En 2007, Michael Tapper, le drummer de la formation new-yorkaise décide de quitter le navire pour rejoindre la magnifique aventure californienne des Fool’s Gold. Keith Murray et Christopher Cain décident de continuer l’aventure sous la forme d’un duo, n’engageant des collaborateurs (NDR : comme Max Hart), que pour accomplir leurs tournées ou bosser en studio. Il leur aura fallu deux ans avant de dénicher l’oiseau rare. En l’occurrence Andy Burrows, fraichement débarqué de ses obligations, au sein de Razorlight. Et manifestement sa présence apporte un plus à la musique du combo. Leur quatrième elpee, sobrement intitulé « Barbara », en est la parfaite illustration. Il est même digne de l’excellent « With love and squalor », publié en 2005.
Mais qui est cette demoiselle que l’on imagine très jolie ? Je ne connais pas la réponse ; mais une chose est sûre, elle devrait être ravie du contenu de cette nouvelle livraison qui lui est dédiée. Un disque qui regorge de hits.
Lorsqu’on évoque We Are Scientists, on pense immédiatement à The Rapture et Franz Ferdinand. Ils appartiennent au même courant musical. Leur pop/rock survitaminé, contagieux, aux inflexions post punk, est bourré de fun et d’énergie. Il n’a d’autre réelle ambition que de communiquer de bonnes vibrations. Une formule gagnante pour le trio new-yorkais qu’il décline en 30 bonnes minutes. Et les formules, We are Scientists les connaissent sur le bout des doigts. Elles sont un peu trop mainstream ? Qu’importe, c’est à la fois la force et la faiblesse de leur musique. Pas la peine de s’attarder. Le plaisir est fugace. Comme une nuit passée dans les bras de « Barbara » ?
Programmé lors des festivals de cet été, We Are Scientists, se produira notamment au Pukkelpop, ce 19 août…
Interviewer Luke LaLonde, le chanteur de Born Ruffians, relevait, pour votre serviteur, de l’enchantement. Et pour cause, le dernier opus de la formation canadienne, « Red, Yellow & Blue », était manifestement celui qui avait le plus tourné dans mon IPod, en 2008. Faut dire que cette rencontre entre le sens mélodique de Franck Black et le profil rythmique de Talking Heads, parcouru par le feeling unique du vocaliste, avait de quoi séduire. Luke est venu défendre le nouvel elpee du trio, « Say It ». Ses arguments ne manquent pas de conviction, mais le disque risque fort de décevoir les fidèles aficionados. A contrario, il pourrait conquérir de nouveaux fans. Motif ? « Say It » recèle bien moins de hits que le précédent opus ; mais il est bien plus cohérent. De quoi alimenter notre conversation…
Luke, tu ne débarques pas en Belgique, pour la première fois. Content de revenir à Bruxelles ?
Absolument ! Malheureusement nous ne disposons que de trop peu de temps libre pour visiter la capitale. En outre, aucun concert n’a été programmé dans l’immédiat. Faut absolument que j’en parle à notre manager, pour rectifier le tir…
Les origines de Born Ruffians seraient très secrètes. Possible de lever un coin du voile ?
Pour être honnête, elles n’ont vraiment rien de bien secrètes (rires)… Notre aventure a commencé alors que nous n’avions que 16 ans. Au sein d’une petite ville sise dans Ontario (NDR : c’est au Canada), répondant au nom de Midland. Après avoir ramé pendant des années, s’être obstiné à répéter des compos bancales, on a décidé de déménager à Toronto. Où nous avons opté pour le patronyme de Born Ruffians. C’était en 2004. Deux ans plus tard, après y avoir accordé quelques shows, un manager mandaté par Warp est venu nous voir et nous a proposé de rejoindre leur label. D’abord pour enregistrer un Ep ; et puis accomplir une tournée américaine. Le reste appartient à l’histoire…
Oui mais Warp est un label surtout notoire pour ses artistes électro. Il y a bien quelques exceptions comme !!!, Battles, Maxïmo Park, Gravenhurst et Grizzly Bear. Mais ils ne sont pas légion. Et puis, il faut croire que pour rejoindre cette section indie, il faut quand même respecter certains critères. Vous aviez l’impression de faire partie de leurs desseins ?
Warp était le label qui semblait le plus croire en nous à l’époque. Peu importe qu’il soit considéré comme électro ou pas. Je suis d’ailleurs grand fan des Boards Of Canada et de Jamie Liddle ! Je pense que Warp cherchait tout simplement à élargir son champ d’action, sur la scène pop/rock. Et nous ne pouvons que nous réjouir de leur soutien jusqu’à présent.
Pourquoi avoir confié à Rusty Santos (NDR : Animal Collective, Panda Bear, Owen Pallett) la production de votre nouvel album ?
Nous étions réellement satisfaits de son travail sur « Red, Yellow & Blue ». Rusty apporte une perspective unique à notre musique et nous pousse jusque dans nos derniers retranchements, en studio. Nous ne souhaitons pas une production standardisée et son approche non-conventionnelle nous convient parfaitement.
Qu’y a-t-il de fondamentalement différent entre « Red, Yellow & Blue » et « Say It » ?
Je pense que nous étions plus relax, mais aussi concentrés lors de la confection de « Say It ». Nous disposions de plus de temps (2 semaines !) et avions une meilleure idée de ce que nous voulions. Chaque morceau devait être construit lors des répétitions en studio. Il était important pour nous de ne pas se baser sur une démo préalablement enregistrée, mais de tout composer en live. L’évolution de jeunes gens d’à peine 20 ans est également un facteur important … (rires). Au cours des derniers mois, le line up de la formation a dû faire face à de nombreux changements. Une situation qui finalement nous a beaucoup rapprochés et même soudés ! Je crois que chaque petit changement dans la vie d’un artiste influe sur son art…
En enregistrant ce nouvel opus, aviez-vous, consciemment ou pas, une idée de votre nouvelle orientation musicale. Certaines découvertes récentes vous ont-elles influencées?
Nous désirions communiquer davantage d’émotion dans nos compos et écrire de véritables chansons pop dont les refrains seraient hérités en ligne droite de la fin des années 70 et du début des années 80. Nous les avons composées en nous imprégnant de l’esprit d’artistes comme Van Morrison, Amon Düül, les Beach Boys, Roy Orbison ou encore Tom Petty...
A l’instar des Talking Heads, la plupart de vos morceaux sont basés sur les rythmes. Une ligne de conduite ?
En studio, lorsque nous travaillons sur un morceau, nous précisons bien nos rôles. Sauf pour l’aspect rythmique dont nous partageons la même passion. Steve ne bosse pas beaucoup sur le sens mélodique, mais bien le rythme, la précision et la concision des morceaux. La mélodie est plutôt du ressort de Mitch ; mais il participe également à l’empreinte rythmique. Perso, je me concentre sur les harmonies vocales, qui elles aussi, sont fortement marquées par le rythme ! Lors des répétitions, nous ressentons instinctivement lorsqu’il est nécessaire de renforcer la ligne vocale et quel instrument doit mener le tempo. Néanmoins, malgré l’omniprésence de ces rythmes, je pense que « Say It » met surtout l’accent sur le travail des voix, tout en permettant aux chansons d’être fredonnées. Mais chassez le naturel…
Quels sont les artistes ou groupes que vous appréciez le plus, sur la scène contemporaine ?
J’avoue avoir beaucoup écouté le dernier album de Caribou… que j’ai eu la chance de recevoir avant tout le monde, car je chante le dernier morceau ! Mon ami Dave, de Tokyo Police Club, m’a également récemment envoyé son dernier cd et je le trouve superbe. J’adore aussi les Nurses de Portland. Nous allons d’ailleurs tourner avec eux, dès septembre. Je vous conseille l’écoute de Magic et des Slim Twig. Ils sont issus de Toronto. A côté de ces récentes découvertes, j’écoute surtout James Holden, Four Tet et Joy Orbison…
La communauté artistique de Toronto, c’est toujours d’actualité ?
En fait, j’ai déménagé. J’ai quitté Toronto pour Montréal! Mais j’y retourne bien entendu régulièrement ; non, non, rien n’y a changé !
A l’écoute de l’excellent remix du « Bye Bye Bayou » d’Alan Vega, opéré par LCD Soundsystem, on pouvait sérieusement commencer à envisager une suite au magique « Sound Of Silver », paru en 2007. Au cours des 3 dernières années, James Murphy s’est montré plutôt discret, alors que son label DFA n’a jamais été aussi productif. La crise économique ne semble d’ailleurs pas avoir touché l’écurie. Murphy et ses comparses viennent donc enfin de remettre le couvert en publiant « This Is Happening », un elpee qui surprend par sa maturité, d’une part ; mais d’autre part, pourrait constituer un des points d’orgue de l’année 2010.
Et pourtant, cet opus pourrait être le tout dernier opus du combo newyorkais. Murphy l’a d’ailleurs déclaré récemment au NME. Aussi il en a profité pour faire péter les bouchons de champagne en se jouant les soirées blanches d’Eddy Barclay, à sa manière. En premier lieu, l’enregistrement. Il s’est déroulé à ‘The Mansion’, célèbre villa du producteur Rick Rubin (Johnny Cash, Beastie Boys, etc.) qui a vu notamment l’enregistrement de « Blood Sugar Sex Magik » des Red Hot Chili Peppers ou encore cette même bâtisse qui apparaît durant la seconde saison de « Californication ». Et enfin, c’est entouré de tous ses proches que Murphy s’est pris pour le producteur superstar. Une sorte de gourou qui avait exigé de ses disciples de se vêtir de blanc, pour rendre l’ambiance plus fun. Néanmoins, il faut reconnaître que son choix était judicieux, car –et il l’a reconnu– louer un studio ça douille et puis, c’était une belle opportunité de se rapprocher de L.A. Et pour cause, il ne faut pas oublier qu’il est également le responsable de bande originale de « Greenberg », le nouveau long métrage de Noah Baumbach. Dans cette superbe villa, James a installé son studio. En n’oubliant pas d’y accrocher une énorme bannière étoilée. Et c’est dans cette pièce, sous quelques boules à facettes, que LCD Soundsystem a pondu les neuf titres de cette nouvelle galette. De véritables perles aux sonorités très ‘classe’ ! Faut dire que dans l’univers de l’électro, James est bien le roi du monde ! Néanmoins, l’aspect mélodique est beaucoup plus palpable ; et puis James Murphy ose enfin chanter, et à la manière d’un crooner. C’est d’ailleurs un des aspects les plus surprenants de « This Is Happening ». Tout comme la durée des plages, dont sept ne descendent pas en-dessous des 6 minutes.
« Dance Yrself Clean » ouvre le bal. En douceur. Avant que ne s’abatte une tempête de sonorités cristallines, balisée par une rythmique susceptible de vous décoller les pieds du sol. Rock déjanté, « Drunk Girls » rend un bel hommage au Velvet Underground, et en particulier à son « White Light/White Heat » (NDR : merci Enzo). Emouvant, « All I Want » illustre les capacités vocales hors-norme de James. Le long playing regorge, bien sûr de hits potentiels. En particulier « You Wanted A Hit », un morceau pour lequel il a reçu le concours d’Al Doyle (Hot Chip). Il mérite un big up ! Mais à mes yeux et à mes oreilles, la palme revient à « Home ». Cette superbe compo, très riche également, lorgne manifestement vers Talking Heads. De quoi déjà rêver de vacances.
Après avoir concocté trois excellents albums et accompli trois tours du monde. LCD tire sa révérence. Murphy aura marqué (chamboulé), de son empreinte (de la cave au grenier) la scène électro. A l’aube de ses 40 ans, il a sans doute envie de se consacrer à d’autres projets.
Née Betty Haskins, Betty LaVette aura bientôt 65 piges. Et pourtant, elle n’est pas prête de prendre sa retraite. Faut dire que la voix de cette chanteuse de soul tient toujours la route. Et à mon humble avis, elle ne déposera ses armes vocales, qu’après avoir rendu son dernier souffle. D’ailleurs, on en a la certitude après avoir écouté cet elpee, consacré à des reprises les plus émouvantes les unes que les autres. Faut dire qu’en un demi-siècle de carrière (NDR : elle l’a entamée dès 16 ans, à Detroit, dans le Michigan industriel) Betty s’est imposée comme une vocaliste de référence. Depuis son hit initial, « My Man – He’s a Lovin’ Man », elle en a fait du chemin. Des expériences qui lui ont permis, entre autres, d’accompagner Barbara Lynn et Otis Redding ! Elle avait opéré un come-back réussi, en 2005, lors de la sortie d’« I’ve Got My Own Hell to Raise », et confirmé ses excellentes dispositions en publiant « The Scene of the Crime », deux ans plus tard, une œuvre pour laquelle elle avait reçu le concours des Drive-By Truckers, et pas seulement à la production.
Ce nouvel elpee est consacré à des covers de classiques bien britanniques. Qu’ils soient pop, rock, soul ou r&b. La diva y interprète des compos de Pink Floyd (« Wish You Were Here »), Paul McCartney (« Maybe I’m Amazed »), Stones (« Salt on the Earth ») et même d’Elton John (« Don’t Let the Sun Go Down »), en y communiquant une passion et une intensité rares. Et pourtant, le challenge était pourtant plus que risqué ! Suivant la légende, Pete Townshend aurait fondu en larmes, à l’écoute de la cover du « Love, Reign O’er Me », un morceau figurant en bonus track. Toutes les plages de ce long playing ont subi une véritable cure de jouvence. Et Bettye LaVette, une des plus belles voix de la soul et du r&b en est la responsable…
La scène rock anversoise semble se porter à merveille. Après avoir savouré l’excellent premier album éponyme de The City, c’est au tour de The Heartaches de faire pogoter la Belgique. Moins ancré dans le hard rock que celui de ses concitoyens de The City, le glaviot rock’n’roll déjanté des Heartaches mélange le meilleur du punk originel new-yorkais à celui des bas-fonds de Londres. Au diable les mélodies pop avilissantes de Green Day, Blink 182 et des autres poseurs du genre. Place à la puissance brute du punk originel.
Ces Anversois vénèrent les Clash, Ramones, UK Subs, Buzzcocks, Damned et Rancid ; et on le ressent dans leur musique authentique et sans fioritures. Un objectif que le punk rock aurait toujours dû respecter : celui d’une musique de la rue, sauvage et rebelle.
Rappeur atypique, Paul ‘Sage’ Francis domine la scène du hip hop alternatif depuis la sortie de « A Healthy Distrust », son meilleur album paru à ce jour. Faut dire que le flow du natif de Providence est certainement l’un des plus impressionnants, actuellement. Pas pour rien que le gaillard a gagné de nombreuses ‘batlles’ avant d’entamer son parcours professionnel. Mais si Sage est parvenu à se forger une telle notoriété, c’est parce qu’il refuse d’adhérer aux stéréotypes du hip hop américain. Pas question de tourner des vidéos en compagnie de gros calibres, de grosses voitures ou de femmes-objets. Il n’est pas non plus du genre à se faire produire par Timbaland. Il préfère retravailler une compos du roi de la country, Johnny Cash, ou à collaborer en compagnie de Will Oldham, comme sur l’excellent opus « Sea Lion ».
Pour concocter son quatrième long playing, l’Américain a décidé de s’investir davantage. Tout simplement en invitant des pointures respectées de la scène indie. Aux manettes, tout d’abord. Elles ont été confiées à Brian Deck (Modest Mouse, Iron and Wine). En fait, le concept de « Li(f)e » impliquait une collaboration d’artistes n’ayant jamais bossé dans l’univers du hip hop. Francis explique : ‘I didn’t want them to write music they thought they should for hip hop’. Ainsi, lors du titre qui ouvre l’elpee, « Little Houdini », l’instrumentation a été déléguée à l’ex-Grandaddy, Jason Lytle. Il y entretient un climat western ‘enniomorriconesque’, sur lequel le rappeur vient poser son flow, tout en jouant à merveille sur l’intensité. Yann Tiersen signe « The Best of Times ». Excusez du peu ! Calexico apporte sa collaboration au superbe « Slow Man ». Et parmi la liste des collaborateurs figurent encore Chris Walla de Death Cab For Cutie, le défunt Mark Linkous de Sparklehorse ou encore DeVotchka. Bref, une œuvre qui réunit des compos de toute bonne facture, mais sans grande homogénéité. La succession de guests explique évidemment cette situation. Chaque artiste cherchant à marquer sa participation de son empreinte. N’empêche « Li(f)e » démontre une nouvelle fois que Sage Francis est un rappeur alternatif. Et qu’il n’en a rien à cirer des frontières préétablies. Après avoir avoué sa flamme pour la country et le folk, il a voulu rendre un hommage à l’indie rock, en conviant une belle brochette d’ambassadeurs du style. Le dossier de presse précise que cet album s’adresse aux fans de Danger Doom, Atmosphere, Calexico ainsi qu’à ceux de Bright Eyes. Difficile de faire plus éclectique.
La musique africaine, Vampire Weekend et Yeasayer la puisent chez leur référence majeure : Talkings Heads. Fool’s Gold, eux, préfèrent se servir directement à la source ! Les rythmes, les lyrics, les voix, l’ambiance et même la longueur des compos : tout un descriptif réminiscent du continent noir. Eponyme, le premier elpee de cette formation californienne constitue probablement l’aboutissement d’un concept débroussaillé par les deux combos susvisés. Pourtant, alors qu’on imagine les compos interprétées dans une langue proche du swali, elles sont en fait interprétées en hébreu… Pas parce qu’il existe une importante communauté juive en Ethiopie ; mais parce les co-leaders des Fool’s Gold, Lewis Pesacov et Luke Top, sont d’origine juive.
Et ce cocktail aussi étonnant qu’exotique, les deux comparses parviennent encore à le mâtiner de krautrock ! Effet de mode institué à Los Angeles ? Peut-être ! Mais une chose est sûre, les plages de cet opus sont excellentes. Au sein du collectif de la cité des Anges, figurent un membre des Foreign Born (Matt Popieluch), l’ex-batteur de We Are Scientists (Michael Tapper), une rock-star argentine (Erica Garcia) et un artiste plasticien brésilien (Salvador Placencia). Une joyeuse bande qui n’hésite pas à utiliser des tas d’instruments insolites : Gungon (tambour à peau), Gankogui (cloches), Kashishi (sonnailles en coquilles de noix) ou encore tambourin Mizhar. Parmi les huit chansons festives de ce long playing, on épinglera un blues saharien (« The World is All There »), du folk éthiopien (« Nadine), une immersion dans l’univers indien (« Ha Dvash ») et même un hymne contagieux (« Surprise Hotel »), qui aurait pu naître d’un séjour des Pixies en Afrique. Un tour du monde salvateur et convainquant, opéré en période de sinistre débat sur l’identité nationale ou sur le port du voile… Multiculturel, fun et sans prétention. Et on se met même à rêver de se prélasser voire de danser sur le rythme de leurs compos, lors d’une journée festivalière ensoleillée. Ma carte ‘World Music’ de l’année !
Encore une fois, on va me regarder de travers après avoir lu la critique de cet album. Le deuxième de Foals. Qui est excellent, rassurez-vous. Simplement, parce que votre serviteur n’y a pas rencontré les mêmes courants référentiels (NDR : un grand mot, je l’avoue). Pas très contemporains, il faut le reconnaître, à contrario de tout ce que j’ai pu lire dans la presse spécialisée.
Pour enregistrer cet opus, le quintet s’est isolé en Suède. Du côté de Göteborg. Au beau milieu d’une zone industrielle. Et les musicos ont bossé comme des malades. En essayant de s’écarter au maximum du math rock de leurs débuts. Pour embrasser des influences très eighties. Celles de Talking Heads, tout d’abord. Que l’on retrouve en filigrane, tout au long de l’elpee. Et en particulier l’œuvre majeure « Remain in light ». Un disque qui a influencé les courants postpunk, world et new wave. Et le titre d’entrée « Blue blood » ainsi que l’hypnotique « After glow » en sont probablement les plus belles illustrations. Lorsque le tempo ralentit, et emprunte un profil funkysant, c’est plutôt à INXS (NDR : le contagieux « Miami »), à Spandau Ballet (NDR : époque « Chant no.1 ») et même à XTC (NDR : les percus menaçantes et ce remarquable travail sur les voix opéré tout au long d’« Alabaster »), que je pense. Quant à « 2 trees », il nous plonge au sein d’un climat atmosphérique, mélancolique, réalisant une fusion parfaite entre le feeling de Durutti Column (NDR : surtout pour la trame électro) et l’intensité électrique de Kitchens of Distinction. « Black Gold » lorgne même vers le reggae et le dub du Clash (NDR : et de « Sandinista! », of course !), tout en s’autorisant des digressions électriques à la Skids. Et en finale, « What remains » est même hanté par le spectre de Peter Gabriel. A cause de cette sensibilité world. De ces chœurs en boucle, aussi ; même si la dimension électronique évoque davantage Efterklang. L’occasion d’en revenir à des références plus contemporaines. Comme sur « Spanish Sahara », dont les montées euphorisantes, cette sensibilité romantique et cette tension progressive auraient pu naître d’une rencontre hypothétique entre Snow Patrol, Grandaddy et Sophia. Ou encore le single « This Orient ». Dont l’intro math rock puise aux sources du combo, alors que les envolées de six cordes empruntent manifestement à Bloc Party. Et pourtant, les élans de gratte sont moins fréquents. La voix de Yannis Philippakis moins agressive. Et les compos paradoxalement plus élaborées et plus fluides.
Bref, un chouette album, même s’il est le fruit d’un cocktail d’influences aussi riches qu’énigmatiques. Quoique… D’ailleurs, pas sûr que si les membres de Foals lisent cette chronique, ils vont être très heureux d’avoir ainsi vu leur musique décortiquée…
Le 8 mai dernier, Faithless réinvestissait l’Ancienne Belgique, les lieux de leur premier crime en Belgique. Soit onze ans après l’avoir commis. La formation qui, à l’instar d’un U2 ou d’un Prodigy, a affolé les sismographes bruxellois il y a quelques années, venait y présenter leur cinquième LP, très judicieusement intitulé « The Dance ». Et le public belge ne s’y est pas trompé. Non content d’avoir dévalisé le ticketshop de l’AB en moins de dix minutes, les citoyens du plat pays ont d’ores et déjà consacré ce disque qui, dès sa sortie, a raflé la ‘pole position’ des charts belges. Vous avez dit ‘fédérateur’ ? C’est le moindre que l’on puisse dire, tant la symbiose du public de Faithless est impressionnante.
Jusqu’à présent, la force discographique de Faithless procédait essentiellement de leurs singles, tous plus imparables les uns que les autres. Les albums, eux, étaient un peu moins facile à digérer dans leur ensemble. A l’exception de « Reverence », l’excellente première œuvre du trio. En 2006, « To All New Arrivals » atterrissait dans les bacs et dévoilait la facette plus mellow, plus en retenue de la formation. Ce qui n’était pas une grande réussite en soi. Quatre ans plus tard, le maître des manettes et homme de l’ombre Rollo, la magicienne du synthé Sister Bliss et le prophète Maxi Jazz ont choisi la route de l’indépendance en quittant les bureaux de Sony pour ceux de Pias. Une décision apparemment providentielle, puisqu’ils engendrent aujourd’hui ce qui est probablement leur meilleur ouvrage. « The Dance » est un rouleau compresseur, parcouru d’hymnes taillés sur-mesure pour les stades. Les tubes ultra-efficaces « Not Going Home », « Tweak Your Nipple », « Sun To Me » et « Feelin Good » ne feront qu’asseoir, une fois de plus, la réputation de Faithless en tant que machine de guerre scénique. La galette compte la participation au micro de la fidèle Dido ainsi que celle de Mia Maestro, Dougy Mandagi (The Temper Trap) et Jonny ‘Itch’ Fox (The King Blues). En quatorze ans de carrière, « The Dance » marque le véritable premier sans faute de Faithless.
« Eat Raw Meat = Blood Drool » constitue le troisième extrait de « In This Light And On This Evening », recueil des Editors, publié en octobre dernier. Le plaidoyer libertaire des Anglais s’accompagne sur ce maxi-single de deux titres originaux ainsi que de 3 versions inédites du morceau maître. A l’image de « Eat Raw Meat = Blood Drool », les deux nouveautés (« Alone » et « Thousands Of Lovers ») n’apportent pas grand-chose à la discographie du quatuor, qui avait jusqu’ici enchaîné les singles imparables aux riffs entêtants. Le seul véritable intérêt de ce single consiste en deux remixes du titre-maître. L’un par Tom Barman et CJ Bolland, alias Magnus, l’autre par Steppin Brothers. Tous deux taillés pour les grand-messes electro. Mais une chose est certaine. Ce n’est pas ce « Eat Raw Meat = Blood Drool » qui fera redécoller les ventes de « In This Light And On This Evening ».
Après avoir pris mon pied à l’écoute du premier album de Born Ruffians (« Red, Yellow & Blue »), paru en 2007, et savouré quelques Eps de toute bonne facture, j’attendais leur nouvel opus impatiemment. Fondé en 2004, dans la petite bourgade de Midlands (Ontario), ce trio (NDR : le chanteur/guitariste Luke LaLonde, le bassiste Mitch Derosier et le drummer Steven Hamelin) canadien est responsable d’une musique, ma foi, fort originale. A cause, bien sûr, du timbre nasillard et aventureux du leader. Et puis de cette rythmique épileptique et minimale, si caractéristique. Des titres remarquables, inspirés à la fois par les Pixies et les Talking Heads, comme « This Sentence Will Ruin/Save Your Life » ou « Hummingbird » en sont les plus belles illustrations.
« Say It » ne pouvait donc que confirmer. Avouons-le d’emblée, la première écoute de cet elpee m’a quelque peu déçu. Même si ce sentiment de dépit a été rapidement tempéré par la mise en forme de Rusty Santos (Animal Collective, Owen Pallett), qui est parvenu à préserver l’identité de leur musique. Et en particulier cette faculté naturelle à concilier concision et aridité. Pourtant si « Say It » semble plus cohérent, il est également moins immédiat. Et malgré les épatantes interventions vocales de Luke LaLonde, certaines compos finissent quand même par susciter l’ennui. Faut croire que depuis la sortie de « Red, Yellow & Blue », le combo souffre d’une carence d’inspiration. Maintenant, ne soyons pas trop intégristes, car dans leur style, Born Ruffians reste encore largement au-dessus de la mêlée. Et dynamisés par une rythmique fulgurante, des accès de basse vivifiants ainsi que des percus souples, les remuants « Higher & Higher », « Retard Canard » ou « Sole Brother » en sont la parfaite démonstration….
Ce n’est peut-être pas voulu, mais Been Obscene s’évertue à brouiller les pistes. Un nom taillé sur mesure pour un groupe brutal de death métal et une pochette qui pourrait illustrer l’album de n’importe quel combo viking/folk métal ; on est à cent lieues de s’imaginer être en présence d’un combo de stoner/psychédélique. C’est pourtant bien le cas.
Il faudra d’ailleurs un jour que nous pensions à lui demander de s’expliquer sur le choix de ce patronyme. Car, voyez-vous, il n’y a vraiment rien d’obscène sur ce disque. Du stoner, hyper mélodique, gentil et propre sur lui. Rien qui soit assez ordurier ou avilissant pour justifier ce nom, en tout cas.
Si, comme nous l’avons écrit plus haut, Been Obscene brouille les pistes, il est aussi très avare d’informations quant à son histoire. Pas de bio jointe au Cd promotionnel et un livret, certes joli, mais réduit au minimum. Le site du label Electrohash, lui-même, qui consacre pourtant une rubrique à chacun de ses groupes, est totalement muet à son sujet. Idem pour la page MySpace du groupe, où la seule information intéressante fournie nous vient de leur origine. Been Obscene est un groupe autrichien, établi dans la ville de Salzbourg. Il faudra donc se contenter de la musique. Et là, pas de problème. Si vous aimez les guitares lourdes, les riffs rock mid-tempo, et les ambiances psychédéliques, « The Magic Table Dance » est taillé sur mesure pour vos oreilles. Le groupe est aussi à l’aise sur les titres entièrement instrumentaux que les plages chantées. Les vocaux mélodiques de Thomas Nachtigal s’écartent de la norme ; ce qui est plutôt un plus. Le son est moderne et puissant. Been Obscene n’a manifestement pas cherché à recréer le son des seventies comme c’est souvent le cas en stoner.
Sans révolutionner le genre, l’écoute de « The Magic Table Dance » procure énormément de plaisir. A découvrir !
Il ne fait aucun doute, à l’écoute de l’album « A Fighter’s Lullabies », que si les six membres d’Auld Corn Brigade avaient eu le choix, ils auraient préféré être irlandais qu’allemands. Leur punk/folk-rock festif serait effectivement beaucoup plus à sa place dans un pub enfumé des bas-fonds de Dublin que lors d’une fête Oberbayern munichoise.
Formé en 2006 dans la ville allemande de Norhausen, Auld Corn Brigade voue un culte démesuré à la culture irlandaise et à l’histoire tragique de l’Ile Émeraude. Pour son premier opus, le sextet dépoussière, à la manière punk, une série de chants traditionnels irlandais (« I’ll Tell Me Ma », « Muirsheen Durkin ») et de chansons issues du répertoire de folk-rocker rebelles tels que Paddy McGuigan (« Irish Soldier Laddie », « The Boys Of The Old Brigade » ou Seamus Duffy (« Sean South From Garryowen »).
Sur « A Fighter’s Lullabies », chants guerriers et chansons à boire se côtoient au son décapant des guitares punk rock et du violon folk traditionnel.
Ceux d’entre vous qui, en février, avaient apprécié l’album « Until We Die » du combo tchèque Pipe and Pints et, le mois dernier, avaient craqué sur le génial « Live On Lansdowne » des Dropkick Murphys, vont de nouveau devoir délier les cordons de leur bourse.
Le monde du métal a rencontré bien des difficultés à se reconstruire après avoir encaissé le séisme grunge et, dans la foulée le raz-de-marée alternatif. Nombreux sont les héros des eighties qui n’ont pas survécu à la catastrophe. Cependant, le métal est indestructible. Vingt années après le déluge, certaines branches de son arbre généalogique, supposées disparues à jamais, recommencent à bourgeonner. C’est le cas du Thrash Métal qui, depuis longtemps, ne proposait plus rien de vraiment excitant à se mettre sous la dent. Heureusement, le genre métallique, jadis initié par Metallica, Anthrax, Slayer, Megadeth, Exodus, Testament, Overkill et bien d’autres, commence à renaître de ses cendres sous l’impulsion de nouveaux combos fortement attachés à la tradition du riff puissant, lourd et agressif.
Nous avions déjà évoqué le génial Warpath, fer de lance du revival thrash britannique. Le mouvement s’étend désormais à l’Europe continentale. L’Espagne, elle aussi, s’est découvert un champion. En l’occurrence Angelus Apatrida. Formé en l’an 2000 dans la ville d’Albacete, le combo hispanique s’est donné pour mission de ramener à la vie le thrash originel de la Bay Area. Vélocité, brutalité, puissance, dextérité et respect des canons inhérents au métal traditionnel ; tout ce que nous aimions dans la scène thrash est réuni sur « Clockwork ». Après deux essais autoproduits (« Evil Unlished » - 2006 et « Give ‘Em War » - 2007), leur troisième opus sort sur la machine de guerre ‘Century Media’.
Les vocaux de Guillermo Izquierdo évoquent tour à tour ceux de Dave Mustaine (Megadeth), Chuck Billy (Testament) et John Connelly (Nuclear Assault). A l’instar des géants du genre, la musique combine agression et mélodie.
Fan de la violence des premiers albums de Metallica, de Megadeth, d’Annihilator et d’Anthrax, lève-toi ! L’heure d’exhumer vestes à patches, cartouchières et ceintures cloutées est enfin arrivée ! Le dieu Thrash est de retour, Angelus Apatrida est son prophète !
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