Décidément, la scène punk belge se porte à merveille. Après Funeral Dress, The City, The Heartaches et Dear Hearts, c’est au tour de W.R.3 de prouver que dans notre beau pays on peut glavioter et pogoter aussi anarchiquement ; si pas mieux qu’en l’Angleterre ou en Californie.
W.R.3 (War Risk Three) sévit depuis quelques années dans la région de Denderleew et se proclame groupe alternatif influencé par le punk et le rock. Le combo est plutôt productif, puisque depuis 2004 (NDR : date de la sortie du premier album « Thank You Mister President »), il a publié une douzaine de Cds (albums, singles et EPs). « Only The Hard Way », le nouveau méfait de ces punks rockers flamands, a été enregistré au « Dé Studio » d’Asse (dans la région de Bruxelles) sous la houlette du producteur attitré des lieux : Dirk Miers.
Souvent intense, « Only The Hard Way » propose dix-huit petites minutes d’un punk rock violent et fédérateur alliant les mélodies rauques du Clash de la fin des seventies aux riffs speedés d’un Charged GBH. Un bémol : les vocaux. Bien qu’excellents et accrocheurs, ils sont malheureusement un peu trop répétitifs au niveau du contenu.
Sans quoi, bourrée d’énergie, cette petite pépite est destinée aux rockeurs énervés.
En 1982, Tracey Thorn publiait « A Distant Shore », un premier recueil solo. Il faudra 25 ans avant qu’elle ne lui donne une suite. Trop occupée à enchaîner les tubes en compagnie de Ben Watt, son comparse d’Everything But The Girl, la demoiselle publiait « Out Of The Woods » en 2007. Le disque, partagé entre spleen et allégresse, était alors une excellente surprise. Pour son troisième effort en solitaire, la chanteuse évite les deux décennies et demie d’attente. Mais peut-être lui aurait-il fallu un peu plus de trois années pour sceller ce « Love And Its Opposite ». Son précédent opus, « Out Of The Woods », mariait joliment folk et nu-disco et regorgeait de hits comme « It’s All True », « Grand Canyon », « Get Around To It ». Ici, Tracey Thorn délivre une œuvre fidèle à son intitulé. « Love And Its Opposite » déborde de bons sentiments et ne décolle jamais vraiment. Le disque est parcouru d’un voile monotone que même l’intervention (discrète) de Jens Lekman sur la reprise du « Come On Home To Me » de Lee Hazelwood ne parvient pas à lever.
« Love And Its Opposite » est une œuvre anecdotique, à peine bonne à survoler. Pas un morceau ne se distingue tant Tracey Thorn joue à fond la carte de la mélancolie. Pourtant, l’Anglaise s’était plutôt bien entourée. Et en particulier de Jens Lekman, d’Al Doyle (Hot Chip), de Cortney Tidwell ainsi que d’Ewan Pearson derrière les manettes. A l’âge d’or des ‘come-backs’, Thorn devrait peut-être ressusciter Everything But The Girl en traînant sa moitié, Ben Watt, en direction studio et offrir, enfin, une suite au « Temperamental » de 1999…
En découvrant le trio Satan Takes A Holiday dans un café de Stockholm, le label indépendant ‘I Made This Records’ était bien loin de se douter qu’il venait de mettre le doigt sur la future star montante du rock’n’roll suédois. Fort d’un album, de deux singles biens classés dans les charts suédois et de quelques nominations à des awards nationaux, STAH est devenu l’un des groupes les plus en vue du pays.
Impossible pourtant de coller une étiquette précise sur ce rock’n’roll barré et complètement schizophrène. Punk, boogie, psychobilly, rockabilly, noise et garage, la musique du combo stockholmois est un véritable melting-pot dont les influences s’étendent des sixties à nos jours. Satan Takes A Holiday fusionne joyeusement les Stooges à Status Quo, les Rockets From The Crypt, les Meteors ainsi que les Stray Cats aux Vines et aux Hives. Pour le trio, tout dans le rock’n’roll est bon à prendre. Mieux encore, ce qui ne correspond pas à ses standards doit être modifié. A l’instar du « Big In Japan » d’Alphaville transformé ici un fougueux hymne rock’n’rollesque.
Le public scandinave est déjà conquis. Reste à convaincre le reste du monde. La diversité de l’album rendra peut-être les choses un peu difficiles. Les adeptes du verre à moitié vide parleront d’un album inégal et sans fil conducteur. A l’opposé, les champions du verre à moitié plein y verront un album varié et éclectique. Quant à nous, nous remplirons à nouveau notre verre vide en profitant d’un excellent moment de rock’n’roll.
Bien que né en 1967, Rudy Trouvé a déjà trempé au sein d’une multitude d’aventures. Entre 1993 et 1995, il a sévi comme guitariste chez dEUS. Il a donc participé à l’enregistrement des albums « Worst Case Scenario » et « In a bar, under the sea ». Kiss My Jazz et Dead Man Jazz constituent certainement deux de ses principaux projets. Ce qui ne l’empêche pas de s’improviser collaborateur, lorsque l’occasion se présente ou encore de relancer son big band (sextet devenu septet), en compagnie duquel, il avait déjà immortalisé plusieurs sessions. « 2007-2009 », constitue donc son dernier essai. Outre Rudy, ont participé à la confection de ce long playing, la trompettiste/claviériste Sigrid Van Rosendall, le drummer Aarich Jespers, le claviériste/guitariste Elko Blijweert, le bassiste Dimitri Daggelink, le guitariste Geert van Bever et le pianiste Joris Caluwaerts (ex-Zita Swoon).
Découpé en 13 plages, cet elpee tient vraiment bien la route. Un disque criblé de références ; et pas seulement puisées dans les eighties, comme j’ai pu lire à travers les chroniques de plusieurs webzines. Depuis le luxuriant « Beast », une compo imprimée sur un tempo new wave (NDR : la section rythmique évoque celle de The Sound), mais dont l’atmosphère éthérée, réminiscente de Grandaddy, est entretenue par les claviers, les accords de piano et les orchestrations, à l’instrumental « Sunrise on Palavas beach », un titre qui pourrait servir de bande sonore à un film d’aventure, pourvu qu’il soit romantique, en passant par « Footage », morceau hanté par des chœurs masculins, tapissé en toile de fond de bruitages psychédéliques, et parcouru d’une intervention à la trompette, le tout dans le style de Gorky's Zygotic Mynci. Si « Ted Cassidy » aurait pu naître d’une rencontre entre Joy Division (la section rythmique) et Belle & Sebastian (les harmonies vocales limpides), pour « Dub undead » ce serait plutôt entre le trio Holger Czukay / Jah Wobble / Jaki Liebezeit (NDR : pensez à « How much are they ») et Wire (le sens mélodique de « 154 »). Certaines compos embrassent un profil plus mélancolique. A cause des vocaux. Tantôt dans l’esprit de Luna (NDR : cette conjugaison entre voix masculine et féminine sur « Allright », même si le recours aux claviers électro vintage rappelle davantage Ultavox époque John Foxx, voire OMD ; et légèrement reverb sur le spectral « Stolen moments ») ou de Guy Chadwick (NDR : ces arrangements de cordes délicats sur a « Farewell to the giant ». L’album recèle encore quelques instrumentaux. Pour la plupart atmosphériques et filmiques. A l’instar de l’énigmatique « On a highway, barely awake » et puis deux compos ‘enniomorriconesques’. Tout d’abord « The sound of our childhood », nonobstant les accès jazzyfiants et le ton allègre. Et puis « Le thème du souffleur », caractérisé par son piano de saloon. Un très chouette album habillé d’une superbe pochette imaginée et dessinée par Rudy himself…
MMD. Derrière les trois lettres de ce sigle mystérieux (NDR : Mad Man’s Diary selon une source non officielle du web) se cache le nouveau projet de Monsieur ‘Abyss’, alias Pasi ‘Kole’ Kolehmainen, ex-guitariste du combo black/industriel Chaosweaver et bassiste du groupe black métal culte finlandais Beherit, depuis 2007. Les premières pierres du projet MMD sont posées dès 2008 lorsqu’Abyss et Ardath (basse), un ami de longue date, se lancent à la recherche de musiciens intéressés par la création d’un groupe ‘Dark Métal’. Et postent leur annonce sur le web. La Finlande est le pays du métal par excellence ; aussi le line-up ne tarde pas à se concrétiser. Mojo est engagé pour assurer le chant. Il entraîne ensuite dans l’aventure Ripper, un batteur issu de son entourage ; et surtout qui lui semble parfait pour exercer le job. Dans la foulée, Lily Orlok est engagé pour se charger de la seconde guitare, et Matti Pirttimäki alias Vulvus les claviers (NDR : ce dernier a quitté le groupe fin 2009, mais le nom de son remplaçant n’est pas encore connu).
Comme son nom l’indique, « Promo 09 » est un Ep promotionnel. Concocté en avril 2009, il est destiné aux labels et médias. Une carte de visite réunissant trois titres seulement, mais qui démontrent, sans conteste, tout le potentiel du groupe.
Première constatation, pour une autoproduction, le son est vraiment impeccable. Acéré, clair et puissant, il met en évidence chacun des instruments présents. Le style de MMD emprunte aussi bien au black métal symphonique de Dimmu Borgir qu’au Dark Métal puissant de Samaël. Les vocaux malsains de Mojo, alliées aux guitares massives et aux claviers ambiants et symphoniques génèrent une atmosphère horrifique idéale pour ce genre de musique.
Si la qualité des compositions et la production largement supérieure à la moyenne ne souffrent d’aucune critique, il manque encore à MMD ce petit ‘truc en plus’ qui le démarquerait de ses congénères. Nul doute, à l’écoute de cette démo particulièrement prometteuse, que nous entendrons encore parler de MMD d’ici peu !
Pour info, les trois titres de la démo sont disponibles en écoute sur la page MySpace du goupe : http://www.myspace.com/mmdofficial.
Dickey Betts est l’une des figures légendaires du rock sudiste. Un des membres fondateurs de l’Allman Brothers Band’. C’était en 1969. A l’époque, il partage les guitares en compagnie de Duane Allman. La mort tragique de ce dernier, en 1971, le propulse à l’avant de la scène. Il écrit quelques-uns des plus grands classiques du groupe : « In Memory Of Elizabeth Reed », « Blue Sky », « Jessica » et surtout le hit « Rambling’ Man », qui constitue le plus grand succès commercial du groupe.
Son premier album solo, « Highway Call », sort en 1974. Mais c’est seulement en 1977, après la dissolution des Allman Brothers, que démarre vraiment sa carrière solo. Il publie alors « Dickey Betts & Great Southern ». Ce disque, Dickey Betts n’hésite pas à venir le défendre sur les planches européennes. Sa performance accordée dans le cadre du RockPalast Festival (NDR : au ‘Grugahalle’ de Essen, en Allemagne, les 4 et 5 mars 1978) est filmée et retransmise à la télévision germanique.
En 1989 l’Allman Brothers Band se reforme. Le groupe sort trois albums studio et deux live. En 1995, Betts et les autres membres fondateurs de la légende sudiste sont introduits au Rock and Roll Hall of Fame. Pourtant, en 2000, le guitariste est invité (NDR : par le biais courageux d’un fax) à faire ses valises pour quitter le groupe. Il forme alors le Dickey Betts and Great Southern, en compagnie de son fils, le guitariste Duane Betts. La tournée 2008 transite par l’Allemagne. Le show du Museumplatz à Bonn est lui aussi télédiffusé dans le cadre de l’émission Rockpalast.
Les deux concerts immortalisés par Rockpalast en 1978 et 2008 ont déjà fait l’objet d’un Dvd, l’année dernière. Ils alimentent, cette année, d’une version audio. En l’occurrence un double Cd, publié sur le label allemand SPV Recordings. Trente années ont beau séparer ces deux prestations allemandes, elles sont toutes les deux égales en qualité et en intensité. Dickey Betts et son groupe y interprètent des compositions personnelles et des classiques du groupe des frères Allman. Dont, entre autres, une version fleuve d’environ trente minutes de « High Falls », issue du concert de 1978 et une longue adaptation (NDR : d’une vingtaine de minutes) du « In Memory Of Elisabeth Reed », accordée lors de la prestation, en 2008. Comme il fallait s’y attendre, « Ramblin’ Man » clôture en beauté les deux sets.
« Rockpalast: 30 Years Of Southern Rock (1978 - 2008) » est une œuvre indispensable pour tous les fans de rock sudiste ; en outre, il est fortement conseillé aux fans de blues, de classic rock, de hard rock seventies, et d’improvisations guitaristiques gargantuesques.
Tracklisting CD1 (1978-Essen/Allemagne, Grugahalle)
1. Rockpalast-Intro
2. Run Gipsy Run
3. In Memory Of Elisabeth Reed
4. Good Time Feelin'
5. Dealin' With The Devil
6. Jessica
7. High Falls (incl. drum solo)
8. Ramblin' Man
Tracklisting CD2 (2008-Bonn/Allemagne, Museumsplatz)
1. Statesboro Blues
2. Nothing You Can Do
3. Blue Sky
4. Get Away
5. One Way Out
6. Havin' A Good Time
7. In Memory Of Elisabeth Reed
8. No One To Run With
9. Ramblin' Man
Skarbone 14 compte déjà 9 années d’existence. Et nous propose son troisième album. Un disque qui a bénéficié du concours de Rudy Coclet (Arno, Mud Flow, Sharko), notamment à la masterisation. Au cours des derniers mois, le collectif a énormément tourné à travers l’Europe. Ce qui lui a permis de rencontrer une multitude d’artistes issus d’horizons sonores différents. Et « Satellites » illustre parfaitement ces nouvelles influences. D’autant plus que lors de sessions d’enregistrement, la formation a reçu le concours de toute un volée de collaborateurs. Dont Baba Sissoko, aux vocaux et au tamas sur le superbe « Bibissa », le chanteur de Black Sheep, Vankou, tout au long du punkysant « Talk ablout it » (NDR : la compo est d’ailleurs interprétée dans la langue de Shakespeare), Gaston (toujours au micro) pour un ragga vindicatif ; sans oublier Alex Coventi, le claviériste de 100 Grammes de Têtes, lors des compos les plus reggae et Mathieu Borgne, responsable d’interventions judicieuses à la steel drum. Toutes des nuances qui viennent donner un petit coup de fraîcheur au ska festif de Skarbone 14. Enfin, presque, puisque plusieurs compos sont manifestement contaminées par la world (cumbia, salsa, merengue), alors que les cuivres, dispensés tout au long de « Capital dilemme », le titre qui ouvre l’elpee, empruntent subrepticement aux fanfares slaves.
Reste les lyrics. Toujours aussi engagés. Peut-être un peu baba-cools. Traitant de politique, de problèmes sociétaux, de l’image, de la liberté ou encore de sentiments humains. Dommage que le timbre de Simouns manque de nuances. Sans quoi, sur les planches, ces compos devraient mettre le souk au sein de la foule. Et c’est sans doute ce qui va se produire, lorsque le band se produira lors de l’édition 2010, du festival de Dour…
Sur le web, le combo français Kipling est souvent flanqué d’une sale étiquette ‘émo’. C’est plutôt dommage puisque, pour parler franchement, « Lives And Walls », son premier essai discographique, n’a pas grand-chose à voir avec les jérémiades d’adolescents qui caractérisent généralement ce style. Et, si le combo lyonnais insuffle bien une bonne dose d’émotion dans ses mélodies, il a toutefois l’intelligence de ne pas les transformer en pleurnicheries pathétiques.
Loin de l’auto-thérapie à deux balles pour adolescents en mal d’affection, la musique de Kipling combine le côté accrocheur du rock alternatif d’un Muse ou d’un Coldplay aux mélodies lancinantes et aux rythmiques pesantes du mouvement post-hardcore. Si le chant aérien épouse parfois un profil sombre et douloureux, il ne bascule pas pour autant dans le travers éculé du hurlement d’écorché vif.
Bien que sa formation soit assez récente (2007), le quintet affiche une maturité certaine quant il s’agit de combiner sensibilité mélodique et riffs plombés. Pour Kipling, le post-hardcore n’est pas destiné à une élite. Les mélodies classieuses et les refrains entraînants le rendent accessibles au plus grand nombre. Une véritable réussite.
Le metalcore, c’est moyen, y ajouter une voix féminine n’arrange pas vraiment les choses. Un point de vue personnel qui n’engage que le hard rocker aigri rédigeant ces quelques lignes. Néanmoins, comme le soulignait ma maman lorsque, petit garçon, je vomissais ma portion hebdomadaire de choux de Bruxelles : ‘Si tu n’aimes pas ça, n’en dégoute pas les autres !’
In This Moment est un groupe métalcore originaire de Los Angeles. Particularité : c’est la chanteuse qui se réserve le leadership. Maria Brink, comme les mâles de son espèce, alterne les vocaux hurlés et les parties chantées en voix claire. L’histoire du groupe remonte à août 2005, lorsque Maria, qui rêve depuis toujours de devenir une rock star, fait la connaissance du guitariste Chris Howsworth. Les deux nouveaux amis se découvrent une multitude de passions communes et décident immédiatement de former un groupe. Quelques mois plus tard, Rob ‘Blasko’ Nicholson, le bassiste d’Ozzy Osbourne, décide de devenir leur manager après les avoir découvert sur MySpace. « Beautiful Tragedy », le premier album, sort dès 2006. Une tournée en première partie d’Ozzy Osbourne (merci Rob) lui assure un succès commercial fulgurant. « The Dream », le second opus, est produit par Kevin Churko, le producteur des derniers albums d’Ozzy Osbourne (le monde est vraiment petit). Le groupe tourne alors intensément en compagnie de Mudvayne, Papa Roach et Filter. L’enregistrement du disque suivant « A Star-Crossed Wasteland » débute en automne 2009. Kevin Curko est de nouveau derrière les manettes.
Tout au long de cet opus, In This Moment (NDR : version 2010) alterne titres heavy puissants et plutôt bien torchés (comme l’excellent « Gunshow » qui ouvre les hostilités ou « Blazin’ ») et morceaux plus typiquement métalcore (« Just Drive », « Iron Army ») ; mais également compos de moyenne facture, lorgnant parfois vers la pop gothique d’Evanescence (« Standing Alone », « A Star-Crossed Wasteland », « The Road »). Quand Maria Brink chante, elle se débrouille plutôt bien ; dans un style qui évoque celui d’Amy Lee (Evanescence). Ses vocaux extrêmes, par contre, évoquent davantage le hurlement d’une l’adolescente hystérique que les growls musclés d’une véritable chanteuse de métal extrême, comme Angela Gossow (Arch Enemy), par exemple.
Un album relativement peu consistant réservé à un public jeune, féminin, révolté mais romantique.
Pour concocter ce troisième album, Benedikt.H.Hermansson, aka Benni Hemm Hemm, a quitté son Islande natale et s’est rendu en Ecosse. A Edinbourg, très exactement, où il s’est établi. Tel le parfait ‘immigré’, le songwriter a décidé de perfectionner la pratique de son anglais (écossais ?) Et « Retaliate » en est la parfaite illustration, puisque l’opus ne recèle aucune compo interprétée dans sa langue natale, à contrario de ses disques précédents. Des lyrics copieux, au cours desquels Hermansson conte des histoires de Talibans confiants, de pionniers paresseux, de vampires assoiffés de sang et j’en passe (NDR : les textes sont disponibles sur son site Web).
Depuis la confection de son dernier album, paru en 2008, Hermansson, s’est produit aux quatre coins du monde. Lors de ces concerts, il était soutenu par de nombreux musiciens. Un collectif qui pouvait atteindre la trentaine de personnes. Facile dès lors d’imaginer le joyeux bordel au sein duquel baignait les prestations. Des sets pour la plupart, mémorables. Aussi, on a du mal à comprendre pourquoi les compos de cet Ep sont si calmes. Bien sûr, la voix du leader est agréable à l’écoute. L’instrumentation délicatement dispensée. Mais sincèrement, on s’ennuie ferme. Seul le dernier morceau du disque, « Blood On Lady Lawson », et dans une moindre mesure, « Shipcracks », à cause des cuivres concentrés en fin de parcours, parviennent à nous extraire d’une certaine torpeur, au sein de laquelle, l’Islandais nous a plongés.
Certes, ce « Retaliate » n’est pas de mauvaise facture, mais il n’est guère transcendant : donc il est parfaitement dispensable. On s’attendait à mieux de la part de Benni Hemm Hemm ; surtout quand on sait ce dont il est capable sur les planches. En attendant de découvrir la troupe en ‘live’, moment privilégié qui serait susceptible de nous réconcilier avec l’artiste, espérons que son futur LP sera un chouia plus excitant.
Pour concocter cette compilation consacrée au rhythm and blues, l’écurie Vampisoul s’est tournée vers la science du DJ américain Mr Fine Wine. Ce véritable passionné s’est donc débrouillé pour nous faire découvrir les plus belles pépites issues des deux labels phares, Federal et King. « R&B Hipshakers Volume 1 » réunit dix plages uniques composées au cours des belles années rock, soit entre 1956 et 1967. C’est une garantie Vampisoul, ce premier volume vous fera danser jusqu’au bout de la nuit !
Superbement masterisé, cet elpee recèle des titres jamais publiés sur disque à ce jour. Du très remuant « One Zippy Zam » de Roy Milton & His Orchestra au feutré « Your Well Ran Dry », la musique est intense et ne souffre d’aucun complexe. Dès lors, si vous aimez les beats racés qui craquent un peu, les ‘one, two, three, four’ ou encore les exercices de style du très influent roi du blues, Freddy King, vous ne pouvez passer à côté de ce disque. C’est un régal pour les oreilles et il incite à claquer des doigts ! Ga-ran-ti ! Alors, c’est le moment de vous lâcher…
L’été s’annonce chaud du côté de chez Vampisoul ! Dans le cadre de ses nombreuses rééditions latinos, l’écurie espagnole a décidé de consacrer un recueil à la cumbia. Un style musical propice à la danse, qui pourrait bien (re)devenir le buzz de l’été. Né en Colombie, il a rapidement migré vers Cuba. Au cours des 60’s, un forme de psyché/rock nourries aux percus latino va faire trembler la scène musicale du Pérou. Mieux connue sous le patronyme de ‘chicha’, la cumbia péruvienne va attirer un grand nombre d’artistes locaux. Inspirées du folklore traditionnel (NDR : issu des Andes, de la forêt amazonienne, etc.), les mélodies sont alors resculptées dans les cordes de guitares électriques et dynamisées de beats vivifiants !
Le premier volume de cette anthologie, rend donc hommage à ce style qui était extrêmement populaire, il y a près d’un demi-siècle, dans ce pays d’Amérique du Sud. Le rock péruvien a d’abord fait vibrer les zones urbaines de Lima, puis des grosses villes, avant de contaminer toute la nation, y compris les territoires ruraux. Si bien que, c’est tout un pays entier qui s’est mis à vibrer au son de la chicha ! Parmi les principaux responsables de cette conversion, figurent les musicos de Los Destellos. Ils avaient tout simplement remplacé l’accordéon traditionnel par des grattes électriques chargées de réverb’. En écoutant « Guajira Sicodélica », on se demande quand même comment le piano à bretelles parvenait à se faire entendre au milieu des bongos et autres percus explosives ! Los Diablos Rojos est également un ensemble qui a marqué de son empreinte le mouvement. Faut dire qu’à l’écoute de leur vibrant « Malambo », il est impossible de ne pas secouer la tête. Vampisoul est un label dont le travail de recherche, dans l’histoire de la musique contemporaine, devient de plus en plus impressionnant. Et on n’est pas au bout de nos surprises…
Dernier jour de festivités sous un soleil étouffant. Pas de quoi se plaindre (vraiment pas), surtout lorsqu’on arpente le site plein de vie de Tour & Taxis. Dimanche, jour familial, l’âge moyen des festivaliers est incalculable tant la brochette de générations est large. Presque aussi large que les genres musicaux qui vont se succéder sur les trois scènes de Couleur Café. World, Reggae, Pop, Funk, Rock… Bref, une affiche dont l’éclectisme est reflété par les visages souriants des festivaliers, rencontrés tout au long de la journée, sur le site.
Dès l’ouverture des portes, la troisième et dernière journée du festival démarre en fanfare. Direction Belgistan. Les premiers arrivés se concentrent déjà devant le petit chapiteau. La scène ‘Fiesta’ accueille les roublards de la Fanfare du Belgistan dont les mélodies balkaniques sont parfaitement taillées pour un événement comme Couleur Café. Même les bouts d’choux succombent à leurs « Musiques et Danses du Belgistan ».
Un peu moins d’une petite heure plus tard, Salif Keita inaugure le Titan de manière aussi directe que la Fanfare du Belgistan. Le Malien, lauréat de la catégorie ‘Meilleur album de musiques du monde de l’année’, aux Victoires de la Musique 2010, pour « La Différence », pratique une afropop catchy à mort. Le genre qui vous plonge aussitôt dans une transe incontrôlable, comme on peut le constater aux premiers rangs et sur le côté du podium.
De quoi remonter tout le monde à bloc avant la prestation d’Olivia Ruiz sur ces mêmes planches. La ‘Miss Météore’ se produit face à un public plus nombreux mais aussi plus en retenue que celui ayant applaudi la grande prestation de Salif Keita. Les ritournelles pop de la Française sont reprises en chœur par les fans, en grande majorité de la gente féminine ; avant de se prendre en pleine tronche une version rock’n’roll de son tube, « J’traîne des pieds ».
Du belge sous le chapiteau ‘Univers’. Lady Linn et ses Magnificent Seven proposent un set tout en délicatesse. Les morceaux se veulent Soul et Jazzy, à la saveur des sixties ou seventies. Mais la demoiselle manque cruellement de prestance ; résultat des courses, le concert est plutôt fadasse. Et sous un soleil de plomb, difficile de succomber aux charmes de la Lady. On repassera quand elle se sera réveillée. Peut-être.
Tous les chemins mènent au Titan. Retour vers la grande scène pour la troisième prestation de la journée, accordée par Nas & Damien Marley, venu présenter leur premier travail collaboratif, « Distant Relatives ». Les deux hommes font leur entrée sous l’étendard jamaïcain. En guise de mise en bouche, un mix spécial cace’dédi aux fans de Nas qui chantonnent le refrain de « If I Ruled The World » à la place de Lauryn Hill. Le set vacille ensuite interminablement entre hip hop et reggae (voire rock par moments), sans trouver de juste milieu. Ce qui était pourtant le but de cette collaboration. Seul Nas parvient à tirer son épingle du jeu. Mais l’interaction entre les deux chanteurs est quasi-inexistante. Et la réaction du public est mitigée
Le « Beautiful Tango » d’Hindi Zahra met tout le monde d’accord, sous le chapiteau Univers. La demoiselle d’origine marocaine parcourt son « Handmade » et les planches entre douceur et folie. Les tons jazzy prennent rapidement une tournure rock, tandis qu’elle fredonne ses textes, tantôt en anglais, tantôt en berbère. Le parterre est sous le charme. Tout comme celui venu applaudir Wax Tailor. Véritable succès de foule pour le Français. Le chapiteau ‘Fiesta’ est littéralement pris d’assaut. Pas de chance pour les retardataires...
Et cerise sur le gâteau, Couleur Café reçoit le grand-père du Funk, George Clinton. Il est accompagné de ses P-Funk Allstars. Et comme d’habitude, il faudra attendre une bonne demi-heure avant de voir l’homme débarquer sur scène. Celle du Titan, il faut le préciser. En ouverture, Michael Hampton (Parliament) nous assène un interminable solo guitare. Sa technique est incroyable ; mais au bout d’un quart d’heure, son exercice de style finit par lasser. Couleur Café s’achève ensuite par un set funky de pas moins de deux heures, au cours duquel George Clinton va endosser, à merveille, le rôle de figurant.
Encore une fois, Couleur Café est parvenu à gérer effacement son affiche. Une édition 2010 impeccable, qui s’est déroulée par un temps radieux. Que demander de plus ?
Organisation : Couleur Café / co ZigZag, Tour & Taxis, Bruxelles
(Voir aussi notre section photos)
La deuxième journée du festival est encore plus ensoleillée que la première. La 21ème édition de Couleur Café bat son plein, à guichets fermés. Son marché, son village ONG, ses ‘rues du bien manger’ sont pris d’assaut par la foule, quand celle-ci n’est pas happée par les nombreuses animations qui sillonnent le parcours entre la scène Univers et le Titan ou par l’écran géant diffusant les matches de la coupe du monde. En tête d’affiche de la soirée, un Snoop Dogg tranquille pour une leçon de bling-bling à peu près modérée.
Caliente, caliente ! Couleur Café se poursuit sous les meilleurs auspices. La foule est au rendez-vous, plus nombreuse que la veille. Sur le podium du Titan, Winston McAnuff inculque son reggae roots à toutes celles et tous ceux qui n’ont pas peur de se prendre un coup de soleil sur la tronche. McAnuff remplace au pied levé Beenie Man, délogé à la dernière minute, suite aux nombreuses protestations d’associations LBGT qui lui reprochaient ses textes ultra-homophobes. L’ambiance est sereine, familiale, bon enfant. Tous les ingrédients nécessaires au succès d’un festival.
Vers 19h30, Nneka prend la barre du Titan. Celle qui se produisait à la ‘Fiesta’ l’an dernier ou encore à l’AB Club, à peine deux ou trois mois auparavant, se retrouve devant un parterre conséquent. Décontract’, l’afro dissimulée sous un foulard, la chanteuse germano-nigérienne venait présenter « Concrete Jungle », son nouvel LP. Mais ce sont principalement les titres extrait de « No Longer At Ease » (2008), l’album de la révélation, qui font mouche auprès du public. La jeune femme ne parvient d’ailleurs pas à retenir ses larmes, devant l’accueil réservé à son tube « Heart Beat ».
Du côté de la scène Univers, Staff Banda Bilili font ‘très très fort’ ! La formation congolaise collectionne les critiques dithyrambiques depuis la publication de leur première œuvre. A juste titre lorsque l’on constate l’énergie et la bonne humeur manifestée par les membres de la troupe. Quasiment tous paraplégiques, ces hommes n’ont pas besoin de se tenir debout pour mettre le public à genoux. L’Univers est en fête et fait honneur aux valeurs du festival. Après le triomphe à Cannes de « Benda Bilili », un reportage consacré au Staff, il est clair que 2010 est l’année de tous les succès pour les sept Congolais.
Retour au Titan où les danseuses de Femi Kuti remuent frénétiquement le bas des reins. Le fils de Fela suit les traces de son père en distillant un afro-beat bien secoué. Chez Femi Kuti, les musiques africaines traditionnelles côtoient un funk aussi habité que son interprète.
Au même moment, un peu plus loin, l’hystérie parcourt la scène Univers. Le rappeur Soprano est probablement l’interprète qui a récolté l’accueil le plus chaud de cette édition du festival. Incroyable symbiose sous le chapiteau, plein à craquer. Le public, les bras en l’air, reprend en chœur les moindres paroles du Comorien qui n’hésite pas à inclure dans son répertoire un morceau des Psy 4 de la Rime. Histoire de faire plaisir aux fans de la première heure. L’ambiance est digne d’un concert hip-hop à Forest National. Seul bémol, le rappeur, qui aime interagir avec son public, parle trop. Beaucoup trop.
Direction, le feu d’artifice. Il est près de 23h30 lorsque le ciel s’illumine de mille feux. Le spectacle est toujours aussi magique ; mais moins impressionnant que celui accordé lors du 20ème anniversaire du festival, l’an dernier. Un petit quart d’heure plus tard, le public s’amasse autour de la scène du Titan qui s’apprête à accueillir le D.O. double G. La tension est palpable, mais le rappeur prend son temps. Prévu pour minuit tapantes, Snoop Dogg ne débarque sur l’estrade qu’une trentaine de minutes plus tard. Armé de sa chaîne argentée et d’un micro ultra-bling, le ‘doggfather’ du hip hop se traîne à l’aise sur les planches et déballe tubes sur tubes (« P.I.M.P. », « Grindin’ », « Drop It Like It’s Hot », une (semi)reprise de « Jump Around »,…) entre deux appels à la fumette générale. La demi-heure de retard est pardonnée. Snoop exécute son show sans se presser avant de clôturer cette seconde soirée de Couleur Café sur le hit « What’s My Name ? », au refrain hurlé en chœur par les fans et les curieux. Allez, un pétard et au lit ! (NDLR : dommage cette interdiction de prendre des photos de cet artiste pour les webzines ; surtout quand on sait que celles de la presse écrite seront publiées sur leurs sites respectifs…)
Organisation : Couleur Café / co ZigZag, Tour & Taxis, Bruxelles
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