Jean-Sébastien Nouveau (Immune, Recorded Home) a baptisé son projet Les Marquises, c’est-à-dire en choisissant pour patronyme le dernier album studio publié par Jacques Brel. Un projet qui sort de l’ordinaire, il faut le reconnaître. Au départ, le Français s’est inspiré d’une série de BD en treize volumes signées par par Henry Darger, un auteur halluciné qui a passé son existence à bosser dans les toilettes d’un hôpital, au sein desquelles il a fini sa vie, oublié de tous. Après avoir lu cette œuvre, Nouveau entre alors en contact avec Jordan Geiger (Minus Story, Hospital Ships, …) dont il est un grand admirateur. A sa grande surprise, l’Américain accepte de prêter sa voix au projet. Débute alors un travail de longue haleine. Grâce à Internet, les fichiers survolent l’Atlantique, du Vieux au Nouveau Continent, et vice-versa. Les morceaux prennent finalement forme pour finalement aboutir finalement à la conception de ce « Lost, Lost, Lost ».
Vu les prémices de cette aventure, Les Marquises ne pouvait pas accoucher d’un concept habituel. Et effectivement, « Lost, Lost, Lost » baigne au sein d’un univers sonore planant et ténébreux. L’opus s’ouvre en douceur. Mais progressivement, les nappes de claviers entrent en scène, exercent leur pouvoir hypnotique, avant de nous entraîner, finalement, dans un précipice psychédélique et expérimental. Parfois, lorsque les plages se dépouillent, la voix écorchée de Geiger remonte à la surface. Des références ? Radiohead voire Boards of Canada ; mais elles sont insuffisantes pour décrire ce projet halluciné et introspectif. Ce périple fantastique, imaginé dans le cerveau d’Henry Darger, artiste complètement fêlé, mais terriblement créatif, a été superbement mis en scène par Les Marquises.
« Lost, Lost, Lost » est une œuvre à savourer tant pour sa beauté que pour son univers étrange. Ne vous laissez cependant pas intimider par l’ampleur de l’œuvre (quatorze morceaux d’une moyenne de 5 minutes), elle vaut le coup.
Il faut bien avouer que l’Autriche n’est pas le pays le plus rock’n’roll d’Europe ; et on doit chercher loin ou être un fin connaisseur pour retrouver la trace d’un groupe autrichien. Bien sûr, si on parle de musique dite ‘classique’, les valses de Vienne signées Strauss ont de quoi séduire. Joseph Haydn et Franz Schubert, y sont nés. Mozart et Beethoven y ont vécu et y sont morts.
Les spécialistes du métal vous parleront certainement de Belphegor. Mais pour le reste, la scène au pays du ‘Beau Danube bleu’ est fantomatique… Pourtant Killed by 9v Batteries est actif depuis 2002, même s’il a connu une période de pause. Il est issu de la capitale. Et semble surtout inspiré de l’indie-rock des années 90. Mozart à laissé la place à Sonic Youth, Dinosaur Jr. ou encore Pavement. Les sonorités de guitares stridentes, parfois bruitistes, rappellent les superbes supplices infligés par Thurston Moore à sa six cordes. La voix fait irrémédiablement penser à Stephen Malkmus. Autant dire que « The Crux » est un condensé de références aux 90’s ; et on ne s’en plaindra pas. Certes Killed by 9v Batteries n’a rien inventé ; mais sa musique est particulièrement jouissive pour les tympans. Bref, cet elpee s’adresse surtout aux trentenaires (et plus si affinités) nostalgiques de ce style, mais également aux plus jeunes qui n’ont pas connu cette période si faste.
Depuis qu’il a opéré un remixe du morceau « No Protection », pour le compte de Massive Attack, Neil Joseph Stephen Fraser, alias le Mad Professor, s’est montré plutôt discret. Il est de retour aux affaires, pour un projet, ma foi, fort sympathique. Et pour cause, il a décidé d’adapter à la sauce dub, sept morceaux de l’ensemble colombien Frente Cumbiero. Drivé par Mario Galeano, Frente Cumbiero est spécialisé dans le doux exercice de la ‘nueva Cumbia’, un style latino privilégiant les cuivres, les maracas et les bongos, mais qui intègre également des éléments hip-hop.
Les Colombiens ouvrent le bal par 7 morceaux originaux avant que l’anglo-guyanais n’entre dans la danse. Evidemment, les versions primitives sont plus excitantes, évoluant entre tradition et modernité. Qu’elles soient dynamisées par la rythmique endiablée (« Bestiales 77 »), hantées par un esprit hip-hop (« Ariwacumbé ») ou tapissées de cuivres (« La Bocachico »). Mais lors de ses exercices de style, le vétéran britannique s’en tire plutôt bien, nous proposant des relectures enfumées des morceaux sud-américains. Le professeur fou a encore frappé !
Après avoir vu, à plusieurs reprises, cette bande de loufoques norvégiens en concert, je m’attendais à découvrir un album trempé dans l’électro-pop vintage, mais à l’humeur résolument positive. Déçu ? Pas le moins du monde ! Sans faire de bruit, les jeunes Scandinaves commencent à s’imposer comme le pendant nordique de Metronomy. Leur pop nappée de synthés ne manque, en tout cas, pas de charme. Un charme qui exerce ses effets tout au long de l’opus au titre improbable : « Aabenbaringen over Aaskammen » (NDR : traduisez par ‘La Révélation sur la Montagne’).
Il s’agit de leur troisième elpee. Les textes sont interprétés dans la langue du pays. Mais sous une forme éthérée. Un choix qui accentue l’aspect mystérieux des compos. Si « London Zoo » évoque Hot Chip, en général, les plages baignent dans une certaine douceur. Mélodique, bien sûr. Parfois en épousant des rythmes caribéens, dans l’esprit de l’illustre Suédois Jens Lekman (« Dresinen »). Ou encore en parvenant à la traduire dans des morceaux dansants absolument imparables. Des exercices de style que Casiokids accomplit, sans jamais glisser dans le kitsch, malgré les fameux claviers vintage. Et le single « Det Haster ! », en est certainement le plus bel exemple.
Décidément, Bradford Cox est insatiable. Un an à peine après avoir publié « Halcyon Digest », un quatrième opus (NDR : magnifique, il faut le rappeler !) sous le patronyme de Deerhunter (NDR : dont il est le leader incontesté), Bradford Cox nous propose le troisième volet de son projet solo. Un projet solo qu’il a baptisé Atlas Sound. Et un nouvel elpee qu’il a intitulé « Parallax ». Ce concept individuel, il le consacre aux explorations sonores qui collent moins bien à son vaisseau amiral. Les plages baignent davantage dans l’‘ambient’. Elles sont résolument plus ténébreuses et mélancoliques. Sa voix est toujours aussi étonnante, mais elle est ici moins chargée d’effets. Le son et plus propre. Donc plus facile d’accès, même si plusieurs écoutes sont nécessaires avant de totalement s’imprégner de l’œuvre.
Les 12 morceaux sont signés par Cox. Lors des sessions d’enregistrement, il a cependant reçu le concours de quelques collaborateurs. Plus léger, plus pop, dans un style réminiscent des Kinks, « Mona Lisa » bénéficie ainsi de la participation d’Adrew VanWyngarden de MGMT au piano. Le troublant « The Shakes », de Carrie-Anne Murphy au saxo et « Praying Man », de Paul McPherson à la batterie. Et si « Angel is Broken » baigne également dans la pop, le disque recèle une majorité de complaintes psychés et mélancoliques, à l’instar du remarquable final « Lightworks », une compo plongée dans une reverb’ surprenante…
Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que l’illustration très 50’s de la pochette a été conçue par Mick Rock, artiste célèbre pour avoir immortalisé sur pellicule des légendes comme David Bowie, Blondie et Lou Reed. Bradford Cox marcherait-il sur leurs traces ?
La charmante Alys a plus d’un tour dans son sac. Dotée d’une voix douce pleine d’innocence, cette jeune à la French Touch assure un sacré coup de balai aux chansons actuelles tout au long de son premier opus, “ Happy Days”. D’une fraîcheur hors pair, en quelques notes, elle arrête le temps et ouvre les portes de l’évasion. Ses chansons donnent envie de courir pieds nus dans l’herbe couverte par la rosée du matin, pour ensuite les réchauffer, sous un soleil dont les rayons se déposent timidement sur notre peau.
Alys, c’est un style s’imposant dans la même lignée que Cœur de Pirate.
Dans un répertoire anglophone, les chansons s’interprètent de manière joyeuse mais laissent exprimer des textes aux thèmes plutôt sombres. Y sont ainsi abordés des sujets tels que l’anorexie sur “Anna”, la relation homme-femme interprétée de manière humoristique dans “Time”, mais aussi les difficultés du deuil traduites à travers “ Overseas”.
“Happy Days” est donc très éclectique et nous offre une autre manière d’aborder les sujets qui fâchent en coloriant les mélodies de tons pastel.
Alys, magicienne? Peut-être, en tout cas, elle a de quoi donner le sourire tant sa simplicité se propage comme des petits papillons qui viendraient nous chatouiller les oreilles, afin de nous réveiller de se doux rêve incarné par cet album.
C’est grâce à de grands rôles au cinéma que l’image de Thomas Alan Waits s’est inscrite à l’encre indélébile dans la mémoire collective. Une forte personnalité qui sera magistralement exploitée par Jim Jarmusch dans les cultissimes « Down by law » et « Coffe & Cigarettes ». Une filmographie exceptionnelle où le musicien américain côtoie les grands noms du cinéma : Francis Ford Coppola, Terry Gilliam, Wim Wenders, Robert Altman… Excusez du peu !
Du coup, on en oublierait presque que ce pionnier du rock alternatif est avant tout un auteur-compositeur, un musicien et un chanteur de talent. Un artiste qui traverse le temps avec un je ne sais quoi d’indéfinissable mais néanmoins fatal, définitif, inexorable. Songez donc : plus de 38 ans de carrière et 17 albums studio.
Sept ans après avoir publié son dernier opus (« Real Gone » sorti en 2004), Tom Waits reprend les chemins du studio pour nous régaler d’un dix-septième essai. Un treize titres voluptueux qui ne ménage pas les sens et les enlise, les vautre dans les bas-fonds crasseux des grandes villes américaines. Ainsi, « Bad As Me » tisse une atmosphère inouïe, de celles qui vous suffoquent, vous prennent à la gorge et vous étouffent l’âme. Dès la première piste, Waits balance un ‘Chicago’ blues-rock à la voix rocailleuse et enragée. Quelques crachats, quelques vomissures plus tard, et c’est votre corps tout entier qui erre dans les ruelles glauques du Old Chicago. Un album intense porté par une voix unique qui aurait été trempée dans un fût de bourbon, séchée et fumée pendant quelques mois, puis sortie et renversée par une voiture. Et magnifiquement sublimé par les coups de griffes de Marc Ribot à la guitare.
Une première partie principalement baignée dans un rock-blues dense qui se métamorphose, qui changera progressivement de ton pour chavirer dans les univers contrastés du jazz et du blues (« Talking At The Same Time » et « Kiss Me »), se cloîtrer dans un spoken word au romantisme déglingué (« Back In The Crowd » et « Last Leaf ») ou se teinter d’une voix de crooner corrodée (« Kiss Me »). Ne craignez rien, le tempo n’émousse nullement la plume cynique du portraitiste du bizarre. Elle continue de peindre, de sa pointe aiguisée et trempée dans l’acide, les traits de personnages et de lieux miteux. Paradoxalement, le ton, s’il est mordant, n’en demeure pas moins chaleureux et triste.
Soulignons tout particulièrement le magnifique « Bad As Me ». Un morceau au bord de la crise d’épilepsie où le chant est enragé et les orchestrations chaotiques. Soit 3’10’’ de pure folie contagieuse. Délicieusement insane !
Bref, ce dernier album se présente globalement comme une œuvre charnière dans la carrière de Tom Waits. Une musique qui indique une direction nouvelle sans jamais oublier de regarder en arrière. Une plaquette dont l’artiste soigne davantage les orchestrations et dans laquelle il offre incontestablement la plus belle voix de sa carrière.
S’achevant par « New Year’s Eve », « Bad As Me » s’affiche indéniablement comme une idée précieuse de cadeau de fin d’année. N’hésitez pas, c’est un excellent cru Waits !
Difficile d’imaginer que ce nouvel album de Sungrazer a été réalisé en à peine quelques mois, tant le trio batave semble avoir gagné en maturité. A croire que le groupe se soit exclusivement consacré à la musique, au cours de cette période.
Le groupe remet au goût du jour les grandes heures du rock-psyché. Hormis Black Mountain, je ne vois guère d’autres formations qui y soient parvenues avec autant de succès. Sungrazer fait la part belle aux ambiances aériennes ainsi qu’aux riffs hypnotiques. Cependant, l’objectif n’est pas de nous plonger dans un sommeil profond. Le début d’un morceau peut se révéler paisible, relaxant, puis à l’instar de l’excellent « Behind » (plus de 13 minutes), le climat sonore se charge d’intensité. La basse entre jeu, le tempo s’emballe, les guitares stoner s’agitent, les harmonies vocales s’élèvent dans l’éther atmosphérique, et nous sommes littéralement aspirés dans un tourbillon psychédélique, hallucinatoire.
Sungrazer aime également les brisures de tempo. Elles sont même légion tout au long de l’elpee. Un exercice de style qu’il accomplit à la perfection. N’hésitant pas à interrompre une envolée planante ou psyché par un riff brutal, réminiscent de Kyuss.
Le potentiel affiché par Sungrazer tout au long de « Mirador » est vraiment impressionnant. Espérons simplement qu’il n’ait pas encore été exploité dans son intégralité. Dans ce cas de figure, le combo batave n’a pas fini de nous étonner.
Auteur-compositeur-interprète français, François Staal signe ici son quatrième album, « Canyon ». Il fait suite à « 100 Millions », « Sur les Rails » et « Emois ». Responsable de musiques pour le cinéma et la télévision depuis 20 ans, il s’est fait remarquer grâce à son duo « Tout briser » interprété en compagnie de CharlElie Couture. Une compo qui figure sur son 3ème essai, « Emois ». De l’avis de tous, il est temps que ce talentueux poète sorte de l’ombre.
Pour cet opus, F. Staal s’est choisi un invité de marque en la personne de Jean Fauque, grand parolier auquel on doit notamment « Osez Joséphine », « Ma petite entreprise » et « La nuit je mens ». Et on pense d’ailleurs beaucoup à Bashung en écoutant ce CD, en particulier les titres « Terre m’atterre » et « J’aimerais tant ». On retiendra aussi la « Chanson à la con », un bel hommage au génie Gainsbourg.
C’est de la variété française, mais au sens le plus noble du terme. Les textes sont ciselés et raffinés. Ils traitent du voyage, du sens de l’existence, de l’amour, avec beaucoup de poésie. François Staal s’est entouré de musiciens extrêmement efficaces. Le son est à la fois rock et blues. Il y a des guitares électriques à la Dire Straits et de l’harmonica pour la touche country. Une grande sensibilité émane de cet elpee qui semble venu d’un autre temps. Tout y est : les chœurs et, pour les instruments, rien que de l’acoustique. Et ça s’entend !
Quand François Staal parle de musique, tout est émotion et humain. C’est un amoureux des instruments, qu’il perçoit comme autant de moyens de transmettre quelque chose, de repositionner l’Homme au centre du monde.
Et ses textes, sa musique, ses concerts ne le démentent pas !
Islande : terre de feu, de geysers, de volcans, de sources chaudes...
Islande, terreau où se sont développés Bjork et Sigur Rós, cinglés de musique et parfois cinglés tout court !
Cinglés à un point tel que la contagion gagne et que l’on risque de le devenir également à l’écoute de leur musique et encore plus à l’observation de leur comportement…
Sigur Rós est un quatuor dont le style résulte d’un mélange étonnant entre post-punk (les riffs), musique classique minimaliste et rock progressif. Rien que ça ! Pas question donc de rencontrer dans leurs compos un semblant de schéma conventionnel couplets-refrain. On n’est bien loin de cette ‘règle’ !
La formation est drivée par Jonsi, un borgne génial. Il possède une voix de fausset et se sert de la guitare électrique comme un violon (NDR : à l’aide d’un archet). Sigur Rós est au bord de la rupture quand Vincent Morisset, réalisateur français signataire d'un documentaire remarqué sur Arcade Fire (NDR : il en a réalisé d’autres, notamment consacrés à Beirut et The National) propose au quatuor de les prendre sur le vif, lors de leur de leur tournée britannique. A cette époque, il est fortement question d’une séparation au sein du band. Mais cette éventualité est vite balayée. D’ailleurs un nouvel opus, suivi d’une tournée, sont prévus au cours des prochains mois.
C’est donc un triple ‘album’ qui vous tend les bras. L’objet réunit un Dvd, également minimaliste (comme leur musique) et deux Cd immortalisant l’intégralité de leur prestation live. Le qualificatif de ‘minimaliste’ n’est pas choisi au hasard. Hormis quelques ‘coupures’ consacrées à des archives d’un ennui mortel, on ne peut pas dire que le réalisateur ait fait preuve d’une grande originalité. Plaquant le plus simplement du monde sur la pellicule les images noir et blanc de neuf morceaux (à rallonge), Morisset n’a hélas jamais cherché à enrober son produit. C’est du brut de décoffrage sans aucun artifice. Mais visiblement, cette idée a séduit, produisant même son effet auprès de chacun des membres du combo, puisqu’ils ont décidé d’accomplir un bout de chemin ensemble. C’est déjà ça… Pour les autres, à l’écoute de ce que peuvent interpréter ces zouaves venus du grand froid, c’est la déception. On aurait sans doute imaginé autre chose. Des images, des couleurs, des jeux de lumières à la hauteur de leur inventivité, de leur créativité… Rien, c’est le néant et, désolé, c’est même moche !
Restent donc deux Cd un peu plus consistants qui nous proposent quinze titres dont quelques-uns font double emploi avec le ‘film’. Mais à tout choisir, autant se remémorer leur concert sans les images ; car d’une part, on en a bien plus pour son argent et deuxièmement comme les images n’apportent strictement rien, autant faire l’impasse sur ce disque-là…
La bonne surprise, c’est que Sigur Rós propose enfin, après 17 ans d’existence, son premier album live. Reconnaissons ici l’excellence de la prise de son (retravaillé en studio ?) et le choix des morceaux qui balaient la carrière entière du band. Admettons également que ce style musical hors du commun mérite parfaitement sa place dans des éditions live, quoi que certains puissent parfois en penser.
Bref, un peu à l’image du pays, Sigur Rós alterne le chaud et le froid dans cette parution où le superflu côtoie l’essentiel. Mais si l’image ne rend pas d’elle ce que l’on attendait, il serait erroné de croire qu’un concert de Sigur Rós ne vaut pas la peine d’être vécu !
Soyez donc vigilant lorsque les dates de leur prochaine tournée seront fixées ; et ne ratez surtout pas l’occasion de vivre à une des plus grandes messes musicales, de votre existence…
Derrière Sherman se profile en réalité une formation articulée autour de Steven Bossuyt. Son histoire débute il y a deux ans. Accompagné de son ami et batteur David Demeyere, Steven place rapidement son sort entre les mains de Jeroen Swinnen qui a collaboré en compagnie de tas d’artistes issus du nord du pays, dont K's Choice et Soulsister sont les meilleures illustrations. C’est à ce producteur que revient la tâche d’opérer un choix dans les compos proposées par le duo pour en faire une démo. Celle-ci dans leurs bagages, les deux potes s’exilent aux îles, dans la banlieue londonienne et, entre petits boulots le jour et représentations la nuit tombée, Sherman se fait rapidement remarquer par un des ‘cent cinquante mille’ producteurs que compte la BBC. Bingo ! Ils décrochent le gros lot grâce à un succès radiophonique immédiat et des sessions live enregistrées sur BBC2 lors du ‘Janice Long Show’.
Les deux comparses et leur producteur, forts de ce premier succès exécutent dès lors demi-tour afin de profiter de cette belle rampe de lancement. De retour au pays, le premier single « On Your Side » fait son petit bonhomme de chemin sur les ondes et une formation plus conséquente est mise sur pied. Viennent donc s’ajouter au duo initial Gerben Hemelson à la guitare, Timothy Jacobs à la basse et Willem De Deygere aux claviers.
Et hop, direction le studio d’enregistrement pour d’autres compos et un second simple, « Don’t Go By » qui à nouveau cartonne sur les ondes durant tout l’été. Il faut dire que Sherman se distingue par une musicalité résolument pop dont Snow Patrol, entre autres, a le secret. « On Your Side » en est une parfaite illustration. Comparaison n’est peut-être pas raison, mais il convient de reconnaître un certain savoir faire et une efficacité toute belge pour un genre musical qui propage des émules aux quatre coins de notre beau royaume…
Sherman démontre que son séjour de l’autre côté de la Manche lui a été profitable. Dans un style épuré mais diablement ‘juste’ Steven Bossuyt apporte une preuve tangible qu’il faudra désormais compter sur lui au sein d’un paysage musical belge qui ne cesse de s’élargir. Les quatre titres de ce mini-album, dont les deux premiers singles, achèveront de convaincre les plus septiques.
Prometteur assurément !
Il a publié dix albums au cours des dix dernières années. Après avoir concocté « Le cours ordinaire des choses », en 2009, Jean-Louis Murat passe en mode biennal et nous propose, la plume gorgée de mémoire, « Grand Lièvre », un opus dont le titre signifie chez les Amérindiens ‘espèce menacée’ et ‘esprit farceur’... sans doute les deux sont-ils nécessaires pour franchir l’autre rive.
Epaulé par ses fidèles musiciens, Fred Jiminez et Stéphane Reynaud, Murat nous réserve 10 titres mélancoliques ‘amélodiques’ où la musique se fait toute petite au profit des textes, du timbre, du mystère et de l’homme.
Néanmoins, même après avoir intégré ce postulat, ce n’est pas gagné : ouvrir l’album par l’épaisse lenteur d’« Alexandrie » et d’une voix d’outre-tombe, on a beau apprécier Murat, le doute s’insinue. Impression fugace. Dès « Haut-Averne », l’auteur nous emmène dans ses coutumiers tumultes amoureux où ‘les cœurs se soignent à la torture’. A propos de chœurs, cet album n’en manque pas, et confèrent une certaine allégresse à l’ensemble. Et dès « La lettre de la Pampa », on se met à pister ce « Grand Lièvre » qui évoque la guerre (« Sans pitié pour le cheval » et « Rémi est mort ainsi ») sur un tempo décalé et bien balancé, ponctué de voix et de ‘didoudidas’ tellement improbables au vu du sujet, qu’ils en deviennent indispensables. Sont abordés par ailleurs la désertion des campagnes sur fond de piano bar (« Vendre les prés »), ‘où réciter par cœur est souvenir des lieux’, la petite reine (« Le champion espagnol ») et –fallait-il le préciser– le chaos des cœurs qui battent (« Alexandrie », « Je voudrais me perdre de vue »).
Souffles, bruissements, cris, chuchotements et hennissements viennent souligner l’univers musical somme toute prévisible mais ô combien rassurant pour quiconque apprécie Murat. Et pour ceux qui ne le connaissent pas, cet album constitue une belle entrée en matière. En cette saison où les petits frissons s’insinuent le long de l’échine, merci l’Auvergnat de nous avoir donné quelques bouts de toi quand dans nos âmes il faisait froid.
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