d’Uppsala n’est donc pas seulement connue pour ses thrillers nordiques chers à Stieg Larsson mais abrite également une artiste de talent : Britta Persson. La jeune Scandinave publie son 3ème et réjouissant album « Current Affair Medium Rare ». Une œuvre dont les arrangements, à la fois bien plus soignés et en même temps épurés, sont destinés à sculpter des compos agréablement accessibles. Britta possède en effet toutes les cartes en main pour percer au grand jour tant l’immédiateté de ses compositions saute aux oreilles.
Ses chansons sont portées par une voix singulière et de superbes mélodies. Une voix qui campe un hybride entre celle de Cat Power et Fiona Apple. Si dans le passé Britta lorgnait essentiellement vers le folk, aujourd’hui elle pratique une pop dans le sens le plus noble du terme. Ses morceaux ont tout pour séduire sans jamais racoler. Un petit exploit dans l’univers de l’indie qui devrait faire le bonheur de Pure FM. Les trois premières plages sont, par exemple, tout à fait tubesques : « Annoyed To Death », « Meet A Bear » et « Toast M » libèrent une énergie rafraichissante et vous incitent à les réécouter. Et pas de simples hits jetables ! Si elle calme le jeu par la suite, c’est pour offrir de jolies ballades comme la nerveuse « Some Girls, Some Boys » ou l’atmosphérique « Big Fuss », la meilleure chanson du lot. Le vivier semble décidément inépuisable en Suède…
Panic! at the disco n’est plus qu’un duo réunissant Brendon Urie et Spencer Smith. Qu’à cela ne tienne, l’aventure continue pour les fondateurs du groupe. Surfant depuis sept ans sur la vague du succès, PATD, que viennent de quitter, pour désaccord artistique, Ryan Ross et Jon Walker, n’en demeure pas moins une valeur sûre dans le paysage pop/rock électro made in USA. Preuve en est, ce troisième elpee, fort de dix nouveaux titres. Malgré la disparition de Ryan, l’âme du band, qui a laissé planer dans nos esprits le split du groupe, Brendon et Spencer ont réussi la gageure de replacer le train sur les rails. Après avoir écoulé plus de deux millions de copies de leurs deux premiers albums, les survivants ont décidé, non pas d’innover ou d’essayer de se réinventer. Ils se sont concentrés sur ce qu’ils savent faire de maîtresse façon : de la classique pop très efficace ; et ce n’est pas pour nous déplaire. Ouf, l’identité du groupe reste intacte…
Loin du rock baroque qui a forgé le succès du groupe, surtout sur « Pretty Old », paru en 2008, notre duo risque cependant de plaire nettement moins aux amateurs d’envolées lyriques qui émaillaient leurs sorties précédentes. Reste toutefois dix titres qui seront très vite assimilés ; car si on demeure dans le classique tout au long des dix plages proposées, le tout entre très, très rapidement dans l’oreille et n’est pas pour autant dénué d’intérêt.
Les singles vont à nouveau envahir les ondes FM et les lecteurs MP3 de nos jeunes ados, accros aux Fall out Boys et autres formations crapahutant au sein du même univers musical.
On épinglera, sur « Vices & Virtues », « The Ballad Of Mona Lisa », « Let's Kill Tonight », « Hurricane », « Memories » et « Sarah Smiles » qui seront, à n’en pas douter, des hits imparables surtout de l’autre côté de l’Atlantique.
Ce qui constituait la force du groupe, chorus, rythmes endiablés et mélodies simples, est très clairement mis en exergue sur « Vices & Virtues ».
Finalement, il n’y a pas eu de ‘Panic’ à bord lorsque le navire a été déserté par son capitaine, abandonnant une partie de son équipage à son triste sort. Loin de là ! Nos deux marins survivants ont même très bien mené leur barque. Ils ont renfloué le bateau et sont repartis vers de nouvelles aventures. Celles-ci les mèneront directement, sans escale sur les parquets cirés des plus belles discos de la planète…
Au final, un album que l’on prend plaisir à écouter !
Les inconditionnels des dancefloors ne pourront malheureusement pas assister au concert que la formation devait accorder ce vendredi 13 mai 2011, à l’Aéronef de Lille. Cette date est annulée.
« 4 Songs » constitue le premier Ep des Parisiens de MyrHa. Les 4 morceaux ont été enregistrés à Bruxelles en 2009, sous la houlette de Lionel Vancauwenberghe de Girls in Hawaii et Christopher Yates. Un premier essai au parfum fortement marqué par les années 90. Bref, ça sent la guitare fuzz à plein nez ! MyrHa est un authentique groupe de grunge et la voix de Claude rappelle parfois celle du regretté Layne Staley d’Alice in Chains. Pas très original, me direz-vous, mais c’était, à l’époque, une des caractéristiques principales de cette solution sonore écrasante et ténébreuse. Si la production du trio laisse quelque peu à désirer (mais n’est-ce pas ce que le genre requiert), les chansons laissent transparaître un réel potentiel que le groupe transpose, paraît-il, à la perfection sur les planches. « Friday » aurait pu figurer sur la flip side d’un single de Nirvana alors que « Tomorrow Is Another Day » ressemble à une démo d’Alice in Chains. Maintenant, si le band veut se faire une place au soleil, il a tout intérêt à se libérer de ses trop évidentes influences et puis d’engager un producteur capable de mettre en exergue ses (lourdes) guitares…
Si l’artwork de la pochette m’a immédiatement fait flasher, le nombre de compos réunies sur l’album m’a aussitôt refroidi. Dix-neuf titres ! Il n’en fallait pas plus pour que le cd soit relégué en-dessous de la pile de disques à chroniquer. Mais à un certain moment, il a quand même fallu que je me décide à l’écouter. Et là j’ai été agréablement surpris. En fait, j’aurais dû en rester à ma première impression, car il faut reconnaître que cet opus est tout simplement superbe. Le trio normand est certainement ce qui est arrivé de mieux à la pop française depuis de longues années.
Les plages dépassent rarement les deux minutes. Un tracklisting réunissant dix-neuf perles pop mélodiques, contagieuses, efficaces, tantôt douces et mélancoliques, tantôt énervées et percutantes, à l’instar de « Day » ou encore « Who Tells you ? Mais la caractéristique de ce combo hexagonal procède de sa capacité à tirer parti au maximum de tout objet, instrument ou voix. Des vocaux dispensés en solitaire ou sous la forme de chœurs. Et si les compos sont déstructurées, ce n’est jamais à l’excès. D’ailleurs, tout au long de cette œuvre, la formation parvient à trouver l’équilibre parfait entre les différentes composantes de sa solution sonore. Les excellents « Unbeatable » et « Samba de la Muerte » en sont les plus belles illustrations. Et après s’être plongé au cœur de cette œuvre, on en ressort une heure plus tard la tête pleine de rêves et le moral remonté à bloc. Une véritable bouchée d’air frais qui fleure bon le printemps…
Nederlands 
Français 
