Les membres de Year Long Disaster ont déjà tous flirté, d’une manière ou d’une autre, avec la célébrité. Vous pourriez probablement lire leurs aventures, dans la rubrique ‘Potins Rock/People’ de ce webzine, si ses concepteurs avaient eu la mauvaise idée d’en créer une. Daniel Davies, le guitariste/chanteur du combo n’est autre que le rejeton de Dave Davies, gratteur chez les mythiques Kinks. A la fin des sixties, ce groupe rock anglais a décroché toute une série de hits, dont les fameux « Lola » et « You Really Got Me ». Et puis surtout publié un chef-d’œuvre et album culte intitulé « Are the village green preservation society ». Rich Mullins a forgé sa notoriété de quatre-cordiste chez Karma To Burn. Quant à Brad Hargreaves, il a connu la gloire et la fortune en cognant les fûts chez la formation américaine très vendeuse Third Eye Blind.
Le rock, ce n’est pas la téléréalité. La célébrité ne suffit pas pour s’y faire un trou. C’est pourquoi, depuis sa formation en 2004, Year Long Disaster n’a cessé de multiplier les tournées. Ce travail scénique intensif l’a incité à partager la scène en compagnie de pointures comme The Cult, Velvet Revolver ou les Foo Fighters. Le premier album, éponyme, sorti en 2007, va leur attirer les faveurs d’un certain Lemmy Kilmister (Motörhead). Ce dernier, non content de les emmener en tournée, va dispenser à leur égard des compliments plus qu’élogieux au fameux magazine rock anglais Kerrang.
« Black Magic; All Mysteries Revealed », le second opus sorti en mars, est une véritable relecture modernisée de la mouvance classic hard rock anglaise des seventies. Produit par Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Alice In Chains, Rush), l’album devrait squatter les platines lasers de tous les amateurs de rock costaud inspiré des glorieuses années septante. Pas question ici de ‘revival seventies’. YLD ne se contente pas –comme beaucoup de combos se prétendant ‘vintage’– de rejouer les riffs lourds de Black Sabbath en essayant de retrouver le son minimaliste de l’âge d’or du rock. Le son, ici, est tout ce qu’il y a de plus moderne. Boosté à la sauce Raskulinecz. Les compositions, par contre, ont ce côté heavy rock ronflant et chaleureux, saturé de groove et bourré de feeling que seules les formations rock classiques britanniques comme Led Zeppelin, Whitesnake ou Deep Purple étaient capables de créer.
Les amateurs des trois dinosaures susvisés et de plus jeunes loups comme Wolfmother, par exemple, seraient donc bien inspirés en jetant une oreille velue sur cet excellent « Black Magic; All Mysteries Revealed ». Le rock, comme il doit être joué. C’est Lemmy qui l’a dit.
Tout l’intérêt des travaux d’Hawksley Workman, depuis ses débuts, s’est écroulé il y a deux ans, après la publication de « Los Manlicious ». Une immonde soupe artificielle, dépouillée de toute inspiration. Le Canadien devenait ainsi l’exemple même de l’artiste indé vendant son âme au diable en signant au sein d’une major. Fort heureusement l’incartade n’a duré que le temps d’un seul album. Workman, abrité aujourd’hui sous les auspices d’Isadora Records, revient aujourd’hui les bras chargés d’un double opus en forme de Mea Culpa. « Meat/Milk » traduit un retour aux sources tout en projetant un regard vers l’avenir.
Il y a d’abord « Meat », une œuvre pop-rock évoquant parfois son « The Delicious Wolves » de 2002 et lyriquement chargé par sa récente rupture. A contrario de son disque précédent, Workman contrôle ici parfaitement les effusions de testostérone. « (We Ain’t No) Vampire Bats », « And The Government Will Protect The Mighty » et « Depress My Hangover Sunday » forment le trio gagnant de cette première partie qui n’évite malheureusement pas quelques petites déconvenues (« Baby Mosquito », « (The Happiest Day I Know Is A) Tokyo Bicycle »).
Ensuite, il y a « Milk ». Une deuxième partie au sein de laquelle Hawksley Workman s’essaie à la pop électronique, un genre avec lequel il flirtait discrètement sur « Lover/Fighter » (2003) sans vraiment oser s’y attarder. « Animal Behaviour », la parfaite mise ne bouche, met les choses à plat. Workman n’est pas homme à se répéter. Et malgré quelques maladresses (« Google Jesus », « My Snow Angel »), le singer-songwriter ne s’en sort pas mal dans cet exercice de style. Et plus particulièrement lorsqu’il invite une certaine Tosha Dash à pousser la chansonnette sur le tubesque « SuicideKick ».
« Meat / Milk » est un revirement salutaire pour Hawksley Workman, qui en avait bien besoin. Ne serait-ce que pour sa crédibilité.
Il y existe tellement de groupes français qui se réclament de Noir Désir, que ce lourd héritage est devenu une véritable malédiction. De Deportivo à Luke en passant par Damien Saez et Eiffel, la liste est longue et interminable. Si certains ont assimilé ce legs avec bonheur (Deportivo), d’autres (Damien Saez) s’en repaissent pour notre plus grand malheur. Varsovie appartient malencontreusement à la seconde catégorie, usant et abusant des clichés reproduits par tant de musiciens pseudo écorchés. Mêmes mimiques vocales, même textes ‘symbolistes’ et même rage mélancolique. En outre, le combo grenoblois double ce pénible mimétisme par une grandiloquence vaguement poétique chère à Damien Saez (encore lui…) Et en particulier tout au long de « Leningrad ». Enfin, leur look ado pompé chez Indochine, Tokyo Hotel et Brian Molko trahit manifestement, chez ce band, un manque de personnalité. Le dossier de presse présente Varsovie comme un trio post-punk. Il est sans doute plus rock et ‘underground’ qu’une grande majorité de ses congénères. Mais il manque surtout d’originalité. A tel point, que leurs compos en deviennent irritantes. A l’instar des onze plages de cet elpee. Quoique, les fans d’un certain Damien Saez devraient peut-être apprécier…
Pas facile de chroniquer un album aussi riche en quelques lignes. A la base, Unitopia consomme un ‘rock progressif’, dont il se sert comme ligne de conduite pour développer son bouillon de culture musical. Il y incorpore ensuite des éléments ‘classiques’, ‘jazz’, ‘world’ et même ‘heavy rock’. Et cette mixture infectieuse plutôt inédite, il l’injecte à doses massives dans son troisième opus, intitulé « Artificial ».
Unitopia est originaire d’Australie. D’Adelaïde, très exactement. Une situation plutôt originale pour un combo émargeant au rock progressif. Cependant, sa nationalité ne constitue pas sa seule particularité. Et pour cause, outre le recours aux instruments rituels du rock progressif (claviers, guitares, basse), Unitopia intègre les interventions lumineuses d’un saxophone. Sans oublier la présence de deux batteurs/percussionnistes pour rythmer ses efforts. Dernière subtilité : Mark Trueack, le vocaliste, possède un organe proche de celui du Peter Gabriel à la grande époque de Genesis.
« Artificial », comme son titre le laisse deviner, est un album concept consacré aux intelligences artificielles et à leurs rapports avec les humains. L’opus propose dix titres enchaînés les uns aux autres et s’étale sur cinquante-trois minutes (NDR : l’édition limitée digipack devrait être enrichie de trois bonus tracks). Unitopia y dévoile tous ses atouts : technique, justesse, émotion et propension à créer la surprise. On pense à Genesis, Marillion, Yes, Alan Parson’s Project, aux Flower Kings et à Spock’s Beard, mais aussi au Beatles (« Nothing Lasts Forever ») et à Supertramp. Le saxophone de Peter Raidel et les percussions combinées de Jamie Jones et Tim Irrgang apportent leur touche de jazz rock, voire même de world music pour ces deux derniers. Quelques interventions d’instruments classiques (flûtes, violons) viennent parfois ponctuer le rock d’une coloration classique.
Unitopia a réalisé un petit exploit en concoctant cet « Artificial » ; et pour cause, bien qu’il soit conceptuel, cet opus est intéressant de bout en bout et on peut l’écouter plusieurs fois de suite sans éprouver le moindre ennui. Conventionnel et innovateur à la fois, l’album est destiné à toutes les générations successives d’aficionados du rock progressif. Un must, tout simplement.
La bizarrerie du mois ! Proposée par le label Volvox, cette compile est destinée à réunir des œuvres conçues par certains artistes contemporains, influencés par l’esthétique du Weimar : humour, burlesque, noirceur, satire et autodérision au programme. Né au cours des années 20, ce courant culturel cher à Bertold Brecht et Max Reinhardt a été un des plus riches de l’histoire européenne.
Le recueil réunit des artistes dont les compositions naviguent à des années-lumière des standards de la musique populaire actuelle… Et les choix sont très souvent judicieux. Suscitant même l’enthousiasme. A l’instar des marginaux The Tiger Lillies, Joel Hubaut ou Little White Rabbit Still Bleed. Si la plupart des artistes sont relativement inconnus et issus d’horizons divers –un duo japonais (Kokysyoku Sumire), une chanteuse de cabaret en français dans le texte (The Maximum Monster Music Show) ou des punks hollandais (De Kift)– on notera tout de même la participation de combos notoires tels The Dresden Dolls, The Residents et The Legendary Pink Dots.
Avant de vous farcir ce « Twisted Cabaret », un avertissement préalable s’impose : prenez du recul ! Et pour cause, tout est surjoué, exagéré, théâtral, un peu fou… voire totalement barré ! A premier abord, le « Start a Fire » des Tiger Lillies semble ridicule ; mais ce morceau prend toute sa signification à l’écoute des paroles. Une constatation applicable à la plupart des plages de cet elpee. C’est ce qui confère une cohérence certaine à ce recueil, qui ne souffre d’aucun temps mort. De l’elpee, j’épinglerai quand même « The Earlie King » et « Have You Seen My Sister Evelyn », respectivement composés par Baby Dee et les jumeaux d’Evelyn Evelyn.
Une chose est sûre, cela fait un bien fou d’écouter ce type de compos, concoctées par des artistes créatifs dont le seul souci est de laisser libre cours à leur imagination. Comme son nom l’indique, « Twisted Cabaret (Vol.1) » constitue le premier tome de cette initiative originale, permettant de découvrir des talents inconnus sévissant au sein d’un style unique et décalé. Alors, « Twisted Cabaret » : ‘Music for the Twisted Mind’ ?
Et pour que votre info soit complète, sachez que la compilation recèle également un Dvd, consacré aux prestations scéniques des artistes impliqués sur le cd audio.
Eagle Seagull (traduction littérale, l’aigle goéland) est un curieux patronyme choisi par une formation issue du Nebraska, fondée en 2004. Responsable d’un excellent second opus, en mars dernier (« The Year of the How-To-Book »), elle se produisait au Witloof Bar du Botanique, ce 27 avril. Pas la grande foule cependant pour accueillir ce combo yankee. Et pour cause, leur notoriété dépasse à peine la zone crépusculaire de l’underground. Pourtant, il affiche un fameux potentiel, susceptible de drainer un large public. Il faudra cependant faire preuve de patience, avant de le voir concrétiser ses rêves…
Eli Mardock et sa compagne Carrie ‘Eddie Sedgwick’ Butler sont les leaders du band. Ils se plantent au beau milieu de la scène, entourés d’une multitude de claviers. J.J. Idt s’installe à gauche. C’est le guitariste. Il affiche un look de bûcheron. Le jeune Mike Overfield se poste du côté droit. Il est vêtu d’un sweater à capuche. Le drummer prend un certain recul, par rapport au podium. C’est apparemment le musicien le plus âge de l’équipe. Les attitudes du couple sont très rock’n’roll. Glamoureuses, même. Ou si vous préférez, professionnelles. Les meilleurs titres de leur dernier elpee défilent. Le timbre vocal d’Eli rappelle, manifestement, celui de l’ex-chanteur de Pulp, Jarvis Cocker. Quant à la musique, pop et dansante, elle navigue quelque part entre le Bowie des 70’s et Arcade Fire. Jusqu’alors tout baigne. Mais progressivement, on ressent un certain malaise. Le climat entre les musicos du groupe ne semble pas au beau fixe ; et ils ne cherchent guère à établir la moindre communication avec le public. On a même parfois l’impression qu’ils (se) font la gueule. Et J.J. Idt, le guitariste, tout particulièrement. A moins qu’il ne s’em*****. Quand à Eli, son regard se perd dans les méandres de son étonnante tignasse. De quoi plomber l’ambiance. D’autant plus que les compos se révèlent, au fur et à mesure, de moins en moins contagieuses. Seul le violon de Carrie Butler parvient alors à maintenir le fil conducteur. Heureusement, la fin de parcours est bien plus excitante. Et le set de s’achever en force par « You’re the Reason Why I’m Afraid to Die », c'est-à-dire le meilleur morceau de « The Year of the How-To-book ». On aura même droit à un rappel, au cours duquel les membres de la formation vont enfin esquisser un sourire.
Si Eagle Seagull veut vraiment décoller, il a tout intérêt à soigner son jeu de scène. Les compos de leur long playing, ont beau se révéler superbes, dansantes et lyriques, leur transposition en ‘live’ ne m’a pas vraiment convaincu. Les natifs de Lincoln ont tout intérêt à se secouer les puces, s’ils veulent vraiment s’extraire de l’anonymat. Suffit pas d’avoir le potentiel, il faut aussi vouloir le démontrer…
Organisation Botanique.
En 2008, These New Puritans se produisaient à l’Ancienne Belgique, dans le cadre des Now:Series sur la scène d’une ABBox comptant une cinquantaine de curieux tout au plus. Forts d’un nouvel LP à l’ambiance sombre et ‘tranchée’ ainsi que d’une tournée aux côtés de The XX, les quatre Anglais récoltent les fruits de la hype en se produisant à guichets fermés sous la coupole de la Rotonde du Botanique.
En guise de mise en bouche, These New Puritans propose « Time Xone », suivi immédiatement de « We Want War », le premier extrait de « Hidden ». Un morceau long de plus de sept minutes, magnifié par un emballage très cinématographique. Le genre de compositions qu’un réalisateur de film glauque en quête de fond sonore ne renierait pas. Outre la tendance à produire des morceaux pop déconstruits, le son caractéristique de la formation originaire de Southend-On-Sea procède essentiellement de l’effet fulgurant des grosses caisses. George Barnett, préposé à la batterie, tape très fort. Et lorsque les percussions de Thomas Hein viennent s’y greffer, les chansons de These New Puritans prennent une dimension presque oppressante. Dans le bon sens du terme. A cela s'ajoutent les instruments insolites tels le hautbois ou encore des couteaux (!) qui procurent toute leur richesse aux écrits de la bande. Et il faut l’avouer, sans cette instrumentation, These New Puritains ne serait qu’un groupe pop parmi d’autres.
« Three Thousand », « Numbers (AKA Numerology) », « Orion », « Fire-Power », « Attack Music », « Infinity Ytinifni » s’enchaînent en toute cohérence. Mais certains morceaux souffrent d’une similarité flagrante, ce qui rend la prestation moins percutante. Jack Barnett s’adresse à plusieurs reprises à la foule avec un accent à couper au couteau et un chouia trop de reverb’ dans le micro. Le mec aurait pu parler en chinois que l’effet aurait été identique… Le set s’achève sur le single « Elvis », en guise de rappel. Un concert d’une heure tout rond. Une prestation pas désagréable mais manquant cruellement de relief.
(Organisation : Botanique)
Tout au long de leur premier LP, Crystal Castles était parvenu à donner une nouvelle dimension au ‘chiptune’, en l’assénant d’un électrochoc punk bien balaise. Les Canadiens, réputés pour leurs shows chaotiques, ne se sont pas laissés impressionnés par un vulgaire nuage de cendres. Ils ont donc, comme prévu, posé leurs semblants de bagages sur la scène de l’Orangerie et terrorisé l’assemblée au son des tueries qui composeront leur deuxième œuvre éponyme, à paraître ‘incessamment sous peu’.
Sur le coup des 21 heures, l’Orangerie du Botanique est bondée. Peut-être même davantage que d’ordinaire. Et le public bouillonne déjà. Ce qui explique peut-être les barrières placées devant le podium. Oui, oui, des barrières de sécurité ! Au Botanique ! Ca promet… Alice Glass et Ethan Kath vont être servis en matière d’ambiance. La salle est soudainement plongée dans une obscurité intégrale. Un son strident marque le début des hostilités. Le duo, accompagné en mouture ‘live’ d’un batteur, apparaît sur les planches et engage un premier extrait de son nouveau recueil. Seul un subtil jeu de lumière éclaire la scène par intermittence. Alice malmène le micro d’une main, et un stroboscope de l’autre. Pas plus de 5 minutes plus tard, on comprend que Crystal Castles est un véritable rouleau compresseur en matière de prestation ‘live’.
Les nouveaux morceaux produits par Paul Epworth (Bloc Party, The Rapture, etc.) emballent le public presque autant que les extraits du premier éponyme. « Baptism», « Celestica » ou l’incendiaire « Doe Deer » passent sans encombre l’étape de la scène. Mais ce sont essentiellement les vieux tubes qui font péter les plombs de l’assistance. Ainsi, les premières notes de « Air War », « Courtship Dating », « Crimewave » ou ceux de « Alice Practice » soulèvent instantanément l’Orangerie. Et pourtant, certains demeurent statiques. Incompréhensible…
Ethan est plutôt discret, dissimulé derrière ses manettes. A l’inverse, Alice chauffe le public comme pas deux. A plusieurs reprises, elle s’élance au cœur de la foule. La petite Canadienne est simplement impressionnante. Le set de Crystal Castles est plutôt dark et d’une intensité rare. Un vrai show ‘in-your-face’. Mais la fin du concert survient brusquement, au bout d’une heure pile. La formation se retire sans crier gare et les lumières de la salle rappellent le public à la réalité. Pas de rappel. Les salauds ! Il faudra attendre cet été et le Festival Les Ardentes pour obtenir une nouvelle dose de Crystal. Et le manque se fait déjà ressentir.
(Organisation : Botanique)
En 2008, les drôles d’élans ont parcouru les plaines d’« Andorra » et ont suscité, sans vraiment le vouloir, la curiosité de plusieurs milliers de "tree-hugging hippies" de tous bords. Les yeux tournés vers l'horizon, ces derniers attendaient impatiemment le retour de l’espèce convoitée. En 2010, c’est chose faite depuis la publication de « Swim », un troisième LP au cours duquel Caribou est parvenu à s’élancer encore plus loin. Au cours de son périple, le gibier Canadien n’a pas oublié de poser ses pattes dans nos contrées, du côté du Beurskaffé, en plein centre de Bruxelles.
La salle affiche complet depuis quelques jours. La capacité du lieu est assez moyenne, ce qui le rend d’autant plus convivial. Il est 21h15 lorsque Derwin, le panda d’Essex débarque sur les planches. Derrière ses manettes et son laptop, Gold Panda est tout content. Normal, il a été désigné par la BBC comme l’un des grands espoirs de 2010 aux côtés d’une dizaine d’artistes dont la carrière a déjà bien décollé, à coups de buzz (Delphic, Two Door Cinema Club, The Drums, Owl City, Marina & The Diamonds, etc.) Sous son déguisement, Gold Panda exécute une électro à la fois minimale, planante et engageante, extraite de ses nombreux Eps. Le petit dernier, « You », sera d’ailleurs disponible dès le 10 mai, soit 6 jours avant sa prestation sur la scène du chapiteau aux Nuits Botanique. Le Briton jouera aux côtés de The Field. Et il y a fort à parier que les fans de ces derniers se rallieront sans hésiter à la cause du panda doré.
Sur le coup des 22h, Dan Snaith et ses trois musiciens prennent place sur la (petite) scène du Beurskaffé. Tout de blanc vêtus, les quatre hommes ne perdent pas une seconde et plongent immédiatement le public dans le vif du sujet. Il est loin le temps où Snaith portait encore le sobriquet de Manitoba. Ce soir, Caribou célèbre la sortie de « Swim » et souligne cet événement en jouant la quasi intégralité de l’œuvre. Le set est donc à l’image du disque : une ode à la liberté mariant électro, rock et psyché. Un retour aux sources plutôt bien négocié. Les morceaux « Bowls », « Kaili » et « Odessa » valent à eux seuls leur pesant d’or. Derrière les musicos, leur incontournable écran diffuse en continu l’artwork de « Swim », modulé par des couleurs trippantes. Les stroboscopes n’en finissent pas de crever les yeux des spectateurs tandis que Snaith élance ses splendides complaintes. L’une des rares incursions dans le passé se produira lorsque le combo se lancera dans l’interprétation de « Sundialing » et l’essentiel single « Melody Day ».
Après une petite pause, Caribou revient pour un bis repetita au cours duquel des « Swim » et « Barnowl » majestueux plongent le public dans un océan de beats magistraux. Un set parfait en tous points. Lors de ses pérégrinations estivales, l’oiseau rare survolera la plaine de Kiewit, le temps d’un passage au Pukkelpop. Et si vous n’y êtes pas, c’est que vous êtes fous.
(Organisation : VK*)
Difficile de croire, en écoutant leur nouvel elpee, que les Scorpions vont partir à la retraite. Et pour cause, tout au long de ce nouvel opus, on a l’impression que la formation de Hanovre a retrouvé le feu sacré. « Sting in the Tail » constitue manifestement la piqûre la plus venimeuse, administrée par le redoutable arachnide, depuis « Crazy World ». Et si l’œuvre consacre un véritable testament pour le groupe, Klaus Meine, Rudolf Schenker et Matthias Jabs tirent leur révérence, en manifestant panache et grande classe. Après avoir vécu un âge d’or commercial de 1982 à 1990, les Scorps ont vivoté jusqu’en 2004, entre expérimentations loupées (« Eye to Eye ») et vide artistique total (« Unbreakable »).
En bénéficiant du concours de deux producteurs suédois, en l’occurrence Mikael Nord Andersson et Martin Hansen, la bêbête est de nouveau parvenue à s’immerger au sein des sonorités typiquement eighties. Les plus puristes des fans clameront haut et fort qu’on est loin de la folie métallique d’un « Blackout » et que trois ballades un tantinet sirupeuses c’est un peu beaucoup pour un retour en force.
On ne peut nier que « Lorelei » et « Sly » sont loin d’atteindre les sommets émotionnels libérés par « Holiday » ou « When the Smoke is Going Down » ; mais ce sont surtout les hymnes hard rock de « Sting in the Tail » qui font la différence. Et tout d’abord la tuerie « Raised on Rock », dont la si typique ‘talkbox’, utilisée lors du hit planétaire « The Zoo », ouvre le feu. Le titre maître ne manque pas d’allure, non plus. A cause de ce refrain entêtant réminiscent de l’époque « Lovedrive ». Et le terriblement heavy « Slave Me » est loin de faire pâle figure. Plus lyrique, « The Good die Young » est un single en puissance. Le timbre vocal de Klaus Meine est plus grave. En outre –et c’est une bonne surprise– il est soutenu par celui de l’ex-Nightwish, Tarja. Classic 21 le programme même à l’heure où les ménagères sont aux fourneaux. « No Limit » fait mouche dès la première écoute. Meine y est époustouflant et le refrain à la « Def Lep » tout simplement irrésistible. Hormis les ballades, le reste est de la même trempe. Mention spéciale, quand même, à « Rock Zone », le skeud le plus violent signé par le combo depuis le classique « Dynamite ».
En conclusion, cet elpee évolue dans un registre extrêmement familier aux aficionados des Teutons. Bien sûr, ce disque ne propose rien de révolutionnaire, mais il risque fort de devenir un classique, au même titre que « Crazy World ». Chapeau bas !
Cette compilation des plus grands ‘hits’ de Savatage est parue, il y a quelques semaines. Je vous invite à vous y replonger, puisque V2 à eu la gentillesse de nous en faire parvenir la version définitive. Nous ne reviendrons pas sur les deux Cds audio, puisque nous vous les avions décrits en long et en large, lors de notre chronique consacrée à la version promotionnelle.
Sous sa version définitive, « Still The Orchestra Plays – Greatest Hits Volume 1&2 » est emballé dans un superbe digipack, recelant, outre les deux Cds, un Dvd bonus et un booklet de 15 pages, au sein duquel figurent les lyrics de tous les titres réunis sur la compilation. Quelques photos sympathiques, illustrant la carrière du groupe, ont été ajoutées à la mise en page. Un regret ? L’absence d’une biographie complète de la formation. Trop de boulot, probablement.
Le Dvd bonus se concentre sur le fameux « Live In Japan ‘94 », c’est-à-dire, vous vous en doutez, un set immortalisé au pays du soleil levant, en 1994, lors de leur tournée opérée pour promotionner « Handful Of Rain » de 1994. Quoique de notoriété publique, chez les fans, ce set n’était à ce jour, disponible (officiellement), qu’en version VHS. Si les fans du combo américain devraient être ravis par l’initiative de transposer cette prestation en version digitale améliorée, il faut bien tenir compte du contexte : il s’agit ici, tout simplement, d’un Dvd bonus. Et le label ne s’est vraiment pas senti obligé de casser sa tirelire. Pas de dépoussiérage visuel ni même de décrassage sonore. Le son est sourd et l’image pixellise. La seule véritable différence entre le Dvd et la VHS d’origine, procède de la navigation plus facile entre les titres. N’empêche, revoir Savatage en concert est toujours un réel plaisir. L’excellent Zak Stevens mène la barque et Jon Oliva se charge des claviers et de la guitare (NDR : pas des vocaux, malheureusement). A noter, qu’Alex Skolnick, le célèbre soliste du combo trash américain Testament, remplaçait alors feu Chris Oliva (décédé un an plus tôt) à la six-cordes. La setlist fait évidemment la part belle aux titres issus de « Handful Of Rain ». Il recèle cependant quelques classiques intéressants, négligés sur le double cd audio, comme par exemple, l’excellent « Sirens ».
« Still The Orchestra Plays – Greatest Hits Volume 1&2 » et son Dvd Bonus constituent donc le relais parfait pour découvrir au redécouvrir le métal mélodique de ce groupe hors du commun.
A l’instar de M.I.A. ou encore Santigold, la Roumaine Miss Platnum fait des ravages. Mais en Allemagne, pays où elle a élu domicile lorsque sa famille s’est exilée, il y a une vingtaine d’années. En 2007, elle publie « Chefa », son premier elpee. Un disque qui reçoit des échos plus que favorables de la part de la presse musicale. En fait, pour enregistrer cet opus, Ruth Maria Renner (NDR : c’est son véritable nom) est parvenue à se construire un univers bien personnel. Un univers imaginaire, au cours duquel elle n’hésite pas à emprunter toute une série de clichés, colportés à l’égard de son pays natal. Miss Platnum est aujourd’hui âgée de 29 ans. Et l’Europe est à ses pieds, depuis la sortie de « The Sweetest Hangover ». Pourtant, son parcours aurait pu mal tourner, si elle n’était pas parvenue à surmonter ses problèmes liés à l’alcool et à la drogue. Une addiction qu’elle combat depuis ses 18 printemps. En recherche constante d’identité, Ruth va devoir retourner à ses racines pour s’en sortir. Aujourd’hui, son cocktail de R’n’B et d’électro, parfumé de sonorités orientales et balkaniques rencontre un succès certain. Pour le commun des mortels, on dira qu’elle est parvenue à tirer parti de ses échecs du passé et qu’elle est arrivée au sommet de la gloire. Pour le véritable mélomane, la réaction est totalement différente. Et pour cause, si les compos sont bien balancées, il faut reconnaître qu’au fil du sillon, les sonorités concentrées à l’Est finissent par taper sur le système. Un peu trop répétitives, sans doute. En outre, les beats dispensés sont loin d’être originaux. En ajoutant la voix de cantatrice R’n’b adoptée par Ruth, la coupe est rapidement pleine. Et pourtant, l’elpee s’ouvre par une plage de bonne facture. Intitulé « Why Did You Do It », ce morceau claque littéralement. Mais rapidement, on se rend compte que la Roumaine puise un peu trop son inspiration chez M.I.A. (« Drink Sister Drink »). Et lorsque qu’elle ne pille pas l’univers de la Britannique, c’est alors chez Beyonce qu’elle calque son profil ; mais une Beyonce qui aurait décidé de suivre un séminaire dans les Carpates (« The Long Goodbye »). On a même droit à une cover soporifique du « Babooshka » de Kate Bush, une version susceptible de vous plonger, au sein d’un profond ennui.
Il faut craindre que Miss Platnum ne doive se remettre au goulot pour retrouver l’inspiration…
Afin de nous faire patienter jusqu’à la sortie de son premier album, prévu fin de cette année, le groupe heavy prog anglais Headspace a pris l’excellente initiative de nous transmettre son premier Ep. Un disque autoproduit, datant de 2007. Si le nom du groupe ne vous est pas vraiment familier, celui de ses membres, par contre, devrait interpeler les amateurs de rock et de métal progressif.
Adam Wakeman est le fils de Rick Wakeman, l’un des plus célèbres musiciens de rock progressif qui, en son temps, caressait les touches d’ivoire chez le légendaire combo Yes. Le clavier semble d’ailleurs être l’instrument familial de prédilection. Dès l’âge de 18 ans, Adam se produit en concert et enregistre une flopée d’albums en compagnie de son père. En 2004, Wakeman (fils) est embauché pour créer les ambiances synthétiques chez Black Sabbath ; et, par la suite chez Ozzy Osbourne. Il occupe d’ailleurs toujours ce poste. Mais Adam n’est pas la seule célébrité exerçant son talent artistique au sein d’Headspace. Les fans de métal progressif connaissent tous Damian Wilson. Chanteur au sein de Threshold, le temps de deux albums, il a également apporté sa contribution vocale à Landmarq. Lee Pomeroy, le bassiste, a tourné en compagnie d’Archive. Il a aussi été impliqué quelque temps au sein du groupe pop rock progressif It Bites. Rich Brook, le batteur, était quant à lui un artiste freelance. Ses pérégrinations l’ont amené à bosser pour Roger Daltrey et Rick Wakeman (encore lui). Pour en finir avec cette présentation du line-up, il faut encore citer l’Australien Pete Rinaldi. Moins célèbre que ses collègues, il n’en est pas moins un virtuose de la guitare, qu’il pratique depuis l’âge de sept ans. Au vu de leur pédigrée, Headspace ne réunit pas une bande de débutants.
Parlons justement un peu de ce disque dont les quatre titres sont tout ce qu’il y a de plus intéressants. « Never Let Go », le titre d’ouverture, est le plus facile d’accès malgré ses nombreux changements de rythme et un son de guitare plutôt heavy. Son refrain immédiat met en valeur la voix magnifique de Damian Wilson. Si « Sane Life » démarre comme une ballade épurée et acoustique digne de Marillion (période Hogarth), il ne tarde pas à monter en intensité et même à prendre un virage plus métallique, dans un style proche des Américains de Coheed & Cambria. « Symbol » est le titre le moins attachant de l’Ep. Seules les admirables parties lead, concédées par Pete Rinaldi arrivent à faire oublier les influences art rock seventies un peu trop prononcées. Quoique trop courte, « Sober », la dernière plage de ce disque est tout simplement grandiose. Elle décline durant sept bonnes minutes une musique à la fois sombre, lourde et alambiquée où les guitares foncièrement métal fréquentent les claviers fondamentalement progressifs. Un peu comme si, pour notre plus grand plaisir, l’un des compositeurs (au hasard, Adam Wakeman) avait du mal à se rappeler s’il joue au sein de Black Sabbath ou bien Yes.
Et dire qu’il va encore falloir attendre jusqu'à la fin de l’année avant de pouvoir entendre la suite !
En 2003, le ‘screamo’ et l’‘emocore’ étaient très à la mode chez les 15/16 ans A cette époque, j’approchais déjà dangereusement de la quarantaine. Une explication probable –sans pour autant l’excuser– de mon désintérêt pour ce style, et aussi pourquoi je suis passé à côté des quatre premiers albums de From First To Last, un groupe émocore américain originaire de Valgosta, dans l’état de Géorgie.
N’ayant pas suivi son évolution, je me garderai bien de vous raconter l’historique du groupe. Je ne m’avancerai pas non plus à comparer le nouvel et les anciens opus. Tout au plus, me contenterai-je de signaler, comme je l’ai découvert en comparant la pochette de « Throne To The Wolves » aux quelques informations disponibles sur la grande toile, que le guitariste/chanteur Matt Good et batteur Derek Bloom, sont les uniques survivants de la formation qui avait enregistré, en 2004, la première galette digitale intitulée « Dear Diary, My Teen Angst Has a Body Count ».
D’entrée de jeu, « Throne To The Wolves » surprend. Chant mélodique, hurlements hardcore, petits ‘hou hou hou’ et clappements de mains pas franchement virils, batterie énervée et percussions électroniques, claviers ambiants, basse gluantes et riffs de guitare speedés ; ce melting-pot hautement improbable pour l’accro aux vieux standards ‘basse/guitare/batterie’ rebute à la première écoute. Le mélange hétéroclite de violence et d’émotions peu canalisées est carrément difficile à suivre. L’appellation ‘Schizocore’ (si elle existait) conviendrait probablement mieux à cette musique. Vu ses structures difficilement distinctes, elle semble d’ailleurs partir dans tous les sens.
Pourtant, aussi incroyable que cela puisse paraître, le résultat est plutôt agréable à l’oreille. Les écoutes successives révèlent même une véritable recherche musicale. Pour peu, on y collerait même l’étiquette progressive qui, il est vrai, est un peu mise à toutes les sauces ces derniers temps.
Quoi qu’il en soit, « Throne To The Wolves », bien qu’il soit destiné à un public jeune et énervé, se révèle une bonne surprise pour tous les amateurs de musique musclée, mais éclectique…
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