Depuis 2009, Dr. Dog a déserté les bureaux du label Beggars Banquet pour s’installer sous le toit de Anti-. Un changement sans grande conséquence sur les compositions de la formation qui, pour son sixième labeur, conserve la formule qui a fait son succès. « Shame, Shame » vogue, comme lors de ses précédents opus, au cœur d’une folk sixties, influencée par les inévitables Neil Young, Beach Boys et autres Beatles. Le quintet de Philadelphie met cependant les guitares davantage en avant (« Later », « Someday », …) et propose ici les morceaux les plus allègres de sa discographie. « Shame, Shame » n’est en rien révolutionnaire mais ne semble pas clamer le contraire non plus.
Dr. Dog propose en toute simplicité onze titres accessibles, à la fois folk et bluesy. De plus, les cinq gaillards se sont plutôt bien entourés. Du côté des guests, Jim James de My Morning Jacket (Yim Yames pour les intimes) se permet une petite incursion discrète derrière le micro sur le morceau-maître de la galette. Et Dan Auerbach (The Black Keys) prête sa plume sur l’entraînant « Shadow People ». « Shame, Shame » est, en somme, un disque qui porte bien mal son nom !
On connaît surtout Daniel Rossen pour ses prouesses accomplies au sein des déjà classiques Grizzly Bear. Pourtant, depuis l’an 2000, et bien avant de se forger une notoriété chez les Ours Gris, il faisait déjà équipe en compagnie de Fred Niclaus pour le compte de Department of Eagles. Ce duo s’est formé à l’Université de New-York (NYU), alors que les deux compères vivaient en colloc’. C’est après avoir bidouillé et samplé dans leurs chambres, qu’ils sont parvenus à concocter leurs propres compos. Progressivement, ils sont ainsi parvenus à écrire un répertoire particulièrement conséquent, et en particulier toutes les chansons du magnifique elpee qui paraîtra en 2008, « In Ear Park », un disque devenu notoire pour sa pop grandiose et atmosphérique. Dans l’intervalle le tandem va graver quelques Eps et puis deux autres albums. Tout d’abord « The Whitey on the Moon », en 2003 (NDR : c’est le premier !), puis « The Cold Nose », en 2005 (NDR : c’est leur deuxième !) « Archive 2003-2006 » est bien sûr une compile. Elle permet de mieux comprendre l’évolution de leur processus d’écriture et en révèle les chaînons manquants. C’est après avoir publié leur premier opus que Daniel Rossen écrit les 5 actes de « Practice Room Sketch », tout simplement à l’aide d’un piano, dans sa chambre d’université. « Practice Room Sketch 1 » constitue d’ailleurs l’ébauche d’« Easier » de Grizzly Bear. C’est à partir de ce moment que les influences de SMiLE et de Van Dyke Parks vont davantage s’affirmer, et gommer les références hip hop des débuts, leur permettant d’embrasser alors une forme d’americana sombre et sophistiquée On peut déjà ressentir cette évolution à l’écoute des quelques esquisses proposées ici.
En 2006, lors des séances d’enregistrement, baptisées ‘Sessions de Janvier’, Daniel et Fred affinent leurs ambitions et utilisent du matériel pro qu’ils ne parviennent pas à maîtriser complètement. Ils se permettent des sessions de cordes. Il en résulte la magnifique composition « Golden Apple ». Mais ces ‘Sessions de Janvier’ constituent un échec retentissant, quoique nécessaire pour leur future évolution… A côté des restes de ces sessions douloureuses, figurent d’autres productions composées en compagnie de Chris Taylor (leur voisin à l’époque et actuel leader des Grizzly Bear…), comme ce « While We’re Young » qui rappelle les arrangements raffinés opérés tout au long d’« In Ear Park »
Très inégal mais passionnant de bout en bout, « Archive 2003-2006 » capte quelques moments clé de l’évolution de leur songwriting, des débuts confidentiels jusqu’à « In Ear Park »… une plongée intéressante dans l’univers naissant et dans le cerveau en ébullition des plus dignes héritiers pop de Brian Wilson ! Sans aucun doute à la hauteur des Grizzly Bear…
La grande toile se transforme en désert aride lorsqu’il s’agit de dénicher des informations sur The Dead End Guys. Même en ratissant large, on arrive à peine à en extraire le nom de la ville d’origine du groupe : Ulm, dans le Baden-Württemberg en Allemagne. C’est peu, mais il faudra bien s’en contenter.
Pourtant, on aurait bien aimé en savoir un peu plus sur ces cinq déjantés au look de zombies sérial killers qui déversent une demi-heure de punk rock horrifique sur une galette digitale venimeuse intitulée « Welcome The Darkness…».
Fortement influencé par les Misfits de Glen Danzig, le quintet germanique délivre un punk rock mélodique destructif combiné à des lyrics inspirés de films d’épouvante. Cependant, contrairement à la plupart des groupes ‘Horrorpunk’, les Dead End Guys semblent avoir mis de côté l’humour noir inhérent au style pour se concentrer sur l’horreur pure.
Les riffs haineux suivent généralement un tempo speedé. Bien que manifestement punk, la guitare ne rechigne pas, de temps à autre, à jouer un petit solo quasi-métallique. La quatre-cordes, elle, mixée en avant, mène souvent le jeu. Les titres sont courts et dépassent rarement les deux minutes. Seule exception à cette règle, « Night Falls » qui clôture le CD dépasse les 3 minutes. Ce titre se démarque d’ailleurs aussi du reste de l’album en versant dans le rock gothique industriel et lourdingue.
Un bon disque au final, malgré l’absence d’humour.
Paul Brady est irlandais. Du Nord, très exactement. Chanteur, guitariste, auteur et compositeur, il est âgé de 63 ans. Ses premiers pas musicaux, il les a accomplis au cours des sixties, au sein de formations de R&B et soul. Il est ensuite emporté par la vague du folklore irlandais qui était alors emmenée par les Dubliners. Il rejoint ensuite un groupe d'irish folk : les Johnstons. Une aventure ponctuée de sept albums! En 1972, il rejoint Planxty ; mais son style n’a pas changé. Sa première œuvre individuelle, il la publie en 1978 : "Welcome here kind stranger". Sculpté dans le folk, cet elpee est très bien accueilli par la critique. Depuis, il a aligné une douzaine d'albums, dont le précédent, "Say what you feel" remontait à 2005.
Ce nouvel opus, il a commencé à l'enregistrer dans son propre studio. Sis dans les faubourgs de Dublin. Fin 2008. Lors des toutes premières sessions, il bossait en compagnie de son batteur, Liam Genockey. Puis, il a invité sa bassiste, Jennifer Maidman, à tracer quelques lignes, à l’aide de son instrument. Paul ajoute alors ses propres interventions : aux guitares, au bouzouki, à la mandoline, aux claviers et percussions. Début 2009, Billy Shanley et Anto Drennan prodiguent leur concours aux grattes électriques et Rod McVey le sien à l’orgue Hammond et à l’accordéon. Paul est un perfectionniste. Il sollicite Jerry Douglass pour enrichir la solution sonore de sa lap steel guitare. Depuis son domicile de Nashville. Puis, il invite Fiachra Trench à réunir un ensemble de cordes. Ce n’est qu’après ce long travail de préparation que Mr. Brady va enfin se consacrer au mixage et à la production. Et en 2010, il publie enfin ce "Hooba Dooba" ; un opus réunissant douze chansons, dont onze compositions personnelles et une reprise du "You won't see me" des Beatles, qui figurait sur "Rubber soul".
"Cry it out" donne le ton. Un titre taillé dans un pop rock de toute bonne facture. Le timbre vocal de Paul est franc et clair. Il est soutenu par des chœurs. La conjugaison de l'orgue Hammond de McVey et du Farfisa de Brady confèrent une coloration particulière à cette ouverture. "Rainbow" baigne au sein d’une atmosphère exotique, chaleureuse. La lap steel de Jerry Douglas et l'accordéon de Rod nous transportent sous des îles ensoleillées. Bien jolie ballade folk, enrichie de chœurs, de cordes et bénéficiant de superbes arrangements, "The price of fame" véhicule des accents country. Bercée par des flots de violons et de violoncelles, "One more today" campe une chanson d'amour bouleversante, empreinte d’une grande intensité. "The winner's ball" change de cap. Une chanson funky soul destinée à la piste de danse. L’elpee recèle encore quelque ‘love songs’ trempées dans le folk. Tout d’abord, "Luck of the draw", une chanson qu'il avait écrite pour Bonnie Raitt. "Mother and son", ensuite. Une plage balisée par le piano et illuminée par l'ensemble de cordes. Et enfin la finale "Living the mystery", une compo au cours de laquelle, son fils Colm est venu souffler timidement dans un harmonica. "Follow that star" est certainement le morceau que je préfère. Il emprunte son profil à vieux blues à peine dépoussiéré. La voix prend de la hauteur, le piano roadhouse s’impose, pendant que la guitare bien sentie s’illustre. "Money to burn" nous replonge dans l’univers de son folklore irlandais. Sa version du "You won't see me" des Fab Four est respectueuse de l’originale. Composée par Lennon et McCartney, cette ballade n'était pas une des chansons les plus connues du célèbre quartet de Liverpool. Son ton devient grave lorsqu’il évoque les guerres légitimées par la religion et la terreur qui en émane, sur "Over the border".
La biographie des Bloodsucking Zombies From Outer Space telle qu’elle est narrée sur leur page MySpace est plutôt hilarante. Le Reverend Paul Praetorius ‘Bloodbath’ Pachelbl (guitariste/claviériste) serait en fait un prêtre assassin du 18ème siècle. Sauvé de justesse du bûcher par des extraterrestres, il aurait été l’esclave de ces derniers jusqu'à ce que le plus corrompu des pirates de l’espace –Jim Evilize, guitariste à ses heures– vienne le délivrer. En quête de partenaires aussi dérangés qu’eux pour perpétrer les pires méfaits, les deux sombres individus auraient réanimé un sérial killer décédé (le chanteur/batteur Edward Theodor Gein) à l’aide d’un élixir d’immortalité fourni par un savant fou (le Dr. Miroslav Schreck, contrebassiste). Ces quatre êtres maléfiques auraient ensuite décidé de se venger du genre humain en déversant le plus diabolique des rock’n’roll, sur la planète terre.
Aussi barrée que soit cette biographie, elle contient tous les indices qui permettent de deviner le style de ce combo viennois : Horror-punk pour le concept et Psychobilly pour le genre musical (batterie debout, contrebasse et guitares). Imaginez le mélange corsé du punk horrifique des Misfits, du rockabilly d’un Stray Cats gonflé aux hormones et du psychobilly déjanté des Meteors ou de Mad Sin.
Chez les Bloodsucking Zombies From Outer Space, pas de doute possible. Le ton est donné dès la première seconde : une petite intro style bande annonce de film d’épouvante et le temps de compter jusque trois, « Max The Taxidermist » déboule à du 200 à l’heure. Il est suivi d’autres titres tout aussi impayables : « Countess Dracula », « Dr. Freudstein », « I Wanna Hear You Scream ». La contrebasse et la batterie bastonnent, imprimant un rythme psychobilly mortel à des guitares punkysantes. En seize titres rapides, aussi accrocheurs que burlesques, les Zombies Suceurs de Sang de l’Espace rendent hommage aux films d’horreur de série Z des années 70/80 et notamment à ceux de la ‘Troma Entertainment’ ainsi qu’à son célèbre ‘Toxic Avenger’.
Amateur d’épouvante, d’humour noir et de rock’n’roll hyper speedé, tu as trouvé la bande sonore de tes soirées d’été.
Black Sheriff est né en juin 2007. A l’époque, Glen Raviloi et Tom Krämer, décident de fonder un groupe. Originaires de Cologne, ce sont des fans inconditionnels de hard rock. Leur objectif ? Publier un digne successeur au génial « Appetite for Destruction » de qui vous savez. Et bien voilà, c’est fait ! Enfin, d’après la bio du groupe. L’album « II » (NDR : il fait suite à un elpee, édité en 2007) serait bel et bien le meilleur disque depuis la bombe enfantée, par Guns’n’Roses, en 1987.
« II » est un excellent disque de hard rock. On ne peut le nier. Il est même et sans doute un successeur plus qu’honnête à « Appetite For Destruction ». Néanmoins, il est un peu prétentieux, de la part de Black Sheriff, de crier haut et fort avoir pondu LE meilleur disque depuis le premier album de GNR. Ce serait ignorer l’existence d’une flopée d’excellents brûlots hard rock, gravés au cours de ces 23 dernières années. Par respect pour toutes ces œuvres (trop nombreuses pour les citer), nous sommes donc obligés de faire preuve de modestie (NDR : à la place du band) et de conclure, tout simplement, que « II » est un bon disque. A l’instar du combo d’Axl Rose et de Slash, Black Shériff mixe l’énergie du punk au côté fun et entraînant du hard rock. On pense aux Guns, bien sûr, mais aussi à Motörhead, Ted Nugent, Accept (NDR : la flying V qui orne la pochette y est d’ailleurs pour beaucoup), Mötley Crüe, Sex Pistols et Rose Tattoo.
Le rendu sonore signé Martin Buchwaller (batteur chez Squealer (DE) et Perzonal War) met en valeur l’agressivité des guitares et les superbes soli rock’n’roll de Ravioli et Krämer. Ces deux derniers se partagent aussi le chant. L’organe de l’un siérait à ravir à un combo punk rock tandis que celui de l’autre (trop peu utilisé à notre goût) est aussi râpeux que celui d’Angry Anderson (Rose Tattoo).
Peut-être pas LE successeur d’« Appetite » mais en tout cas l’un des meilleurs disques hard rock du moment.
Les Anomalys débarquent de cette ville portuaire où les marins pissent, comme Brel pleure, sur les femmes infidèles. Et ces trois rockers ont la ferme intention de prouver au monde entier que les Pays-Bas peuvent encore produire autre chose que du métal gothique à chanteuse. Les Anomalys viennent d’Amsterdam et leur musique ne s’embarrasse d’aucune fioriture: trois mecs, deux guitares, une batterie et un micro ; c’est largement suffisant pour faire du rock.
Pour son premier album éponyme le combo batave a mitonné neuf titres intenses et percutants de ce mélange graisseux de rock garage et de punk qu’il dépeint comme du ‘Negative Tequila Rock’n’Roll Sex’.
Le son des guitares est cradingue. Il évoque l’intensité du rock’n’roll garage de la fin des sixties. La patte pré-punk du MC5 et la folie des Stooges sont conjugués à des textes à haute teneur sexuelle. Le pied garanti pour ceux et celles qui préfèrent l’efficacité à la haute fidélité.
Le label Warp nous avait permis de découvrir ce duo, lors de la sortie de la compile « Warp 2010 ». Après avoir écouté leur Ep « Blen », je me demandais quand même ce qu’il avait dans le ventre et surtout quelle direction musicale il allait emprunter. Derrière ce projet, se cache Mark Pritchard de Harmonic 313 et Steve Spacek de Spacek Sound System. De quoi forcer le respect. Et puis de s’intéresser davantage à leurs véritables intentions. En publiant ce second Ep, on y voit enfin un peu plus clair. Ou presque ! Car suivre les artistes chez Warp, n’est pas une sinécure. En un peu plus de 20 années d’existence, l’écurie n’en est plus à une surprise près. Un peu comme si elle adorait brouiller les pistes. Afin de nous permettre de mieux jouir des expérimentations opérées par ses artistes. Et ce disque en est une belle illustration. Mark Pritchard s’est chargé de la production (NDR : elle est impeccable !) et Steve Spacek se réserve le chant, tout au long de cet Ep. « How Does It Make U Fell » décolle lentement. Une compo âpre, parcourue de beats nerveux, mais guère représentative de la suite. Juste de quoi chauffer la machine. Le TR-303 illumine le très remuant « Boingy ». A contrario, « One Two » nous laisse un peu sur notre faim. Le bonus track, « Too late » réussit son examen de passage, une plage qui baigne au sein d’une bonne ambiance roots et R’n’B.
Trituré et syncopé à l’extrême, « Hitecherous » ne manque certainement pas d’arguments, mais il est un peu trop ‘prise de tête’ à mon goût. A force de mélanger les genres… On pourra se faire une idée plus exacte du potentiel d’Africa HiTech, lors de la sortie de son premier album…
Les 4 Skins ne sont pas des rigolos. En 1979, les quatre membres de ce groupe punk/oi! sont tous plus ou moins Skinheads. Issus de l’East End londonien, ces fans de foot survivent en travaillant comme roadies pour Sham 69, Menace et Cockney Rejects. Ils publient trois albums (« The Good, The Bad & The 4-Skins » - 1982, « Fistful Of...4-Skins » -1983 et « From Chaos to 1984 (Live) » - 1984). Les chansons suintent la violence urbaine (bien que le groupe se défende d’en faire l’apologie) ; en outre, les 4 Skins dénoncent les réalités de la rue, le harcèlement policier, la corruption politique, la guerre et le chômage. Le combo anglais splitte en 1984.
En 2007, Gary Hodges, le chanteur original, reforme The 4 Skins, mais en remaniant complètement son line up. Il est, bien sûr, toujours aux commandes, et a recruté trois membres du groupe Oi!/Punk, Indecent Exposure. Le nouvel album, très judicieusement intitulé « The Return » sort en avril 2010, sur le label allemand Randale Records.
En 26 ans, pas grand-chose n’a changé pour Hodges. En bon skinhead, le vocaliste crache son venin, déteste tout le monde et glisse parfois dangereusement sur le terrain nauséabond du nationalisme. Si, au niveau musical, le punk rock simpliste mais bouillonnant d’énergie ainsi que la voix rugueuse du porteur de bretelles au caillou rasé, titille agréablement notre oreille endolorie, le discours violent et néolithique nous gâche franchement le plaisir.
« The Return » réunit quatorze titres. Six nouveaux, six anciens réenregistrés par la nouvelle mouture du combo et, très étrangement, deux reprises du groupe glam rock anglais des seventies, Slade. La version skin du célèbre « Cum On Feel The Noize », violente, martiale et ponctuée de ‘oi ! oi! oi!’ en lieu et place des ‘Oh, Oh, Oh’ originaux vaut d’ailleurs son pesant de cacahuètes empoisonnées.
Savoureux au niveau musical mais éthiquement indéfendable. A ne pas mettre entre toutes les mains (NDLR : oreilles ?) !
Les deux premiers albums de Nathan Williams (« Wavves » et « Wavvves ») n’ont pas été accueillis de la même manière par la presse. Considéré comme un messie pour certains journalistes et comme un (im)pos(t)eur poseur pour les autres, il n’a laissé, en tout cas, personne indifférent ! Faut dire que le personnage suscite également la controverse. Et n’en est d’ailleurs pas à une frasque près. En 2009, lors du festival Primavera de Barcelone, sous l’influence d’un cocktail de valium et d’ecstasy, il avait ainsi accordé un set en-dessous de tout…
Cet été, le natif de San Diego a décidé de faire son come-back, en publiant un troisième elpee intitulé « King Of The Beach ». Et il revient gonflé à bloc, heureux et convaincu de nous proposer quelque chose de nouveau. ‘Je ne voulais pas faire le même album. J’ai déjà réalisé deux fois la même chose…’ Il a donc sollicité Dennis Herring (responsable de la mise en forme des deux derniers opus de Modest Mouse) pour le produire. Et le résultat ne pouvait donc qu’être mieux balancé. Sa manière de bosser est donc plus réfléchie, aujourd’hui ; et il ne passe plus pour un jeune branleur… Il a acquis, en quelque sorte, de la maturité : ‘Quand le son n’est pas noyé sous la réverb’, le processus est bien plus difficile car on sait que chaque son va être entendu parfaitement’. La participation de Stephen Pope et Billy Hayes (backing band de l’hyper-talentueux et regretté Jay Retard) confère également une touche pop bienvenue à l’esprit parfois encore trop brouillon de Wavves. Pourtant, certains morceaux de nouvel opus jouissent d’arrangements bien plus soignés. Ce qui fait un bien fou à la musique de Nathan Williams ! L’énergie du bonhomme est bien mieux canalisée ; d’ailleurs, « King Of The Beach » pourrait bien être le disque jetable labélisé indie de l’été. Surtout à cause de ces hymnes contagieux, comme le très 90’s et vaguement ‘weezerien’ « Green Eyes » ou le très pop « Take on the World », digne de Jay Reatard himself. Pas l’album du siècle, mais une œuvre empreinte de douceur, moins calorique et aussi fun qu’un Calipo sur la plage, cet été!
La machine à sous et à fantasmes (pré)ado « Twilight » a délivré, aux prémisses de l’été 2010, le troisième et avant-dernier volet de sa saga vampirique. La trame, vide de substance, reste la même : Bella doit faire un choix cornélien. Doit-elle se taper le vampire ou le loup-garou ? Et pour illustrer musicalement les états d’âme de la jeune femme et de ses deux prétendants, Livia Tortella, productrice exécutive de la bande-son, a, encore une fois, rassemblé un casting 5 étoiles derrière le micro. A l’instar de celle qui accompagnait l’épisode précédent, la B.O. d’ « Eclipse » fait la cour aux artistes indie les plus hypes du moment. Band Of Horses y côtoie Florence + The Machine, Vampire Weekend, The Dead Weather, The Black Keys ou encore Fanfarlo. Battles et Bombay Bicycle Club, eux, s’offrent une incursion discrète au sein de la version ‘Deluxe’ de l’objet.
Tous y interprètent des titres inédits dont certains sont de véritables réussites. Pour ne citer qu’eux, le « My Love » de Sia, « Chop And Change » des Black Keys, « With You In My Head » de UNKLE, accompagnés des Black Angels ou encore l’excellent duo entre Beck Et Bat For Lashes, « Let’s Get Lost ». Impossible, par contre, d’échapper à quelques titres tout à fait inutiles comme « Eclipse (All Yours) » de Metric, « Ours » de The Bravery ». Ou encore le single porte-drapeau du long-métrage, « Neutron Star Collide (Love Is Forever) » des inévitables Muse, qui signent là l’un des morceaux les plus irritants de leur discographie.
« Eclipse » est, en général, une bande-son de très bonne facture, mais pose le même problème que celle qui la précédait. Une nouvelle fois, elle ne s’adresse pas nécessairement au même public que le long-métrage dont elle est tirée. Un mal pour un bien ?
L’heure de gloire de la chillwave a sonné. Vu le succès d’artistes comme Neon Indian, Small Black, Memoryhouse, Memory Tapes ou encore de l’excellent Washed Out, la ‘chillwave’ est devenu le genre émergent de l’année. Ce courant musical, qui tire sa substance de l’ambient et du shoegaze, privilégie les sons synthétiques downtempo aux couleurs estivales. Et le premier ouvrage de Chazwick Bundick alias Toro Y Moi se classe plus que joyeusement dans cette catégorie. Ici, c’est plutôt le transat que le dancefloor. « Causers Of This » envoie une courte mais bonne dose de beats antalgiques. Des beats qui ne cassent pas forcément la baraque. A contrario de ceux de son talentueux pote Ernest Greene, alias Washed Out, qui, lui, illustre à merveille le courant.
L’élément qui distingue Toro Y Moi de ses pairs, réside essentiellement en ses influences hip-hop que l’on retrouve disséminées de manière assez éparse mais cohérente sur l’ensemble de « Causers Of This ». Des morceaux comme « Low Shoulder », « Lissoms », « Causers Of This » ou « Fax Shadow » sont d’ailleurs les porte-drapeaux de ces influences. Pour son premier essai, Toro Y Moi s’en sort plutôt bien mais a encore du pain sur la planche s'il veut tirer son épingle d’un jeu dont la popularité ne cesse de s’étendre.
A découvrir en live au Pukkelpop le 21 août.
Pas sûr que les forces de l’ordre apprécient les missiles pop assénés par les Canadiens de Tokyo Police Club ! En effet, ils risquent de mettre à mal la quiétude de n’importe quelle bourgade endormie par les chaleurs estivales… « Champ », le 2ème LP de cette jeune formation, est en effet un parfait condensé de rock mélodique, confirmant enfin leur très réussi 1er Ep, « Lesson in Crime », paru en 2006. Un groupe est à nouveau au top de sa forme après avoir publié un premier opus quelconque, en 2008 (« Elephant Shell »). La pression semblait d’ailleurs avoir desservi la formation, à l’issue du concert de louanges démesuré, accordé à « Lesson in Crime ».
Pour concocter ce long playing, les musiciens ont pris le temps (2 ans !) afin de composer des hits portés par des guitares acérées et raffinés par la voix tellement sexy de Dave Monks. Hormis les plus sourds d’entre nous, peu de monde devrait résister aux tubes de la trempe d’« End of a Spark », de « Gone », caractérisé par ses synthés sautillants, et surtout de l’imparable « Breakness Speed ». A peine âgés de 20 ans, les Canadiens ont pris de la bouteille tout en n’abandonnant pas leur art à torcher des refrains pop et entêtants dignes des Strokes ou autres Buzzcocks. Dommage qu’au deux-tiers de l’album, l’inspiration commence à s’essouffler. Mais pour le reste, à l’écoute des compos de ces ex-rois de la blogosphère, on est en droit de se demander : mais que fait la police ?
Recoil est né de l’initiative d’Alan Wilder en 1985, alors que celui-ci était encore actif au sein d’une ‘petite’ formation nommée Depeche Mode. Dix ans plus tard, Wilder décide de couper les ponts avec ses camarades et de se concentrer sur son projet personnel. Après avoir délivré une série d’Eps qui auront fondu dans le décor, le compositeur publie en 1997 « Unsound Method », le premier LP de Recoil. Depuis, la discographie du projet ne s’est que peu développée, ne comptant pas plus de trois éléments. Ce qui n’empêche aucunement Wilder et son comparse, Paul Kendall, de délivrer aujourd’hui ce qu’ils considèrent comme les meilleurs morceaux issus de leurs trois travaux. Et la formule fonctionne assez bien, « Selected » étant composé de 14 morceaux (remasterisés) formant une galette cohérente aux influences très Trip Hop.
Seul problème : le timing de Wilder. « Selected » apparaît à l’heure où la popularité de ce genre musical est en plein déclin et où seules quelques formations parviennent encore –relativement– à tirer leur épingle du jeu (Unkle, Massive Attack,…) Caractérisé par son atmosphère pesante, ses voix hantées et ses mélodies obscures, la séance de rattrapage de Recoil compte, néanmoins, quelques jolies réussites (« Prey », « Red River Cargo », « The Killing Ground », « Shunt », …) qui méritaient bien ce petit dépoussiérage. De par sa durée assez conséquente (plus de 70 minutes), « Selected » s’adresse essentiellement aux aficionados du genre. Les plus gourmands pourront même se procurer une version double de la plaque, dont le disque bonus réunit des remixes et des versions alternatives. Trip Hop’s not dead.
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