Afin d’appréhender Peggy Sue, il serait peut-être utile d’oser une petite comparaison. Avec le groupe The Dodos. Il existe, en effet, de nombreux points communs entre ces deux groupes. Tout d’abord, les deux formations se produisent en trio. Entièrement masculin pour The Dodos, au deux-tiers féminin chez Peggy Sue. Ensuite, ils relèvent tous les deux du label Wichita. Musicalement, leurs expressions sonores évoluent dans l’univers acoustique. Et leurs harmonies vocales sont particulièrement soignées. Enfin, lors des sessions d’enregistrement, les deux groupes ont bénéficié du concours de l’expérimenté John Ashew, à la mise en forme, même si Alex Newport (At The Drive-In / Two Gallants) est également venu apporter sa collaboration à la confection de « Fossils and Other Phantoms ».
Passons maintenant aux différences. Les musicos des Dodos ont grandi, sous les rayons du soleil, face à l’Océan Pacifique. Ceux de Peggy Sue se sont contentés de contempler les plaines britanniques du Sussex et les eaux brunâtres de la Manche. Et pour cause, ils sont issus de Brighton. Comme quoi, on peut venir d’environnements différents et afficher des sensibilités musicales fort proches…
Mais revenons à nos moutons. Ceux de Peggy Sue, en l’occurrence. Peggy Sue n’est pas une formation née de la dernière pluie. Avant de publier cet elpee, la formation avait d’ailleurs commis quelques maxis sous différents patronymes (Peggy Sue and The pirates et Peggy Sue and The Pictures). Le combo a également eu l’opportunité d’assurer le supporting act pour des groupes ou artistes comme Mumford & Song (NDR : Ben Lovett y avait apporté son concours), Kate Nash ou encore The Maccabees. Ce qui avait permis au band d’acquérir une certaine notoriété outre-Manche, mais également sur le Vieux Continent.
Le Peggy Sue nouveau implique les chanteuses/guitaristes (NDR : ce sont aussi des amies) Rosa Rex et Katy Klaw. Deux compositrices d’exception. Elles sont soutenues par le drummer Olly Joyce. Empreint de fraîcheur et minimaliste, leur folk est essentiellement tramé sur des guitares acoustiques. Ce qui n’empêche pas l’intervention circonstancielle d’autres instruments, comme l’accordéon ou le banjo. Mais c’est surtout la conjugaison subtile des voix féminines qui fait la différence (NDR : ces chœurs tout au long de « Careless Talk Costs Lives » !) Quant à leur lyrisme, il évoque tour à tour une version anglaise de Joana Newsom voire d’Alela Diane. Tradition british oblige ! Si l’ensemble de l’opus baigne dans la mélancolie, un morceau comme « Yo mama » (NDR : c’est le single) est un véritable rayon de soleil, au sein de l’œuvre. Caractérisé par ses rythmes caoutchouteux, il lorgne même carrément vers The Dodos (NDT : si, si !), tout en communiquant un enthousiasme contagieux.
Peggy Sue confirme donc tout le bien que l’on pensait de lui. Bien sûr, les mauvaises langues leur reprocheront d’explorer un filon déjà éprouvé. Mais pourquoi faire la fine bouche, lorsqu’on peut se faire plaisir. Et comme un concert vaut mieux qu’une longue chronique, pourquoi ne pas aller les applaudir à la Rotonde, ce 7 mai, dans le cadre des Nuits Botanique, avant que les Londoniens d’Archie Bronson Outfit, ne viennent déverser leurs décibels…
L’horror Punk marie, de manière humoristique, le punk rock à une imagerie sombre et kitch inspirée des films d’horreur de série B. La paternité du style est habituellement attribuée aux Misfits. Si d’autres combos américains ont pris la relève (Frankenstein Drag Queens From Planet 13, 45 Grave, Murderdolls, Wednesday 13), les formations européennes se grimant en squelette pour faire pogoter les foules ne sont pas très nombreuses. Les Allemands de The Other constituent donc l’exception qui confirme la règle.
A une époque, les sorties d’albums produits par Waldemar Sorychta provoquaient de mini-émeutes chez les disquaires branchés métal. Et pour cause : le guitariste/producteur n’associait son nom qu’à des disques de qualité. Dans les années 90, le son du « Wildhoney » de Tiamat, « Ceremony Of Opposites » de Samael, « Mandylion » de The Gathering ou « Irreligious » de Moonspell, c’était à lui qu’on le devait. Depuis, l’homme s’était fait un peu plus rare et, hormis le « Karmacode » de Lacuna Coil ou le « Memorial » de Moonspell, publiés en 2006, on ne peut pas dire que ses productions aient fait la une de l’actualité. C’est donc plutôt une bonne surprise de le retrouver derrière les manettes de ce « New Blood ». Une bonne surprise ? Oui, enfin presque puisqu’il n’est pas vraiment certain que le son léché, peaufiné à l’extrême, qui a fait la renommée de Sorychta soit vraiment adapté à un disque de punk rock. Curieusement, la qualité, c’est un peu le problème de ce disque. Pour être honnête, le son des guitares puissant, presque métal, associé aux vocaux évoquant à la fois Elvis Presley et Glen Danzig, rapproche davantage la musique de The Other d’une version simplifiée du thrash/rock’n’roll des Danois de Volbeat que du punk rock déjanté des Misfits. « New Blood » est puissant, oui, mais pas ‘destroy’ !
Reste donc l’iconographie Horror Punk. Et là, nous sommes servis. Maquillage de zombie et de boucher ensanglanté, textes évoquant les cimetières, les vampires, les démons et les loups-garous. Bref, toute la panoplie du petit ‘horror-punk-rocker’ qui fait rire en faisant peur !
The Other s’aventure parfois sur le terrain du métal gothique et notamment sur « The Lovesick Mind » un titre, à l’écoute duquel on ne peut s’empêcher d’avoir une pensée émue pour l’ami Peter Steele (Type-O-Negative) décédé récemment.
« New Blood » est donc un album qui ratisse bien plus large que le public Horror Punk. Un album horrifique et attachant qui plaira aux punks, aux gothiques, aux métalleux ou tout simplement aux rockers.
Le plus rassurant chez des groupes comme Molly Hatchett ou AC/DC, c’est que l’on sait toujours à quoi s’attendre avant d’écouter leurs albums. Tout comme nos hard rockers australiens préférés, les rockers sudistes floridiens tracent une ligne de conduite musicale dont ils ne dévient que très rarement. Dès lors, si l’on a aimé un jour l’un des albums du combo, il y a de fortes chances que l’on ne soit pas déçu par le suivant.
Alors, si comme votre serviteur, vous avez craqué en 1983 pour le hard rock teinté de blues et de country rock de l’album « No Guts No Glory » ou pour l’un des 12 autres opus studios enregistré par le combo depuis 1978, une écoute de ce « Justice », tout droit sorti de la machine à rock sudiste de Jacksonville, s’impose d’urgence.
Comme toujours dans le rock du pays des cow-boys, les guitares s’en donnent à cœur joie. Slide, électrique, acoustique : Dave Hlubek et Bobby Ingram sont au top de leur forme et délivrent leur pesant de riffs épiques et de soli magnifiques. Les parties de claviers (synthé, piano, orgue Hammond) de John Galvin dévient parfois le rock sudiste vers le classic rock ou même l’AOR. Les vocaux de Phil McCormack sont, toujours aussi gras que l’huile de vidange et enivrants que le bourbon.
Pour Bobby Ingram, le cerveau du combo, la justice est une philosophie de vie. Comme son nom l’indique les textes de « Justice » sont consacrés aux nombreuses déclinaisons ce thème. A l’instar de la magnifique ballade « Fly On Wings Of Angels (Somers Song) ». Elle raconte l’histoire vraie du petit Somer Thompson dont le viol et l’assassinat brutal avaient profondément choqué le guitariste. Ce dernier n’avait pas hésité à participer à un concert de charité destiné à aider les parents de la victime. La petite fille qui chante au début du titre est d’ailleurs la propre sœur de Somer.
Molly Hatchett est l’un des piliers du rock sudiste, au même titre que Lynyrd Skynyrd, 38 Special ou The Allman Brothers Band. « Justice » est une nouvelle pierre apportée à l’édifice construit par ce groupe légendaire, depuis la fin des seventies. Il sera, sans doute possible, l’album de l’été des bikers qui pourront l’écouter, une bière à la main et la barbe dégoulinante de ketchup, en laissant refroidir les braises du barbecue.
En 2008, Flexa Lyndo, groupe précurseur du rock francophone (‘les grand frères’, dixit Girls In Hawaï), décide de prendre une pause. Durée ? Indéterminée. Le groupe venait de passer 3 années sur les routes, pour défendre son album « Slow Club ». Après une décennie accomplie au service du rock alternatif belge, les musiciens sont sur les genoux… Il est temps pour eux de se ressourcer. Les trois membres du noyau dur décident alors de se consacrer à leurs projets solos (Bambi Kramer, F.L.A.M.E.), avant de prendre une certaine distance vis-à-vis du monde musical. Mais difficile de résister à la passion dévorante. Ainsi, l’un d’entre eux, Loïc, enregistre, dans son home studio, construit au sein de la maison familiale où il a grandi, une vingtaine de morceaux, en un petit mois… Des compos qu’il décide de réécouter quelques semaines plus tard. Et là, comme une évidence, ces compositions semblent former un tout cohérent susceptible de figurer sur un album… Retrouver son fidèle label (62 TV) coule alors de source. Et il réactive rapidement son projet solo, Loïc B.O., pour le compte duquel il n’avait jamais enregistré ; mais déjà ouvert en live pour des artistes confirmés comme An Pierlé, Zita Swoon ou le regretté Vic Chesnutt !
Début 2010, il entame l’enregistrement de ce qui deviendra « Million Dreams ». Il sélectionne 11 titres, principalement acoustiques, des compos qui baignent dans un climat visionnaire, propice à une certaine sérénité, mais également empreint de beaucoup d’émotion. Les mélodies sont fragiles et finement ciselées. On devine que Loïc a beaucoup écouté Iron & Wine ; et s’est probablement passionné pour l’œuvre de Bon Iver. Soutenus d’accords de piano ou de cordes et enrichis de superbes chœurs, la plupart des compos privilégient le folk rock épuré. Et « Punks », « Stuck On Our Bones » ainsi que « Suddenfall » en sont les plus belles illustrations. Une chose est sûre, on sent que l’artiste a voulu se livrer complètement… pour le plus grand plaisir des mélomanes…
Loïc B.O. est à découvrir en live, flanqué de ses Frantic Lovers, dans le cadre des Nuits Botanique, ce 11 mai ; et en particulier lors de la ‘Nuit Belge’ (NDR : 21h à la Rotonde). Il se produira également en concert ce 30 avril au CC de Bièvres, le 7 mai au Factory de Mouscron et le 22 mai au Belvédère à Namur.
Deux ans à peine après avoir sorti le très acclamé « Jim », l’extravagant Jamie Liddell nous propose son cinquième opus. Et à nouveau, il a pris un malin plaisir à brouiller les pistes. Bien que recelant quelques morceaux sculptés dans le funk/rock/soul et d’autres dans l’électro/rock, « Compass » constitue l’elpee le plus éclectique et expérimental, paru à ce jour, de l’artiste. Les nouveaux territoires explorés tout au long de ce nouveau long playing, Jamie en avait déjà manifesté un bel aperçu, lors de la publication de « Multiply », en 2005. Un disque qui avait quand même récolté un certain succès. Et le bidouilleur confirme cet état d’esprit sur cette œuvre. Il ne relève pas de l’écurie Warp par pur hasard !
Beck, Feist, ‘Chilly’ Gonzales et des musiciens de Wilco ont participé aux sessions d’enregistrement de la plaque. Un disque qui recèle quelques hits potentiels. A l’instar de « Enough’s Enough », plage soul qui aurait pu figurer au répertoire des Jackson Five ou du mielleux mais fantastique « She Needs Me ». Chris Taylor, le bassiste de Grizzly Bear, s’est chargé de la mise en forme. Il marque de son empreinte les morceaux les plus complexes. Et je pense tout particulièrement au titre maître, une plage épique, acoustique, digne d’une b.o. signée Ennio Morricone. Et puis du rock ténébreux « Gypsy Blood ». A contrario, les compos d’inspiration techno/funk passent moins bien la rampe. L’agaçant « I Wanna Be Your Telephone » en est probablement la plus belle illustration. Le sorcier de l’électro-soul a encore plus d’un tour dans son sac, c’est une certitude. En progression constante, il devrait, nous réserver, à l’avenir, de belles surprises. Sans oublier qu’il est un remarquable showman sur les planches. Il viendra le démontrer sur celles du chapiteau, dans le cadre des Nuits du Bota, ce 17 mai, où il partagera l’affiche, en compagnie de Little Dragon.
Et si le plus digne héritier de Michael Jackson était né dans une petite bourgade, sis au Nord de l’Angleterre ?
Après « Jours étranges », « God blesse », « Debbie », « Varsovie/L'Alhambra/Paris » et « Yellow Tricycle », « J'accuse » constitue déjà le sixième opus de Damien Daez. Ce rocker français, au phrasé quelque peu inhabituel, ne fait pas dans la dentelle. Tout au long de cet elpee, on a droit à l’artillerie lourde, du moins en ce qui concerne ses textes.
La place quelque peu abandonnée par Noir Désir, depuis le ‘crochet à Vilnius’, opéré par Bertrand Cantat, a vite été convoitée par des groupes ou chanteurs venus d’horizons divers (Luke, Eiffel, …) Damien Saez en révolutionnaire averti pousse à gauche et à droite afin de pouvoir occuper l’espace laissé vacant, par ce petit jeu de la chaise musicale…
Les thèmes abordés dans ses chansons sont toujours d'actualité et reflètent la pensée collective depuis une décennie. En ces moments de crise et paradoxalement en pleine jouissance/dérive (NDR : biffez la mention inutile) de la société de consommation, Saez s’érige un peu en donneur de leçons ; il devrait toutefois faire attention de ne pas devenir ce qu’il a facilement tendance à critiquer. Je m’explique, à force de critiquer un système et surtout un business dont il fait partie intégrante ; et bien en gros, il crache un peu dans la soupe, qu’il nous sert… Néanmoins, il a toujours les yeux grands ouverts sur le monde qui nous entoure et ses textes sont résolument engagés. Ouais, on n’est vraiment pas loin de Noir Désir, CQFD.
Ne retenir cependant que cet aspect du personnage serait un peu réducteur. D’abord, Saez est un vrai artiste ! Quelqu’un qui plaît ou qui dérange, c’est selon. Lorsqu’il dit : ‘Oh non, l'homme descend pas du singe il descend plutôt du mouton’ on a fait un peu le tour du propriétaire. Il dénonce, accuse, et assume ! Il dit ce que tout le monde pense tout bas ou ce que les gens ne veulent pas voir. La musique est un art non ? Et un art, c'est sensé nous faire passer un véritable message.
Cet album, comme l'indique le titre, est un fameux message, c’est même une dénonciation. Mais pas une dénonciation vague, comme le font la plupart des artistes pseudo engagés. Saez, lui, met le doigt sur ce qui ne va pas, en accusant le machisme social, la manipulation des médias, la croissance de la société de consommation... Les phrases s'enchaînent, s’entrechoquent. On a l'impression d’entendre un tourbillon de mots se déverser sur une musique violente, agressive ; en un mot, rock.
« J’accuse » premier single issu de l’album du même nom est déjà devenu un hymne dans lequel chacun peut aisément s’identifier. Ce titre à lui seul résume les 13 autres compos écrites, composées et interprétées par cet écorché vif. Le prochain sera sans aucun doute « Des p’tits sous » qui est du même tonneau. Une fois de plus un texte qui fait mouche souligné par une ‘mélodie’ accrocheuse en diable.
Le petit Zola de la chanson française s’appelle Saez, Damien Saez. On n’a pas fini d’en parler… Pour l’énergie qu’il dégage dans ses chansons, pour l’ambiance qu’il doit créer dans les salles, il faut vite se procurer un sésame et aller ‘râler’ avec lui sur notre ‘condition humaine’…
Avi Buffalo est un quatuor originaire de Long Beach en Californie. Des garnements dont l’âge moyen doit osciller autour des 19 ans, réunis par la force de l’imaginaire d’Avi Zahner-Isenberg, à l’époque où il n’avait encore que 16 printemps. Autour de lui, gravitent Sheridan Riley, chargée des grosses caisses, Rebecca Coleman au piano et Arin Fazio à la basse. Le leader de la bande, plutôt spontané, conte le récit de la rencontre de ces quatre entités et de l’avènement d’Avi Buffalo au cœur du livret accompagnant la jolie plaque. Jeune protégé de Sub Pop, le quatuor propose une première œuvre folk tant gracieuse qu’atmosphérique. Côté harmonies, ces petits artistes en herbe en connaissent déjà un rayon. Les vocalises féminines et masculines se partagent équitablement l’espace sonore. Et lorsque les voix se croisent, Avi Buffalo s’offre de belles mélopées lyriques qui feraient fantasmer bon nombre de ses aînés.
L’éponyme d’Avi Buffalo évoque Los Campesinos!, sous analgésique, interprétant des ‘mash-up’ de The Shins et The Beach Boys sur une plage déserte. Les surprises s’enchaînent. De l’introductif « Truth Sets In » au tendre « Where’s Your Dirty Mind », en passant obligatoirement par l’indispensable single « What’s In It For? » et les sept minutes magiques de « Remember Last Time ». En concoctant un premier LP de cette trempe, Avi Buffalo a de grandes chances de constituer une formation de référence pour la prochaine génération de folkeux. Tout simplement exemplaire.
A voir en ‘live’ dans le cadre des Nuits Botanique le 16 mai 2010.
« Only Mirrors », premier essai de Drew Andrews n’est pas une nouveauté en soi. Publié pour la première fois en 2008, le disque n’est parvenu à traverser l’Atlantique que deux ans plus tard. Le chanteur, originaire de San Diego, n’en est pas à son coup d’essai puisque c’est au sein de The Album Leaf qu’il a fait ses premières armes. Il profite donc aujourd’hui de la sortie de « A Chorus Of Storytellers », nouvel LP de sa formation originelle, pour hisser son nom vers le haut de l’affiche, dans un même mouvement. Mais « Only Mirrors » est de ces œuvres discrètes dont l’existence même repose sur la confidentialité de sa sortie. Un secret bien gardé, tout à l’honneur de son géniteur.
« Only Mirrors » recèle 14 proses aigres-douces et intimistes. Une pop acoustique solaire à mi-chemin entre un Elliott Smith et un Ed Harcourt, testée et approuvée par Rogue Wave et The Black Heart Procession. Ce qui n’est pas rien. Drew Andrews est de ces artistes qui vous prennent par la main et vous entraînent au cœur de panoramas resplendissants, dressés au gré de leur imagination. « I Could Write A Book », « I Will, You Won’t », « Angeli », « Hospitals Again » sont autant de refuges contre l’ennui, des abris ‘cosy’ au sein desquels on peut se blottir au bras de l’être aimé. Qui a dit que le romantisme était mort ?
Boosté par l’imparable single « Hey You », « You Need Pony Pony Run Run » constitue le premier essai des Nantais de Pony Pony Run Run. Sa date de sortie initiale remonte déjà à juin 2009. Depuis, bien des choses ont changé pour le trio. Soutenus par Canal + et France 2, entre-autres, les frangins Gaëtan et Amaël Réchin Lê Ky-Huong flanqués de leur acolyte Antonin Pierre, ont remporté, en mars dernier, le titre de ‘Révélation du public de l’année’, aux Victoires de la Musique. Un bon coup de pub pour les trois gaillards. Et une occasion en or pour stimuler les ventes du disque en assurant une deuxième vague de promo. En l’espace d’un single, Pony Pony Run Run est d’ores et déjà considéré comme une valeur sûre de la scène pop française. Un peu trop tôt, peut-être… Car à l’écoute des balbutiements musicaux de la formation, « Hey You » n’est, finalement, rien d’autre que de la poudre aux yeux. Pony Pony Run Run ou comment miser sur le mauvais cheval.
En matière de reconnaissance internationale, ce n’est donc pas grâce à « You Need Pony Pony Run Run » que la France gagnera plus de points. Le disque, tout à fait instantané, évoque une partie de jambes en l’air entre The Killers (« Out Of Control », « Show Me Show Me ») et White Rose Movement (« First Date Mullet », « Girl I Know »), au terme de laquelle chacun rentrerait chez lui complètement frustré. Entre morceaux faussement énergiques (« Walking On The Line », « 1997 (She Said It’s Alright) ») et passades insipides (« What I Feel », « Future Of A Nation »), l’œuvre introductive de Pony Pony Run Run est de celles qu’on oublie aussi vite qu’une intrigue des « Experts ». N’est pas Phoenix qui veut…
‘Cariboooooooou’ hurlait Frank Black, à tue-tête, il y a quelques années. Et son appel n’a pas été ignoré. Aujourd’hui, le renne canadien a investi les terres internationales, avec la ferme intention d’y déverser sa pop électronique. Après nous avoir entraînés en plein cœur des splendides plaines d’« Andorra », Dan Snaith nous pousse, la tête première, dans les abysses de son imparable « Swim ». Contemplatives à souhait, les neuf étendues liquides de Caribou, sont parcourues, de long en large, sans manifester le moindre essoufflement. Les mélodies psychédéliques de Snaith évoluent à la même vitesse que le compteur de la platine. Et le travail d’écriture y est, évidemment, irréprochable.
Le multi-instrumentaliste, autrefois connu sous le pseudonyme de Manitoba, s’offre le pendant orienté dance-floor du dernier Four Tet. La froideur en moins. « Swim » regorge de rythmiques qui vous retournent le cerveau d’un gros coup de bois, sans révérence. Les obsédants appels à l’évasion « Odessa », « Bowls », « Hannibal » et « Sun » en sont les parfaits exemples. Caribou délivre, une fois encore, une œuvre subtile et fascinante. « Swim » constitue tant un retour aux sources qu’un regard résolument tourné vers l’avenir. Et si vous ne deviez jeter votre dévolu que sur un seul disque cette année, le Caribou nouveau est celui qu’il vous faut. A condition de pas tomber dans les filets de l’énorme Flying Lotus, troisième du nom.
Eponyme, le dernier opus du collectif canadien remonte déjà à 2005. Les mélomanes les plus difficiles l’estimaient trop brouillon. Les autres, particulièrement créatif. En tout cas, il n’était pas aussi raffiné que « You Forgot It in People », publié en 2002. Pour enregistrer « Forgiveness Rock Record », le collectif canadien a reçu le concours, entre autres, de Feist, Sam Prekop (The Sea and The Cake) ainsi que du légendaire John McEntire (Tortoise) à la production. A quelques semaines de la sortie de leur 3ème album, nous avons rencontré Brendan Cannings (NDR : il partage le leadership du combo, avec Kevin Drew), au café de l’Ancienne Belgique. Loquace, affable et surtout passionné de musique, Brendan nous livre ses premières impressions sur ce nouvel opus…
Pourquoi avoir choisi votre héros, en l’occurrence John McEntire pour mettre en forme « Forgiveness Rock Record » ? Qu’attendiez-vous de lui en matière de production ?
John McEntire est en effet une sorte de héros pour certains membres du groupe ! Nous sommes en tous cas fascinés par son œuvre. Quel mélomane ne le serait d’ailleurs pas, en écoutant ce qu’il a pu réaliser au sein de Tortoise. Les sessions se sont déroulées dans ses studios, à Chicago. Une merveilleuse expérience ! C’était la première fois que nous enregistrions, à l’extérieur de Toronto. J’avoue avoir été envahi par une certaine appréhension, au cours des premiers jours, mais au fil du temps l’expérience est devenue de plus en plus enrichissante. Nous avons d’ailleurs accumulé plus de 30 morceaux !
Avant d’entrer en studio, aviez-vous déjà une petite idée du choix de votre nouvelle orientation musicale ?
Avant d’entamer l’enregistrement d’un album, nous ne décidons jamais de la direction que prendra notre musique. Tout le monde débarque avec ses propres idées et nous commençons à jouer, en attendant que l’alchimie opère, que le moment magique arrive. Et après des heures de répétition, les morceaux prennent forme tout naturellement. Au feeling ! Jusqu’au moment où nous touchons à la mélodie idéale… C’est une chance que nous soyons tous véritablement mordus par la musique. Nous pouvons jouer des heures, sans nous accorder la moindre pause…
Certaines de vos dernières découvertes musicales vous ont-elles influencées ?
Tout ce que j’écoute m’influence, que je le veuille ou non. Mais il est certain que les dernières productions de Neon Indian, Atlas Sound et Animal Collective nous ont fortement marquées. Certains artistes hip-hop comme Mos Def également. Tout mon parcours musical agit sur mon subconscient, en fait. De mes premiers amours ‘metal’ jusqu’à l’indie-rock des années 90, en passant par la scène contemporaine. En entrant ici, j’ai entendu une chanson d’Erika Badu ; et je suis convaincu qu’elle influera sur mes compositions futures. Cette chanson me sensibilise tellement, que cet après-midi, j’essaierai d’aller me procurer ce cd, chez un disquaire, à Bruxelles.
Votre dernier elpee remonte à 2005. Depuis, il me semble que vous vous êtes, à l’instar de Kevin, surtout concentrés sur vos projets solos respectifs. Vous vouliez faire un break ?
Non, non, croyez-moi, je n’ai pas chômé une seconde ! J’ai participé à l’écriture de la B.O. de certains films comme « Half-Nelson » de Ryan Fleck en compagnie de Ryan Gosling (Dead Man’s Bones) ainsi que pour deux long métrages mettant en scène Ellen Page. Tout d’abord « The Tracy Fragment » en 2006, jamais projeté dans les salles européennes, et surtout « Juno » (NDR : sorti en 2007, il a décroché une multitude d’Awards, ). En fait je compose sans arrêt…
Six personnes seulement ont participé à l’écriture de « Forgiveness Rock Record ». Cette simplification vous a-t-elle facilité la tâche ?
Que nous soyons 15 ou 6, le processus de travail en studio est quasiment invariable.
Sam Prekop (The Sea and the Cake) a participé à la confection de cet album. Vous l’aviez invité ?
Sam est un ami de John McEntire. Ce dernier lui a demandé de participer aux sessions. La rencontre s’est donc déroulée sans aucun problème. D’autant plus que tous les membres du groupe aiment ce flirt si caractéristique, entre pop et jazz, pratiqué par The Sea and the Cake…
L’aspect mélodique de « Forgiveness Rock Record » semble plus soigné. Et par conséquent les compos paraissent plus accessibles que sur les disques précédents. Notamment des plages comme “Texico Bitches” ou encore “All To All”. Etait-ce intentionnel?
Pas du tout! Nous composons nos morceaux en fonction de leur bonne transposition en ‘live’. Nous avons opéré consciemment un seul choix : ajouter un chant africain pour introduire « Highway Slipper Jam », une décision prise après avoir découvert Fela Kuti. Et je dois avouer que sa musique nous a beaucoup impressionnés…
Pourquoi avoir choisi un tel titre pour l’album ? Avez-vous quelque chose en particulier à vous faire pardonner ?
Des milliers de choses… j’estime que le pardon est l’une des émotions les plus nobles. Pas facile à accorder mais ça fait tellement du bien.
Vous avez souvent parlé de l’esprit collectif propre à la communauté musicale de Toronto. Est-il toujours bien présent, malgré le succès rencontré par certains groupes ?
Oui, la scène de Toronto est toujours aussi soudée qu’il y a quelques années. Tout le monde se connaît et s’entraide. Le centre de la ville est comme un grand village peuplé d’artistes. On se croise constamment. Il faut avouer que pour un musicien, cet endroit est assez formidable. J’ai quitté la banlieue et surtout son formatage, pour emménager au centre de la Cité, à la fin de mon adolescence. Mais je crains fort que cette ‘standardisation’ ne me rattrape et gagne peu à peu le cœur de la ville. Certains signes avant-coureurs alimentent mon inquiétude, malheureusement.
Y a-t-il un groupe sur lequel vous avez flashé, récemment ?
Vous connaissez Broken Social Scene (rires) ?
Votre collectif prend toute sa dimension sur les planches. Certaines de vos prestations sont même proches de l’envoûtement. Le public belge aura-t-il bientôt la chance de vous y revoir ?
Nous nous produirons, en tout cas, dans le cadre du Festival des Ardentes, à Liège, ce 8 juillet, ainsi qu’à l’Ancienne Belgique (NDR : la date n’est pas encore confirmée). J’espère que nos shows seront de meilleure facture que celui accordé à Louvain, il y a quelques années. Nous avons donné, ce jour-là, le pire concert de toute notre tournée…
« The Sheperd’s Dream » annonce un renouveau structurel et musical au sein de l’écurie DAAU (Die Anarchistische AbendUnterhaltung, pseudonyme complet emprunté au roman ‘Der Steppenwolf’ de Herman Hesse).
Formé en 1992 par les frères Simon et Buni Lenski, le sextet participe très tôt à l’élaboration de la scène anversoise née dans le courant des années 90 (dEUS, Zita Swoon…) Ce dernier demeurera cependant l’un des groupes les plus indépendants et expérimentaux du nord du pays (NDR : indépendance artistique qu’il garantit alors en fondant son propre label : Radical Duke Entertainment). Ces artistes se révèlent également de véritables artisans, sans cesse à la recherche d’essences nouvelles et de sonorités uniques.
Malgré un contrat signé chez Sony Classical en 1995, on peut définir DAAU comme une musique qui n’est pas. Figure apophatique de l’ineffable. Ni classique, ni rock, ni folk. Chaque album est renouveau. Tantôt « We Need New Animals » (’97) introduit des beats électro et autres sons techno hyperkinétiques, tantôt « Life Transmission » (2001) s’amuse à l’aide de sons dub et funk sur des programmes d’effets et autres passages programmés. Les excursions sonores sont nombreuses et multiples jusque « Domestic Wildlife », paru en 2006. Un album aux textures catégoriquement rock, impliquant des tonalités empruntées au jazz. Puis, un retour au calme lors de la sortie de « The Sheperd’s Dream », sorti le 12 avril 2010. Un nouveau chapitre limpide et bucolique loin des tourments affrontés lors des albums précédents.
Le sextet devient quatuor et balance des flots calmes et intimistes sans batterie ni machine électronique : Han Stubbe. Un sujet mature et acoustique que Roel Van Camp (accordéon) invite à écouter ‘allongé sur le sol, les yeux fermés’ comme la musique d’un film dont vous seriez votre propre metteur en scène. Un doux fatras de sons qui emmènerait l’auditeur dans un voyage à distance indéterminée. Le disque nous offre alors une musique plus organique sans ‘tralala’ excessif, une épure à l’atmosphère bucolique d’une expressivité évocatrice. Ainsi, le combo anversois s’écarte-t-il lentement des structures calibrées pour établir une forme claire et plus libre dans laquelle une approche minimaliste devient désormais possible : ‘Nous n’éprouvons plus le besoin de compliquer nos morceaux’ explique d’ailleurs Han Stubbe (clarinette).
Un album cinq titres d’une durée de 50’47 créé au cours de longues séances d’improvisation sans plan préconçu afin de préserver la fraîcheur inouïe de l’instant créateur. Quatre musiciens qui travaillent en manifestant un sens aigu de la subtilité et de la suggestion. « The Sheperd’s Dream» campe un album à mi-chemin entre le rêve et l’action, entre la réalité et l’utopie. Finie l’anarchie, bienvenue à la poésie !
Un disque réalisé sous leur propre label qui ne manque pas de mitonner un packaging original par la forme et le contenu. Une galette précieuse recouverte d’un boîtier en bois dans lequel il sera loisible d’insérer un Cd ‘live’ enregistré lors de chaque concert de DAAU et disponible directement après chaque représentation.
Die Anarchistische AbendUnterhaltung : un joyau du non genre.
Le label Charly publie ce double Dvd qui ne devrait pas déplaire aux nombreux fans du boogie band californien. Et pour cause, non seulement il consacre plus de cinq heures à Canned Heat, mais il est accessible à toutes les bourses.
Le premier Dvd s’étale sur plus de trois heures et demie et réunit 52 documents de toutes sources, puisés dans la carrière du groupe entre 1967 et 1998. Il est sous-titré : "The story of Canned Heat 1967 – 1998". A menu : clips promo, passages TV et extraits de concerts. La qualité sonore et visuelle est bien entendu variable ; mais bon, vous ne serez certainement pas volés en acquérant cette œuvre.
De son expérience vécue, lors du premier festival de Monterey, en 1967, nous est offert un tout bon "Rollin' and tumblin'", impliquant Bob Hite au chant, un tout jeune Alan Wilson à la slide et Frank Cook à la batterie. Le clip promo de "On the road again" date de 68. Alan se réserve toujours les vocaux, Hite l'harmo, mais c’est Fito qui est préposé aux drums. Les cheveux ont poussé, lorsqu’ils interprètent "Goin'up the country", une compo au cours de laquelle, Bob –le futé– en remet une louche, à la flûte… Woodstock, c’était bien en août 1969. Un excellent et long chapitre nous est réservé sous la forme du "Leaving this town". Démoniaque, Larry martyrise sa basse. Fito cogne dur. Alan assure à la slide et Harvey Mandel y révèle toute sa dimension déjantée. Les sessions Playboy remontent également à 1969. Une version torride de "Turpentine moon" en est extraite. Revenu au bercail, Wilson se révèle brillant au bottleneck pendant qu’Henry Vestine manifeste toute sa fougue. Une autre adaptation d’"On the road again" met en exergue un sémillant Alan à l'harmo, sur fond d’élucubrations bien psychédéliques. La qualité du son proposé lors du concert accordé en Allemagne (c’était en 1970) est parfaite. Mandel tient la vedette tout au long de "Future blues". On retrouve la présence d’Alan à Kralingen, aux Pays-Bas, un pincement au cœur. Et pour cause, cet événement s’est déroulé, moins de trois mois avant sa tragique disparition, le 2 septembre. "Lets work together" en est donc le dernier témoignage de son vivant. L'année suivante, au Golf Drouot de Paris, Joel Scott Hill a remplacé Wilson, mais le son est pourri ! Une longue version de "Refried boogie" est accordée au festival de Montreux. Nous sommes en 1973. Bob Hite est de plus en plus obèse. Il assure ici, la rythmique boogie. Particulièrement fatigué, il chante "You don't have to go", la veillée de Noël 1980, dans la San Fernando Valley, à Los Angeles. Quelques mois plus tard, c’est-à-dire le 4 avril 1981, il nous quittait. 1989 célèbre le 20ème anniversaire du festival de Woodstock. James T vient de débarquer. Alors encore chevelu, Junior Watson est venu épauler le line up. Et c’est désormais Fito qui chante "On the road again" et "Goin' up the country". Lors de la tournée du Heat, accomplie en 1992, c’est une femme qui se charge de la lead guitar. En l’occurrence, la flamboyante Becky Barksdale (NDR : Cette Texane est née à Port Arthur, tout comme feu Janis Joplin). Et c’est une surprise. L'année suivante, elle quittera le bateau pour devenir soliste au sein du Michael Jackson Band (NDR : et ce n’est pas un canular !) Parmi les derniers extraits, on saluera l’excellente contribution de Robert Lucas, au chant, à la slide et à l’harmo. Un Canned Heat vrai de vrai ! Il partageait la scène aux côtés de Henry Vestine et Junior Watson. Un Vestine qui se produisait encore ce 18 octobre 1997, à Gouvy. "Keep our business to yourself" en est le dernier témoignage. Deux jours plus tard, il rendait l'âme. A Paris.
Le second Dvd épingle de larges extraits de deux concerts. Le premier accordé en mars 2000 à Cologne, et le deuxième, le 10 juin de la même année, à Bellinzona, en Suisse. Les musiciens sont pratiquement identiques : Greg Kage et Fito à la section rythmique, le multi-instrumentiste (NDR : particulièrement doué) Stanley Behrens ainsi que l'impressionnant Dallas Hodge au chant et à la guitare. En mars, John Paulus était préposé à la seconde gratte. Et en juin, Larry Taylor. J'apprécie beaucoup le timbre vocal de Stanley. Il chante ainsi distinctement "On the road again". En outre, ce musicien appliqué et talentueux est capable de passer, avec un réel bonheur, de l'harmonica à la flûte, sans oublier le saxophone. Sa prestation est d’ailleurs remarquable tout au long de "Wait and see", une compo également caractérisée par les interventions vocales puissantes de Dallas. Lors du set accordé à Cologne, une dimension rock est apportée à "Road to Rio". A cause de la six cordes allumée de John Paulus. Et le résultat est épatant. La version de "Let's work together" n'est pas piquée des vers. L’attitude scénique de ‘bear’ de Hodge impressionne. Sa voix est surpuissante. Les interventions de Paulus au bottleneck sont incendiaires. Tout un descriptif pour se rendre compte de la qualité de ce "Mercury blues", susceptible de rivaliser avec la version du groupe Zero. Eblouissant ! En bonus tracks, la plaque nous réserve encore des interviews accordées par Bob Hite (1973), Henry Vestine (1996) et Fito de la Parra (1991). Les notes consignées dans le booklet ont été rédigées par Fito. A ce prix, pas d'hésitation !
Fondé en 1993, ce quatuor texan (NDR : d’Austin, très exactement) a publié son premier elpee en 1996. Intitulé « Telephono », cet opus était sculpté dans un pop/rock indie largement influencé par les Pixies. Au fil du temps, la formation a affiné son style. Plus serein et intimiste, « Transference », son septième essai, en est une belle illustration.
Filiation logique de l’excellent « Ga Ga Ga Ga Ga », « Transference » présente un visage plus dépouillé et une production en apparence moins soignée. Un onze titres aux confusions authentiques et aux énergies brutes qui ne laisse cependant jamais les qualités intrinsèques d’auteur-compositeur de Britt Daniel (chant/guitare) sur le bord de la route. Si « Transference » donne effectivement l’impression d’une œuvre incomplète et irrégulière, c’est précisément ce sentiment elliptique qui confère un charme chaotique au dernier elpee. Un enregistrement et des paroles traînant un amer sentiment de résignation et de je-m’en-foutisme délibérément contrôlé sonnant comme un disque laissé en suspens par la vie. Vous apporter toutes les réponses n’aurait pas de sens puisqu’il les ignore lui-même : « Is Love Forever ? ».
En effet, Britt Daniel (chant/guitare) et Jim Eno (Batterie), deux ingénieurs expérimentés et surdoués de studio, ne laissent ici rien au hasard. Pas de paresse excessive mais une volonté de travailler la forme de morceaux présentés dans leur version originale ‘démo’. Rien de lo-fi mais plutôt un son issu de changements inattendus entre les textures brutes et les nappes audio. Une architecture sonore qui offre une instantanéité désarmante, une forme moins polie et un ensemble musical informel que l’on ne retrouve pas sur les albums antérieurs. En comparaison, « Transference » diffère davantage par sa production expérimentale que par ses compos demeurant très ‘spooniennes’. L’effet sur les microsillons déstabilise par des morceaux de sons brusquement tronqués ou encore des phrases interrompues à mi-syllabe. Un contexte de brume indécise habilement manipulé s’installe alors et déséquilibre les sens. Déséquilibre né précisément d’un équilibre paradoxal entre improvisation et discipline rigide, soulignant encore, si besoin en était, le talent de Spoon en tant que groupe de studio.
Un format incontestablement plus brut et plus froid que par le passé exprimé par des morceaux comme « Out Go The Lights » (NDR : titre au cours duquel on peut étrangement apercevoir l’ombre de Zita Swoon !) Ou encore « Good Night Laura », ballade facile jouée au piano, qui traduit précisément cette impression et vous trébuche accidentellement dans une répétition Spoon.
Un long playing linéairement désorganisé où l’on peut cependant entendre quelques originalités. Ainsi, quand le détachement glacial de « Who Makes Your Money » se nappe d’un funk lacunaire, « Out Go The Lights » nous régale d’une légère new-wave mélodramatique sous un dub-reggae en ‘reverb’ qui force un désir hypnotique. Ou, plus classiquement, « Trouble Comes Running » et « Mean Red Spider » (NDR. : piste 12 : morceau caché) se promènent du côté de chez Strokes.
Un ‘Spoony album’ faussement négligé qui fera certainement partie des bons crus rock alternatif de l’année 2010.
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