Juste avant de partir me ressourcer quelques jours dans une station de ski, pour oublier la musique le temps de trois descentes et d’ingurgiter quelques Génépis, je ne résiste pas à l’envie de vous parler de Snowblink, un groupe assurément de circonstance…
Snowblink est un duo réunissant Daniela Geshundheit et Dan Goldman, ensemble dans la vie comme sur scène. Un couple qui avait assuré, l’an dernier, le supporting act de la tournée du virtuose Owen Pallett. « Long Live » a été publié en 2008 mais il a fallu attendre deux longues années avant de voir son œuvre bénéficier d’une sortie européenne. Et c’est amplement mérité ! Légèrement expérimental, original, intimiste, leur folk pop tient vraiment la route. Empreints de douceur, leurs arrangements sont un véritable ravissement : cloches, violons, violoncelles et cordes de guitares subtiles alimentent les 15 morceaux de cet elpee.
« Rut & Nuzzle » ouvre l’opus. Il transporte d’emblée l’auditeur dans un univers sonore brumeux, cotonneux, que traverse la voix de soprano tout en apesanteur de Daniela. Tintements de cloches et accès de violon colorent « Ambergris », une plage imprimée sur un tempo hypnotique. Une rencontre entre la magie et l’élégance… Si le reste du long playing n’atteint plus de tels sommets, il n’en demeure pas moins excellent, à l’instar de « Membrillo », chanson balisée par sa chorale spectrale et céleste. Une bien jolie et tardive découverte que ce « Long Live ». Reste à savoir maintenant, s’il est nécessaire de m’offrir un séjour au ski, pour m’évader…
Derrière Sin Fan se cache un certain Sindri Már Sigfússon qui délivre ici son second recueil, trois ans après « Clangour », publié à sa sortie sous le sobriquet de Sin Fang Bous. Sigfússon n’est pas tout à fait inconnu aux yeux des aficionados d’Indie Rock puisque le bonhomme est également la figure de proue de Seabear. Chez Sin Fang, l’Islandais se fait plaisir, expérimente et propose une pop sinueuse et estivale, aux couches multiples, à la Mercury Rev. Mais un Mercury Rev qui, avant de pénétrer dans le studio, se serait envoyé toute la discographie d’Animal Collective.
Tout comme Seabear, Sin Fang est, originellement, un projet solo qui s’est rapidement développé. La formation compte également aujourd’hui des membres de Seabear, Amiina et Múm. Ce qui permet à Sigfússon de donner plus de profondeur à son projet. « Summer Echoes » est un LP assez arty qui exige plusieurs écoutes avant de révéler tous ses secrets. Une fois accoutumé, il enfonce un large crochet à la base du crâne de l’auditeur, histoire de le retenir fermement. « Slowlights », « Rituals » « Because Of The Blood » ou « Nothings » sont les arguments les plus probants d’un disque qui porte parfaitement son nom.
Rencontre improbable au sein de l’univers de la musique. Jamie, claviériste et producteur du buzz de l’année 2010, The xx, s’est associé au revenant et celui que l’on donnait tous pour mort, le légendaire Gil Scott-Heron. Après avoir commis l’exceptionnel « I’m New Here », qui replaçait Heron sur le droit chemin, le jeune et talentueux Jamie Smith s’est mis dans la tête de reconstruire le chef-d’œuvre du roi du spoken word. En recomposant les mélodies, le jeune Briton s’est aventuré sur un terrain miné. Finalement le prodige s’en sort sans encombre.
Suite à « I’m New Here », caractérisé par son intro lyrique et au cours duquel la voix enfumée du New yorkais se pose admirablement sur des sonorités aux réverbérations engagées, « Home » flirte avec des beats dubesques et minimalistes créant ainsi des effets sombres tout à la gloire des deux artistes. La pépite « NY Is Killing Me » n’est pas sans rappeler Skream ou encore Benga ; et enfin beaucoup plus pop et rythmique, « I’ll Take Care Of U » est à l’opposé de Gil Scott-Heron, un titre au groove remuant et synonyme d’espoir.
Jamie xx réalise là un beau coup. Ses remixes restent sobres et le fil conducteur n’est jamais perdu. Gil Scott-Heron est bien cerné, une situation qui semblait pourtant utopique. Alors rien que pour ça, respect !
Cet album a été enregistré au cours des derniers jours de l'année 2007, au sein du studio Pacifica, à Culver City, près de Los Angeles. Il n'est sorti que durant l'été 2009. Née en 1998, cette formation avait commis un premier opus en 2001, intitulé "Big Fat mama", mais sous le patronyme de Pork Chop Tom & Nighttrain. Et un second en 2004, "On the right track". De son véritable nom Tom Gonzales, Pork Chop Tom en est le leader. Agé de 42 balais, il est chanteur et harmoniciste. Il est soutenu par le guitariste Joe Conde, le bassiste Kenny Huff et le drummer Mark Vasapolli.
L’elpee s’ouvre par "Four eyed Jack", un blues de bonne facture et bien rythmé. Joe y célèbre son riff. Tom ne dispose pas d’une voix transcendante, mais elle colle bien à son répertoire. Joe tire déjà son épingle du jeu lors de cette mise en bouche. Les échos réverbérés des bayous louisianais hantent "Ride in my Coupé Deville". Nous sommes ici assez proche des compos les plus rythmées de Slim Harpo (NDR : pensez à "Scratch my back"). Conde y excelle à nouveau. "Swoop down baby" nous entraîne enfin dans ce west coast jump si prisé du côté de Los Angeles. Joe Conde a bien écouté les gloires locales : Holywood Fats, Junior Watson, Alex Schultz,… Empruntant un motif usuel de Magic Sam, "Just a fool this time" prend ses quartiers dans le Westside de Chicago. Tom sort son harmonica de sa poche, et se met à souffler en rythme. Imprimé sur un tempo enlevé, "Had me a girl" est un blues très bien ficelé. Très en verve, Joe s’y révèle très inspiré et décoche quelques flèches qui font mouche. Conde signe "Tailspin", un instrumental très swing, réminiscent du jazz manouche de Django Reinhardt. PCT attaque le "Big boss man" de Jimmy Reed, un classique du blues au rythme immortel. La six cordes et l’harmo en profitent pour se réserver quelques bons moments. Tracé sur l’axe Chicago – L.A. "I remember when" est un blues rythmé de bonne facture, caractérisé par des interventions de gratte généreuses. Long slow blues, "The best I can " est introduit par la basse de Kenny, une compo finalement sans grand relief, au cours de laquelle Tom aurait pu injecter davantage de feeling. "You don't love me" est un superbe shuffle. Il s’éclate enfin sur son harmonica avant que Conde ne l’imite à son tour sur son manche. Manifestement, les musicos prennent ici leur pied. Plage instrumentale, "Canyon city boogie" trempe dans le jump. Tom souffle dans son instrument chromatique à la manière du génial Georges ‘Harmonica’ Smith. Conde est omniprésent tout au long du tonique "Never twice". Brève, la finale est à nouveau instrumentale. Un blues, ma foi, fort inspiré. Intitulée "Like it hurts", cette plage est le théâtre d'un ultime échange entre l'harmonica et la guitare.
De l’époque ‘grunge’, ne subsistent plus aujourd’hui qu’Alice In Chains et Pearl Jam. Les autres cherchent à survivre ou ont totalement disparu de la circulation. Ces deux formations sont aussi celles qui sont parvenues le mieux à faire évoluer leur musique, même s’il faut reconnaître, qu’elles ne sont plus très prolifiques.
Pour fêter ses 20 années d’existence, Pearl Jam a donc décidé de publier un album live. 18 titres puisés parmi 250 concerts accordés entre 2003 et 2010. Le tout remasterisé par leur ingé du son, Brett Eliason. Parmi le tracklisting figurent la plupart des classiques du groupe, "Alive", "Animal", "I Am Mine", "Jeremy", "Nothing As It Seems", "Spin The Black Circle", "World Wide Suicide", etc., et quatre titres du dernier opus, “Backspacer” ("Just Breathe", "The Fixer", « Got some », « Unthought known »), paru en 2009. Sans oublier les deux covers. Soit "Arms Aloft" des Mescaleros, le groupe du défunt ex-Clash, Joe Strummer, et "Public Image" de l’inévitable P.I.L. Bon, tout ça c’est bien beau, mais il s’agit déjà de leur 7ème elpee ‘live’. Et si l’ensemble tient parfaitement la route, on aimerait quand même que la bande à Eddie Vedder nous ponde un nouveau cd studio. Ca nous manque…
Il n’y a rien de tel que le heavy rock psychédélique typé ‘seventies’ pour faire flipper votre serviteur. Les instruments vintage, les rythmes down-tempo, les guitares poisseuses et les improvisations délirantes ; rien que d’y penser mes oreilles en frissonnent. A priori Pater Nembrot est taillé pour me plaire. Un trio italien qui, d’après sa bio, aime mélanger les atmosphères ondulées, les rythmiques lentes et groovy, les réverbérations mélodiques et l’attitude psychédélique, c’est ce qui devrait le faire. Pourtant, sans pouvoir l’expliquer, j’ai beau écouter et réécouter « Sequoia Seed », le nouvel album du combo, pas moyen d’y accrocher.
Est-ce le son un peu trop nébuleux des guitares ? Peut-être. Ou alors les vocaux monotones qui ne se détachent pas vraiment de l’ensemble ? Ces explications tiennent vraisemblablement la route. Le groupe est d’ailleurs bien meilleur lorsqu’il se contente d’évoluer en mode instrumental. Peut-être encore sont-ce les réminiscences grunge avouées qui me dérangent au plus haut point ? Probablement. Car le rock ado colérique ne fait, à mon sens, pas très bon ménage avec la béatitude psychédélique.
Bien sûr, tout n’est pas à jeter sur cet elpee. On y rencontre même quelques très bons moments : les longues jams de guitare, l’orgue Hammond jouissif sur « H.A.A.R.P. » et la longue suite spatio-psychédélique de « No Man’s Land » mériteraient que l’on jette une oreille sur « Sequoia Seed ».
Trois Bordelais rencontrent un drummer américain à Berlin et décident de fonder un groupe. Résultat des courses ? Difficile à imaginer. Par contre, le combo décrit sa musique comme le fruit d’un mélange entre a capella, dub et trance. Ben, pourquoi pas !
Après avoir écouté une première fois cet elpee, je me suis demandé si ce quatuor ne cherche pas à se foutre de notre fiole, tant leur mixture est déjantée et sans la moindre ligne de conduite. Pourtant, au fil des écoutes, on commence à accrocher aux morceaux. Les guitares stridentes (« Rolling On »), le climat psyché (« Craig Machinsky »), le format punk (« Brainwashed »), le chant délirant de Luvinsky Atche et les lignes de synthé surnaturelles débouchent finalement sur une solution sonore atypique, mais surtout intéressante et jouissive. Des comparaisons hasardeuses ? Deerhof ? Liars ? Mais en plus tribal. Une chose est sûre, Paris Suit Yourself nage dans un no man’s land musical.
Paris Suit Yourself est certainement l’un des groupes les plus originaux découverts en ce début d’année. Espérons qu’ils se produisent bientôt près de chez nous ; d’autant plus que, paraît-il, leurs sets sont, à l’image de leur musique, dévastateurs…
The Go ! Team venait présenter son troisième opus, « Rolling Blackouts », ce mercredi 23 mars, à l’Orangerie du Botanique. J’avais pu assister à un de leurs sets, dans le cadre du festival Pukkelpop, il y a quelques années ; un set excitant, énergique, au cours duquel la bande à Ian Parton était parvenue à mettre le feu, en balançant des brûlots lo-fi terriblement efficaces.
Ok Cowboy assure le supporting act. La formation bruxelloise a la délicate mission de chauffer la salle qui attend impatiemment la tête d’affiche. Pas un cadeau ! Et pourtant, emmené par le redoutable Bineta Saware, le quatuor se débrouille plutôt bien. Imprimé sur une rythmique quasi-disco, son rock poisseux et pourtant pas toujours accessible séduit l’audience. Faut dire que le charisme de leur chanteuse au timbre soul y est aussi pour quelque chose, une voix qui me fait d’ailleurs parfois penser à celle de Lisa Kekaula des BellRays. Et à l’issue de leur dernier morceau (NDR : que j’intitulerai « Dance »), une compo caractérisée par son irrésistible montée en puissance, le public les acclame. Une belle découverte !
Sur le podium, on remarque la présence de deux batteries. Elles sont décorées de néons fluo étoilés et donnent le ton : ce soir on est là pour s’amuser, faire des bonds et pas pour se prendre la tête. Vers 21h, l’ouragan venu de Brighton souffle enfin sur la scène. Le guitariste et le bassiste ont un look grunge. Et ils entrent immédiatement dans le vif du sujet pendant que les drummers canalisent toute l’énergie du show. Un démarrage sur les chapeaux de roues ! Ninja, la diva hip-hop balance son flow très british. Elle ne manque pas d’aplomb et son bagout est impressionnant. Kaori passe du clavier à la basse ou au chant (« Secretary Song ») avec une aisance déconcertante. Les musiciens semblent prendre leur pied sur les planches. Manifestement, le public apprécie ce mélange vivifiant de rock, hip et électro. Et il s’amuse ! Difficile d’ailleurs de résister aux nouveaux tubes du band insulaire, comme « Ready to Go Steady », « Rolling Blackouts » et « Apollo Thowdown », extraits du dernier album. Dommage que les balances ne soient pas au point. En outre, pour pouvoir percevoir les subtilités des compos du groupe, il est nécessaire de bien connaître leur répertoire. Et le spectateur lambda pourrait avoir l’impression d’entendre le même morceau tout au long de la soirée. A contrario, celui qui suit le parcours de la formation, depuis quelques années, se demande quand même si The Go ! Team n’a déjà pas fait le tour de la question. Parce que ce set ne suscite plus le même enthousiasme chez le véritable mélomane. Bref, si le groupe n’a pas failli à sa réputation de machine de scène, son show est tellement sur rails, qu’il ne parvient plus à surprendre…
(Organisation Botanique)
Dans le cadre des soirées découvertes organisées au Botanique, se déroulait, ce mardi 22 mars, le concert du groupe danois Treefight For Sunlight. Inconnu au bataillon pour beaucoup, le groupe récolte néanmoins des échos favorables auprès de la presse spécialisée. D’autant plus qu’il est régulièrement comparé à Animal Collective, Panda Bear ou encore MGMT. En outre, pour la modique somme de 7 euros en prévente (5 euros si vous disposez de la Botacarte), il n’y avait vraiment pas de quoi faire la fine bouche…
La formation se produit au Witloof Bar, salle aménagée au sous-sol du Botanique. Esthétique, sympathique, chaleureuse, elle est peu adaptée à l’auditoire. Et pour cause, si vous avez la malchance de ne pas débarquer parmi les trente premiers spectateurs, vous risquez fort de devoir assister au concert, soit derrière une imposante colonne de pierres, soit sur un des côtés de la scène. Dommage que le set ne se soit pas déroulé à la Rotonde…
Une petite centaine de personnes s’est donc déplacée ce soir pour assister à leur prestation. Pas mal pour un groupe qui se produit pour la première fois en Belgique et dont l’album est pratiquement passé inaperçu (NDR : manque de promo ?)
Vers 20h30, Treefight For Sunlight entre en scène. Le line up réunit un guitariste, un drummer, un bassiste et un claviériste. Ils sont jeunes. Mais la caractéristique principale du combo, ce sont les harmonies vocales. Elles se conjuguent à merveille, suivant une technique particulière. Les quatre membres chantent, mais entament les morceaux chacun leur tour, laissant progressivement les autres venir le rejoindre, de manière à communiquer une sensibilité différente à chacune des compos. Les Danois me font même parfois penser à Midlake ou Fleet Foxes. Les morceaux s’enchaînent assez facilement. Plutôt réservés en début de set, les musicos prennent de l’assurance au fil du temps, et s’autorisent même quelques traits d’humour en fin de spectacle.
Après une petite heure de show, le combo se retire. Le public est conquis. La pop ensoleillée, légèrement psychédélique de Treefight For Sunlight a fait mouche. A mon humble avis, on devrait bientôt entendre, à nouveau, parler de cette formation. Et en bien…
(Organisation Botanique)
Samedi soir, au Splendid de Lille, Puggy avait vraisemblablement décidé de jouer sous le signe de Venus… pas vraiment pour la planète mais plutôt pour la déesse de l’amour et de la séduction. Un public ou plutôt un harem impressionnant d’adolescentes, fans jusqu’au bout des ongles, des ombres et des ondes, s’était amassé dans la salle lilloise. Tous les GSM, appareils photos étaient sortis pour filmer et ne rien rater de la prestation des étoiles montantes de la prestigieuse nouvelle scène Rock. Une ambiance tamisée agrémentée de chansons interactives régnait, laissant entendre les chœurs du public s’élever jusqu’à en effleurer la voix aérienne de Matthew Irons.
« How I needed you » n’a pas failli à sa réputation de dernier grand succès. A peine l’intro du morceau entamée, et les trois premières notes de guitare jouées, le public, tel une comète proche d’entrer dans l’atmosphère de la planète Puggy, a brûlé d’une flamme vivifiée.
Une pluie de météorite s’est, par la suite, abattue sur la salle, le groupe enchaînant ses succès comme on enchaîne les perles d’un collier. « When you know », « I Do », « Out of Hand » ou encore « We Had it Made », pour ne citer qu’eux, nous en ont fait connaître un peu plus sur l’univers Puggy.
Une chose est d’ores et déjà sûre : Puggy c’est explosif et, peu importe où leur caravane passe, ils laisseront une trace indélébile sur les murs, pourtant déjà maculés de prestations de haute voltige, de la galaxie musicale régionale et nationale. Samedi, j’ai découvert une nouvelle constellation ; et si elle ne brille pas encore pour tous, ce n’est qu’une question de temps.
(Organisation Verone Production)
Shugo Tokumaru est un véritable orfèvre de la pop. Jusqu’ici ses travaux étaient restés assez confidentiels. Une erreur que le label Souterrain Transmissions propose de réparer en délivrant « Port Entropy », le quatrième labeur du Japonais. Et il prouve une fois encore qu’il a absolument tout compris lorsqu’il s’agit de créer la chanson indie-pop immédiate et irréprochable. Légères, pastorales, raffinées, chacune des 12 comptines de ce nouvel LP inspire une surenchère d’épithètes louangeuses.
Tokumaru, souvent comparé à Sufjan Stevens, propose un disque qui mérite d’autant plus le respect qu’entièrement concocté à la sauce DYI (do it yourself). Le travail de production à lui seul démontre toute l’étendue du talent du trentenaire. Outre « Malerina » et « Orange », deux morceaux gravitant au cœur d’univers opposés tout en se complétant naturellement, « Straw », « Drive-Thru », « Rum Tree » sont les moments forts d’un disque quasiment impeccable. A l’heure du retour des rayons de soleil, « Port Entropy » s’avère providentiel.
Ce 5 avril à la Rotonde du Botanique.
Difficile à croire, mais Templo Diez est un groupe qui nous vient tout droit de La Haye. Pourtant, à suivre notre instinct, on serait tenté de croire que ce sextet débarque des plaines désertiques américaines. Il faut dire que Templo Diez sonne davantage comme Giant Sand que Dick Annegarn. « Greyhounds » constitue en fait le quatrième album de la formation, il fait suite à une trilogie entamée dès 2003 (« Hoboken », poursuivie en 2006 (« Winterset ») et achevée en 2009 (« Merced »).
Après m’être renseigné à leur sujet, ce dernier opus semble être leur plus abouti et leur plus complet. Celui sur lequel l’influence américaine est la plus évidente. Si certains morceaux rappellent Giant Sand, d’autres sont résolument plus sombres évoquant davantage Woven Hand voire Swans. Et je pense tout particulièrement à « Holler 2# ». De plus, la conjugaison des voix féminines et masculines, sur certains morceaux, apporte une autre dimension à l’expression sonore. Plus langoureuse, plus atmosphérique. A l’instar de « Fine As Powder ». Ces Hollandais prouvent qu’il n’est pas nécessaire de se rendre de l’autre côté de l’Atlantique pour rencontrer d’excellents groupes de folk rock.
« Greyhounds » constitue un retour à la vie pour Templo Diez. Et pour cause, leur claviériste est décédée en décembre. Le combo a donc traversé une période difficile et inactive, avant de revenir sur la scène musicale. Templo Diez aurait l’intention d’entamer une nouvelle trilogie. Elle est entamée de manière magistrale…
L’annonce de la sortie d’un nouveau Rhino Bucket est toujours une excellente nouvelle. Surtout si l’on est fan de hard rock et qu’on préfère AC/DC dans sa période Bon Scott. Car c’est le style pratiqué par Rhino Bucket depuis sa formation à la fin des eighties : du hard rock, comme le dispensait le combo aussie, à l’époque de Bon Scott.
Depuis 2006, Rhino Bucket effectue un retour discret mais efficace. Bien sûr on est loin du succès des débuts. En 1990, le groupe était signé par Warner Bros. Ses disques étaient produits par Terry Manning (Led Zeppelin, ZZ Top). Le single « Ride with Yourself », extrait du second album « Get Used to It », s’était même retrouvé sur la B.O. de ‘Wayne’s World’ en compagnie de titres de Cinderella, Queen et Alice Cooper. En 1994, pour l’album « Pain », c’était Simon Wright, l’excellent batteur chauve d’AC/DC et de Dio qui tenait les baguettes. Et puis silence radio. Plus de nouvelles jusqu’aux rumeurs de formations colportées au début des années 2000. Mais il faut encore attendre 2006 pour avoir enfin une confirmation discographique de ce retour. L’album « And Then It Got Ugly » marque aussi l’arrivée d’un nouveau guitariste. Oh, pas un inconnu puisqu’il s’agit de l’excellent Brian ‘Damage’ Forsythe, jadis sixcordiste chez les excellents Kix.
En 2009, « The Hardest Town » (chroniqué sur Musiczine) confirme l’excellente santé du combo. La voix de Georg Dolivo rappelle toujours autant celle de Bon Scott et son tandem guitaristique avec Forsythe est aussi excitant que celui des frères Young. En 2010, Rhino Bucket joue pour la première fois de sa carrière sur le Vieux Continent. Peu après cette tournée européenne, le combo retourne en studio, en compagnie de Doug Boehm (Fireball Ministry, Danzig, The Vines), afin de mettre en boite son sixième opus : « Who’s Got Mine ? »
« Who’s Got Mine ? », sans être décevant, ne deviendra pas notre album préféré du quatuor. Le hard rock des ‘Buckets’, confié aux manettes de Doug Boehm, semble un peu moins ‘couillu’ que par le passé. La patte AC/DC, toujours bien présente, souffre un peu d’une production trop léchée, plus adaptée à des formations rock’n’roll telles que les Rolling Stones ou les Vines. Ce disque est pourtant loin d’être de mauvaise facture et des titres comme « Drive Thru Liquor », « Message In A Bottle » ou « Hollywood & Wine » donnent toujours autant envie de se secouer les cervicales. Un peu plus de pèche, cependant, aurait fait notre bonheur.
La naissance des Ratboys remonte au 2 août 2008. Lors d’une belle soirée d’été. Nous sommes à Lokeren. Comme chaque année, à la même époque, la ville flamande s’est transformée en capitale belge du rock’n’roll. L’atmosphère est propice aux retrouvailles. Sur scène, les Sex Pistols, fraîchement ressuscités, renouent (comme l’ont fait quelques heures plus tôt les Buzzcocks et les New York Dolls) avec un public belge déchaîné.
C’est dans cette ambiance survoltée qu’Eric (chant et guitare) retrouve Vincenzo (basse et chant). Ces amis de longue date s’étaient perdus de vue depuis une dizaine d’années. L’énergie punk des ‘Pistols’, le savoir faire rock’n’roll des ‘Dolls’ et probablement quelques litres de houblon liquéfié réveillent chez nos deux amis des instincts primaires de rock’n’rolleurs. ‘Il faut absolument que nous formions un groupe’ ! Le pacte est scellé. Les Ratboys sont nés.
Babba est recruté pour la batterie, Manu pour la seconde guitare. Le quatuor ainsi formé se lance dans la composition de titres qu’il ne tarde pas à mettre en boîte. Trois jours de studio suffisent aux garçons-rongeurs pour soumettre les bandes du futur « Cash Gas & Trash » au mixage professionnel de Pierre Vervloesem (dEUS). L’album terminé, il faut encore trouver un deal. Il se concrétise au printemps 2010. C’est le label américain Brutarian Music qui distribuera la galette.
Si la naissance des Ratboys est directement imputable aux amours coupables entre les ‘Poupées de New York’ et les ‘Pistolets du Sexe’, c’est du côté des Ramones que les Bruxellois sont allés chercher l’inspiration. Sur la pochette, le choix des pseudos ‘familiaux’ (Ratboy Ricky, Ratboy Vince, Ratboy Baba et Ratboy Manu) évoque indéniablement le style des New Yorkais. Mais la ressemblance ne s’arrête pas en si bon chemin, puisque la musique a aussi été touchée par l’esprit de Dee Dee, Johnny et Joey. Le chant nasillard d’Eric (‘Ricky’) évoque davantage Joey Ramone que Johnny Rotten. Difficile aussi de nier qu’un titre comme « Backseat Angel » doive beaucoup plus à « Suzy is a Headbanger » qu’à « Anarchy In The UK ».
N’en déduisez pas que The Ratboys constitue une copie carbone des Ramones. Loin de là. Si le punk rock endiablé de la seconde partie des seventies constitue l’ossature des compositions des ‘boys’, elles sont aussi flanquées d’une bonne dose d’énergie garage rock. Ah, cet orgue fleurant bon les sixties sur les excellents « Hollywood Summer », « Coconut Jane » et « Going Back To School » : un pur délice !
Fans des Ramones, des Pistols, de New York Dolls, de Johnny Thunders ou tout simplement de très bon rock’n’roll, vous savez déjà ce qu’il vous reste à faire !
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