« Loveless Unbeliever » suit un premier Ep qui avait déjà fait sensation par sa couverture rose flash –et sa stratégie promotionnelle d’édition limitée– une couleur chewing gum qui annonce le style indiepop renvoyé à ses pures racines pré-électroniques. La bande à Liz Hunt, originaire de Cardiff et aussi principale compositrice, ne conçoit rien de bien nouveau en matière de girl pop des années 60 : le groupe cite ses influences ostensibles allant des Beach Boys aux Ronettes en passant par les Shangri-Las, Phil Spector et Camera Obscura. L’octuor (!) ravive cependant le genre et nous donne envie de renfiler jupes bouffantes et blouses à pois, de danser insouciamment couettes tirées et Lollipop aux lèvres.
Formé en 2007, le combi gallois signe, après seulement quatre concerts, sur le label espagnol Elefant Records, qui publie certains titres sur leurs compilations. Les premiers singles (« All I wanna do/Valentine ») illustrent des ballades poético-romantiques enjouées où le chagrin est fredonné avec sourire et scintillements.
Une pop sixties féminine et blonde suggère évidemment l’album « Life » des Cardigans et, au goût du jour, les Pipettes, mais The School reste moins expérimental, pour ne pas dire moins moderne. Leurs mélodies sucrées sur du doo-wop immaculé sont d’une innocente allégresse qui contraste avec notre époque. La voix de Liz est aussi moins pénétrante et retentit d’une neutralité à la Au Revoir Simone. Cette musique marshmallow promet une douce impression de déjà-vu, en tous les cas pour ses refrains qu’on retiendra tout de go. On notera en outre quelques attributs de la formation : une corniste et des chœurs mixtes (Fran, Steph et Kay) qui intègrent à merveille les instruments chatoyants.
En gros, « Loveless Unbeliever » n’offre pas une seconde de répit au pays des bisounours, parcouru par sa bonne humeur contagieuse. The School ne prétend aucunement réinventer la pop mais a produit son premier album en mode totalement ‘old school’ et ne cache pas son intention de créer des hits à profusion.
Un peu de douceur dans ce monde de brutes (de temps en temps).
RotoR joue de la musique instrumentale depuis 1998, scande une bannière sur le site du groupe berlinois. Comme si, franchement, c’était quelque chose de vraiment bien. Chacun ses goûts, mais personnellement, le stoner, sans chanteur et, pour ainsi-dire, dépourvu de soli de guitares, c’est hautement soporifique.
Qualifiez moi d’obtus si vous le désirez, mais j’ai franchement beaucoup de mal à entrer dans le concept d’une musique, certes rythmique, mais dépourvue d’attraction vocale et de démonstrations techniques intéressantes. Alors d’accord, tout est dans l’ambiance et le paysage sonore. Sauf que question ambiance, RotoR se la joue spatiale et enfumée, à grand renfort de pédale wah wah. Vide spatial et brouillard hallucinogène, pour le paysage, on a vu plus joli.
Si excitation il y a, elle n’arrive, comme le chant, que sur la dernière piste, lors de la reprise du titre « Neatz Brigade » des doom métalleux américains The Obsessed (NDR : extrait de l’album « The Chuch Within », paru en 1994). Encore que, sans la voix de Scott ‘Wino’ Weinrich, ce n’est pas vraiment la même chose. Vous l’aurez compris, RotoR 4 ne m’a pas convaincu. Mais vous avez raison, je suis difficile.
Originaire de l'Oregon, dans le nord-ouest américain, cette formation s'est fixée à Austin. En 1997. Son line up réunit le chanteur/guitariste Willy Braun, son frère Cody, le violoniste/mandoliniste/harmoniciste, le guitariste et préposé à la lap steel David Abeyta, le drummer Jay Nazz et le bassiste Chris Schelske. Leur premier elpee, "Millican" est paru en 98. Deux ans plus tard, elle publie deux opus : "Acoustic : Live at Stubbs" et "The day". En 2003, elle signe chez Sugar Hill, écurie pour laquelle elle va graver plusieurs elpees. Joe Ely, légendaire chanteur de Honky Tonk, tombe sous le charme du groupe, et commence à vanter leur talent auprès de la presse. Le band passe ensuite chez Yeproc, pour lequel il édite "Bullett proof", en 2008.
"Somewhere in time" constitue un hommage au chanteur Pinto Bennett, leader des Famous Motel Cowboys, pionniers du style dans le Nord Ouest. Le combo reprend ici ses chansons. Lorsque l'on jette un œil sur la pochette, on découvre les cinq musiciens à cheval, sur fond de soleil couchant. De l’image à la musique, il n’y a qu’un pas. Nous sommes bien dans l’univers de la country… Mas pas seulement, car sur ce long playing, le rock a également sont mot à dire…
"Little Blossom" ouvre le long playing. Une ballade très séduisante. La guitare rythmique est largement amplifiée et entraîne les autres instruments. La voix de Willy est très caractéristique du style. La guitare prend un premier envol. Elle se situe bien en avant. Le quintet jouit d’un potentiel certain. Leurs mélodies accrochent instantanément ; et j’avoue un petit faible pour l’intense "The ballad of Elano Delson". Parfaitement construite, cette compo est marqué par la forte présence de Joe Ely ; mais également de ce mur de cordes, manifestement une marque de fabrique chez RK, sans pour autant dépasser certaines limites. L'orgue Hammond est bien planté dans le décor. Les nappes d’orgue adoucissent d’ailleurs les sonorités des grattes. "Bird on a wire" est lancé au galop. On imagine des cowboys soulevant un nuage de poussière, au fond de l’horizon. Cordes acoustiques et électriques se conjuguent sur cette ballade uptempo, pendant que le violon, bien saignant, vient dialoguer avec les autres instruments. Un autre sommet de ce "Somewhere in time". Illuminés par la présence divine de la lap steel guitare, "Ive done everything I could do wrong" et "Idaho cowboy" baignent dans la country la plus pure. Un style également embrassé par "I hold the bottle, you hold the wheel" et "You cared enough to lie". Lorsqu’il passe au country rock, Reckless Kelly est tout aussi convaincant. A l’instar de "Some people's kids" ou du magnifique "Pure quill". Leur expression sonore lorgne alors manifestement vers des combos alternatifs issus des 80’s comme les Long Ryders voire Green On Red. Dans le genre (NDLR : le Paisley Underground !), ils sont même devenus légendaires. En fin de parcours, l'ami Pinto Bennett est venu chanter son "Thelma", une ballade paisible et dépouillée. Avant que le superbe titre maître, une plage chargée d’intensité, ne referme l’œuvre. Excellent !
Les punks rockers néo-zélandais sont plutôt précoces. Chazz (chant/guitare) et Rupe (chant/batterie) on à peine quinze ans, en 2001, lorsqu’ils forment la première mouture de The Rabble (Les Fripouilles). Les deux frères galèrent quelques années avant de trouver en Jamie, le bassiste idéal. Adeptes du ‘Do-it-yourself’, le trio keupon d’Auckland produit lui-même son premier album « No Clue, No Future » ainsi qu’un Ep intitulé « This Is Our Lives ».
« The Battle’s Almost Over », le second LP sort en Nouvelle Zélande, en 2007. Les bandes, enregistrées par Chazz lui-même dans son home studio d’Auckland, ont été mixées à Boston par Jim Siegel (Dropkick Murphys, Brain Failure). Dans son pays d’origine, la galette corrosive fait un carton. Quatre ‘hit-singles’ en sont extraits. Les passages en radio et à la TV ainsi que les tournées se succèdent. Ces dernières mènent le trio de l’Australie à l’Angleterre. Du haut de leur vingt-cinq ans, les trois punk rockers se targuent d’avoir déjà dix années d’expérience. Un exploit !
The Rabble est la preuve vivante que l’on peut jouer du punk mélodique aux refrains accrocheurs sans pour autant sombrer dans la daube pathétique pour ados en mal de sensations fortes. Les Néo-zélandais jouent du punk rock au sens large du terme. Aussi inspirés par les héros anglais de la fin des seventies que par les combos yankees les plus récents, le trio décline un punk aux saveurs multiples : punk mélodique à la limite de la pop sur « Seeking », hardcore pour « Sick and Tired » ou lors du décapant « This World Is Dead », presque psychobilly tout au long de « The Devil’s Highway », celtique à la Dropkick Murphys sur « The Battle », Sex-Pistolien chez Start Again », voire même Ska lors de « Step Back ». Dans cette diversité punkoïde, il y a tout de même quelques constantes : les voix infectieuses, les refrains fédérateurs, la guitare incisive et surtout le son de basse décoiffant de Jamie qui détruit tout sur son passage.
Chose rare pour un groupe punk, l’artwork du digipak qui emballe « The Battle’s Almost Over » est réellement superbe. Enrichi d’un livret, d’un poster et de photos qui mettent en valeur les superbes coupes ‘iroquois’ des musiciens. Trois ans après sa sortie nationale, « The Battle’s Almost Over » est enfin distribué dans le monde entier. A ne rater sous aucun prétexte !
‘Pfff’ : J’avoue que c’est ce la première réaction que j’ai eue, après avoir jeté une oreille distraite sur ce disque et un œil inquiet sur la bio qui l’accompagne. Il faut dire que la musique de ce collectif underground avant-gardiste tchèque formé en 1968 –ouvertement inspiré par Frank Zappa et le Velvet Underground– a de quoi surprendre et rebuter le plus ouvert de tous les rockers. Pourtant, force m’est d’avouer, qu’à force d’essayer de comprendre, j’y ai un peu pris goût.
L’histoire de ce groupe méconnu en nos contrées est tout bonnement passionnante. Formé à Prague en 1968, peu après l’invasion des armées du ‘Pacte de Varsovie’, The Plastic People Of The Universe (comme tous les artistes influencés par la culture occidentale) subit la surveillance constante de la police secrète communiste. En 1974, le combo underground enregistre clandestinement son premier disque sur du matériel archaïque, installé dans les caves du Château de Houska. En 1976, le collectif au complet est arrêté. Ses membres sont condamnés à dix-huit mois de prison pour avoir osé jouer du rock devant un public aux cheveux longs. Cette arrestation arbitraire provoque le tollé chez les intellectuels dissidents opposés au processus de ‘Normalisation’ de la société tchécoslovaque. Elle est à l’origine de la fameuse ‘Charte 77’. Cette pétition signée par des personnalités tchèques, issu du monde des arts, de la culture et des universités exige du gouvernement communiste le respect de la convention des droits de l’homme, signée à Helsinki en 1975. Cependant, les persécutions continuent. Elles obligent le saxophoniste Vratislav Brabenec à s’exiler, en 1982. Le groupe continue cependant à enregistrer clandestinement ses albums. Il lui est toutefois impossible de rejouer en public. The Plastic People Of The Universe splitte en 1988. En 1997, sous l’impulsion du président tchèque Vàchlav Havel, le groupe se reforme pour commémorer le vingtième anniversaire de la Charte 77. Il continue à tourner depuis lors.
« Magical Nights » est une compilation qui réunit sur deux Cds (ou trois vinyles) les meilleurs titres enregistrés entre 1968 et 1988. Présenté sous la forme d’un double digipack, la version Cd recèle un livret racontant l’histoire du groupe. Elle est illustrée par des photos d’époque. On peut y voir les membres de PPU aussi maquillés que Kiss.
Pour le reste, côté musique, il faut tout de même s’accrocher. Votre serviteur avoue sans honte ne pas avoir tout compris. Le tempo est lent et répétitif. Les mélodies font souvent place à une cacophonie instrumentale maîtrisée. A la fois avant-gardistes, jazz rock, folkloriques et progressives, les compositions sont ponctuées d’interventions surprenantes d’instruments aussi divers et bigarrés que la guitare, la basse, la batterie, les claviers, le saxophone, la clarinette, le basson, le violon, la viole et le xylophone. Les vocaux, constitués de poèmes tchèques, sont déclamés ou chantés sur un ton monocorde.
Bien que surprenant à la première écoute, « Magical Nights » s’avère être un album intéressant. Deux heures et vingt minutes de musique expérimentale, une expérience unique. A essayer, si vous osez !
Mille fois non. Pharaohs est un quatuor oxfordien qui a eu la brillante idée d’intituler son premier album « We’ve Tried Nothing and We’re All Out Of Ideas ». Titre pseudo-ironique, mais qui traduit fidèlement le contenu des sept morceaux de la plaque. Sept morceaux à peine supportables. Motif ? Des vocaux teen-punk qui les maltraitent. Musicalement, la formation aurait pu s’en sortir haut la main, à cause de ses influences math-rock, parmi lesquelles celle de 31Knots est la plus évidente. Mais ces vocalises, cumulées à des textes crispant de naïveté, deviennent rapidement insupportables. Pas navrant, mais presque.
Non, il ne s’agit pas d’une formation hispanique, mais néerlandaise. Issue d'Amsterdam, très exactement. Un sextuor responsable d’une musique roots, proche du bluegrass, pour laquelle les musicos ne se servent que d’instruments acoustiques, de rigueur dans le style. Le groupe s’est formé en février 2006 et a très rapidement immortalisé un concert live : "Silveredsteel nickelwound". C’était en septembre de la même année. En février 2007, il publie un Ep intitulé "Tremendous rambling". Et en 2008, grave son premier album officiel "Do it like that", chez Munich. Tous les musiciens ont adopté des pseudonymes. En voulant se faire passer pour d'authentiques Espagnols (NDR : Calvito, Alejandro, Conejo, Barba, Huesa et Arnoldo se partagent le chant, la guitare, le banjo, la mandoline, la basse, le washboard, l’harmonica et le tambourin, suivant leurs prédispositions et portent tous le même prénom : Pedro !)
Lors des sessions d’enregistrement de “Sing high sing low”, le collectif a reçu le concours de quelques invités obscurs. Une seule plage n’est pas issue de leur répertoire. Les morceaux sont courts et mettent une chouette ambiance. Et le combo sait s’y prendre pour mettre le feu. Leur énergie est débordante. Ils chantent à l'unisson "Nothing to lose", en s’accompagnant d’un festival de cordes. Ils adaptent le "Muleskinner blues" de Jimmy Rodgers, dans un climat festif rustre. Les cordes du banjo virent déjà au rouge, alors que l'harmonica vient en rajouter une couche. Démentiel ! Caractérisé par un tempo le plus souvent vivifiant, ce style musical est manifestement destiné à prendre du bon temps, se trémousser, se détendre. A l’instar de "Unleash the hound", une compo au cours de laquelle accordéon et mandoline sont bien mis en avant. Le train est lancé à toute vapeur sur les rails : "Can't stop this train" ! Les frères Dalton sont à la poursuite du convoi et Lucky Luke est à leurs trousses. Les chevaux sont au galop. "Girl o'mine" est une ballade savoureuse. Le son des instruments est parfaitement rendu. Hormis "Smile", une autre ballade plaisante, dominée par l’accordéon, le banjo, la mandoline et l’harmo, les Delgados retrouvent cependant très rapidement leur second souffle. "Sweet Mama" en est une belle illustration ; et puis "Sink to the bottom", dont l’histoire conte l'aventure désopilante du canard assis ("Sittung duck"). Dans le style, cet opus est remarquable ; mais perso, je préférerai assister à un de leurs sets en public. C’est sans doute l’endroit le plus adapté pour les apprécier pleinement ; et sûr, qu’en ces circonstances, ils sont capables de nous faire oublier les tracas et la morosité de l'existence.
Joy as a Toy est né de la rencontre entre trois musiciens chevronnés qui ont fait leurs armes au sein de diverses formations belges, comme Mud Flow ou encore aMute. Gil Mortio, Clément Nourry et Jean-Philippe De Gheest ont débuté cette aventure en 2008. Signé sur le label belge Cheap Satanism (Keiki, Trike, …), Joy As a Toy définit sa musique comme un mélange de Vampire Rock et de Tennis Pop. Ok !!! De quoi éveiller notre curiosité.
Concrètement Joy As a Toy baigne dans une forme d’indie-rock teinté de légères touches de psychédélisme. La musique du combo bruxellois évolue à la croisée des chemins de Talking Heads, Mr Bungle et Robert Wyatt. Les mélodies sont contagieuses, et les délires psychédéliques sont tour à tour parfaitement maîtrisés ou complètement imprévisibles, sans pour autant déraper dans l’impro. A l’instar de « Sub Rosa » sorte de danse macabre, qui finit quand même par partir en cacahuète. Les compos sont vivifiantes. Passant allègrement de la joie à la mélancolie. Suscitant autant l’envie de se trémousser que de s’enfoncer tranquillement dans son canapé… Un bémol, la voix du chanteur, qui semble parfois manquer de souffle. Mais le reste vaut son pesant d’arachides…
A découvrir en live ce 04/09 au Pot au Lait de Liège, le 17/09 au Magasin 4 et le 1/10 à l’Atelier 210.
Mais qu’est-ce qu’il leur a pris de choisir un tel patronyme ? Happy Birthday ! Un vrai cauchemar pour dénicher des infos. Non mais vous imaginez le nombre de réponses affichées par les moteurs de recherche. Des jours (!!!) de recherches ont été nécessaires pour enfin recueillir quelques renseignements utiles. Bref, aujourd’hui on sait que l’histoire du groupe a commencé en 2008. Kyle Thomas s’ennuyait ferme dans son Vermont natal. Il avait bien composé quelques morceaux ; cependant, il était bien trop timide pour les interpréter en solitaire. Aussi, il cherchait des partenaires pour former un groupe. C’est la raison pour laquelle il a fondé ces Happy Birthday, en compagnie du bassiste Chris Weisman et de la drummeuse Ruth Garbus (NDR : c’est la sœur de Merill Garbus, impliquée chez tUnE-yArDs). Après avoir accordé quelques shows, le trio est repéré par Sub Pop qui les signe très rapidement.
Les compos de Kyle accrochent instantanément. Imaginez Pavement reprenant du T-Rex, et vous aurez une bonne idée de la musique proposée par le trio américain. Du glam-grunge si vous préférez. Mélodique mais bordélique, enragé mais doux. Chez Happy Birthday les climats sont chargés de nuances, même si les parties de guitare sont presque systématiquement calées sur la pédale buzz. La rage de « Zit » répond à l’évidence mélodique de « Girl FM ». Les voix de Kyle et Ruth se font également écho à merveille. Et, comme très souvent, c’est lorsqu’ils étalent leur sensibilité mélancolique, que le combo se révèle le plus inspiré. A l’instar de « 2 Shy » et surtout « Fun », les deux pépites de « Happy Birthday ».
Et votre serviteur qui imaginait que les Texans d’Harlem allaient sortir vainqueurs de la catégorie ‘slackers’, cette année. La course est donc relancée ! Bonne nouvelle, je ne suis pas encore assez vieux pour détester ce genre de musique bruyante et inutile mais tellement jouissive. Le groupe se produira ce 28 octobre au Botanique le 28 octobre. A quelques jours de mon anniversaire… ‘Happy Birthday to me’, donc…
Cette formation doit aimer entretenir le mystère. On a beau surfer sur le net, dénicher une quelconque information sur le groupe, est un vrai casse-tête. Le label nippon Noble nous signale quand même que le combo relève de leur écurie. Pas de MySpace et un site web minimaliste (NDR : limité à deux images, dont une animée ; et la reproduction de la pochette du disque ainsi que son tracklisting). Par déduction, il semblerait que le line up de Films soit constitué de deux jeunes demoiselles. De nationalité japonaise. Mais ce n’est qu’une hypothèse…
La musique de Films est tout aussi mystérieuse. Découpé en huit plages, « Messenger » baigne au sein d’un climat imaginaire, filmique (NDR : ben tiens !), peut-être même conceptuel. Un peu comme une fable sonore qui nous plongerait au plus profond d’une forêt enchantée, peuplée d’esprits. Néo-classique, apaisante, soignée, précieuse, visionnaire, la musique véhicule des accents électronica. Il y a des nappes de piano, de violons, de violoncelles qui balaient un espace sonore traversé par une voix lyrique féminine.
Reste à savoir quel est l’endroit idéal et la meilleure manière d’écouter cette œuvre. A vous de choisir : à fond la caisse, couché dans son lit ou sur un nuage… Et pourquoi pas les trois à la fois. Bon voyage !
Jimmy Edgar se serait-il déjà brûlé les ailes. Son parcours semble corroborer ce point de vue. Il a entamé sa carrière à la fin des 90’s. Il n’avait alors que 15 ans. En 2003, il est repéré par Warp qui le signe et lui permet de publier deux maxis « Access Rythm » et « Bounce », puis un album intitulé « Color Strip ». Début 2006. Puis, Jimmy décide d’embrasser un nouveau job : celui de photographe de mode. Il grave encore bien l’un ou l’autre titre, mais ils sont aussi inconsistants les uns que les autres.
C’est à l’âge de 27 ans que l’Américain retrouve le goût pour la musique. Et acquiert une nouvelle maturité. Il a aussi migré chez !K7. Et « XXX » constitue son tout nouvel opus. Caractérisé par des envolées funky, parfois minimalistes, parfois dance, ses compos me font penser à un showcase intimiste des Rythmes Digitales. Ses beats son efficaces et ses incursions dans la techno et le R&B (« Vibration »), judicieuses. Il y a bien quelques morceaux complètement tordus, susceptibles de vous faire dresser les cheveux sur la tête ou décoller du sol, comme « Hot, Raw, Sex » ou encore « In My Color » ; mais l’ensemble tient correctement la route. Jimmy Edgar is back ! Et il était temps !
Devo a marqué de son empreinte toute la scène punk-new wave. Surtout à la fin des 70’s. Responsable d’une musique extravagante, satirique et grinçante, le quatuor américain (NDR : issu d’Akron, dans l’Ohio) a planté dans les charts, à cette époque, deux hits : la cover du « (I can’t get no) satisfaction » des Stones, devenu, l’hymne d’une génération et « Whip », qui symbolisera un sommet de la ringardise et de la loufoquerie. Si les combos de nerds sont de plus en plus représentés, Devo n’y est certainement pas étranger. Et pourtant, la suite de sa carrière, émaillée de séparations, de reformations et de changements de line up, n’a plus intéressé grand-monde. Enfin si, mais à travers les projets individuels des artistes. Notamment Mothersbaugh en écrivant et produisant de la B.O. pour télévision, jeux vidéo, dessins animés et films d'animation. En 2009, le combo de Mothersbaugh et Casale a décidé de reprendre du servie en ressortant les chapeaux en dôme et la combinaison spatiale, pour le plus grand plaisir des fans ! Car trente ans plus tard (NDR : pardon quarante !), leur look n’a pas changé d’un poil. Mieux encore, les deux leaders sont parvenus à reformer la fine équipe du début. A savoir Bob et Bob, ainsi que Josh Freese (l’excellent drummer de studio). C’est donc une version Devo 2.0 à laquelle nous avons droit sur ce « Something For Everybody ». Et c’est probablement les oreilles des fanatiques qui vont le plus se régaler. Car autant être franc, Devo n’a toujours pas évolué. Les compos sont d’ailleurs relativement proches de celles de « Oh, no ! It’s Devo », paru en 1982. Les paroles sont toujours aussi tordues, le tempo est spasmodique et les sonorités de Casio 80’s continuent de canaliser l’expression sonore. Et à l’instar de « Whip It », paru sur « Freedom Of Choice », en 1980, Devo nous a réservé un tube potentiel sous la forme de « Fresh ». Il est déjà sorti en single et démontre que les Yankees, même quatre décennies plus tard, sont encore capables de torcher des hits ! C’est dansant, excitant et imparable ! Alors laissez-vous entraîner dans leur univers dadaïste. Bienvenue en absurdie !
Sombre. Oui, ténébreux même. C’est l’impression ressentie à l’issue de l’écoute du second opus de Creature With The Atom Brain. Faut dire que l’artwork, le patronyme du band ainsi que le titre de l’album ne laissent planer aucun doute sur les intentions du groupe. C.F.T.A.B. est un quatuor formé par l’ex-Millionnaire Aldo Struyf. Une formation dont la musique est autant influencée par Queens Of The Stone Age que Black Mountain. Tant la forme que le fond sont forgés dans le métal. Les riffs de guitare évoquent Kyuss. La rythmique est lente et lourde. Elle communique un climat empreint d’angoisse et de mélancolie sombre, aux compos de « Transylvania ». Le chant de Struyf est crépusculaire et souffre parfois d’une langueur… monotone… Mais les interventions de Koen Kohlbacher sur l’excellent « Darker than a dungeon » et sur « Lonely Light » ainsi que la participation du maître de la musique de l’ombre, Mr Mark Lanegan, sur « Lonely Light », apportent heureusement, davantage de nuances à l’ensemble. Chris Goss (Queen Of The Stone Age, Kyuss, Soulwax) a collaboré aux sessions d’enregistrement. Non seulement, il est derrière les manettes, mais il siège derrière les drums tout au long de « Lonely Light ». Dans le style, l’elpee est d’honnête facture. Les meilleurs fragments procèdent néanmoins des différentes contributions reçues. Une situation que le combo anversois a tout intérêt à rectifier, s’il veut devenir une valeur sûre de la scène ‘noir jaune rouge’ (NDR : enfin, tant qu’elle existe encore !) Creature With The Atom Brain se produira dans le cadre du festival FeestInHetPark, d’Audenarde, ce dimanche 15 août…
Collapse Under The Empire est un duo originaire d’Hambourg. En 2009, ils publiaient « Systembreakdown », une première œuvre Post-Rock très inspirée de Gospeed You! Black Emperor et autres Explosions in The Sky. Malheureusement, la formation débarque alors que toutes les lettres de noblesse du Post-Rock ont déjà été délivrées. Un disque de facture aussi classique que ce « Find A Place To Be Safe » s’éloigne fortement de l’exaltation que l’on est en droit d’attendre de ce type d’œuvres. A moins d’amener un plus au genre, à l’instar de 65daysofstatic, par exemple. Ce qui est loin d’être le cas ici, si l’on épargne les quelques soubresauts de lyrisme (« A Smell Of Boiled Greens », « Intelligence »). « Find A Place To Be Safe » n’est pas un mauvais disque en soi. Mais il est bien trop banal pour notre époque.
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