A l’origine, Incubus pratiquait un funk/métal singulier, unique en son genre. Pensez aux excellents albums « S.C.I.E.N.C.E. » et « Morning View ». Peu à peu, la formation californienne a édulcoré sa production, lui imposant un virage carrément pop, lors de la sortie de « Make Yourself », avant de sombrer dans une expression sonore sirupeuse et lénifiante, à l’instar de « If Not Now, When ? » Une évolution qui ne m’a guère enthousiasmée, je dois le reconnaître, et que confirme d’ailleurs ce « HQ Live », une sorte de ‘best-of’ qui synthétise plusieurs shows accordés au West Hollywood de Los Angeles. Brandon Boyd, Mike Einziger et ses acolytes y fêtaient leurs 20 années de carrière. Sans grande passion, il faut le reconnaître. D’ailleurs, les morceaux proposés sont tellement lisses, qu’ils semblent destinés exclusivement aux stations de radio FM américaines…
Petite échappée en solitaire pour Glen Hansard, conteur en chef de the Frames et The Swell Season. Le chanteur oscarisé propose un premier disque qui ne risque certainement pas de prendre ses fans au dépourvu. « Rhythm and Repose » sonne exactement comme du Glen Hansard, sans surprise mais sans déconvenue non plus. L’Irlandais a torché dix nouvelles compositions Folk à la hauteur de ce qu’il peut proposer au sein de ses deux formations. D’aucuns les décriront comme peut-être un peu trop proches. Comme sur ce « High Hopes » qui aurait pu être signé par The Frames. Ou « Talking With The Wolves », un duo en compagnie de la prometteuse Hannah Cohen, qui semble avoir été écrit, à l’origine, pour The Swell Season. Sa comparse Markéta Irglová apparaît d’ailleurs à deux reprises sur le disque.
Hansard s’est donc offert un petit cadeau, dont la force réside en la simplicité des mélodies et la puissance d’une voix qui vous file la chair de poule à la moindre occasion (ce « Bird Of Sorrow » !) Ce qui ne l’empêche pas d’être un peu chiant, à quelques moments (les trop standardisés « Races » et « Love Don’t Leave Me Waiting »), rares heureusement. « Rhythm and Repose » n’étonnera personne mais servira d’outil infaillible pour emballer la fille ou le fils de la voisine cet hiver.
L’an dernier Eleanor Friedberger publiait « Last summer », son premier opus solo, un disque trempé dans une pop particulièrement élégante. Après la sœur, place aujourd’hui au frère, Matthew qui nous propose son onzième opus en solitaire, même si on sait que ses neuf derniers, gravés entre janvier 2011 et juillet 2012, étaient consacrés à des démonstrations instrumentales conceptuelles (le neuvième compile d’ailleurs les huit autres). Pour rappel, Matthew et Eleanor militent également au sein du duo Fiery Furnaces.
« Matricidal sons of bitches » est à nouveau expérimental. Un opéra instrumental découpé en quatre actes et 45 morceaux.
L’Américain présente d’abord les personnages (Peter, Charlie, Perry, Marco, Julian et Michael) avant d’entrer dans le vif du sujet… et là, c’est avec effroi qu’on assiste à l’autosacrifice d’un talent unique. Tout simplement parce que les compos auraient mérité plus de temps et d’espace. Les bonnes idées foisonnent, les mélodies ont une accroche, mais l’écoute de ce disque est absolument insupportable, car au bout de quelques secondes, le processus avorte.
Les puristes apprécieront sans doute la démarche de l’artiste. Les mauvaises langues le taxeront de vain poseur. Perso, je suis convaincu du génie de Matthew Friedberger ; mais il serait quand même temps qu’il nous ponde un disque qui tienne la route…
Dark Dark Dark. La même syllabe, répétée à trois reprises, telle une oraison funèbre, comme une mise en abîme. Mais plutôt que de s’enterrer dans le sol meuble du misérabilisme, la musique de ce groupe tend de plus en plus au fil de ses albums vers une certaine lumière.
Oh ! Bien sûr, le propos n’est pas léger et n’incite pas vraiment à l’allégresse.
Mais « Who Needs Who » est le genre d’album qui révèle l’espoir et les beautés tapies dans l’obscurité.
Alors, si chagrin, nostalgie et rédemption s’accouplent ici même dans une danse au tempo lent et suspendu dans l’air du temps, jamais l’abattement ne vient ternir la douce aura de cette bande son que l’on caresse comme une cicatrice palpable à fleur de peau.
Le piano ouvre immanquablement chaque pièce de cet elpee, invite l’auditeur à s’imprégner de l’atmosphère singulière de l’endroit. La voix de Nina Marie Invie ? On jurerait l’avoir déjà entendue dans un rêve ou peut être dans la réalité se chargeant de bercer l’âme et de l’apaiser. Par touches subtiles (un accordéon, quelques instruments à vent entre Nouvelle Orléans et Balkans, entre Paris vielle époque et aujourd’hui, là, ici, et maintenant), les rayons de lumière se posent sur le mobilier, figé dans le temps, celui du souvenir. Déplaçant la poussière dans chaque pan de clarté.
Et « The Great Mistake » clôture ce très bel opus dans une envolée légère alors que le propos était si grave.
En concert ce samedi 1er décembre au Botanique (en compagnie de Shearwater et Father John Misty) dans le cadre de l’Autumn Falls Festival.
En 2007, cette formation rémoise naissait sous le patronyme de The Bewitched Hands on The Top of our Head. Un peu long quand même. Depuis, elle a décidé de raccourcir son nom. Faut dire que vu le succès rencontré par leur premier album, « Birds & Drums », les Champenois avaient tout intérêt à opter pour une dénomination plus facile à mémoriser. En outre, depuis 2010, le groupe est devenu un des poulains des Inrockuptibles. Non seulement il a décroché le prix du CQFD (‘Ce Qu’il Fallait Découvrir’), mais il a également eu la chance de participer au festival des Inrocks. Une belle carte de visite, il faut le reconnaître. Mais ce coup de pouce, la band le mérite amplement, car il est devenu un des groupes-phare de l’indie-pop hexagonal.
Leur second long playing s’intitule « Vampiric Way ». Tout comme sur leur premier essai, le combo français continue de puiser ses influences dans la quintessence de la scène américaine, au sens le plus large du terme (NDR : aussi étasunienne que canadienne).
« Westminster » ouvre l’elpee. Un tube en puissance. Une compo lyrique, introduite par des accès d’orgue et enrichie de chœurs mixtes, rappelant manifestement Arcade Fire. Progressivement, les plages sont davantage contaminées par les synthés. A l’instar de « Word Can Let You Down » qui lorgne manifestement vers MGMT. Et si Tilly and the Wall hante « Let Me », à cause de ses harmonies vocales féminines, « Ah ! Ah ! Ah ! Ah ! » affiche un côté disco-kitsch qui ne dépareillerait pas chez Yeasayer. Toute une liste de références, ma foi, fort intéressantes, qui démontrent que nous sommes en présence d’un groupe doté d’un énorme potentiel…
The Bewitched Hands se produira au Botanique le 13 décembre.
Après avoir publié cinq albums studio, un premier ‘live’ en 2004 et un ‘best of’ en 2007, Bénabar nous propose un second album enregistré en public, un disque enrichi d’un Dvd. Ah ! Les affaires sont les affaires ! Commerce, quand tu nous tiens… Y’a pas à dire, ils sont vraiment quasi tous les mêmes. On fait du fric avec tout et n’importe quoi !
Bénabar, comme pas mal d’autres chanteurs de son acabit, ‘c’est un mec de disque’, point barre. En concert, il est bien gentil, bien propre sur lui et il chante très bien, ok. Mais quel intérêt y a-t-il à acheter la copie conforme de ce qu’on possède déjà chez soi ? A la limite, on peut (veut) bien aller l’applaudir et passer une bonne petite soirée en sa compagnie, tranquillos à taper dans les mains et reprendre les trois ou quatre refrains super connus de tous. Mais acheter son concert à la fois en Cd et en Dvd, c’est plus que de l’amour, c’est du don de soi, et c’est participer volontairement à l’enrichissement personnel du mec.
Alors, si vous estimez qu’il manque de thunes, le pauvre, allez-y, jetez-vous rapidos sur sa dernière publication, ça lui mettra un peu plus de beurre dans les épinards et un peu moins dans les vôtres !
Mais non, je ne suis pas aigri. J’aime même beaucoup ce qu’il fait, je possède toute sa discographie et l’ai vu à l’œuvre en chair et en os. C’est bon, très bon même… mais il y a quelque chose qui me dérange un peu dans la démarche, c’est tout. J’estime que ces deux disques n’apportent rien de neuf, point à la ligne.
Pour inconditionnels uniquement…
Les autres, un bon conseil, économisez votre blé !
Originaire de Nîmes dans le Gard, département le plus chaud de France, Waterllillies est un excellent quintet, responsable d’un rock indé à la sauce… Dandy Warhols, la touche humoristique en sus.
Autour de leur leader Baptiste au chant et à la guitare rythmique, gravitent Loïc à la guitare solo, son frère Gaël aux drums, Théo aux keyboards et Jack à la basse ; des musicos qui font preuve d’une grande maturité et d’originalité. Suffit de lire le titre de leur Ep pour s’en convaincre. Mais aussi de leur premier ouvrage, baptisé « Smoke On The Waterllillies » !
Ce n’est pas pour rien que Julien Doré les a emmenés dans ses bagages lors de sa tournée franco-belge de 2011. C’est sans doute également pour donner un coup de pouce à Baptiste qui était son premier drummer.
Pour les avoir vus personnellement, je peux vous assurer qu’ils ont du talent et une bonne dose d’humour.
Cinq titres seulement peuplent cet Ep ; ce qui est étrange d’autant plus que leur premier long playing en comptait quinze. Quelle raison a donc poussé Waterllillies à ne sortir qu’un mini elpee ? Pour être clair et concis, Waterllillies a tout simplement repris cinq compos existantes et les a retravaillées pour les rendre plus accessibles et tenter de convaincre un public plus large. Il est vrai que sur leur album, les morceaux sonnent résolument plus rock, ont plus de pêche, de rythme. Pour leur nouvelle réalisation, les angles ont été arrondis, les refrains et couplets ont gagné en souplesse et en douceur. De quoi attirer les plus réticents ? Why not !
Perso, je préfère leurs premières versions. Elles déménagent davantage et sont un peu ‘rentre dedans’ tout en demeurant chaudes et, mélodiquement parlant, d’excellente facture.
Visitez leur site et tendez l’oreille aux 15 plages de leur premier opus, en écoute libre, vous en aurez la parfaite démonstration.
Rien de nouveau, une qualité toujours bien présente qui, sous cette forme, plaira peut-être davantage aux médias…
Versus est le projet hip-hop du bassiste, contrebassiste et producteur français Seb Lawkyz. Un projet ancré dans la tradition du hip-hop jazzy cher à The Roots (« How to Play the Game ») et surtout Automato (« Museum of Life »). Ici, pas question pour le hip-hop de se limiter à des samples martiaux ou à une production survitaminée… Les instruments sont organiques et le son est cool comme aux plus belles heures d’A Tribe Called Quest.
L’album commence fort par « Mr. Blue », une plage portée par le flow imparable de Bruce Sherfield qui a collaboré à l’enregistrement de l’elpee, tout comme Lalo Schifrin, Juan Rozoff et Beat Assaillant. Il raconte –à la manière d’un film noir des années 70– l’histoire d’un obscur ‘Monsieur Bleu’, un patron de bar peu recommandable, sévissant dans un quartier mal famé… La flûte de Yann Cléry, les scratches de Mr. Tos, les percussions de Gérald Bonnegrace et les claviers vintage de Charles Françoise permettent à cette originale aventure de remuer les sillons soul que la Stax a creusée il y a bien longtemps (« Marauders »)…
Vision pantagruélique d’un Adam Ant sous acide ayant régurgité des influences ‘Cold Wave’ réchauffées, The Saint Cyr est tout sauf digeste.
Le Rock cabaret n’appartient certes pas qu’à Voltaire, mais n’est pas Gavin Friday qui veut.
Souvent à la limite du grotesque, le groupe s’enlise dans des compositions maladroites et la voix principale s’étrangle dans un ‘franglais’ qui prête à sourire.
Quelques moments épiques viennent relever le propos de temps à autre, mais ces fulgurantes intrusions sont bien vite happées par les défauts apparents de compositions bancales et mal torchées.
Et quand le chanteur s’époumone sur la cinquième plage intitulée « I’m Lost », on le croit sur parole…
En congé forcé de son groupe Nine Black Alps où il milite comme bassiste, Martin Cohen nous gratifiait il y a déjà quelques mois de cet album injustement passé inaperçu, y compris à mes yeux et oreilles.
D’un point de vue visuel, l’artwork de la pochette justifie cette injustice, tant la pochette incite peu à l’écoute (une prise de vue bancale d’un couple de personnes âgées vues de dos).
Mais les premiers accords de « Such Fun » ont tôt fait de combler cette lacune.
Jubilatoire et irrésistible ritournelle qui renvoie autant à Ty Segall qu’à Guided By Voices ou d’autres fleurons lo-fi de ces chères nineties, ce premier titre ouvre la voie de cet excellent opus.
Débonnaire à plus d’un titre, joyeusement bordélique, faussement foutraque et vraiment génial, « Yucca » mérite beaucoup plus que le peu de bruit fait autour de lui.
Omettre de vous en parler serait un impair.
Que celui qui n’a jamais péché me jette la première pierre…
Issu de Sacramento, en Californie, ce groupe a apporté une véritable bouffée d’air frais au metal contemporain. En 1997 et 2000, la bande à Chino Moreno publiait deux elpees incontournables. Respectivement « Around the fur » et « White pony ». Plongée dans un univers étouffant, ténébreux, menaçant, parfois même sinistre, imprimée sur des rythmes languissants et parcourue par des vocaux tour à tour empreints de douceur ou de fureur, la musique de Deftones s’y révélait aussi vibrante que celle de Tool.
Par la suite, le combo s’est contenté de reproduire les mêmes recettes. Gravant des long playings sans doute consistants, mais sans le moindre single susceptible de faire la différence.
En 2008, Chi Cheng, le bassiste est victime d’un grave accident de voiture et tombe dans le coma. Il décèdera d’ailleurs le 13 avril 2013. Pour le remplacer, le band fait appel à Sergio Vega, l’ex-Quicksand, Sergio Vega. Il avait d’ailleurs déjà participé aux sessions d’enregistrement du précédent opus, « Diamond eyes ».
« Koi No Yokan » est découpé en 11 plages puissantes, oppressantes, languissantes, susceptibles d’exploser à tout instant, à l’instar de « Swerve city », « Romantic dreams » ainsi que « Leathers » ou alors qui baignent dans une atmosphère intense, comme « Entombed » et « What happened to you ». Une œuvre au cours de laquelle la formation démontre qu’elle est constamment à recherche du parfait équilibre entre sauvagerie et rêverie. Et des titres comme « Poltergeist », « Graphic nature » et « Goon squad » en sont les plus belles démonstrations…
Il y a trop longtemps que nous attendions leur reformation. Gravé en 1996, « Down on the upside » n’était pas un disque inoubliable, mais il ne devait pas être le responsable d’une séparation. Ce qui a malheureusement été décrété. Pas vraiment une bonne décision, car l’aventure en solitaire de Chris Cornell n’a jamais vraiment décollée et celle entreprise au sein d’Audioslave a parfois pris la bonne direction, mais sans jamais défrayer la chronique…
16 ans plus tard, Soundgarden a donc décidé de reprendre son chemin, là où il s’était arrêté. Un crochet via Werchter Boutique nous a démontré que le groupe n’avait rien perdu de sa puissance ; mais à l’époque, le combo n’avait pas encore publié de nouvel opus. Il vient donc de combler cette lacune. Solide et énergique, « King Animal » ne se contente pas de ressasser du grunge. Bien sûr les cordes vocales de Cornell sont intactes, mais l’expression sonore a retrouvé le punch et l’intensité de leurs premiers essais, et notamment « Badmotorfinger » ainsi que « Superunknown ». Dès le titre d’ouverture, « Been away too long », le ton est donné. Et la suite est de la même veine. Mais pourquoi l’absence de Soundgarden a été si longue, alors qu’il n’avait pas encore exploité tout son potentiel ?
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