Derrière Kid Francescoli, se cache Mathieu Hocine, un Marseillais dont le succès populaire est né en 2013, grâce à « Blow up », un titre électro surprenant.

Totalement inspiré par le grand écran, il a habillé à maintes reprises des spots publicitaires tels que Façonnable, Lanvin, Lacoste5, Chanel, Lancôme, Aldi, Citroën, et bien d’autre encore...

Après un arrêt forcé pour cause de crise sanitaire, le bonhomme accompagné sur scène par deux demoiselles, se lance dans un show assez peu conventionnel entre down et up tempo.

Dans le cadre du festival ‘Ceci n’est toujours pas LaSemo’, Il est venu défendre les couleurs de « Lovers », un nouvel album qui marque deux changements notables. La fin de sa collaboration avec Julia et l’expérimentation de différentes langues, dont le portugais.

C’est dans le salon cosy du Château que se déroule l’entretien. On y parle de musique, de femmes et de foot. Forcément !

Mathieu, tu portes à bout de bras ton projet ‘Kid Francescoli’ depuis plus de 20 ans. Beaucoup de collaborations y sont nées. Pourrais-tu imaginer réaliser un elpee sans celles-ci ?

Ma carrière musicale est effectivement ponctuée de collaborations. Je pense par exemple à Julia ou Simon Henner (French 79). Elles me permettent d’évoluer. Mais elles sont variables. A titre d’exemple, j’ai bossé en compagnie de Simon de Nasser (Oh! Tiger Mountain) à une certaine époque. Aujourd’hui, nous évoluons chacun de notre côté. Ce qui ne pose aucun problème, ni à l’un ni à l’autre. Même topo pour Julia. Ces rencontres enrichissent le projet. La nouveauté amène aussi une certaine excitation. Je crois qu’il est essentiel de ne pas tomber dans la routine.

Baigner dans l’univers de la musique depuis si longtemps te permet-il de prétendre à davantage de crédibilité ?

Je crois que la crédibilité s’acquiert avec le travail. J’ai la chance de pouvoir compter sur un public qui me suit et vient me voir en concert. C’est ça la crédibilité. Les années n’y sont pour rien. Si les gens ne répondent pas présent, il ne sert à rien de continuer.

Qu'est-ce qui différencie Mathieu Hocine de Kid Francescoli ? Est-ce un avatar derrière lequel tu te caches ?

Je n’incarne aucun personnage. Je ne suis jamais parvenu à m’en inventer un. Certains le font très bien et tant mieux. Je commence quasi systématiquement mes compos par ‘Je’, ‘I’ ou ‘Me’. Difficile donc de dire que je me cache derrière un avatar. Même sur scène, je ne suis pas toujours en costume ou dans de petits mocassins blancs. Pourtant, je pourrais tout à fait me le permettre.

En Belgique, Kid Noize dissimule son visage derrière une tête de singe…

Je ne connais pas cet artiste. Néanmoins, je comprends ceux qui font cette démarche. Elle te permet de séparer la carrière de la vie privée. Pour en revenir à Julia, nous avons parlé de notre relation dans l’album. La frontière entre l’artistique et la vie intime a toujours été un peu floue. Dans le dernier, je parle beaucoup de relations amoureuses avec Samantha, celle qui partage aujourd’hui ma vie. Ou encore d’autres filles et de leurs liaisons respectives. J’évoque aussi Marseille. Finalement, mes chansons sont le pendant de ce que je vis dans la réalité.

Si je comprends bien ta réflexion, un LP est le reflet d’une tranche de vie ?

Effectivement. Ce qui me plait, c’est de constater l’évolution opérée. A chaque disque, ses influences. Si je sortais en boîte au moment de la conception du disque, la couleur devenait un peu plus électro. Le tempo du dernier album est moins rapide et l’ambiance est un peu plus cheap. Tout simplement parce que j’ai rencontré Samantha et par conséquent, je ne suis plus sorti en boîte tous les week-ends. Ma chérie et moi, nous étions sous le soleil et cette situation a impacté les compos. Même constat pour la voix. Lorsque je les réécoute, la coloration peut être, parfois, soit timide ou plus affirmée. Tout dépend des circonstances et du moment…

Cette pandémie a permis de se réinventer sur le plan artistique en réalisant des collaborations à distance, du live stream, etc. Comment l'as-tu vécue tant en qualité d'homme que d'artiste ?

Personne ne savait ce qui allait se passer. C’était une situation très étrange. Aucun d’entre nous ne connaissait l’ampleur de la menace. Tous les scénarios étaient donc possibles. Durant les deux ou trois premières semaines, je pensais que nous alliions mourir. J’ai vraiment eu très peur. J’avais l’impression que c’était la fin de l’humanité. Faire de la musique était devenu totalement secondaire, je me disais à quoi bon… Lorsque cette pandémie s’est déclarée, nous étions en pleine tournée. Je terminais la troisième date la veille. J’ai très vite mis à profit la période qui s’en est suivie puisque j’ai composé une musique de film. J’ai pu sortir un inédit aussi. J’ai joué pour un label qui s’appelle ‘Cercle’ où j’ai eu la chance d’accomplir un tournage sur une lagune au milieu de la jungle mexicaine. Je n’ai pas voulu accorder de ‘live stream’ tout simplement parce je sortais d’une résidence ou j’avais préparé un show avec une belle pyramide et des chanteuses ; et je ne me voyais pas rester dans ma cuisine pour y jouer de la guitare après cet épisode. Et puis, honnêtement, les morceaux ne s’y prêtaient pas. La seule entorse à ce principe, si je puis dire, s’est limitée au 6 juillet 2020, lors d’un concert donné depuis une péniche, sur la Seine. Il a été retransmis en direct sur ARTE Concert. J’ai ensuite préparé mon prochain disque. Je me suis donc occupé. Je ne voulais surtout pas m’apitoyer sur mon sort plus longtemps.

Quel est ton processus de création ? Est-ce que la contrainte suscite la créativité ou as-tu besoin d'espace de liberté ?

Je l’ignore, même après cinq albums. Parfois, l’inspiration me vient immédiatement, alors qu’à d’autres moments j’ai besoin de plusieurs mois de réflexion. Cela peut aller de six mois à un an. C’est un processus complexe. Parfois, je m’interroge quant à l’opportunité de me limiter à l’instru ou d’ajouter des voix. Si je doute et j’ai peur, c’est bon signe. Peut-être que lorsque tu stagnes dans un processus formaté, c’est le début de la fin.

Ta musique oscille entre le dansant et le planant sans opter franchement pour l’un ou l'autre. Pourquoi ce choix ? Ou devrais-je dire ce non-choix ?

C’est une attitude très naturelle chez moi en fin de compte. Je crois que de manière générale, il faut éviter d’intellectualiser le processus de créativité. Tout dépend du contexte dans lequel tu te trouves au moment de la conception des chansons. J’aime l’idée de pouvoir passer de l’un à l’autre. Pour être tout à fait complet, je me vois très mal faire un album au clic durant douze morceaux. Il est nettement plus intéressant de changer d’atmosphère et sortir de sa zone de confort. Je me suis par exemple essayé au rap, mais les morceaux ne sont jamais sortis parce que cette musique n’était pas suffisamment imprégnée en moi. Et paradoxalement, c’est un genre qui m’a toujours fasciné.

Tu as souvent raconté que ta musique était influencée par le cinéma. Sans le 7^ème art, ton parcours artistique aurait été différent ?

Oui, le cinéma et les musiques de films constituent une grande source d’inspiration. Mais pas que ! D’une manière plus globale, je reste attentif aux situations, à la scène, aux répliques ou encore aux acteurs. Je vénère des gens comme John Carpenter ou Ennio Morricone. J’ai l’impression d’avoir grandi avec le cinéma. Il m’a éduqué. Un écrivain dont j’ai oublié le nom disait que les livres enseignent des choses que la vie ou les parents ne t’enseignent pas. On y apprend ainsi parfois à se tenir à table, à se comporter auprès des autres ou encore à s’habiller. Lorsque tu regardes un film, il existe ce mimétisme. C’est peut-être une attitude ou une manière de se vêtir. Delon, Belmondo, McQueen ou dans un registre plus contemporain DiCaprio et Brad Pitt sont des personnages fascinants. Mais, je n’ai pas leur style. Par contre, lorsque j’ai vu Charles Denner dans ‘L’homme qui aimait les femmes’, j’en ai conclu que son personnage collait tout à fait au mien. Je vais porter le blouson de cuir et la petite cravate et ce sera parfait.

« Lovers » maque un changement radical par rapport aux deux long playings précédents. Je pense ici à la fin de la collaboration avec Julia et l'expérimentation de nouvelles voix, mais également le chant en portugais. Peux-tu m’expliquer la genèse de cette nouvelle orientation ?

J’ai réalisé deux albums en compagnie de Julia. On a aussi pas mal tourné ensemble. Le duo fonctionnait bien. Son grain de voix un peu jazzy à l’américaine correspondait à merveille au son électro. Je souhaitais prendre une autre direction, tout simplement. Je suis parti à la recherche de nouvelles voix. Des voix différentes surtout car je ne voulais pas retrouver un équivalent à Julia. Celle d’Alizée, grâce à cet accent venu de nulle part de Français qui chante en anglais est intéressante. Sarah Rebecca est plus américaine que diva. Celle de Nassee est plus chaude, lorgnant sur le r’n’b. Ma rencontre avec Samantha a été déterminante par contre. Lorsque je l’ai rencontrée, elle m’a expliqué qu’elle était franco-brésilienne et qu’elle chantait en portugais. J’y ai vu immédiatement un nouveau territoire à explorer. C’était une opportunité destinée à enrichir ma musique.

Tiens, au fait, comment s'opère le casting des voix avec lesquelles tu collabores ?

C’est la rencontre qui crée l’opportunité. J’ai rencontré Julia en allant à New-York. J’y suis resté deux mois. Au départ, je m’y rendais simplement pour poser mes instruments. Je partais du principe que si des gens souhaitaient apporter leur collaboration ou me présentait des voix, je restais totalement ouvert. Lorsque des alternatives se présentent, à toi de les accepter ou les refuser. Par contre, lorsque j’ai rencontré Samantha, il n’existait pas de plans particuliers. 

Simon Henner (French 79) a coproduit l’elpee. C’est aussi ton guitariste en tournée, non ?

C’est avant tout un ami. Il est marseillais et nous nous connaissons depuis longtemps. Nos studios sont voisins. Nous nous voyons pratiquement tous les jours.

Certains admettent que la mouvance electro/pop – dream/pop dresse un pont entre les musiques du passé et une véritable modernité. Imagines-tu qu’elle puisse être perçue, comme le fossoyeur du rock’n’roll ?

Pas du tout ! La musique ne meurt jamais. Regarde, les Strokes sont revenus en 2000 alors qu’on les croyait morts (NDLR : il a repris récemment « I'll try anything once »). Il s’est produit un renouveau pour le rock dans ces années-là, qui s’est perdu et s’est à nouveau effiloché peu de temps après. Aujourd’hui, le rap et le hip hop envahissent les ondes. Doit-on pour autant penser que l’électro n’a plus sa place ? J’ai commencé à créer de l’électro lorsque j’ai découvert LCD Soundsystem. J’estimais intéressant ce mélange hybride de voix et de sons. Ils étaient au sommet. A l’époque, tout le monde voulait suivre ce courant musical. Maintenant, ce style peut sembler ‘has been’ parce qu’il y a ce clic sur tous les temps. Aujourd’hui, les gens apprécient PNL, Vald ou Romeo-Elvis. Ce sont des artistes qui remplissent les salles, les festivals et les charts. Pourtant le rock est toujours présent et rencontre encore son public. Tout à l’heure, on a assisté à un concert de reggae, accordé par Naâman ; c’est bien la preuve que tous les styles ont leur place auprès du public.

Aujourd’hui, on observe un retour à langue française chez pas mal de groupes (Grand Blanc, Flavien Berger, Paradis, Feu! Chatterton, Perez…) La fin de ce complexe, par rapport au choix de la langue de Voltaire, c’est une bonne nouvelle ?

Lorsque j’ai entamé ma carrière, j’ai opté pour l’anglais. Laetitia chantait en italien sur les deux premiers albums. En ce qui me concerne, je ne me voyais pas adopter une autre langue. Ensuite, je me suis intéressé au français. François and the Atlas Mountain, Malik Djoudi, Voyou ou encore Fauve ont sans doute tracé la voie. Cette mouvance est liée à l’arrivée d’internet. Lorsque j’ai commencé à acheter des disques, ma musique était assez pop-folk. J’écoutais Belle and Sebastian ou Granddaddy. Aujourd’hui, Internet et ses sites de streamlng ont permis de découvrir un vivier de chansons très éclectiques avec ses langues et ses influences différentes, parfois au sein d’un même album. Billie Eilish représente pour moi la photographie de la musique d’aujourd’hui. Cette artiste trouve son équilibre dans des morceaux qui vont du piano-voix à la musique électro. Un grand écart qui lui va à ravir.

Tu es d’origine marseillaise. Les étrangers parviennent difficilement à comprendre ce qu’est la belgitude. Comment la ressens-tu ?

J’adore les autochtones qui possèdent un caractère bien trempé. Comme les Italiens ou les Espagnols d’ailleurs. Tu sais, nous sommes ici en pleine effervescence à cause du déroulement de l’Euro et j’estime que lorsqu’on parle de foot ou de compétitions sportives en général, on ressent immédiatement la culture de la nation. Il existe en filigrane cette fierté de porter les couleurs de l’étendard national. Objectivement, des équipes comme la Belgique ou l’Italie peuvent aller jusqu’au bout des épreuves parce qu’il existe chez elles cette fierté. Nous avons pourtant la meilleure équipe sur papier, mais nous n’avons pas cet esprit d’union sacrée. J’ai toujours adoré la Belgique. Je me souviens très bien que lorsque j’ai visité Bruxelles la première fois avec un copain, j’étais sidéré par le nombre de petites rues et puis cette multitude de bars dispersés. Paradoxalement, il y avait un monde fou et pourtant, c’est resté très cool parce que les gens ne se la jouaient pas. Alors que généralement, dans les grosses métropoles, c’est tout le contraire, les gens sont souvent stylés. Moi, Marseillais, lorsque je me rends à Londres, New-York ou Paris par exemple, je me fais petit tout simplement parce je ne maîtrise pas correctement les codes et j’ai toujours l’impression de passer pour un plouc. Alors que chez vous, ce côté humain reste bien présent et on se sent immédiatement à l’aide dès les premières secondes.  

Les Belges et les Français se sont vannés sur le net dans le cadre du Championnat d’Europe de football. Comment analyses-tu cette rivalité bon enfant ?

Oui, c’est vrai, je dois bien l’avouer. La Belgique est un pays voisin, comme la Suisse, l’Italie ou l’Espagne. Nous nous considérons au centre de l’Europe géographiquement. Il y a aussi cette arrogance, cette fierté à la française qui nous colle à la peau, ce qui rend les choses encore plus détestables.

Je suis content de rencontrer un Français qui le reconnaisse. Parce que franchement, la plupart des Belges te diront la même chose des Français …

L’arrogance française, c’est ce qui fait notre légende en fait (rires). Imagine, entre Marseille et Lille, la différence de mentalité qui peut exister. Finalement, c’est comme si nous étions face à deux pays différents.

J’adore en tout cas ton accent marseillais qui sent bon le soleil…

C’est vrai ? Tu sais on se moque souvent de mon accent. Comme celui des Toulousains et des Montpelliérains, d’ailleurs. Dès que tu passes Lyon, les gens se mettent déjà à rigoler de ton accent (rires)…

Les ‘Summer Nights’ tirent doucement à leur fin. Après Axel Red, Hooverphonic ou encore Jasper Steverlinck, c’est au tour de deux groupes phares de la scène belge de se produire : BRNS (prononcez Brains) et Girls in Hawaii. Ils laisseront ensuite la place à Suarez le lendemain qui aura la lourde tâche de clôturer cette superbe édition.

Les concerts se déroulent une nouvelle fois au cœur d’un joyeux amphithéâtre bucolique, sis en pleine nature, au centre de la ville de Lessines, bourgade connue essentiellement pour avoir vu naître le célèbre peintre surréaliste, René Magritte, à la fin du XIXème siècle.

Ici aussi, il est question de surréalisme puisqu’en guise de tables, de vieux panneaux d’entrée d’agglomération ou de sens interdits ont été installés. Présentes aussi, de vieilles chaises dispersées ci et là ayant certainement eu la lourde tâche de supporter les popotins de calotins, jadis. Sans oublier quelques bancs conçus en palettes. Un confort rudimentaire, mais très à propos.

La scène enjambe curieusement le cours d’eau qui dort paisiblement dans son lit. Un contraste saisissant avec les pluies torrentielles qui se sont abattues encore il y a quelques jours sur le pays.

Point négatif de cette soirée, la fraîcheur automnale qui a plombé ce mois d’août. Pourtant quelques extraterrestres se promènent en t-shirts et pantacourts.

BRNS assure le supporting act. La naissance du band est plutôt cocasse. C’est à la suite d’un nouvel-an arrosé qu’Antoine Meersseman (basse/chœurs) et Tim Philippe (batterie/chant) décident de créer un projet commun. Diego Leyder (guitariste) et César Laloux (multi-instrumentiste) les rejoignent peu de temps après.

Depuis, Laloux s’est lancé dans une nouvelle aventure (Mortalcombat) en compagnie de Sarah Riguelle (Italian Boyfriend).

Quant à Antoine, il s’est lui aussi échappé du groupe, en incarnant le corps et l’esprit de Paradoxant, le temps d’une parenthèse.

Caractérisé par le drumming tentaculaire de Meersseman (qui frappe de la main gauche sa Charley ; ce qui trahit très vraisemblablement son absence de formation académique), ce nouvel espoir de la nouvelle génération noir-jaune-rouge avait marqué les conduits auditifs au fer rouge, lors de la sortie de l’excellent « Mexico », en 2012.

La musique de cette jeune formation est difficile à cataloguer ; hybride à souhait, parfois pop ou rock, elle est alimentée par des rythmiques complexes et non conventionnelles, mais est également épicée d’une dose judicieuse d’électro.

Certaines sonorités effleurent le psychédélisme, pourtant pas vraiment représentatif de l’esprit du groupe. Il faudra alors attendre des compos comme « My Head Is Into You » (« Patine 2014 »), « Money ou Suffer » (dont le clip est à découvrir ici) pour retrouver les fondamentaux du combo.

« Get something », servi en guise de teaser, annonce un nouvel opus qui devrait voir le jour en octobre.

Les puristes regretteront l’absence de « Clairvoyant » (NDR : issu de « Wounded », un Ep sept titres paru en 2013) au cours duquel riffs de guitares et beats syncopés tourbillonnaient, sans jamais s’y perdre, autour de la voix particulière de Tim.

Trente minutes, c’est trop peu. Un laps de temps qui ne permet pas d’évaluer le potentiel artistique du groupe.

On a toutefois compris que la détermination de BRNS résulte d’une volonté de s’éloigner de la banalité, l’expression sonore se révélant moins pop que chez les Girls. C’est ce qui rend de toute évidence l’écoute moins abordable pour le public lambda.

Au tour des Girls in Hawaii de monter sur les planches. Ils (oui, ce sont des hommes) se sont produits ici en 2002 en première partie de Dead Man Ray.

Ce concert amorce une grande tournée. Une mise en condition en quelque sorte. Et pour s’y préparer, le combo s’est vu proposer de passer cinq jours en résidence dans l’enceinte de l’ancien hôpital. Avec pour seul objectif de balayer ces longs mois de douleurs et de sacrifices au profit d’une musique à l’énergie rayonnante.

Il est 21 heures lorsque les premières notes d’« Organeum » retentissent. Un titre issu de l’album « From Here To There » qui marque le début d’un show aux allures de ‘best of’. La setlist naviguera de tubes en tubes, l’ensemble de la carrière du quintet étant passée en revue pour le plus grand bonheur d’une foule qui s’est pressée ce soir malgré les incertitudes de la météo.

Antoine, au chant lead, la voix légèrement éraillée, possède une identité vocale très singulière, mise en exergue sur « No dead ». Sa rythmique syncopée et ses chœurs viennent lécher encore un peu plus ce tableau arc-en-ciel. Aucun doute, le groupe n’a rien perdu de sa logorrhée musicale.

Si Lionel jongle entre chant, piano et guitare, Antoine, multi-instrumentiste, alterne guitare et clavier selon les titres avec une facilité déconcertante, comme sur ce « Walk », ersatz de marche militaire lunaire, tout droit venu du petit dernier « Nocturne », né en 2017.

Davantage électronique, cet opus recèle quelques pépites dont « This Light » qui, malheureusement, ne figurera pas dans la setlist. Qu’importe, « Indifference » et ses loops synthétiques martelés en guise de refrain font rapidement oublier cette déception personnelle.

A contrario, « Time To Forgive The Winter » constitue la bonne surprise. Un titre qui n’a plus été interprété depuis longtemps. La précision du jeu des uns et des autres prouve une fois encore que ces quelques mois d’inactivité ont été mises à profit pour partager un spectacle qui restera gravé dans les mémoires des Hennuyers.

L’atmosphère s’échauffe inexorablement. C’est alors que le batteur s’enivre avec charley, ride, caisse claire et grosse caisse sur l’entraînant « This Farm Will End Up In Fire ». Une chanson où la tessiture vocale du singer ressemble par moment à cette de David Bartholomé (Sharko), un autre artiste belge.

Ses comparses profitent de cette ambiance survoltée pour laisser libre cours à une folie passagère ou têtes et membres inférieurs communient ensemble, laissant apparaître un spectacle étrange entre mouvements saccadés et danse de sioux, prêts à déterrer la hache de guerre…

C’est à ce moment qu’une horde de fans sauvages s’abandonne sur le devant de la scène, passant du mode statique au comportement hystérique, bravant honteusement les interdits encore de mise dans le cadre de cette crise sanitaire.

Les uns entraînant les autres, c’est une bonne centaine de badauds, qui, animés par cette envie de danser, campent en front stage. Un effet de masse qu’on ne peut plus maintenant maîtriser. Bref, au sein de cette tribu, il n’y manquait plus que Sitting Bull…

« Bees and butterflies » réfrène quelque peu cette folie collective. Un morceau d’une douceur âcre et mielleuse où la chacun des membres conjugue le refrain.

Généreuse à souhait, la clique a souhaité faire profiter d’un tout nouveau morceau en forme de teaser dans la lignée parfaite de son univers musical. Et si cette exclusivité cachait la sortie prochaine d’un nouvel album ?

Le grandiloquent « Misses » rappelle, quant à lui, oh combien l’ombre de Denis Wielemans qui militait derrière les fûts et décédé tragiquement d’un accident de la route en 2010, plane encore dans l’esprit de son frère Antoine. Le deuil durera deux longues années. Une longue période au terme de laquelle naîtra le gargantuesque « Everest » et son légendaire « Switzerland » où l’électro et le piano s’allient parfaitement au service de la chanson.

Des sommets, il y sera encore ; et notamment cet hommage rendu à l’alpiniste George Herbert Leigh Mallory (« Mallory’s Heights ») aperçu pour la dernière fois le 8 juin 1924, sur la crête nord de… l'Everest…

Un set tout en beauté qui se clôture par « Rorschach » sous un flot de guitares salvatrices.

« Found in the ground », « 9.00 AM », et « Flavor » (réclamé par le peuple) et son intro répétitive à la basse marquent un retour en guise de rappel bien trop court.

Une fin de set où Antoine reste prostré, genoux au sol et la tête entre les mains, complètement absorbé par les sons incantatoires de ses comparses.

GIH a prouvé ce soir qu’il reste l’un des groupe phares et incontestable de la scène indé-pop musicale belge grâce à un show très inspiré et une véritable ode à la liberté. Un retour à la vie après une longue période de doutes et d’incertitude.

La quarantaine, quinze années de carrière et cinq albums derrière lui, Baptiste Lalieu s’est imposé auprès du grand public grâce à « Dusty Men », un titre qu’il a interprété en compagnie de Charlie Winston, en 2012.

Dans le cadre du (presque) festival ‘Ceci n’est toujours pas LaSemo’, l’artiste s’est prêté à l’exercice d’une interview qui s’est rapidement transformée en conversation à bâtons rompus, loin du tumulte des caprices météorologiques dignes de l’automne, puisque celle-ci s’est déroulée dans le salon cosy de l’ancien Château.

Issu de la nouvelle chanson française, ce rebelle et rêveur est venu défendre son dernier opus, qui a reçu d’excellentes critiques.

Si Saule reste un des rares chanteurs à fédérer autant en brandissant pour seule arme un réel amour de son art, il reste toutefois accessible et humble malgré ce succès en augmentation constante.

Décryptage !

Saule, la quarantaine, quinze ans de carrière, « Dare-Dare », est-ce l'album de la maturité ?

A chaque album, on me dit que c’est l’album de la maturité. Je dirais plutôt qu’il s’agit d’un accouchement qui a été plus long que les autres. Outre la problématique du Covid, il y avait cette volonté de ne pas s’installer dans la routine. Comme tu l’as très bien résumé, après 15 années de carrière et 5 albums derrière moi, je n’avais pas envie de me caser dans un truc ‘plan plan’. Je me suis enfermé en studio à Paris et on a enregistré 12 titres. Lorsque je suis sorti de là avec ce que l’on appelle les mises à plat, c'est-à-dire les pré-mixes, je n’étais pas satisfait du tout du résultat. J’étais pourtant entouré d’une super équipe composée de mes musiciens et de Nicolas Quéré du studio La Frette. C’est lui qui a réalisé l’album. J’avais entamé celui-ci en compagnie de Babx, un artiste français que j’admire. Charlie Winston était venu également mixer quelques titres comme il l’avait fait précédemment pour l’album « Géant ». J’avais l’impression d’une redite ou d’avoir déjà exploré certaines pistes. J’ai ressenti le besoin d’avoir une excitation. Je suis allé voir mon label pour leur annoncer la couleur.

Quelle a été la réaction du label ? J'imagine que ce genre de situation leur a coûté un pont ?

La grosse panique évidemment. On m’a fait remarquer que l’enregistrement avait nécessité des investissements et que la date de sortie du disque avait déjà été programmée. Mais au final, tout le monde m’a suivi. J’ai pu prendre mon temps. J’avais initialement demandé 6 mois et j’ai obtenu un an et demi, crise sanitaire oblige.

Sortir un elpee avant la rentrée, c’est un peu couillu quand même !

Le disque est sorti en juin. Mais, il va y avoir un tel embouteillage en septembre que je crois avoir pris la bonne décision. La presse a pu se concentrer presque exclusivement sur cet album. Pari gagné donc !

Tu as reçu le concours de pas mal d’invités pour cet elpee (Cali, Ours, Jasper Maekelberg de Balthazar, Antoine Wielemans de Girls in Hawaii, …) Qu’est-ce qu’ils t’ont apporté ?

Durant cette période de crise sanitaire, j’ai repris goût à la musique. J’en avais marre de cette dynamique marketing. J’ai donc contacté un tas d’artistes comme Puggy, Antoine Wielemans, Jasper Maekelberg, Cali, Ours, etc. Ces sessions ont non seulement donné naissance à de vraies compos, mais elles m’ont rendu l’envie et l’énergie de rejouer de la musique. C’est comme si on avait ouvert des vannes et que les chansons avaient coulé à flots. C’est donc un album dont je suis fier.

C'est une constante chez toi, un album n'est jamais identique au précédent. L'artiste aurait-il besoin de se réinventer à chaque album pour exister ? En d’autres termes, on a presque envie de dire que « Dare-Dare » est un condensé d'humeurs. Il passe du rire aux larmes. Certaines chansons plombent le moral alors que d'autres sont nettement plus joyeuses en proposant quelques duos comme tu viens de l’indiquer. Ces chansons représentent-elles des tranches de ta vie, entre enthousiasme et tristesse ?

J’avais abordé précédemment des thématiques comme la rupture par exemple. Je voulais passer à autre chose. Je pense à la chanson « Je suppose » où je n’avais pas l’impression que cet angle avait été déjà abordé dans la chanson française. C’est l’histoire d’un couple séparé qui se met à supposer tout ce que l'autre est en train de penser. Je trouvais l’idée intéressante. L’amour a été abordé des milliers de fois. Ce qui m’intéresse, c’est l’angle de vue différent que l’on peut proposer. Il y a dans cet album des chansons qui traitent de la rupture ou le sentiment de désolation amoureux, mais sous un angle non encore exploité jusqu’à présent. Il y a aussi des sujets positifs comme « Regarde autour de toi ». Il est important d’amener de la lumière aux gens. Ils en ont un grand besoin. Certains s’interrogent au sujet du duo avec Alice on The Roof ou encore du morceau « Dans nos maisons », qui a pas mal tourné en France ; parce qu’ils ne figurent pas sur l’album. Je n’avais pas l’envie de produire un disque estampillé Covid. L’idée est que « Dare-dare » puisse traverser le temps et que l’on s’en souvienne dans 4 ou 5 ans comme un disque à part entière. J’espère de tout cœur que mes chansons resteront indémodables, mais que le Covid lui le sera …

Un des titres qui m'a le plus touché est « Marta Danse ». Il raconte l'histoire d'une vieille dame, Marta Gonzalez, atteinte de la maladie Alzheimer. A l'écoute du « Lac des signes » elle se remémore les gestes qu'elle exécutait lorsqu’elle était danseuse étoile. Comment t'est venue l'idée de cette chanson ?

Je suis tombé sur cette vidéo qui a pas mal tourné sur les réseaux sociaux. J’ai été très ému en la découvrant. Lorsqu’une émotion me touche, très vite les paroles suivent. Je ne calcule pas. C’est une réponse à cette émotion. Ce texte était écrit depuis un moment. Il traînait dans une farde parmi d’autres compos. Je travaille parfois sur des instrus et l’idée d’une valse m’a traversé l’esprit, en pensant à Tim Burton. L’alchimie a fonctionné immédiatement, j’ai chanté sur la mélodie et « Marta Danse » est née. Je pense que ce morceau évolue dans le même esprit que « Madame pipi » issu de mon premier album.

La chanson « Rebelle rêveur », vient d’un test de personnalité pour orientation professionnelle. Ce sont les deux personnalités type sur les six possibles qui ressortaient en ce qui te concerne. Si les gens connaissent ton côté rêveur, on a dû mal à t'imaginer rebelle.

C'est quelque chose qui est ressorti du test, effectivement. Je me rends compte quand même qu’à 43 piges, je suis moins nounours et moins gentillet que ce qu'on voudrait bien croire. Avec l’âge, j'apprends de plus en plus à dire non. J’ai des coups de gueule comme tout le monde, mais surtout, aujourd’hui, je les assume. Lorsque j'étais plus jeune, j'avais toujours cette obsession de plaire au plus grand nombre. Je voulais que tout le monde me trouve super. C’est un truc d’ado, mais qui est resté parce que je suis un ado retardé. Il est important d’exprimer ses opinions. C’est le côté rebelle. Cet état d’esprit colle aussi parfaitement à celui du rêveur. Tant que tu n’emmerdes pas le rêveur, tout se passe bien. A partir du moment, où tu lui mets des bâtons dans les roues, il doit défendre sa part de rêve. En résumé, il ne faut pas m’emmerder…

OK, le message est passé ….

Tu as compris, c’est bien (éclats de rires).

Dare signifie « Oser ». Que pourrais-tu faire par amour de la musique ?

Beaucoup de choses, je pense. Mon parcours me l'a prouvé jusqu'ici. Surtout me mettre en danger. Il est vrai que sur cet album, il y a énormément de prise de risques. Franchement, je ne suis pas convaincu que les gens s'en rendent compte à la première écoute. A titre d’exemple, je chante plus dans les basses, j’ose des reprises complètement insensées comme « Les démons de minuit ». Je peux te dire que lorsque tu t’attaques à un morceau des années quatre-vingt que ton tonton écoutait cravate sur la tête à un mariage alors qu’ici je propose une version en mode Johnny Cash, il faut oser tout de même. Plusieurs personnes m’ont aussi avoué que l’album avait des consonances à la Alain Bashung. Donc, oui, j’assume ce côté osé. On pourrait même y ajouter Joséphine, ça donnerait ‘Dare dare Joséphine’ (rire).

On aime t’entendre parler de musique avec une telle persévérance. Ce rêve de musicien te poursuit-il depuis l’enfance ?

Dès l’âge de 8-9 ans, j’ai eu envie de devenir musicien suite à une fête de famille. Je me suis surpris à chanter. J’ai vraiment le souvenir de voir toute ma famille bouche bée. C’était la première fois de ma vie que je vivais le regard émerveillé d’autrui. C’est un souvenir de môme qui ne m’a jamais quitté. Mon cousin m’avait même proposé d'intégrer son groupe et d’aller répéter les jeudis soirs. Ma mère évidemment ne me prenait pas au sérieux. C’est marrant parce que je crois qu’à partir de ce jour-là, mon destin prenait forme.

« Dusty Men » est devenu un phénomène presque par accident puisque cette chanson au départ n'était pas destinée à devenir le single de l'album « Géant ». Ne t'es-tu pas dit, à un certain moment, que ce titre était susceptible de t'enfermer dans une zone de confort dans laquelle tu aurais du mal de sortir ?

Lorsque j’ai composé cette chanson, à aucun moment je n’ai fait d’étude de marché. Jamais, je ne me suis dit ‘Tiens, je vais mettre des cowboys, ce sera sympa’. Ce succès a été le fruit du hasard. Je connaissais Charlie. Peu de gens le savent, mais il a produit l’album « Géant ». Musicalement, il a mis en forme l’intégralité du disque. A la base, ce duo ne devait pas exister. Les choses doivent rester spontanées pour conserver une certaine fraîcheur.

Cette crise sanitaire a été catastrophique pour le monde de la scène. En quelque sorte, les artistes ont été privés de leur raison d’être. Comment te sens-tu aujourd’hui ?

L’été dernier, j’avais déjà eu l’opportunité de me produire en ‘live’. Covid oblige, les concerts étaient organisés devant de petites jauges. Il y a donc un an que je n’avais pas ressenti ce plaisir de monter sur les planches. J’ai accordé un concert test, il y a deux ou trois semaines à Louvain-la-Neuve. On a joué les deux premiers titres, ensuite le public s’est mis à applaudir durant une minute. L’émotion a commencé à m’envahir et je n’ai pu retenir les larmes. Je me suis rendu compte de l’importance de la liberté. La scène constitue un trait d’union entre le public et les artistes. C’est ce que l’on appelle un art vivant et en ce qui me concerne, j’ai mal vécu cette tragédie. Je me mets aussi à la place du public. Je voulais emmener ma mère assister à un concert au cirque Royal, mais il a déjà été reporté à trois reprises. C'est quelque chose dont on a vraiment besoin. Pour répondre précisément à la question, bien évidemment que c’est quelque chose qui m'a beaucoup manqué. Le fait d’être là aujourd’hui revêt une importance toute particulière.

La liberté n’est pas encore totale. Des quotas sont mis en place, les conditions sanitaires restent strictes, le port du masque est obligatoire et la distanciation sociale devient la norme. Comment plaire aux médias et au public dans de telles conditions ? C’est presque mission impossible …

Ecoute, ça se passe très, très bien. J’ai été assez touché de bénéficier des faveurs des journaux télévisés de RTL et de la RTBF. A la sortie de l’album, la presse écrite a été très positive dès la première semaine. Tous les médias étaient unanimes pour dire qu’il s’agissait du meilleur album de Saule en ajoutant trois ou quatre étoiles sur chaque papier. J’ai eu tellement de doutes sur ce disque. Spielberg affirmait que l'intuition, c'est une petite voix qui murmure, ce n’est pas un parlophone qui hurle. Avoir écouté cette petite voix qui disait non, c'est pas bien, tu peux faire mieux, me réconforte au plus haut point. Le plus beau cadeau qu’on a pu me faire, ce sont ces retours aussi élogieux.

On le sait moins, mais tu as tourné dans ‘Une part d’ombre’, un long métrage réalisé par Samuel Tilman. As-tu l’intention de poursuivre une carrière sur le grand écran ?

Suite à cette expérience cinématographique, j'ai reçu des propositions, surtout pour le théâtre. Tourner dans un petit film resterait encore compatible avec ma carrière musicale. Cette pièce de théâtre aurait nécessité un mois et demi de répétition et un mois de représentation, sans le lundi, jour de relâche. Ce qui aurait impacté négativement ce pour quoi je suis fait, c’est-à-dire, la musique qui reste quand même ma vocation principale. Néanmoins, je ne ferme pas la porte, mais je ne l'ouvre pas non plus. Je ne suis pas à la recherche d’un rôle à tout prix. Si on vient m’en proposer un, c’est tant mieux ; si pas, tant pis. Ce n’est pas une fin en soi, bien que cette expérience restera gravée dans ma mémoire. J’aimerais, par contre, participer à l’écriture d’un scénario avec Samuel Tilman et Fabrizio Rongione dans lequel je pourrais éventuellement obtenir un petit rôle. Mais, mon souhait majeur serait de me charger de l’habillage musical. J'ai touché à un peu à chacune de ces disciplines, mais je n’ai jamais eu l’occasion de m’investir dans les trois à la fois. J’aimerais être à l’origine d’une histoire, me charger de son exploitation et de la post-production musicale. Faut-il encore déterminer le sujet ou l'angle intéressant afin d’y parvenir.

‘La magie’ est un livre que tu adules et qui traite de la gratitude. En résumé, plus on dit merci dans la vie, plus de belles choses vous arrivent. A contrario, plus on peste, plus des choses négatives vous tombent dessus. Continues-tu à écrire, au quotidien, 10 préceptes pour lesquels tu dis merci.

C'est effectivement toujours le cas. C’est devenu maintenant un rituel que j’ai encore observé ce matin. A vrai dire, je ne l’avais pas pratiqué depuis deux ou trois jours et j’ai senti que quelque chose n’allait pas. Sincèrement, c'est comme une espèce de gymnastique intellectuelle et de l'âme à la fois parce qu’elle te permet de chercher de la gratitude tous les jours et se dire ‘Tiens, qu'est ce qui s'est passé hier et à qui je peux dire merci pour ce qui s'est passé ?’. Encore, hier, j’ai participé à un concert organisé à l’arrache au Conte de Chiny. Je me suis retrouvé seul, guitare-voix, devant un parterre de 150 personnes. Et là, surprise, on m’a offert un saule en bois orné de petites lampes au néon. Je suis arrivé sur un tapis et lorsqu’elles se sont allumées, j’étais vraiment très touché. J’ai encore dit merci ce matin pour cette belle attention et à toutes ces personnes qui sont venues m’écouter. Il faut bien se rendre compte que, dans la période que nous traversons, acheter des billets, assister à un concert et soutenir des artistes, est devenu un acte de bravoure presque militant, civique et culturel.

Si tu devais te définir en un seul mot, quel serait-il ?

Fédérer ! La musique est la plus belle arme pour fédérer. Dans le cadre de cette tournée, on invite des artistes qui ne sont pas connus à monter sur scène avec nous. Ça permet de créer une dynamique. On ne le fait pas lorsque nous nous produisons en festival comme ici, mais plutôt en caravane comme dernièrement à Strépy-Thieu. J’invite aussi une association qui a œuvré dans la ville. On place un canapé VIP devant le podium et on convie 2 personnes à assister à la prestation. Ce sont donc nos invités d’un soir. Ce qui permet à ces associations de se faire connaître.

Par exemple, lorsque je me suis produit à l’Envol, je me suis lié d'amitié avec toute l'équipe. On a réalisé une ‘release party’ aux ascenseurs de Strépy-Thieu. L’équipe est venue nous aider à construire les décors. Les liens sont tellement forts que l’on pourrait les comparer à la famille. Et celle-ci ne cesse de s’agrandir parce que l’on croise des gens en route et qu’on les embarque et ainsi de suite. C’est le point de départ de belles histoires.

Dès lors, si tu devais là maintenant remercier des artistes, quels seraient-ils ?

Plein ! Depuis le début de ma carrière, j'ai fait de belles rencontres. Je pense notamment à Dominique A, qui m’a toujours soutenu dès mon premier Ep 4 titres. Honteusement, je dois l’avouer, je ne le connaissais pas. Charlie Winston m’a aussi énormément apporté. Je dirais encore Cali qui participe à l’album. Lio qui a été ma marraine et m’a assuré de son soutien sans faille. Matthieu Chedid m’a souvent sollicité pour des collaborations. Il m’a coaché en me communiquant des conseils précieux. C’est une démarche à laquelle je ne peux rester insensible évidemment. Lorsque des gens s’intéressent à ce que tu fais, c’est forcément gratifiant. Cette démarche étant sincère, sans aucune idée de calcul. Enfin, il y a aussi un tas de personnes moins connues qui ont jalonné ma carrière. Je suis conscient de la chance que j’ai eue…

Photo : Valérie Lecat