Jimmy Tamborello, alias Dntel, n’a plus donné signe d’activité depuis son « Dumb Luck » de 2007. Pour ne pas se faire oublier avant la sortie de son prochain opus prévu pour cette été, l’homme refait surface avec une version remasterisée de sa première œuvre, « Life Is Full Of Possibilities », 10 ans après sa publication initiale. Une nouvelle version enrichie également d’un disque bonus. Et force est de constater que son electro downtempo et ambient aux accents parfois Trip Hop n’a pas vieilli d’un iota. Mais l’œuvre kaléidoscopique de Tamborello souffre aujourd’hui quelque peu de ses longueurs. Forcément moins surprenant que dix ans plus tôt, « Life Is Full Of Possibilities » s’écoute désormais en toile de fond, les mélodies parcourues demandant bien moins d’attention qu’à l’époque.
La raison en est que l’œuvre d’introduction de Dntel s’est tout simplement égarée parmi les productions du même genre. Sans compter le fait que d’autres artistes ont exploré ce dernier bien plus en profondeur, depuis. Ce qui n’enlève rien au charme de la pépite « (This Is) The Dream Of Evan and Chan », single interprété par Ben Gibbard (Death Cab For Cutie), celui-là même qui militera aux côtés de Tamborello, sous la bannière de The Postal Service. Ce morceau se réserve d’ailleurs une large portion du disque Bonus, dans lequel y figurent 4 versions différentes, dont une réinterprétée par Barbara Morgenstern, qui l’emporte haut la main sur les autres.
On y retrouve également trois remixes de « Anywhere Anyone », dont une planante servie par Pearson Sound, ainsi que six B-Sides et ‘versions alternatives’ dont seuls « This Is How It Will Be Over » et « Footprints », valent de détour. Comme quasiment tout disque bonus et/ou remix qui se respecte, l’objet s’adresse principalement aux fans de la première heure. Pour les autres « Life Is Full Of Possibilities » est une occasion de découvrir l’origine de l’inspiration de Thom Yorke. Du moins, en partie.
Eric Chenaux compte, à ce jour, une carrière de plus de vingt ans. On peut donc dire qu’elle est bien remplie. Il jouit d’une belle notoriété sur la scène expérimentale torontoise. Faut dire qu’il y a multiplié les collaborations. Le Canadien a ainsi souvent apporté son concours à son compagnon de label, Sandro Perri. Mais depuis qu’il a signé sur le label montréalais Constellation, c’est-à-dire en 2006, Chenaux est parvenu à susciter une certaine curiosité sur les autres continents. Et en particulier, après avoir publié « Dull Lights ».
« Guitar & voice » constitue son quatrième elpee sur son nouveau label. Sa démarche est toujours aussi expérimentale. Evoluant quelque part entre Robert Wyatt et feu Vic Chessnutt, sa musique n’est pas assimilable à première écoute. Les compos ne vous sont pas apportées sur un plateau. Elles se méritent. Comme le titre du long playing le précise, l’artiste s’est essentiellement limité à la voix et à sa six cordes, son instrument fétiche qu’il se plait à torturer afin d’en extraire les sonorités les plus improbables. Parfois on y décèle quelques traces de synthé. Mais au cœur de ces compos complexes, se cachent de subtiles mélodies, très susceptibles de communiquer des émotions. A l’instar de « Put In Music », point d’orgue de cet album.
« Guitar & Voice » nécessite un certain effort pour être apprécié à sa juste valeur. Mais au bout de cet effort, il y a la récompense… si vous aimez ce style de musique, évidemment. Oui, je sais, certains passages tirent en longueur et risquent de vous plonger dans un état de léthargie. C’est peut-être aussi le but !
Au sein de ce duo, Sue Foley est certainement l’artiste la plus notoire. Notamment à cause de son timbre vocal délicieux, éternellement enfantin. Canadienne, cette rouquine compte déjà une belle carrière à son actif ; et pourtant elle n’est âgée que de 44 ans. Elle a assez longtemps vécu à Austin, au Texas, où elle a enregistré dès 1992 son premier album, “Young girl blues” pour Antone’s (NDR : c’est aussi le meilleur club de blues local). Une bonne dizaine d’albums plus tard, elle se lie à Peter Karp, un compositeur réputé, que l’on compare volontiers à John Hiatt voire John Prine. Il est originaire de l’Alabama. Le premier fruit de leur collaboration remonte à 2010, lors de la publication de l’elpee, “He said she said”, un disque paru sur le label californien Blind Pig.
Peter est aussi à l’aide à la guitare qu’au piano. Sue s’est également forgé sa notoriété par sa technique sur la Fender Telecaster. Les 12 nouvelles chansons de ce « Beyond the crossroads » sont cosignées ou issues de la plume d’un des deux artistes. Le duo est soutenu par leur section rythmique rituelle : Mike Catapano aux drums et Niles Terrat à la basse. Pour la circonstance, ils ont reçu le soutien de quelques amis dont la section de cuivres de Swingadelic.
“We’re gonna make it” ouvre le feu et tire sur le R&B largement cuivré. Les deux voix s’échangent les chorus ; Sue, de sa voix de fillette un peu fausset, Peter, d’un timbre assuré et autoritaire. Il est armé de sa guitare Gibson 335 et me rappelle l’un de ses gratteurs favoris, Freddie King. Miss Sue conduit “Analyze ‘n blues”, un blues bourré de charme, que colore son compagnon, à l’aide de sa slide. “Beyond the crossroads” est une excellente compo de roots rock. Poussées par les chœurs et les cuivres, les cordes sont bien en place. Le trombone de Mark Miller est à l’avant-plan tout au long de “Fine blues”, une plage relaxante, caractérisée par un chant paresseux. Proche de l’esprit du jazz traditionnel, “Take your time” trempe dans le folk blues. Retour dans le roots blues pour “More than I bargained for”. Les vocaux sont excellents, tant la voix de Peter que les répliques féminines. Un enchantement ! Chaque composition signée Mr Karp fait mouche. A l’instar des subtils et savoureux “Blowin”, illuminé par la pureté des cordes, ainsi que “Chance of rain”, moment au cours duquel il brille aux ivoires, pendant que Sue se réserve la gratte acoustique. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par “You’ve got a problem”, un boogie jump bien nerveux, que Peter drive à la perfection depuis son piano.
La troupe rétro de Caravan Palace avait opéré une entrée remarquée, lors de la sortie de son premier album éponyme. Publié en 2008, ce disque qui recelait des singles imparables comme « Jolie Coquine » et « Suzy », s’écoulera à plus de 150 000 exemplaires. Leur mélange de jazz, de swing et d’électro va également faire le bonheur de nombreux festivaliers, s’offrant même une bonne cure de pub, sur TF1, à l’époque ! Le projet fondé en 2005 par Arnaud Vial (guitare et synthé), Charles Delaporte (contrebasse et synthé) et Hugues Payen (violon et synthé) marche alors clairement sur les traces du Gotan Project, dans un registre plus jazz manouche toutefois. Trio à l’origine, le line up s’est depuis enrichi d’un quatrième larron, en l’occurrence Antoine Toustou, ex-bassiste d’Izia.
« Panic » constitue leur nouvel elpee. Pas de réelle évolution dans leur musique, mais toujours ce mix entre l’univers parisien des années 40 et les sonorités électro chères à Massive Attack ! Un état d’esprit remarquablement traduit par l’illustration de la pochette, en l’occurrence un robot chevauchant la Tour Eiffel à la manière de King-Kong sur l’Empire State Building de New-York. Lors des sessions d’enregistrement, la formation française a reçu le concours de la chanteuse Colotis ‘Layatoya’ Zoé, sur des titres plus langoureux comme « Sydney » ou davantage down-tempo tel que « Queens ».
Et le public devrait facilement flamber à l’écoute de l’irrésistible single « Clash » ou des très dansants « Beatophone » et « Dirty Side »…
Certes, on a parfois l’impression que ces vignettes rétro-futuristes sont destinées à sonoriser des pubs, mais la qualité des compos est indéniable !
Errors, les petits protégés de Rock Action, le label de Mogwai, sont de véritables métronomes. Quatre ans après avoir gravé « It’s Not Something, But It is Like Whatever » et deux après « Come Down With Me », les Écossais ont atteint l’âge d’or de leur carrière en publiant un troisième LP aussi trippant qu’exaltant. « Have Some Faith In Magic » ratisse large, du Post-Rock à l’Electronica en passant par le Krautrock et introduit, pour la première fois au sein d’une œuvre d’Errors, quelques vocalises aériennes. Des voix utilisées ici tel un instrument secondaire, jamais mises en avant. Et pour la bonne cause, tant l’atmosphère créée par le trio forme une espèce de bulle délicate, un microcosme qui aurait pu s’effondrer à la moindre fausse note, au moindre faux-pas. « Have Faith In Magic » est, sans conteste, le disque le plus abouti des trois gaillards de Glasgow. Errors file droit sur les traces de formations telles que Ratatat, Holy Fuck et 120 Days. C’est-à-dire dans la bonne direction!
En concert : première partie de Kiss The Anus Of A Black Cat à Courtrai (De Kreun), ce 15/05.
Brad est le projet parallèle de Stone Gossard, illustre guitariste de Pearl Jam, qu’il mène à un rythme de sénateur (NDR : il n’a publié que 5 albums en 20 ans) en compagnie de Regan Hagar (Satchel), Shawn Smith (Pigeonhead, Satchel) et Keith Lowe. Leur lieu de rencontre ? Seattle.
A première écoute, il est frappant d’entendre la similarité vocale entre Shawn Smith et… Eddie Vedder ! Son timbre de voix rappelle en effet, à s’y méprendre, celui du charismatique leader de Pearl Jam, même si Smith se révèle pus posé, donc moins exubérant, tout au long de cet exercice de style. La musique de Brad nous replonge dans les années 90. Pas la peine de chercher une once d’originalité sur ce « United We Stand ». Simplement, les nostalgiques du son ‘made in Seattle’ risquent fort de succomber aux riffs de guitares qui sculptent des hits tels que « A Reason to be in my Skin » ou « Bound in Time ». Pourtant, le reste des compos de ce très honorable nouvel elpee pondu par cette bande de vétérans américains, se révèle plus léger, et même quasiment pop. Stone Gossard semble avoir pris du plaisir en publiant un opus au cours duquel l’aspect mélodique est devenu aussi important que son approche percutante du rock. Un avant-goût du futur album de Pearl Jam ?
« remixes.yes » ? Michele Ducci et Alessandro Angioli, les deux têtes pensantes derrière M+A auraient mieux fait d’intituler leur Ep « reinvention.yes ». Dans la foulée de leur énorme « things.yes », publié fin 2011, le duo italien nous délivre à présent un Ep digital qui s’inscrit dans la droite lignée leur œuvre introductive. Plus que de simples nouveaux arrangements, M+A réinvente entièrement les morceaux passés sous leur moulinette.
Nedry, Emay, Joycut et Polinski (projet solo de Paul Wolinski de 65daysofstatic) offrent tous une petite chirurgie de luxe à l’un de leurs morceaux. M+A se les approprient en les découpant en tranches avant de les resservir sous forme de délicates ritournelles pop nappées d’electronica. En découle quatre mets radicalement plus raffinés qu’à l’origine. Le duo clôture son labeur par une reprise au piano du « Paper Planes » de M.I.A. Une adaptation harmonieuse qui pourrait, si elle devait être publiée sous forme de single, faire un véritable tabac.
Envie de découvrir le secret le mieux gardé d’Italie ? Trois morceaux (dont le terrible « Liko Lene Lisa ») sont en téléchargement gratuit sur le site officiel du duo, ici.
Formé en 2008 par Brandon Welchez (guitare et chant) et Charles Rowell (guitare), Crocodiles publie un nouvel opus, deux ans après avoir gravé « Sleep Forever ». De quoi permettre au reptile californien (NDR : la formation est issue de San Diego) de quitter les eaux marécageuses de la scène underground pour y croquer un public plus large. Et comme « Endless Flowers » est savoureux, pourquoi ne pas ne pas y mordre à pleines dents ?
Au menu, cordes de guitares shoegaze et nappes de claviers susceptibles de rappeler la musique de leurs compatriotes, The Pains at Being Pure at Heart ou Beach House (le morceau de dream-pop, « Hung Up On a Flower »). Une expression sonore atmosphérique, brumeuse, mélodieuse, partagée entre compos légères, imprimés sur un tempo allègre (« Bubblegum Trach », « No Black Cluds For Dee ») ainsi que plages plus sauvages, secouées par des rythmes variables et découpées dans des riffs de gratte particulièrement efficaces (« Endless Flowers », « Dark Alleys »). Le tout saupoudré, circonstanciellement de chœurs.
Un bémol. La pochette. Elle est horrible. Sans quoi, après avoir ôté l’emballage, « Endless Flowers » est à dévorer dans son intégralité !
Chanteur, compositeur et guitariste, Colin Linden est canadien. Il a acquis sa notoriété en apportant sa collaboration à de multiples partenaires. Il a également produit des tas d’artistes, comme Sue Foley, T-Bone Burnett, Colin James et Bruce Cockburn. Des musiciens ou groupes célèbres ont interprété et enregistré ses chansons ; et notamment Blind Boys of Alabama, The Band et Keb Mo. Bluesman de cœur, il a également acquis une réputation dans les milieux folk et country. Il milite également, en compagnie de Stephen Fearing et Tom Johnson, chez Blackie and the Rodeo Kings.
Son premier album, “Colin Linden Live”, date de 1980. Un peu plus de trente ans et une dizaine d’albums plus tard, il revient à son point de départ, en publiant un live baptisé cette fois “Still live”. Il est soutenu par une section rythmique et l’organiste Spooner Oldham. Impeccable, la prise de son a été immortalisée au Douglas Corner Café, à Nashville, en octobre 2010.
L’elpee s’ouvre dans un climat très roots, par “Big mouth”, une compo qui nous entraîne à travers les pistes rocailleuses de l’Ouest profond. Puissante mais sobre, la voix domine l’ensemble. Légèrement amplifiée, la slide se fraie un chemin, en finesse. Il attaque alors la seule reprise de l’opus : le “Who’s been talking” de Willie Dixon, naguère chantée divinement par Howlin’ Wolf. L’adaptation est ici personnelle, Spooner Oldham se chargeant de napper le tout de ses interventions à l’orgue Hammond. “Between the darkness and the light of day”, “Sugar mine”, “Sinking down slow” et “Dark night of the soul” sont de très jolies ballades roots, nées d’un mélange de blues, country et folk ; et elles sont marquées par l’empreinte indélébile des cordes de l’artiste! “From the water” est du Delta blues à la Linden. Une compo subtilement ciselée par des arrangements instrumentaux et imprimée sur le tempo d’un cheval au galop. Le disque recèle quelques plages plus nerveuses, à l’instar du très rock’n’roll “Remedy”, et de la finale “Give up”. Un blues bien rythmé autorisant la slide à s’évader vers de savoureuses aventures… Le tempo est encore plus enlevé sur “Too late to holler”. Les percussions imposent leur loi. L’orgue pousse de petits cris. Un morceau dont le climat évoque les collines du Mississippi ! L’album recèle encore une plage enregistrée en studio, lors des dernières répétitions : “John Lennon in New-Orleans”. Il reflète sa vision nostalgique et poignante d’un week-end imaginaire passé en compagnie de feu le légendaire chanteur des Beatles. Une excellente tranche d’americana music!
Son job, c’est prof ! Mais à ses heures perdues, elle se transforme en chanteuse. Privilégiant pour style, le jazz. Ah oui, c’est vrai, les profs ont plein de temps à perdre, c’est bien connu…
« Bleue » constitue son troisième opus. Enregistré et mixé fin 2001, le disque vient d’atterrir dans les bacs, il y a un tout petit mois.
Responsable de quasi tous les textes et toutes les partitions, hormis quelques notes qu’elle doit à son cousin Philippe, notre prof a correctement fait ses devoirs. Et elle a pu compter sur la complicité d’une fameuse ‘classe’ peuplée d’élèves qui ont, pour les quinze premiers, joué d’un instrument ou d’un autre, et pour le reste, une autre petite quinzaine également, pris part aux chœurs pour ces beaux mots agréablement mis en musique.
Thème central de ses nouvelles chansons, le ‘bleu’ est omniprésent. Partout, tout le temps.
Mais ce bleu peut prendre plusieurs sens… Il y a la grande bleue dans laquelle la jeune Geneviève se baignait enfant (oui c’est elle sur la photo allongée dans les vagues) ; mais lorsqu’il est utilisé comme adjectif, bleu peut également signifier amateur ou amoureux (être bleu de…) Et enfin la couleur peut symboliser un thème en soi sans faire référence aux deux sens précités.
Si donc dans certaines histoires, car il s’agit bien d’histoires que nous raconte Geneviève, c’est l’eau qui est au centre des préoccupations, celle-ci passe parfois la main aux histoires d’amour ou aux petits épisodes d’une vie. Bref, tout ce qu’il y a de plus banal.
A l’écoute des 15 titres, on a tendance à retomber soi-même en enfance et ceci n’est pas un hasard. Geneviève Laloy a sans hésitation aucune, destiné ce troisième opus à une catégorie d’auditeurs à la limite de l’enfance et de l’adolescence, auditeurs qu’elle connaît très bien puisqu’elle les fréquente continuellement vu son orientation professionnelle. Les thèmes développés conviennent parfaitement à ce jeune public.
Musicalement, le piano opère son apparition dans l’orchestre aux accents volontairement acoustiques. Violons, violoncelles, contrebasse, harmonica et autres cuivres évoluent en eaux jazz mêlées de latino et folk. De quoi communiquer une consonance joyeuse, sensible et fraîche à cet elpee.
Deux titres sortent du lot pour leur ton et leur musicalité : « Pôle Nord » et « Théophile et Anabelle ». Deux chansons qui devraient se traduire en succès radiophoniques (faudra choisir la bonne station…).
Malgré ces deux perles, ce disque reste malgré tout destiné à la ‘classe biberon’, dont hélas je ne fais plus partie depuis longtemps…
Difficile de ne pas faire référence aux Strokes en s’attaquant au cas d’Howler, tant la voix et la morgue de Jordan Gatesmith rappellent celles du Julian Casablancas de « This is it ? » !
Fondé en 2010, à Minneapolis (Minnesota), par Gatesmith, alors âgé de 19 ans, en compagnie de son ami et claviériste Max Petrek, Howler publie alors un 1er Ep intitulé « This One’s Different ». Un titre très mal choisi, tant leur musique semble avoir été entendue des centaines de fois à travers la courte histoire du rock ! Adoubé par la presse (New-York Times et NME en tête), le groupe crée rapidement un buzz suspect et signe d’emblée chez Rough Trade. Comme les Strokes, avant eux ! Prétendre donc que la sortie d’ « America Give Up » était attendue relève donc du doux euphémisme…
Pourtant, ces jeunes musiciens ne proposent absolument rien de neuf sinon un rock’n’roll garage classique fortement influencé par la scène des années 50 à 70, un peu comme l’étaient les Stooges, Jesus & Mary Chain et les Ramones ! « America Give Up » constitue donc une resucée aussi bien susceptible de charmer que d’irriter, selon que vous appréciez ou détestez le revivalisme… Cependant, les amateurs de rock auraient tort de faire la fine bouche à l’écoute de hits sursaturés tels que « Back of Your Neck » ou « Black Lagoon ». Howler se produira ce 18 août prochain au Pukkelpop !
Ce qui frappe d’abord, en ouvrant le booklet, c’est la police de caractères utilisée par ce trio italien : identique à celle des Cramps. Une première référence donc, qui s’adresse au band du défunt Lux Interior. La seconde est à chercher dans le patronyme du groupe : les 59ers. Soit les nostalgiques de l’an 1959. Un peu d’histoire, puisqu’au cours de cette année, Gene Vincent met fin à l’aventure des Blue Caps. Des Blue Caps au sein desquels milite anonymement Eddie Cochran. Un Cochran qui allait perdre la vie en avril 1960, suite à un accident de voiture. Bref, cet opus ne pouvait manifestement tremper que dans le rock’n’roll. Et plus exactement le rockabilly et le punkabilly. On y ajoutera le hillbilly, lorsque le combo emprunte une forme plus acoustique. Mais suivant les plages, l’expression sonore se teinte, tour à tour, de nuances pop, jazz, blues et même roots.
« Psychorama » était sorti en Italie, dès 2010, et est aujourd’hui disponible dans le reste de l’Europe. Un disque qui fait suite à un premier elpee, paru en 2005, suivi d’un Ep (« Thinkin’ trippin’ burnin’) en 2007.
Si vous aimez les Meteors, vous devriez apprécier ce « Psychorama »
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