La bio le mentionne : Terror est prêt à jouer n’importe où si il y a quelqu’un pour les écouter. Festivals, squats, mariages ou communions : vous les invitez, ils sont déjà là. Le combo compte dix années d’existence et accorde une moyenne de 300 concerts par an. Il s’est exposé à tous les publics et a joué en compagnie de formations aussi différentes que Behemoth, Hatebreed, Strung Out, Lamb Of God ou Bouncing Souls.
Cependant, si cette petite introduction vous a mis la puce à l’oreille, en vue d’organiser la communion du petit, sachez qu’il y a quand même deux soucis majeurs pour pouvoir profiter d’une prestation à domicile de Scott Vogel (chant) et de son orchestre. D’abord, le quintet est originaire de Los Angeles ; bref, ce n’est pas la porte à côté. Inviter le groupe à la salle paroissiale risque d’entamer sérieusement votre budget. Deuxièmement, il est vraiment peu probable que la musique dispensée par ces Californiens plaise à Tonton Bernard et à Tatie Lucette. Sauf, si d’aventure, ces derniers sont à fond dans le hardcore voire, à la rigueur, dans le thrash métal.
« Keepers Of The Faith », le cinquième album de Terror, est sorti fin août chez Century Media et, quelles que soient les conditions météorologiques en cette période de rentrée scolaire, on peut dire que, sur nos platines laser, il fait encore et toujours très très chaud. Trente trois petites minutes (c’est la durée de l’album) en compagnie de Terror suffiront même à transformer votre t-shirt en une véritable serpillère humide. En treize titres intenses où les guitares crachent des riffs aussi lourds que speedés et où la basse percute les tympans à la manière d’un marteau pilon, l’ami Vogel éructe son désaccord avec tout ce qui le dérange dans la société actuelle. Le gaillard fait la leçon aux politiciens en utilisant les mêmes outils didactiques que ses confrères de Hatebreed, Agnostic Front ou Madball : le pavé sonique dans la tronche, c’est sûr que ce geste ferait réfléchir nos dirigeants, si, par chance, ils écoutaient du hardcore.
Le son de « Keepers Of The Faith », concocté par Paul Minor (Death By Stereo) et Matt Hyde (Slayer, Hatebreed), est percutant et incisif ; souvent à la limite du thrash métal. Martin Stewart et Jordan Posner, les deux six-cordistes, se fendent même de quelques soli de guitares, rares, mais rudement efficaces.
Vous l’aurez compris, inviter Terror à la grande fête du gamin risque de plomber un peu l’ambiance. Il vous faudra donc vous contenter de suivre l’exemple de votre serviteur, et d’écouter « Keepers Of The Faith » en boucle. Ou alors, à la limite, d’aller danser un joyeux ‘circle pit’ en leur compagnie, le 26 septembre prochain au Hof Ter Lo (Trix) de Borgerhout lors de leur prestation que la formation accordera dans le cadre du ‘Hell On Earth Tour 2010’.
Dial P For Panic est un groupe bien de chez nous, puisque ses membres sont originaires des villes de Genk et Leuven (NDR : si, je vous assure, c’est encore en Belgique).
En 2006, trois membres du défunt combo hardcore One Man March –Bart (chant), Kristof Geutjens (guitare) et Dennis Smolders (batterie)– s’associent à Geert Janssens (guitare) et Martijn Meyers (basse) pour créer un groupe célébrant leur passion commune pour le heavy rock. S’ensuit le cycle habituel du parcours de tout groupe rock qui se respecte : répétitions, concerts, enregistrement d’une démo, changement de line-up (exit Bart, welcome Erick de Deyn), avant d’en arriver à la sortie d’un Ep sept titres éponyme absolument indispensable.
Du passé hardcore de nos amis Flamands, il ne reste plus vraiment grand-chose. Par contre, l’influence avouée du heavy rock millésimé seventies est, quant à elle, carrément palpable. Avouée l’influence ? Oui, mais aussi ingurgitée et adaptée au goût du jour. Ainsi, chez Dial P For Panic, les guitares heavy du Sabbath Noir et du Grand Funk Railroad sont savamment mélangées aux sons plus actuels du stoner rock ‘arizonien’ d’un Queens Of The Stone Age ou d’un Kyuss, voire même au garage rock de The Hives ou The Datsuns. Ce petit déluge de décibels vogue savoureusement au gré d’une section rythmique jouissive.
Bonne nouvelle : ce monument musical de notre nation branlante est disponible pour la somme ridicule de 7 € (frais de port non compris) à l’adresse e-mail suivante : Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. . A ce prix là, il est carrément anticonstitutionnel de s’en priver !
Cinq ans sans nouvelles des Spiritual Beggars (NDR : « Demons », le dernier album studio, est sorti en 2005) : le temps commençait à se faire long. Il faut dire que les musiciens du groupe suédois sont tous très occupés, sur d’autres projets. Michael Amott (Guitare) et son Arch Enemy tournent depuis plus de deux ans ; en outre, il a aussi passé du temps pour réactiver la carrière de son premier amour extrême : Carcass. Lorsqu’il n’accompagne pas Leif Edling (Candlemass) et Krux, Per Wiberg (Orgue Hammond) se charge d’affiner le son d’Opeth. Sharlee D’angelo, le mercenaire de la basse, milite chez Arch Enemy et Witchery depuis que Mercyful Fate est en ‘stand-by’. Ludwig Witt, a siégé derrière les fûts pour les blacks métalleux suédois de Shining, tout en flagellant les peaux du combo classic rock Firebird. Quant à JB (Vocaux), il a décidé d’abandonner définitivement le navire pour se consacrer uniquement à Grand Magus, son groupe principal. Son remplaçant, Apollo Papathanasio, mi-grec/mi-suédois est issu du combo métal hellénique Firewind. Celui-ci est décidément un vivier de talents puisque que Gus G, le nouveaux six-cordiste d’Ozzy Osbourne, y a opéré ses premiers pas.
Prévu pour fin août 2010, « Return To Zero » sera le septième opus des Spiritual Beggars. Petit à petit, Amott et ses sbires continuent de transformer leur chenille en en merveilleux papillon. Au rock/métal stoner des débuts se substitue désormais un classic hard rock sublime qui fleure bon les seventies.
Le brassage tendancieux de l’orgue Hammond de Per Wiberg et des soli dantesques de Michael Amott évoque les joutes célèbres de deux autres duellistes : Jon Lord et Ritchie Blackmore. Cette impression d’assister au retour du Deep Purple Mark III, ou même de Whitesnake et Rainbow est encore accentuée par le timbre de voix d’Apollo Papathanasio qui rappelle tour à tour David Coverdale, Ronnie James Dio et Graham Bonnet. De leurs débuts stoner, les ‘Mendiants Spirituels’ ont toutefois gardé le sens du riff pachydermique inspiré de l’œuvre du grand Tony Iommi. Si Purple et Sabbath constituent manifestement les influences principales du groupe, il semble aussi évident qu’UFO et surtout Michael Schenker aient laissé une marque indélébile sur la patte ‘guitaristique’ de Michael Amott. Le titre « Concrete Horizon », pourrait d’ailleurs avoir été extrait de la discographie solo du génial six-cordiste allemand.
Comme c’était déjà le cas pour « On Fire » (2002) et « Demons » (2005), « Return To Zero » a été produit par Michel Amott en collaboration avec Rickard Bengtsson (Armaggedon, Last Tribe, Tristitia, Arch Enemy). La version digipack limitée inclura une reprise du classique « Time To Live » d’Uriah Heep.
Comme le bon vin, les Spiritual Beggars s’améliorent au fil de l’âge. Ces musiciens, presque tous issus des milieux les plus extrêmes du métal, sont parvenus à capturer l’essence du rock des seventies et la restituent tout au long d’un opus qui fait déjà office de futur classique du groupe.
Ambassadeur du disco, Dimitri From Paris constitue une référence incontournable dans l’exercice du remix. Mais il a surtout un pif inouï pour dénicher les perles musicales issues des 60’s et 70’s. Ses compilations (« Disco Forever », « Night Dubbin’ », etc.) en sont les plus belles illustrations ; des recueils qui ont toujours été prisés tant par le particulier que pour alimenter les dancefloors. Pour ce nouveau tome, le Français, a décidé de s’attaquer au disco/funk et le résultat est à la fois probant et excitant.
Le Philly Sound est un courant issu de l’imagination de Gamble et Huff, deux producteurs géniaux qui reposent désormais dans le Rock and Roll Hall Of Fame. Une forme de soul caractérisée par des influences funk et enrichi d’arrangements de cordes et de cuivres. C’est en quelque sorte la genèse du disco. Le duo a décroché la bagatelle de 170 disques d’or et de platine. Et sans eux, ce style musical n’aurait sans doute jamais connu le même engouement. Ni peut-être même vu le jour… Si vous ne connaissiez Philadelphie qu’à travers Rocky, The Roots ou encore Will Smith, il serait peut-être temps que vous vous informiez sur le rôle joué par ces deux génies. Et sur ce « Get Down With The Philly Sound », Dimitri From Paris leur rend un bien bel hommage. En outre, un des deux disques a été entièrement remixé et édité par le Frenchy. Que du bonheur pour les oreilles ! De cette compile j’épinglerai néanmoins deux titres. Tout d’abord le « Living Together » des Jacksons, alors fraîchement débarqués de la Motown pour rejoindre Gamble et Huff. DFP est parvenu à lui rendre une nouvelle jeunesse, tout en respectant la version originale. Et le résultat est hyper dansant ! Le « Bad Luck » de Harold Melvin & The Bluenotes, ensuite. A cause de ces subtiles nappes de cordes et de cuivres. Et puis de ce groove saisissant. Faut dire qu’il s’agit aussi du collectif le plus notable du label. Et Monsieur Melvin se pose comme un instrument distinct qui dicte l’orchestration ! Grandiose ! Le reste vaut son pesant de surprises. Parmi lesquelles on relèvera la présence d’artistes talentueux, mais totalement inconnus. Enfin, le booklet est enrichi de notes et d’interviews dont la publication avait probablement dû échapper, à l’époque, à pas mal de monde. Que demande le peuple ?
Et un duo, un de plus !!! Il réunit deux frères (NDR : de véritables frangins !), Ashton et Caleb Bird. Ils nous viennent de l’Illinois. Barbu, Ashton se charge des drums. Calb de la six cordes. Leur premier Ep, « Reservation », était paru l’an dernier. Il avait été très bien accueilli par la critique ; ce qui avait permis au tandem d’assurer les premières parties de Big Business et de Tool. Leur premier elpee vient de sortir. Et il est éponyme. Une œuvre qui a bénéficié du concours de la mise en forme de deux producteurs. En l’occurrence Dale Croover de Deaf Nephews et de Yoshi Yasai des Melvins.
L’opus ne s’étale que sur 25 minutes. Mais il manifeste une urgence, une violence, une hargne et une puissance considérables. Tout en se frottant au psychédélisme. Un peu comme si on assistait à une rencontre hypothétique entre Black Keys, Black Sabbath et Queens Of the Stone Age. Les vocaux sont souvent acérés et nerveux. Les riffs de guitare sont lourds et hypnotiques (NDR : les excellents « Tunneling Through » et « Beyond »). Et puis, un saxophone vient régulièrement faire son apparition dans le jeu de quilles. Notamment sur l’halluciné « A Sun/ Ahh Ahh » et le jazzyfiant « Distant Airways ». La plupart des plages libèrent une dose phénoménale d’énergie. A l’instar de Japandroids, White Stripes ou The Black Box Revelation, le combo yankee démontre que le nombre n’influe pas sur l’intensité. Tweak Bird se produira à l’AB en première partie des excellents Black Mountain, le 5 octobre prochain. A ne pas rater donc.
Les tourbières russes brûlent depuis quelques semaines ; mais ne comptez pas sur Someone Still Loves You Boris Yeltsin pour éteindre l’incendie à l’aide de leur combustible sonore. Car leurs morceaux sont ‘tout feu tout flamme’. Ce groupe au patronyme interminable a donc décidé de rappeler à notre (bon ?) souvenir, cet ex-président russe, grand amateur de vodka, décédé le 31 décembre 1999. A moins qu’il ne cherche à redorer son blason…
Ce quatuor nous vient de Springfield, dans le Missouri. « Let It Sway » constitue son 3ème album. Il fait suite à « Broom » et « Pershing », publiés respectivement en 2005 et 2008. Le combo jouit du soutien de la presse spécialisée, depuis ses débuts ; et en particulier de Spin Magazine et Pitchfork. Pour enregistrer ce nouvel elpee, SSLYBY a reçu le concours de Chris Walla, à la mise en forme. Un producteur responsable des plus belles pages écrites par Death Cab for Cutie et The Decemberists. Un coach de rêve. Le José Mourinho de la division indie-pop en quelque sorte ! Et le résultat est à la hauteur. « Let It Sway » regorge de mini-tubes tels qu’« In Pairs », « All Hail Dracula » ou « Sink/Let it Sway ». Bien sûr, l’influence de Weezer est palpable ; et en particulier sur « Phantomwise ». Mais au moins, le band pallie partiellement le relatif manque d’inspiration des Californiens, constaté au cours de ces dernières années. Et puis leur son est rafraîchissant. Sans oublier un art à ficeler des mélodies power pop aux paroles mélancoliques (‘I can’t believe you haven’t killed me yet’, clame joyeusement le chanteur, Philipp Dickey). Un très chouette album ! A découvrir le 12 octobre au Democrazy de Gand ou au Stuk de Louvain, le 14 octobre.
‘I know there’s potential’ sont les premiers mots balancés par Katie Harkin, chanteuse et leader de ce trio issu du Yorshire, sur cet album appelé à les propulser au devant de la scène. Pas faux ! Du potentiel, ces trois là en recèlent apparemment. Leurs chansons sont inventives, diablement entraînantes, fichtrement bien amorcées. Ça balance d'un coin à l'autre de cet elpee d'excellente facture. La presse anglaise est enthousiaste, et si elle n'avait pas cette fâcheuse tendance à encenser tout et n'importe quoi, on la suivrait bien sur ce coup là. « Kaleide » est richement fourni de mélodies bien troussées, de rythmes un brin martiaux, mais qui évitent habilement toute répétition lassante et en font un ensemble homogène et efficace. Le timbre de voix et l'accent ne sont pas sans rappeler une autre Kate (Nash), l'orgue et les gimmicks guitares les meilleurs moments d'une certaine Brit-Pop (NDR : celle qui fraye avec l'indie outre-Atlantique, pas celle qui s'autoproclame nombril du monde) ; et le tout sonne comme une cascade de jouvence dans une oasis de fraîcheur. En outre, leur enthousiasme est communicatif. Bref, cette jeune pousse et ses acolytes pourraient bien faire parler d'eux, dans les mois à venir. Jouissif !
La popularité de ce gratteur anglais monte ne flèche. Faut dire qu’il bénéficie du soutien de Nugene, un label qui fait vraiment le max pour ses artistes. Et celui apporté à Matt et Ian Siegal, les deux fers de lance de l’écurie, en est la plus parfaite illustration. Schofield est originaire de Manchester. Il y est né en 1977. Il est donc encore fort jeune! Il accomplit ses premiers pas comme musicien professionnel au sein du groupe de l'harmoniciste Lee Sankey, avant de rejoindre le backing band de la diva blues anglaise, Miss Dana Gillespie. Il monte alors son propre trio au sein duquel figurent déjà les musiciens qui l’accompagnent aujourd'hui. Sous cette formule, il commet d’abord deux elpees ‘live’. Tout d’abord "The Trio : Live". En 2004. Puis "Live at the Jazz Cafe". En 2005. La même année, il publie "Siftin' thru ashes". Et deux ans plus tard, "Ear to the ground", un long playing sur lequel figure la reprise du célèbre "The Letter" des Box Tops. En 2009, il nous réserve encore "Heads, tails and aces".
Matt adore se produire en trio. Le soutiennent donc le claviériste Jonny Henderson, préposé aux parties de basse sur son orgue Hammond C3, et Evan Jenkins à la batterie. "Live from the Archive" est un nouvel opus immortalisé en public. En janvier 2007. Lors d’une diffusion radio opérée aux Pays-Bas. Au Bosuil, à Weert, très exactement. Ce qui explique le titre de l’elpee.
Le set s’ouvre par deux morceaux issus de "Siftin' thru ashes". Soit "All you need" et le titre maître. L’interprétation est de haute facture. Faut dire que les musicos jouissent d’une parfaite technique instrumentale. Et leur fusion de blues, jazz, rock et funk est impeccable. Un style qui me fait penser à Robben Ford (NDR : lui vit de l'autre côté de l'Atlantique). A cause de cette parfaite maîtrise des instruments ; et puis de cette cohésion infaillible au sein du combo. Après une brève présentation des acteurs, place à un blues lent particulièrement chaleureux ; soit le "Lights are on but nobody's home" d'Albert Collins. Plus, plus de 10' de bonheur ! Instru jazz funk, "Room at the back" (emprunté à « Ear the ground ») et "On my way", un blues imprimé sur un tempo allègre, mettent une nouvelle fois le talent d’Henderson aux claviers ; et manifestement, c’est un disciple de Jimmy McGriff et Brother Jack McDuff, deux des meilleurs organistes du genre. L’elpee recèle quelques reprises de blues. Tout d’abord le "Black cat bone" de Harding Wilson, un funk blues qui figurait au répertoire d'Albert Collins. "Sitting on top of the world", ensuite. Il relève de la plume de membres des Mississippi Sheiks et remonte aux années 30. Le trio nous réserve une version bouleversante de ce blues lent sorti tout droit d'une fin de soirée organisée au sein d’un club obscur. En finale, la nouvelle adaptation de l’inévitable "The letter" tient correctement la route. Mais se révèle un peu trop longue. Dix-neuf minutes dont le traditionnel solo de batterie et la participation vocale du public. En concert, la performance passe bien la rampe. Sur disque, c’est beaucoup moins évident…
Pussy Sisster est un groupe plutôt atypique au sein du catalogue de Black Bards Entertainment. Alors que les signatures habituelles du label trahissent de nettes affinités pour le heavy/viking/folk/black/gothic métal, ce quintet allemand, lui, verse carrément dans le hair/glam/sleaze rock tel qu’on le pratiquait au milieu des eighties. Sur le site officiel du label, Pussy Sisster est même présenté comme la réponse allemande à Mötley Crüe et Guns'n'Roses. Formé en 2002, alors que ses membres étaient à peine sortis de l’adolescence, Pussy Sisster a tourné en Allemagne et aux Etats-Unis. Il a même chauffé les salles pour des noms prestigieux tels que Stephen Percy (Ratt), Billy Idol, Gilby Clark, Y&T, Quireboys et bien d’autres.
A l’écoute de cet album éponyme (NDR : il s’agit de la première sortie du groupe pour B.B.E., mais déjà du quatrième opus de la formation, tout de même), on ne peut pas vraiment dire que nous soyons trompés sur la marchandise. Si ce n’est qu’à la place des influences de Guns’n’Roses scandées par le label, nous aurions plutôt cité en référence, leurs concurrents directs de chez Poison. Déjà, au niveau du look, Pussy Sisster ne trompe personne : jeans déchirés, t-shirts moulants, lunettes noires, foulards, képis militaires ou stetsons vissés sur la tête, nous sommes carrément revenus à la grande époque du ‘hair métal’, quand le blond Bret Michaels et sa clique faisaient la loi sur MTV.
Mais le look n’est pas tout, et, côté musique, pas de problème : ‘what you see is what you get’ comme on dit outre-Atlantique. Du hard rock’n’roll qui fait secouer les cheveux et taper du pied, des refrains entraînants, et surtout, pas de prise de tête. La voix nasillarde d’Alex ‘Sex’ Nad rappelle Bret Michaels, bien sûr, mais aussi Vince Neil (Mötley Crüe). Les guitares, simples et efficaces comme un direct dans le bide nous renvoient à la grande époque du hard rock made in Los Angeles, pratiqué au cours des eighties.
Les ballades (« Melody Of Pain », « Back Again ») aussi sirupeuses que l’était le « Every Rose Has Its Thorn » de Poison sont de véritables pièges à jouvencelles (NDR : enfermez vos filles, vos sœurs et leur ‘pussy’ si le groupe transite un jour, par votre région !)
Pussy Sisster, c’est le retour inespéré de la ‘philosophie sex, drugs & rock’n’roll’ qui fera l’affaire des groupies, des dealers et des amateurs de bonne musique !
Après avoir commis leur single « Louise On Earth », Pq nous propose son premier elpee, « You’ll Never Find us Here ». Une œuvre qui s’inscrit parfaitement dans la continuité, le duo brugeois y privilégiant, à nouveau, lyrisme, délicatesse et subtilité. Si les compos sont essentiellement acoustiques, les grattes sèches et les accords de piano se taillant la part du lion, l’expression sonore est également enrichie d’accents électro. Pour enregistrer cet opus, Samir Bekaert et Maarten Vanderwalle ont reçu le concours de Louise Raes. Aux vocaux. Elle vient poser sa voix sur « Louise On Earth ». Pourtant, c’est la forme instrumentale qui domine le sujet. Un peu comme dans l’univers post rock (« Jocelyn »). Mais aussi symphonique (« The Cairo Truth »). Ou la B.O. de film. A l’instar du contemplatif, visionnaire, lyrique (NDR : encore !) et paisible « You’ll Never Find Us Here ». Un titre davantage proche du « The Straight Story » de David Lynch que du dernier Stallone.
Plants and Animals n’est pas une association de protection de la nature. C’est un combo indie-rock issu de Montréal, réunissant Warren Spicer, Nic Basque et Matthew Woody Woodley (alias Woodman), respectivement guitariste, guitariste, et batteur ; tous trois se partagent également les vocaux. « La La Land » est si hétérogène qu’il est impossible de le réduire à quelques mots.
L’album commence par un titre indie, intitulé « Tom Cruz ». « Swinging Bells », dans le même esprit, évoque Ramona Falls, les grands espaces ; mais il y a un je ne sais quoi qui cloche. « I wan’t to be your american idol » propose un son rock plutôt vitaminé, sur des mélodies auxquelles le terme canadien de niaiseuses sied plutôt bien. Les textes, eux, sont volontairement légers. Un saxophone s’époumone, la chanson vire chansonnette, le slogan du titre est répété plus que nécessaire.
Mais, alors que l’on se surprend à penser que ce disque ferait une parfaite cale pour cette table qui brinqueballe dans le salon, on entend « Undone Melody », et on se ravise. Le morceau est bien foutu. Il commence délicatement, fait penser à Jeff Buckley, subtil mélange de force et de fragilité. Le titre s’étire, se matelasse avec les voix des deux comparses, puis d’instruments à cordes (sûrement ce qui a valu au groupe d’être comparé à Arcade Fire, mais là, je mets mon véto). Suit « Yon Tiki », ballade mi-joyeuse mi-mélancolique, aux notes de guitares rebondies comme les joues d’un bébé bien nourri. Elle parle d’une fille rencontrée dans un hôtel, et des Gipsy Kings. « Game shows » reste dans la lenteur, et l’on jouit pleinement de la voix enjolivée par le piano et une guitare sobre mais efficace. Le « Mama Papa » qui suit, au rythme très rapide, binaire, marqué par la batterie, ressemble aux Red Hot Chili Peppers des années 2000. Pas bien neuf. De nouveau arrive une bonne surprise, « Fake it » et ses effets de réverbération, la voix qui semble s’étrangler, poignante, sur une mélodie sombre, à la Calexico. « Future from the 80s », qui sent un peu le Prozac, laisse place à une armée lointaine de cuivres résonnant à l’horizon. Pour terminer, l’album darde un dernier titre au son plus crado, guitares et voix saturées.
Plants or animals ? Lard ou cochon ? Un band qui a l’air d’hésiter entre un rock qui met de bonne humeur et quelque chose de bien plus intéressant, qui scrute les sombres recoins de l’âme, utilise ses faiblesses. Le souci étant qu’à force d’indécision, on risque de se retrouver dans un entre-deux, tiédasse, grisâtre, pas franchement enclin à marquer les esprits.
Né en novembre 1976, ce jeune chanteur/guitariste compte déjà une dizaine d’albums à son actif. Il est même considéré aujourd’hui comme une valeur sûre sur la scène musicale du blues. « Tower sessions » est un opus enregistré ‘live’. Il a été immortalisé en janvier dernier, au club ‘The Tower’ à Winchester (NDR : c’est au sud-ouest de Londres, non loin de Southampton). Paradoxal, mais on n’entend pas le public. Aussi, soit que le son a été pris directement sur la table de mixage, soit le public était absent ; ce qui paraît assez peu probable. Lors de ce set, Aynsley était soutenu par sa bassiste Midus Guerreiro, le drummer Simon Small et le claviériste Dan Healey.
Le tracklisting est partagé entre neuf compos personnelles et deux reprises : le très attendu "Purple rain" de Prince et le "Crosstown traffic" de Jimi Hendrix. "Soundman" ouvre ces sessions. Un shuffle fort proche de Stevie Ray Vaughan. De toute bonne facture, cette plage figurait déjà sur son premier elpee, gravé en 1999 et son premier opus "Live", commis en 2004. Les interventions de Dan Healey à l'orgue Hammond sont conséquentes et apportent de l’épaisseur à la solution sonore. Trois titres sont issus de son dernier long playing studio "Equilibrium", publié l’an dernier. Tout d'abord le boogie "Sugar low". Ensuite "What's it all about", une ballade lente sculptée dans son style très caractéristique. Une compo au cours de laquelle sa sortie de cordes est assez grandiose. Et enfin "Hurricane". Deux autres plages ont été empruntées à "Upside down", un cd paru en 2007 : "With me tonight", un shuffle qui puise ses sources dans le Texas et "In the morning", le morceau final au cours duquel il démontre toute sa dextérité à la slide. Rockin' blues libérant une belle dose de punch, "Hero" figurait sur "All or nothing", un disque édité en 2002. Tout comme le "Crosstown traffic" de Jimi Hendrix. Instrumental à la texane, "Quiet boy" évolue à la croisée des chemins de Freddie King et de Vaughan ; un morceau dont la version originale figurait sur "Everything I need", un LP commis en 2001. Mais la toute bonne surprise procède de la présence de sa superbe version du "Purple rain" de Prince, une adaptation de près de 10' qu’il élabore habilement, mais en y injectant une fameuse dose d’émotion. Avant de permettre à ses cordes de décoller. Un moment d’exception, bien mis en relief par les interventions de l’orgue.
Question : seriez-vous tentés de découvrir le goût d'une nouvelle pâte à tartiner, si les commerciaux chargés de la promotion de ce produit se mettaient en tête l'idée saugrenue de la présenter dans... un pot de mayonnaise? Rien n'est moins sûr, n'est-ce pas ? Et bien, ils viennent de Suède et répondent au patronyme de Hellsongs. Leur elpee s’intitule « Minor Misdemeanors » et la pochette illustre un van auréolé d'une tête de mort en guise de figure de proue, immatriculé 666. Ils reprennent, entre autres Slayer (« Skeletons of society ») et AC/DC (« Sin City »). Toutes les descriptions concordent donc pour se farcir une musique grassement juvénile, aux tendances métal boutonneux. Et, à moins d'apprécier les gamelles en skate et la morve au nez, il y a peu de chance que vous vous penchiez sur le cas de cette formation.
Surprise! Ce trio scandinave propose, sur cet opus, des reprises pop tour à tour joviales, mélancoliques, bucoliques ou lumineuses, de nombreux standards métal. Mais la fleur entre les dents. Dispensant ainsi des versions de leur cru, labélisées ‘lounge metal’. Si le groupe reste à ce jour assez méconnu, il est à craindre qu’une telle enveloppe rebute le public potentiellement ouvert à ce genre de démarche iconoclaste.
A l'écoute, ces charmantes chansons déshabillées et totalement réinterprétées sonnent fraîches et bien proprettes. Les mélodies sont réjouissantes. Quelques trompettes par-ci, un peu d'E-Bow par là, quelques (re)touches de piano pour habiller le tout. Au final, on en oublie l'original et on se laisse endormir. Sympathique mais futile.
Oui d’accord, c'est pas tous les jours qu'on voit débarquer des Vikings en tutu...
Peu d’artistes sont capables de vous faire danser et de vous effrayer en même temps. C’est pourtant le challenge que parvient à accomplir l’hyper dynamique El-P (El Producto), rappeur (tant en solo qu’au sein de Company Flow), producteur (Cannibal Ox, Cage, Aesop Rock, NIN, Beck, The Mars Volta) et fondateur du label hip-hop Def Jux !
A la fois inconfortable et ‘catchy’, « Weareallgoingtoburninhellmegamix X3 » parvient donc à faire réfléchir et à être évident. Pas facile pourtant de former un tout cohérent lorsqu’on assemble des extraits musicaux. Et pourtant, tout au long de cet opus, le New-yorkais réussit son challenge ; a contrario des deux premières versions de ses megamix, vendus uniquement lors de ses concerts : ‘Le but était de mettre en son une série de pièces musicales dispersées afin de créer une œuvre cohérente. Je voulais écrire un album qui formerait un véritable bloc’ justifie l’artiste américain. Les beats et synthés saturés –la marque de fabrique d’El-P comme producteur– s’enchaînent à la perfection ; et le résultat est tellement homogène, qu’il finit par envoûter. Dignes du regretté J Dilla, les compos sont sombres mais mélodiques ; cependant, il est nécessaire d’écouter l’œuvre d’une seule traite et s’imprégnant du climat au sein duquel elle baigne, pour pouvoir l’apprécier à sa juste valeur.
Si les mauvaises langues risquent de taxer cet opus de musique d’ambiance fugace, les fans vont se réjouir de pouvoir se délecter de cette récréation ludique, en attendant le successeur au très noir « I’ll Sleep When You’re Dead ».
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