Quatre ans déjà que la bande de joyeux Liégeois a sorti son premier album. Des dizaines de dates et quelques voyages plus tard, les deux Nicolas, Brian, Raphael, Renaud et Xavier se sont remis au boulot et ils nous proposent aujourd’hui « Passer la frontière ». Pourquoi un tel titre ? Simplement parce que durant plus de deux ans, ils en ont passé pas mal ‘des frontières’ ; justement pour défendre leur musique et livrer leur vision personnelle de l’échange opéré auprès du public. En outre, il s’agit du premier titre composé, lors de leurs sessions d’enregistrement.
« Dis-moi encore » est encore tellement frais dans nos mémoires qu’il va falloir s’habituer à un certain changement et même un changement certain de la part d’Eté 67. En effet la variété pop de très bonne qualité a cédé sa place à un style beaucoup plus dépouillé ; on plonge même ici dans les profondeurs du rock, du folk et du blues. L’opus recèle quand-même l’un ou l’autre morceau plus léger, à l’instar de « Dans ma prison », le single actuel, histoire de se reposer un peu entre deux décharges bien électriques ; mais un morceau un peu faiblard en comparaison du reste des nouvelles compositions!
Cet album, ils l’ont écrit et produit eux-mêmes, aidés par Renaud Houben au mixage. Antoine Wielemans, chanteur des Girls in Hawaii a consenti un duo sur « Une vie saine », une chanson aux couleurs ‘blues’ bien prononcées. Et ce n’est que le tout début de leur transformation. Car on sent que le band a mûri, grandi. A croire qu’ils sont passés de l’adolescence à l’âge adulte. Une frontière de plus franchie ? Ne dit-on pas que les voyages forment la jeunesse ? Et on voyage durant toute l’écoute de l’album. On a l’impression d’être à La Nouvelle Orléans en écoutant « Loin d’ici », un morceau dynamisé par des rythmes louisianais et enrichi de superbes cuivres, dont une clarinette une et trompette. « Hôtel Délirium ♯ 9 » nous précipite dans l’univers des Doors. Celui de Los Angeles, très exactement. A cause de ces riffs enflammés et de ses lyrics bien torchés. « Drogue douce » prend encore un peu plus de hauteur, et jette un œil sur l’histoire du rock’n’roll, en ressuscitant, au passage, la flûte enchanteresse du ‘Jethrotullien’ Ian Anderson. Dans la foulée, « Plus tôt que prévu », le morceau d’entrée, creuse encore plus loin dans le temps. Plus basique, il frôle même la frontière (une de plus) du rockabilly des Stray Cats. Un traitement country est réservé à « Le cow-boy tout nu ». Un excellent exercice de style souligné de textes à la fois hilarants et subtils. « Romans de gare » rend hommage à Simenon. Un autre périple temporel, opéré du côté des années 30 et de ses années folles. Et on ne s’arrête pas en si bon chemin ! L’excellent « Pourboire » marque un retour au blues/pop. Impossible de rester en place à l’écoute de cette compo. Soit vous battez la mesure des doigts ou du pied. La réaction est instinctive. Finalement, après avoir digéré les 14 plages de « Passer la frontière », on se demande si « Dans ma prison » n’est pas le titre le moins en phase avec le renouveau de la formation. Mais il constitue, sans doute, le trait d’union entre les deux albums… Un opus qui s’achève par « Retour à Elisabethville », un instrumental qui clôt magnifiquement, mais de manière assez sombre, ce bien bel ouvrage…
Eté 67 sera tête d'affiche de la Nuit belge aux Nuits Botaniques le 11 mai, puis enchaînera son périple de tous les festivals (Dour, Les Francos...), au cours de cet été. Ne les manquez surtout pas et n’hésitez pas à acheter ce cd : c’est du bon et c’est du belge, une fois de plus !!!
Encore du belge ? Ben oui, c’est du bon, donc c’est du belge !!!
Superamazoo réunit deux chanteurs (Gabriele Manu et Bruno Manfrin), deux cuivres (Frédéric Calabrese à la trompette et David Verhelst au sax), un piano Rhodes (Tony Bambinelli) et un guitariste (Olivier Toffolo). Des musiciens tous issus de la région du Centre (Manage - La Louvière).
Responsable d’une musique voguant entre reggae, voire rap et parfois rock, Supermazoo nous propose une expression sonore née d’un mélange de styles très différents. Ce qui explique sans doute, le titre de cet album. Revendiquant une filiation auprès de Manu Chao, le combo a eu la chance d’être repéré par Gambeat, bassiste de Radio Bemba lors de l’édition 2007 du festival Esperanzah. Un projet d’enregistrement est même proposé par le complice de Manu, au combo belge. Le temps de mettre la machine en route, mais aussi de régler les derniers détails, et rendez-vous est pris au sein des studios de Chao, pour retravailler et graver sur cd des compositions issues de leur répertoire, accumulé depuis plusieurs années.
« Compétences Universelles » constitue le résultat de ces sessions. Un disque pour lequel Gambaet a également participé activement à sa confection. En outre, un drummer avait également était engagé pour rejoindre l’équipe. Et le choix s’est porté sur Renaud Mayeur, qui a ainsi eu l’honneur d’accompagner le groupe à Barcelone.
« Compétences Universelles » est donc le fruit de longues années de travail, de scène et d’une toute récente collaboration. Les onze titres de cet elpee sont tous signés par l’équipe et sont interprétés dans la langue de Molière. Une exception qui confirme a règle : le tout dernier titre, « One for the Money ». Tout comme chez leur idole, les rythmes effrénés, les cuivres et les textes chocs sont au rendez-vous. Une différence, mais elle est de taille : la vitesse d’élocution. Un débit parfois très rapide susceptible de nous faire glisser sur les pentes du rap. Ce qui sied bien aux thèmes développés par le groupe. En l’occurrence, la paix et le dialogue interculturel ; un thème qui fait également leur originalité.
De grosses pointures du genre ont tenu à apporter leur grain de sel à la réalisation de l’album. Sont ainsi présents à divers degrés Che Sudaka, Soklak et bien sûr Gambaet pour par moins de sept titres. « Compétences Universelles » est parvenu à convaincre des spécialistes du genre. Pourquoi pas vous ?
Surnommé ‘The snake’ (parce que leur logo était un cobra), Spiteri est une formation vénézuélienne, issue de Caracas très exactement, qui s’est exilé à Londres, au cours du début des seventies, pour tenter sa chance… Faut dire que dans leur pays, elle était devenue mythique. A la tête ? Jorge et Charlie Spiteri. Leur musique ? Une forme de soul/psyché/rock fortement marquée par les rythmes latins. Pas étonnant que le combo était très influencé par Traffic. Le duo en était même un fervent admirateur. En outre, Spiteri va recevoir un très grand soutien de la part d’artistes notoires. Dont Noël Redding, Paul McCartney, Rod Stewart ou encore Bob Marley. Malgré quelques années d’existence, le groupe ne compte à son actif, qu’un seul album. Considéré par l’administration insulaire, comme des clandestins, les deux frangins ne parviendront jamais à récolter le moindre succès
Cet elpee avait été enregistré à Londres. En 1973. Il vient donc d’être réédité et remasterisé par les soins de Vampisoul ; et est enrichi, pour la circonstance, de 8 bonus tracks. Le disque orignal n’était jamais paru en Angleterre. Pourquoi ? Une loi stipulant l’obligation de compter au sein d’un même ensemble, une moitié de membres de nationalité ‘british’.
Jorge et Charlie était pourtant des musicos particulièrement doués. Le premier se chargeait des parties guitares, tandis que le second se réservait les percussions. Ils se partageaient les vocaux. Ils étaient entourés de musiciens talentueux (Ruben ‘Micho’ Correa, Bernardo Ball, etc.) Et franchement, leur melting pot de rock et de musique typique latine était vraiment réussi. A l’instar de « Campesina », plage au cours de laquelle guitares distordues, bongos et guitares sèches se marient à la perfection. Les compos étaient interprétées tantôt dans la langue de Shakespeare, tantôt dans celle de Cervantès. Et ces joyeux hippies étaient responsables de morceaux avant-gardistes qui n’hésitaient pas à marier folklore vénézuélien aux rythmes caribéens (« Barlovento ») ; mais également en creusant dans le terreau du rock bien britannique (« Don’t You Look Behind »).
N’ayant jamais eu le bonheur de pouvoir défendre ce long playing éponyme, aux Iles Britanniques, Spiteri va finir par se décourager. Une situation accentuée par l’échec commercial de la vente de son elpee. Le split est donc inévitable. Il se produit en 1974, alors que le combo n’a jamais été autorisé à jouer la moindre note sur leur terre d’exil. Quelques années plus tard, les deux frangins vont cependant relancer l’aventure sous un format big band, engageant pour la circonstance des musiciens insulaires. Baptisé Spiteri II, elle passera complètement inaperçue. Seule leur version d’« I’m A Man » (incluse dans les bonus) recevra un certain écho. 37 ans plus tard, Vampisoul a le bon goût de combler les amateurs de rock issu des 70’s, mais également des mélomanes, en leur permettant de (re)découvrir un groupe unique en son genre, alors considéré comme la réponse anglaise à Santana…
Il existe plusieurs manières d’appréhender la musique de PixelRace. Tout d’abord, à l’instar de n’importe quel album, au premier degré. Puis, si on la considère comme une vaste blague, au second degré. Et enfin, pour les intellos, au troisième degré. Perso, j’opterais pour la seconde solution. Sans quoi, je risque de descendre ce disque en flammes ou tout simplement de ne rien avoir à raconter d’intéressant…
Maintenant, si vous choisissez la troisième option, la musique du groupe bruxellois pourrait refléter une parodie de tout ce que le néo-métal, la pop et tutti quanti a pu nous balancer de pire, au cours des quinze dernières années. En un seul cd. Une tâche particulièrement ardue, que Pixel Race est cependant parvenu à accomplir. Cette célébration du mauvais goût implique des concepts revivalistes, qui à l’époque étaient déjà surannés. Une véritable prouesse, digne des meilleures caricatures. Serions-nous en présence de néo-métal légèrement contaminé par l’électro ? Les grattes se veulent viriles. Mais rivalisent de fadeur et de mollesse. Les mélodies sont plus que prévisibles. Et les effets spéciaux ( ?!?!?) triturant le chant font plus rire que sourire. En outre, les refrains repris en chœur, par l’ensemble des musiciens du combo, rappellent l’époque des Boys Band, vécue, il y a une bonne dizaine d’années.
Que du bonheur donc ! Mais l’euphorie des premiers morceaux estompée, on s’amuse de moins en moins. C’est alors que l’expression ‘les blagues les plus courtes sont les meilleures’ prend tout son sens. On en attrape même la nausée. Et rien que les parties vocales deviennent insupportables.
Alors : ‘Should We Pay For All This Happiness ?’ Ben non… Faut pas déconner quand même !
Cette formation issue de Washington DC pratique le roots blues depuis ses débuts. Soit près de quarante ans ; c’est-à-dire en 1972, très exactement. Mark Wenner en est le fondateur. Un chanteur/harmoniciste dont le corps est couvert de tatouages. C’est également le leader du quartet. Un combo responsable d’un nouvel opus. Acoustique, il est consacré à des covers de compos notoires. Lors des sessions d’enregistrement, l’excellent chanteur/drummer Pete Ragusa était encore à son poste. Mais depuis, il a quitté le navire. Il a été remplacé par Mark Stutso, un musicien qui militait, il y a peu encore, au sein des Drivers de Jimmy Thackery (NDR : pour votre info, sachez qu’il était le premier guitariste des Nighthawks!) Mark est aujourd’hui soutenu par le guitariste Paul Bell et le bassiste Johnny Castle. Les sessions d’enregistrement se sont donc déroulées ‘live’ et sous un format acoustique, au sein des studios de la Radio Satellite Sirius XM, à Washington.
Le disque démarre très fort par une cover du "The chicken and the hawk" de Big Joe Turner. La section rythmique libère énormément de swing. Un swing entretenu par la contrebasse de Johnny et les balais de Pete (NDR : de véritables caresses !) Mais la singularité de cette œuvre procède du jeu quasi manouche de Bell sur ses cordes acoustiques. Mark souffle dans son harmonica Hohner. Il est au sommet de sa forme. Et on sent que les deux musiciens éprouvent beaucoup de plaisir à jouer ensemble. Le "Nineteen years old" de Muddy Waters épouse un même profil. Mark chante comme possédé. Et ses interventions vocales sont convaincantes. Paul injecte beaucoup de passion et d’émotion dans les sonorités de sa National steel resonator. L’adaptation unplugged d’"I'll go crazy" de James Brown est une belle réussite. Le combo au complet participe aux chœurs doowop. L'attaque opérée sur "You don't love me" est directe. Le souffle de Mark réservé à son harmo est clair et impeccable. Un véritable régal ! Un style qui colle indéniablement au swamp blues. Et le "Rainin' in my heart" de Slim Harpo, dont le climat nous pénètre insidieusement, en est une parfaite illustration. La complicité échangée entre Mark Wenner au chant et à l’harmonica ainsi que Paul Bell au bottleneck est propice à la mise en valeur de canons du blues ; et en particulier "Can't be satisfied" et "Rollin' & tumblin'". Et comme tout roule, les Nighthawks osent s’attaquer à du pur rock'n'roll. En l’occurrence au "Thirty days" de Chuck Berry. L’intro du "Mighty long time" de Sonny Boy Williamson est bouleversante. Les sonorités fragiles dispensées par l’harmonica sont balisées par les accès de contrebasse (NDR : imposante !), concédés par Mr Castle. La voix de Mark est empreinte de respect et de réserve. Les six cordes peuvent opérer leur entrée et repasser à l’avant-plan, lors de cette plage destinée aux souffleurs. On épinglera encore un autre hommage réservé au génial harmoniciste, Little Walter, lors d’une adaptation de son "High temperature", enrichie de chœurs doowop. Tous à Ecaussinnes!
Lonely Drifter Karen est un trio drivé par Tanja Frinta. D’origine autrichienne, cette chanteuse est accompagnée par le pianiste espagnol Marc Meliá Sobrevias et un batteur italien répondant au nom de Giorgio Menossi. Le patronyme du groupe, Lonely Drifter Karen, s’inspire du film « Les Idiots » de Lars Von Trier ; et, selon Tanja, il reflète bien leur musique : ‘Lonely’ pour le côté mélancolique, ‘Drifter’ pour l’aspect ‘nomade’ et Karen pour la ‘féminité’ à fleur de peau. Demandez le programme !
Après avoir publié « Grass is singing » en octobre 2008, premier elpee caractérisé par son mélange champêtre de cabaret, de jazz et de folk, le combo nous propose un second opus, intitulé « Fail of Spring ». Découpée en quatorze plages, cette œuvre est un parfait témoignage de la richesse des compositions de Tanja et des arrangements de Marc. Lonely Drifter Karen nous balade dans un monde féérique plein de mélodies enchanteresses, entêtantes et empreintes de fraîcheur juvénile. Des compos d’excellente facture, aux multiples nuances, oscillant du rock vivifiant à la ballade subtile. Des morceaux souvent originaux, parfois même très difficiles à cerner, mais toujours très plaisants à écouter. La voix charme, le piano s’enflamme, les guitares accrochent et les cuivres fluctuent : une formule qui résume bien l’expression sonore de ce trio déroutant.
Et si on retrouve un peu de Björk chez Tanja, c’est sans ce côté vedette intouchable qui rend l’Islandaise insupportable pour beaucoup. Chez Tanja, tout est douceur. Son univers et ses rêves doivent être peuplés de comédies musicales et le lapin d’Alice au pays des merveilles doit sans aucun doute être son plus grand admirateur !
Un petit bijou plein de reflets multicolores… Rien à jeter, à consommer sans modération !
En concert ce 13 mai 2010, dans le cadre des Nuits Botanique.
La prochaine coupe du monde de football, prévue pour cet été 2010, aurait-elle incité GPFC à sortir de leur vestiaire ? Une chose est sûre, les patrons du Grand Popo Football Club sont de sacrés branleurs. Ariel Wiezman et Nicolas Errera resserrent leurs crampons, réajustent leurs jambières et sortent des vestiaires la tête haute. Même pas gênés les Français, d’avoir laissé son public, 10 ans sans nouvelles. Souvenez-vous. En 2000, le duo dandy taquinait notre virilité en nous invitant à dandiner sur leur single « Les Hommes C’est Pas Des Mecs Bien », un titre issu de l’elpee « Shampoo Victims », un opus cependant passé discrètement inaperçu.
Une décennie plus tard, Le Grand Popo Football Club nous propose « Venom in The Grass ». 10 ans d’absence, c’est aussi tout un symbole ! Une période souvent mise à profit pour atteindre la pleine maturité. Chez Wiezman et Errera, c’est malheureusement peine perdue. Voguant quelque part entre électro, pop, new wave, new beat et disco, leur musique ne parvient jamais à prendre une direction bien définie. Les sons sont tellement décousus qu’ils finissent par faire des nœuds. Les mélodies sont acidulées ou offrent un goût cherry. Bref, c’est un grand foutoir. Cependant, si les joueurs du Grand Popo Football Club semblent décontractés dans leurs maillots, ils n’en sont pas moins attentifs à la réaction du public. C’est donc en s’octroyant une (belle) part féminine que le Club essaye de faire chavirer les supporters. Transfuge des Putafranges, Tania Bruna-Rosso se pose en passerelle entre l’univers psychédélique des deux affreux et une corde vocale délicate. Résultat au marquoir ? Une galette légère, un tantinet foutage de gueule (mais ça on le savait à l’avance) et un rien agaçante. Mais aussi, un univers désinhibé, translucide et hyper pailleté. Pour l’ambiance on accroche, pour le reste on s’efforcera de garder le sourire.
Magnus Zingmark et Oscar Simonsson. Ces deux noms ne doivent pas vous dire grand-chose. Et pourtant, réfléchissez un peu. Ils constituent le duo Koop. De quoi, peut-être réveiller, en vous, quelques souvenirs enfouis. Dans la négative, cet elpee devrait vous permettre de découvrir l’univers cotonneux de la paire suédoise. Et pour cause, « Coup de Grâce (1997-2007) » procure un aperçu précieux et précis du parcours discographique accompli par les deux zigues, au cours d’une décennie ; soit en puisant chez « Sons of Koop » paru en 1997, « Waltz for Koop », en 2001 et « Koop Islands », en 2006.
En empruntant les mêmes anciennes pistes langoureuses, ils viennent ré-inoculer, à la goutte près, une solution jazz-electronica aux sonorités subtilement feutrées, jugée à l’époque, particulièrement érotique. En outre, Magnus et Oscar ont toujours eu le bon goût de bien s’entourer. Bénéficiant même parfois de la participation de collaborateurs prestigieux. Dont Anne Brun, Cecilia Stalin mais aussi le mystérieux Earl Zinger et la sublimissime Yukimi Nagano (Little Dragon, Gorillaz).
Tout au long de ce recueil, on se rend compte de l’amplitude prise par la musique du duo. Et de la multitude d’influences qui ont marqué leur parcours. Le plus souvent, on pense quand même à Stereolab (époque « Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night »), à Jazzanova ou encore aux Autrichiens de Kruder & Dormeister. A une époque où on met de l’électro un peu partout, il est intéressant de rencontrer des musicos dont ce recours à cette technique a encore un sens. Les mauvaises langues prétendront que le style à pris un coup de vieux. D’ailleurs si l’electro jazz est considéré comme rétro pour certains, ‘has been’ pour d’autres, perso, j’estime qu’il communique encore de belles émotions et est toujours très susceptible de ressourcer le mélomane ; et à ce titre, il serait ridicule de s’en priver. Enfin, si cette œuvre constitue pour le tandem, le « Coup de Grâce », pour ma part, la Koop n’est pas encore pleine (NDR : oui je sais, elle est facile), et j’en redemande encore.
« In The Wake Of Evolution » constitue le dixième album de Kaipa. J’avoue, à ma grande honte, être passé à côté des neuf premiers. Il faut dire, à ma décharge, que le groupe n’évolue pas vraiment dans mon domaine d’expertise et que ses cinq premiers elpees, parus entre 1975 et 1982, étaient chantés en suédois ; autrement dit, plutôt réservés au marché local. Pourtant, à l’écoute de ce nouvel opus, je ne peux m’empêcher de penser avoir raté quelque chose.
Kaipa est un groupe de rock progressif fondé par Hans Lundin (claviers/chant), en 1973. Roine Stolt, futur leader des Flower Kings, y a effectué ses débuts en 1974, alors qu’il était âgé de dix-sept ans. Le groupe se sépare en 1982 pour se reformer vingt années plus tard. Pour ce retour, Kaipa a choisi d’interpréter ses textes en anglais, ce qui lui permet de jouir d’une distribution internationale. Quatre albums sont édités entre 2002 et 2007. Peu après la sortie de « Mindrevolution » (2005), Roine Stolt abandonne son poste de guitariste. Il est rapidement remplacé par Per Nilson, le très talentueux six-cordiste du combo métal progressif Scar Symetry. Morgan Ågren (NDR : notoire pour avoir joué de la batterie chez Frank Zappa), Jonas Reingold (aussi bassiste chez The Flower Kings et Karmakanic), Aleena Gibson et Patrik Lundström (Ritual) aux vocaux complètent le line-up.
La musique de Kaipa mélange parfaitement rock progressif classique des seventies et sa déclinaison ‘néo-progressive’ des années quatre-vingt. En clair, le fruit d’une rencontre entre la musique de Yes et celle de Pendragon (ou Marillion). Manifestement, les musiciens ne sont pas des manchots. « In The Wake Of Evolution » privilégie les longs passages instrumentaux et les démonstrations instrumentales de virtuosité, caractéristiques du rock progressif classique. Atmosphériques, les climats glissent allègrement du rock au jazz, en passant par le folk et même le reggae. Point d’orgue : la prestation de l’incroyable duo de chanteurs. Si le timbre dramatique de Patrik Lundström est plutôt rituel pour ce genre de musique, Aleena Gibson, son alter-ego féminin, séduit par sa voix délicieusement rauque. Cette alternance de vocaux masculins et féminins, plutôt rare dans le rock progressif, évoque même parfois Ayreon.
« In The Wake Of Evolution » devrait constituer une excellente surprise, pour tous les amateurs de rock progressif ‘old school’. A cause de ces cavalcades instrumentales impressionnantes et de ces long titres fleuves ambiancés (NDR : le titre « Electric Power Water Notes » dure presque dix-huit minutes). En tout, une heure et dix minutes d’une musique sophistiquée et riche en arrangements interprétée avec dextérité et subtilité. Une belle réussite pour ce groupe au pédigrée impressionnant.
Nous avions évoqué, dans notre rubrique ‘news’, la décision surprenante du groupe hollandais Greyline de ne vendre son nouvel album qu’en version vinyle. Nous l’avions bien compris, ce choix avait un caractère plus esthétique que commercial. Greyline avait tout de même pensé à tous ceux qui s’étaient débarrassés de leurs platines, tourne-disques et autres juke-boxes en proposant généreusement « Behind The Masquerade » en téléchargement gratuit, sur son site internet.
Si par hasard vous n’avez pas encore décidé de profiter de cette offre généreuse, nous ne pouvons que vous conseiller vivement de la saisir ; car, après avoir écouté cet opus à de nombreuses reprises, nous pouvons vous affirmer haut et fort que « Behind The Masquerade » est un album qui tient la route.
Une petite visite sur http://www.greyonline.nl/ vous permettra, dans un premier temps, d’obtenir la version digitale gratuite de l’album ; et, si par la suite, vous désirez l’acquérir, il ne vous en coûtera que la modique somme de 10 Euros pour recevoir cette magnifique pièce de collection, soit une version 33 tours limitée à 500 copies, recelant, en outre, en bonus, une version cd promo (NDR : ces Bataves ont vraiment pensé à tout).
« Behind The Masquerade » a été mixé par Phillip Cope (Baroness, Kylesa) et mastérisé par Scott Hull (Agoraphobic Nosebleed). Il réunit neuf titres ultra-puissants d’un rock-métal sombre et barré où se côtoient post rock (« Nomads On The Run », « Riget »), métal groovy-hardcore (« Diamonds In Our Dreams », « Ravens Ahead»), stoner (« Where Death Do Us Start », « Knives & Smiles »), space rock (« Mirrors »), et même, parfois, country rock burné (« Flooding The Mountain », « Hunt Of The Coyote »).
Le son étonnamment limpide pour ce type de musique permet d’apprécier chaque instrument à sa juste valeur. Lourds ou hypnotiques, acoustiques ou sauvages, les accords de guitare sont parfaits. Quant à la basse, elle ronronne, bourdonne, en réponse aux rythmiques précises et parfois surprenantes de la batterie. Seuls les vocaux de Jabe Piter Faber, parfois un peu nébuleux, pourraient en rebuter plus d’un.
Si vous aimez Mastodon, Baroness, Poison The Well et Neurosis, et après écoute de la version mp3 gratuite, il serait étonnant que vous n’investissiez pas dix euros pour obtenir le produit fini.
Comment décrire cet album minimal ? Ah oui voilà ! Tûûûûûûûûûûûtttt… Biiiiiiiiiiiiiipppppp… Bzzzzzzzzzzzzzzzzzzzz… Grrrrrrrrrrr… Pour être plus clair : oscillations, différences de fréquences, échantillonnages. Pendant plus d’une heure !!!!! Bref, un disque nul ! Plutôt, nuuuuuuuuuuuuuuuuuuuul, dirais-je !
Deux années ont passé depuis la sortie de « Set Your Head On Fire », un disque qui avait recueilli une excellente critique auprès de la presse spécialisée. Deux années au cours desquelles, le duo bruxellois (Dilbeek) est devenu une valeur sûre de la scène belge. Et pas seulement ! D’abord, il a enflammé les salles et les festivals estivaux de notre plat pays. Puis assuré le supporting act des tournées de Ghinzu ainsi que de dEUS. Enfin, leur ambition dévorante les a poussés hors de nos frontières. Ainsi, depuis 2008, Jan Paternoster (guitare et chant) et Dries Van Dijck (batterie), ont parcouru l’Europe (Royaume-Uni, Suisse, Allemagne, France, …), en se produisant dans des salles de plus de 2000 personnes, notamment en première partie des Eagles Of Death Metal. Ce qui leur a permis d’accumuler une fameuse expérience. Et puis de se faire connaître auprès d’un audimat, à premier abord peu réceptif à leur musique. Cependant, les réactions ont été plus que chaleureuses. Ce qui a décidé le combo d’entrer en studio pour enregistrer un second elpee. Un exercice particulièrement délicat, quand on sait que bon nombre d’artistes s’y cassent les dents…
Bonne nouvelle, The Black Box Revelation a réussi son examen de passage haut la main ! Et il s’y est même montré brillant. « Silver Threat » est même meilleur que le précédent opus. Fidèle à son line up traditionnel guitare-batterie, dans l’esprit des White Stripes voire des Black Keys, BBR consomme un rock/garage largement teinté de blues, voire de psychédélisme, susceptible d’évoquer les Black Angels. L’énergie puissante, électrique, primitive, brutale, ténébreuse, sauvage, hypnotique, dispensée tout au long de « Silver Threat » est proche de l’euphorie, de la jouissance, même. Le rythme est irrésistible. Les riffs urgents, envoûtants.
On comprend mieux pourquoi BBR va ouvrir la prochaine tournée d’Iggy Pop & The Stooges, en France. Par contre, on a beau beaucoup aimer Tindersticks, on ne voit vraiment pas ce que le groupe va venir faire au sein de ces affiches propices aux décibels. Chez nous, The Black Box Revelation est devenu une valeur sûre. Et en Europe, le combo n’a plus qu’à confirmer les excellentes dispositions manifestées, lors de ses précédents périples. Une chose est sûre, il faudra désormais compter sur eux, pour conforter la notoriété des artistes belges, sur la scène internationale.
A la vue du lettrage reproduit sur la pochette, je me suis souvenu de la claque que m’avait flanqué Audio Bullys, en 2003. Lors de la sortie d’« Ego War » Que d’heures à taper des pieds. Que de cris retenus dans le tram, quand passait entre le voile et la membrane de mon casque, « Real Life », « We Don't Care » ou « Face In A Cloud ». Cet excellent souvenir, s’est cependant rapidement calmé, lorsqu’après avoir poursuivi son cycle de recherche, ma mémoire s’est figée sur « Generation ». Une véritable daube qui avait engendré une immense déception, chez votre serviteur.
Aussi, avant d’écouter ce « Higher Than The Eiffel », j’étais quelque peu inquiet. Le titre qui ouvre l’elpee lorgne du côté d’Amadou & Mariam. Bizarre ! Puis soudainement, on a droit à un gros son qui décape ; celui qui ne laisse aucune couche. Lancinant et hypnotique, il installe l’ambiance. La patte des Anglais est directement perceptible. Et puis il y a cette voix nasillarde à la Rob Birch (Stereo MC’s) et cet accent ronflant. Bref, les Londoniens sont de retour et ça va claquer. Si les pistes s’enchaînent, elles sont loin de se ressembler. Mais il faut une écoute complète de l’opus, avant de se rendre compte de sa qualité. Toutes les plages sont savamment orchestrées, mais aussi puissantes et surtout convaincantes. Entre electro jungle et hip hop rock, le duo transgresse les règles des styles afin d’éviter tout risque de formatage. Le tout est saupoudré de rythmes technos ou cubains. Une prise de risque constante, même sur les plages les plus accessibles. Mélodieux, le son peut se transformer en dard et après avoir effleuré le grain de la peau, la piquer. L’énergie libérée par le combo semble inépuisable. Frappé au flanc gauche, puis droit, on encaisse les coups et les effets de manches avec délectation. Et même si « Higher Than The Eiffel » ne révèle rien de bien neuf ni d’extrêmement ‘trendy’, l’intensité est permanente. Enfin, il y a cet aspect ‘roots’ si savoureux rencontré sur certains morceaux (« Twist Me up », « Dynamite », …) Un chouette album, même s’il n’est pas aussi exceptionnel que celui paru en 2003. Faut dire que les Britons avaient fait fort, aussi…
Ce quartet anglais est surtout notoire auprès des amateurs de rockabilly et hillbilly ; et pourtant, sa musique est parsemée d’accents blues et surf. Les Wildcards se sont formés en 2003. Ils sont nés sur les cendres de deux formations talentueuses : Vince Lee & His Big Combo et les Nightporters. Le chanteur/guitariste/multi-instrumentiste Vince Lee et le bassiste Al Wallis ont donc rejoint le projet. Tout comme le guitariste et le drummer Kevin Crowe, du second combo. "When the moon shines bright" constitue leur troisième album. Il fait suite à "On fire!" paru en 2004 et "Raising hell", en 2007.
Vince Lee est manifestement un personnage halluciné par ses cordes. Il boute immédiatement le feu à son "When the moon shines bright", un brûlot dévastateur. Son timbre vocal est hypnotique. Ses lyrics traitent de l’influence causée par la lune sur l'humanité et le monde animal. Le climat est étrange, voire morbide. Les guitares sont lugubres. La rythmique est puissante et impitoyable. Et cette tension se révèle permanente de bout en bout de l’opus. Martin Vowles prend le relais. Il assène une autre vérité : "Women are the root of all evil". Signé Paul Williams, musicien/chanteur anglais qui s’est produit en compagnie d’une multitude de musiciens, dont Zoot Money, cette plage nous plonge dans une ambiance très fifties. Martin est un guitariste subtil. Son swing est naturel. D'ailleurs, il faut reconnaître que les quatre Wildcards sont de brillants instrumentistes. Et pour cause, ils sont capables de s’adapter à tous les climats développés sur cette galette. "She can rock" macère dans une ambiance purement rock'n'roll. La voix rageuse rappelle Little Richard. Les cordes se déchaînent, transpirent, suent jusqu'à la rupture. L'intégration d’éléments jazz dans leur expression est très intéressante. D’ailleurs, leur version du "Chocolate shake" de Duke Ellington est tout bonnement remarquable. Vince Lee joue du kazoo comme il souffle dans une trompette. Il est en pleine effervescence, pendant que Vowles pince ses cordes dans le plus pur style manouche, lorgnant même vers la technique et la sensibilité de Django Reinhard. Plage étrange, "Out of control" baigne dans l’atmosphère très caractéristique de la surf music. Saturé, le son est bien métallique. La section rythmique carbure à plein régime ; mais la compo subit, en fin de parcours, un traitement maison, emprunté au reggae. Vous avez dit étrange? "Got sumin' gor you" a été écrit au début des 50s par Guitar Slim, un R&B dont l’adaptation très personnelle, puisée essentiellement dans le rock'n'roll et le doowop, met en exergue des cordes très affûtées. Tout au long de l’instrumental "Dead cat bounce", Vowles affiche une nouvelle fois son incomparable technique instrumentale. Le swing est lustré. Quant au thème musical, il semble emprunté à la B.O. d’un long métrage d'autrefois. "Gal from Kokomo" est un titre de west coast jump, signé Roy Brown. Il est traduit en pur rockabilly. Les deux guitares assurent parfaitement les parties originellement réservées aux saxophones. Jeune vocaliste anglaise (NDR : une amie du groupe !), Becca Langsford a été invitée à interpréter "Sweet baby of baby", une délicieuse incursion dans le R&B, popularisée en son temps par Miss Ruth Brown. Swing, voix doowop et guitares aux accents manouches dominent le sujet. Autre compo curieuse, issue de la plume de Lee, "Welcome to the snakepit" nous entraîne au cœur d’un univers dense, mais parfumé d’Orient. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par une reprise hypnotique, tribale et percussive de "Women are the root of all evil"…
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